25 berühmte Gemälde: kuratierte Meisterwerke in Museen

Montagne Saint-Victoire von Paul Cézanne (1887), Die Jäger im Schnee von Pieter Bruegel (1565), Ansicht von Toledo von El Greco (1596), Blaue Pferde von Franz Marc (1911).

Von klein auf lernen wir berühmte Gemälde, Meisterwerke kennen. Schon in diesem Alter können wir etwas von der Schönheit schätzen, die durch Form und Farbe entsteht. Wenn wir Museen und Galerien erkunden, holen wir uns unseren eigenen Geschmack für Schönheit, kulturelle Wertschätzung und unsere eigene Vorstellung davon, was ein Meisterwerk ist. Oft genug bringen uns unsere Erkundungen zu einem kanonischen Meisterwerk zurück, das wir jetzt in einem neuen Licht, einer neuen Geisteshaltung schätzen können; erst nachdem wir unser Wissen darüber erweitert haben, was ein Gemälde meisterhaft macht.

Hier sind 25 der berühmtesten Gemälde in Museen

25. Beweinung Christi Von Giotto

Beweinung Christi von Giotto, 1305, Fresko, in der Scrovegni-Kapelle, Padua

Giottos Wehklage zeigt uns eine wunderschön choreografierte Szene von Trauernden um den Leib Christi, gespiegelt von den Engeln, die sich in Qualen in den blauen Himmel werfen. Diese Szene stammt aus Giottos Freskenarbeit, die in der Arenakapelle in Padua, Italien, ausgeführt wurde. Giotto brach hier mit einer etablierten Tradition der Malerei, die byzantinische , und leitete die Morgendämmerung ein Die Renaissance . Seine Verwendung der Landschaft, der Steinmauer, lenkt den Blick auf Christus und das trauernde Gesicht von Mutter Maria.

Giotto umrahmt Christus von zwei massigen Figuren, die uns den Rücken zugekehrt haben, eine originelle kompositorische Meisterleistung für die damalige Zeit, und bot diese göttliche Szene als etwas sehr Menschliches an. Aufgrund dieses intuitiven Realismus, den Giotto in sein Fresko eingebracht hat, können wir uns mit den Trauernden verbinden. Giotto initiiert eine neue visuelle Sprache, um Szenen von religiöser Bedeutung auszudrücken.

24. Der Garten der Lüste , Detail aus Hölle Von Hieronymus Bosch

Der Garten der Lüste (Detail: Hölle) von Hieronymus Bosch , 1503-15, über das Prado-Museum, Madrid

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Hieronymus Boschs Der Garten der Lüste ist ein Triptychon, das den Fortschritt vom Paradies bis zur Hölle zeigt. Die Gemälde für jeden Abschnitt sind groß und voller wunderbarer, verblüffender, fantasievoller Geräte, über die Kunsthistoriker rätseln. Wie aus diesem Detail ersichtlich ist, ist die Leinwand voller Rätsel und einer Flut von Szenen, die den Betrachter überwältigen. Boschs Fähigkeit, seine fantastische Vision wiederzugeben, begeistert und schockiert den Betrachter. Seine surreale Leinwand ist mit seltsamen Figuren bedeckt, die den Betrachter in ihren Bann ziehen.

Die Heiterkeit und der Schrecken der Hölle sind für die Sinneswahrnehmung des Zuschauers fast undurchdringlich, aber nichtsdestotrotz werden unsere Emotionen hervorgerufen, als ob wir sie verstehen würden. Wir wissen, dass wir die Hölle in all ihrem Blut sehen, und sie ist im wahrsten Sinne des Wortes schrecklich. Bosch hat es geschafft, Schrecken, Abscheu und Staunen durch Inkohärenz zu vermitteln.

23. Das letzte Abendmahl Von Jacopo Tintoretto

Das letzte Abendmahl von Jacopo Tintoretto, 1592, in der Kirche San Giorgio Maggiore, Venedig

Tintorettos Das letzte Abendmahl zeigt eine wunderbare Beschäftigung mit der Wirkung von Licht in einem schwach beleuchteten Innenraum. Tintoretto ändert die übliche Perspektive von Das letzte Abendmahl um eine interessante Komposition zu erstellen. Wir denken vielleicht an Leonardo daVinci ’s berühmtes Rendering mit linearer Perspektive. Hier lassen wir uns von den Illuminationen des Lichts leiten: Der Schatten, der vom Hals einer dienenden Frau geworfen wird, führt unseren Blick direkt zu Jesus Christus.

Wunderbare, luftige Engel tauchen wie aufsteigender Rauch auf, um den Raum zu durchfluten. Es ist eine Leinwand voller Bewegung. Tintoretto verlieh der Leinwand eine verführerische Schönheit, die durch das Spiel des Lichts arrangiert wird. Tintoretto heißt den Betrachter in einer Szene willkommen, in der das Licht Christi unsere Vision verzehrt und informiert.

22. Die Jäger im Schnee Von Pieter Bruegel

Die Jäger im Schnee von Pieter Bruegel , 1565, via Kunsthistorisches Museum Wien

Bruegel 's Die Jäger im Schnee weicht weit über das Dorf hinaus unter den hohen, schneebedeckten Felsen zurück. Bruegel hat das warme Gefühl der Rückkehr nach Hause und den Nahrungsmangel, mit dem die Jäger zurückgekehrt zu sein scheinen, mehrdeutig gemacht. Die fernen Schlittschuhläufer genießen, was ihnen der Winter geboten hat, während die Jäger im Vordergrund mit ihren hageren Jagdhunden den Verwüstungen des Winters ausgesetzt waren.

Das Gemälde evoziert diese erzählerische Fähigkeit beim Betrachter; Es fordert sie auf, die Dynamik des Dorflebens zu verstehen. Bruegel hat dieses Element jedoch nicht die Ästhetik eines Dorfes in der kalten Wildnis dominieren lassen. Das Weiß des Schnees drapiert die Szene mit einsamen Krähen, die auf den blattlosen Bäumen sitzen. Der Weite des Winters trotzen die Dorfbewohner, die eine Flamme pflegen.

einundzwanzig. Ansicht von Toledo Von El Greco

Ansicht von Toledo von El Greco , 1596, über The Met Museum, New York

El Grecos Das atemberaubende Gemälde über Toledo ist seiner Zeit auffallend voraus. Die riesigen Wolken klettern über die Stadt und verbreiten Dunkelheit über die Umgebung. Es schafft auch einen Hintergrund für die Gebäude, die im Vergleich zu den gebürsteten Büschen des Vordergrunds starr stehen. Der Fluss beginnt direkt unter unserem Auge in der rechten Ecke und wir folgen ihm die Brücke hinauf. Es ist keine Person zu sehen, nur die strengen, marmorähnlichen Gebäude, die auf dem Hügel kauern.

Dies ist eher ein emblematischer als ein realistischer Blick auf die Stadt. El Greco scheint uns eine symbolische Darstellung unserer Beziehung zum Göttlichen anzubieten, wie es durch die Natur gesehen wird; die überwältigenden Wolken und die fließende Landschaft. Wir spüren, dass die Wolken kurz davor sind, einen Sturm zu entfesseln, eine Vorahnung, die die Stadt bereits den Hang hinunterkriechen lässt. Dieses Gemälde drückt auf wunderbare Weise die symbolische Bedeutung zwischen der Stadt, wie sie von Menschenhand geschaffen wurde, und der Macht des Göttlichen aus.

zwanzig. Der Triumph des Bacchus Von Diego Velázquez

Der Triumph des Bacchus von Diego Velazquez, 1628, über das Museo del Prado, Madrid

Bei diesem Gemälde Velázquez hat die klassische Figur des Bacchus mit dem zeitgenössischen spanischen Nachtschwärmer verschmolzen. Was dieses Gemälde interessant macht, ist, wie der Künstler mit der Aufmerksamkeit des Betrachters spielt. Als Gott Bacchus wegschaut, lächeln die beiden Männer den Betrachter wissend an, glücklich, an diesem bacchischen Ritus teilzuhaben. Tatsächlich erinnern uns diese beiden Männer an Leute, die wir in jeder örtlichen Kneipe sehen könnten.

Velazquez’ Kontrast zwischen der klassischen Figur und den Bürgerlichen ist stark und amüsant. Bacchus schaut weg, während er einen Bürgerlichen mit dem Lorbeerblatt krönt; Das Geschenk Wein und Entspannung ist für alle da. Die Blicke der beiden Männer wirken einladend, scheinen zu lächeln und zu sagen, du bist genauso wie ich.

19. Der Albtraum Von Henry Fuseli

Der Albtraum von Henry Fuseli , 1781, über das Detroit Institute of Arts

Der Schrecken eines Albtraums wird oft von einem Gewicht auf dem Körper begleitet; der Stress, den ein Traum Geist und Körper zugefügt hat. Fuselis Bild schafft es der Qual und dem Unfassbaren des Albtraums eine visuelle Sprache geben . Ein Kobold sitzt auf dem Bauch der Frau und lähmt sie. Es ist Geisterstunde. Eine schwarze Stute steckt mit undurchsichtigen Augen ihren Kopf durch die Vorhänge. Fuseli vermittelt dem Betrachter ein wundersames visuelles Erlebnis des irrationalen Rahmens eines Albtraums.

Das weiche Kleid der Dame wird von dem Gremlin, der geduldig und unerkennbar auf seiner Suche sitzt, straff gemacht. Es dreht sich um und blickt den Betrachter mit einem unheimlichen Blick an, als ob er dem Betrachter vorwerfen würde, seine Mission zu verunsichern. Fuselis Albtraum zeigt eine außergewöhnliche Vorstellungskraft, wenn es darum geht, sich diesem Thema zu nähern und etwas zum Leben zu erwecken, das wir lieber hinter dem Vorhang behalten würden.

18. Newton Von WilliamBlake

Newton von WilliamBlake , 1805, über Tate, London

Blake hatte einen individualisierten Stil, der sich von der entfernte Neoklassisch / Romantik seiner Zeit. Blakes Bilder sind voller Symbolik und verführerischer Einfachheit. Das macht seine Bilder so faszinierend. Im Newton , schafft es Blake zu zeigen, warum er eine Verachtung für den großen Wissenschaftler empfand. Newton misst ein rollenähnliches Objekt, anstatt sich der Farbe hinter ihm bewusst zu sein; er ist gebeugt und misst, anstatt zu leben und die Schönheit der Natur zu bemerken, die er nicht messen kann.

Blakes Verwendung des klassischen Akts in einer unergründlichen Umgebung (einige Kommentatoren glauben, dass er sich auf dem Meeresgrund befindet) ist eine Möglichkeit, diese symbolische Idee darzustellen. Blake hat zart parallelisierte Formen, um uns davor zu warnen, den Chancen und Geheimnissen des Lebens den Rücken zu kehren. Newtons Finger spreizen sich wie der Kompass; seine Hüften und sein Rücken rollen sich wie die Schriftrolle; Die Rolle, die er misst, scheint aus seinem eigenen Körper zu fließen, ohne Farbe oder Intrige.

17. Der Tod des Sardanapalus Von Eugène Delacroix

Tod des Sardanapalus von Eugène Delacroix , 1827, über den Louvre, Paris

Delacroix 's Tod des Sardanapalus erzeugt durch seine Verwendung von Farbe einen spektakulären Rhythmus innerhalb dieses Gemäldes. Das satte Rot beginnt in der oberen linken Ecke und fließt diagonal nach unten. Delacroix hat diese satte Farbe verwendet, um die Gewalt zu parallelisieren, die die Szene bevölkert. Körper sind ausgebreitet, ein Mann zerrt an einem reich gekleideten Pferd, üppiger Schmuck drängt sich im Vordergrund, alles schwimmt auf diesem roten Fluss.

Delacroix hat nicht viel unbeaufsichtigten Raum gelassen; Er hat es mit Bewegungen und Drapierungen überfüllt, um die Stimmung des Gemäldes nachzuahmen. Der Betrachter ist in das Thema vertieft, bis er zum namensgebenden Sardanapalus gelangt, der sich zurücklehnt und ruhig auf dem Bett zuschaut. Er steht in krassem Gegensatz zu den Ereignissen des Vordergrunds. Es ist der Mann, der Selbstmord begehen wird, nachdem alle seine Freuden zerstört wurden. Dieser von Delacroix eingefangene Moment ist sowohl erschütternd als auch verlockend.

16. Schneesturm – Dampfschiff vor der Mündung eines Hafens Von J.M.W. Turner

Schneesturm – Dampfschiff vor einer Hafenmündung von J.M.W. Turner , 1842, über Tate, London

Turner erwies sich mit dieser impressionistischen Darstellung eines Schneesturms als seiner Zeit voraus. Im Gegensatz zu seinen Zeitgenossen versuchte er, emotional und visuell den Eindruck zu vermitteln, wie es sich anfühlt, in einem Schneesturm zu sein. Dies führte ihn zum Pionier einer frühen Form von Abstraktion . Der Wirbel monochromatischer Farbe umhüllt den Betrachter, während ein kurzer Anblick von Klarheit nur unsicher in der Mitte der Leinwand verweilt.

Es gibt eine Geschichte, die heute als apokryph gilt, dass Turner während eines Sturms an den Mast eines Schiffes geschnallt wurde, um die Gewalt der Natur zu erleben. Es ist ersichtlich, warum dies hätte geglaubt werden können. Turners Wiedergabe ist intuitiv und dramatisch, pulsierend vor Energie und subsumierend. Es ist eine brillante Komposition, die die menschliche Unfähigkeit zeigt, den Extremen der Natur zu widerstehen.

fünfzehn. Die Elster Von Claude Monet

Die Elster von Claude Monet , 1868, über Musee D’Orsay, Paris

Viele hat es geschafft, eine verschneite Szene der Stille in diesem berühmten Gemälde einzufangen. Zwischen den schneebedeckten Zweigen sind nur wenige Häuser zu sehen; Vor dem Tor erscheinen ein paar Schritte. Der Horizont wird durch den Schnee verdeckt, der das Land bedeckt, sodass kaum erkennbar ist, wo der Himmel beginnt. Monets Szene ist ein wunderschöner Eindruck, der Gefühle eines einsamen Spaziergangs an einem hellen Wintertag hervorrufen kann.

Auf dem Zaun sitzt die Elster, die einzige explizite Lebensform im Bild. Es gibt keinen Grund, warum Monet das gemalt hat, außer dass es ihn bewegt hat. Diese Naturszenerie kann uns bewegen, weil uns ein ästhetischer Sinn innewohnt. Monet muss nicht nach einer höheren symbolischen Bedeutung greifen, weil alles direkt vor ihm liegt.

14. Die Pappelgasse Von Alfred Sisley

Die Pappelgasse von Alfred Sisley , 1890, via, Musee D’Orsay, Paris

Diese zarte Wiedergabe einer Pappelallee in diesem berühmten Gemälde verführt den Betrachter durch die Verwendung orthogonaler Linien. Sisley scheint uns in die Allee zwischen den lichtgesprenkelten Bäumen einzuladen. Zwei Gestalten machen sich auf den Weg, ohne sich dieser wunderbaren Allee bewusst zu sein, die Sisley uns zur Verfügung gestellt hat. Die vom Licht abgegebene satte Farbe verdunkelt sich allmählich zum Fluchtpunkt hin.

Links fließt ein Fluss und in der Ferne sind einige Häuser zu sehen. Sisley hat diese wunderbar atmosphärische, lichtdurchflutete Szene von meditativer Leichtigkeit gemalt. Es gibt keine Hektik, keine hektischen Energiemassen, sondern einen entspannten Spaziergang entlang einer Baumallee. Die Schatten werden länger und deuten an, dass der Tag zu Ende geht, vielleicht für eine Zeit der ruhigen Besinnung. Sisley hat seine Leinwand mit kleinen, zarten Pinselstrichen bestellt, und die Farben scheinen miteinander zu verschmelzen, wodurch eine reiche Welt von stiller Schönheit entsteht.

13. Montagne Saint-Victoire mit einer großen Kiefer Von Paul Cézanne

Montagne Saint-Victoire mit einer großen Kiefer von Paul Cézanne , 1887, über das Courtauld Institute of Art, London

Cézanne hat diese Szene wunderbar dargestellt, indem er Farbfelder aufgebaut hat, um ein Gemälde von unglaublicher Tiefe zu schaffen. Cézanne verbrachte viel Zeit damit, die Umgebung zu verstehen, in der er malte, und zu verstehen, wie er malen konnte, was er wahrnahm. Wir können die Formen unterhalb des Berges als Felder und Häuser ausmachen, aber bei näherer Betrachtung scheinen Elemente von jedem zu verschmelzen und zu kollidieren.

Es ist ein Teil von Cézannes schöner Ästhetik, die den Eindruck erweckt, dass Formen sichtbar werden, als würden wir unsere Umgebung beim Betrachten verarbeiten. Unser Fokus erstreckt sich auf das Ganze, ist aber in der Lage, die Einzelheiten zu detaillieren, stattdessen sehen wir vage Eindrücke und das Mischen von Farben um uns herum.

12. Weizenfeld mit Krähen Von Vincent van Gogh

Weizenfeld mit Krähen von Vincent van Gogh , 1890, über das Van Gogh Museum, Amsterdam

Van Gogh hat eine erschütternde Szene gemalt. Die Krähen auf diesem berühmten Gemälde, nur zwei oder drei Pinselstriche entfernt, verlassen das Weizenfeld oder kehren dorthin zurück. Das Schwarz der Nacht scheint langsam das Blau des Tages zu verschlingen; ein Weg schlängelt sich aus dem Blickfeld. Van Goghs Malstil schafft es, die Form so gut zu beeinflussen, dass wir wissen, was wir sehen, während die Farben gleichzeitig mehr auszudrücken scheinen, als sie beinhalten.

Van Goghs kraftvoller Einsatz von Farbe und seine Malmethode wirken zusammen, um ein emotional aufgeladenes Gemälde zu schaffen. Die Schwärze, die durch den blauen Himmel hereinsickert, sagt uns von einer bevorstehenden Katastrophe; die Krähen sind wie aufkeimende Angst. Van Goghs starke emotionale Resonanz mit seinem Thema schafft diese Anziehungskraft Expressionismus die eine natürliche Landschaft in eine emotionale verwandelt.

elf. Tahitianische Landschaft Von Paul Gauguin

Tahitianische Landschaft von Paul Gauguin , 1891, über das Minneapolis Institute of Art

Gauguin ’s berühmtes Gemälde bringt frischen Wind in die Kunst des späten 19. Jahrhunderts. Es gibt eine wunderbare Melodie, die durch die satte Farbe erzeugt wird. Gauguin hat Wärme durch ein antirealistisches Farbschema erreicht, und in diesem Sinne ist das Gemälde für diesen experimentellen Touch realistischer. Die einsame Gestalt trägt einige Vorräte, während ein Hund am Wegesrand wartet. Das gelbe Feld ist mit einer reichen Abstufung von Grün und Orange durchsetzt. Die Farben bringen die Sonne für den Betrachter zum Vorschein.

Gauguin hatte die Nase voll von Frankreich und war nach Tahiti gereist, um seine Lust am Malen und seine Ausdrucksfähigkeit neu zu beleben. Wir können hier in dieser lebendigen Landschaftsszene sehen, dass Gauguin eine Alternative zur natürlichen Malerei bot, indem er auf diese ausdrucksstarke Weise malte. Die Landschaft ist durch diese neue Methode nicht nur ästhetisch ansprechend, sondern das Bild beginnt, als Symbol einer freien Ausdruckskraft zu fungieren, ungehindert durch eine kontrollierte Naturalismus .

10. Die rosa Wolke, Antibes Von Paul Signac

Die rosa Wolke, Antibes von Paul Signac , 1916, über das Museum of Fine Arts, Boston

Signac s Stil ähnelt einem Mosaik in seinen subtil gemischten Farben. Es ist eine fast perfekte Abstraktion von der Natur und gehört gleichzeitig zu jener impressionistischen Stimmung, die weiß, dass dieses gefällige Bild nie wieder existieren wird. Signacs Wolke ist ein Bote der Sonne; Es hält das Licht und verteilt es in einer schönen Darstellung über die Leinwand. Das einzelne Segel wird durch die Größe in den Schatten gestellt und driftet leicht in seiner Reflexion.

Signacs pointillistisch Technik setzt winzige Farbflächen nebeneinander, um den Farbabstufungen zu entsprechen, die wir in der Natur sehen; wie unser Gehirn die Wirkung von Licht und Farbe verarbeitet. Signac friert diesen Moment ein, um ihn als natürliche Erinnerung an ein einsames Segel wiederherzustellen.

9. Trennung Von Edvard Munch

Trennung von Edvard Munch , 1896, über das Munch-Museum, Oslo

Münch hatte eine durchdringende Fähigkeit, das innere Drama nicht nur individueller Angst, sondern auch der Leidenschaften auszudrücken, die zwischen zwei Individuen bestehen. Im Trennung , der Mann sackt zusammen und klammert sich an sein Herz, das auf seine Hand übergelaufen zu sein scheint – er muss es festhalten, um am Leben zu bleiben. Das Symbol der Frau verwandelt sich nun in die Umgebung und wird ein Teil des Strandes und des Himmels. Dieses berühmte Gemälde ist eine wunderbare Metapher dafür, wie die Erinnerung an die Liebe in der physischen Welt fortbesteht.

Munchs Malstil betont innere Emotionen und wie diese inneren Emotionen mit der Welt um uns herum reagieren. Es ist nicht erforderlich, dass Munch die Präzision in Farbe oder Form studiert, um zu zeigen, was er will. Er hat in Blockfarben gemalt und gibt dem Betrachter diese offensichtlichen Figuren. Wir verstehen viel von dem Mann nur durch ein paar Details des Gesichts; es ist eher die farbe. Der etwas „nachlässige“ Farbauftrag trägt zu diesem direkten und kraftvollen Gefühl der Trennung bei.

8. Improvisation 28 (Zweite Version) Von Wassily Kandinsky

Improvisation 28 (zweite Fassung) von Wassily Kandinsky , 1912, über das Guggenheim Museum, New York

Kandinsky Seine Abstraktionen waren im 20. Jahrhundert sehr einflussreich. Es zeigte eine ästhetische Qualität, dass Malerei kein Objekt haben muss, um Emotionen und Meditation hervorzurufen. Kandinskys Titel für dieses berühmte Gemälde, Improvisation, erinnert seine Betrachter an eine gewisse Musikalität, die er durch Farbe und Linien nachzuahmen versucht. Kandinsky muss sich der inhärenten Sinngebung bewusst gewesen sein, aus der Wahrnehmung besteht. Im Improvisation 28, wir können Gesichter, Augen, Landschaften, Häuser ohne zusammenhängenden Raum erkennen. Tatsächlich sind die Formen, die wir sehen, lediglich Linien und Farben, von denen wir annehmen, dass sie diese vertrauten Dinge sind.

Kandinsky fordert den Betrachter auf, die Komposition zu schätzen, wie man ein Musikstück schätzt. So spürt man eine harmonische Bewegung durch ein Stück, die Kontraste von Abschnitten und die Dynamik des Klangs. Wir können Schönheit auch in Linien und Farben finden, ohne eine zusammenhängende „Bedeutung“ oder ein Objekt.

7. Die großen blauen Pferde Von Franz Marc

Die großen blauen Pferde von Franz Marc , 1911, über das Walker Art Center, Minneapolis

Franz Marc Die Komposition von ist eine Kaskade von Formen. Die Sanftheit, mit der er die Pferde komponiert hat und sich in der Umgebung spiegelt, schafft eine musikwürdige Harmonie. Marc gewinnt viel, aber seine antirealistische Farbgebung. Die blauen Pferde sind ruhig, majestätisch, fast himmlisch. Ihre streifenden Köpfe rufen ein Gefühl von Leichtigkeit und Geborgenheit, von Mahlzeit und Zusammengehörigkeit hervor. Das Nebeneinander von Primärfarben begegnet dem Betrachter in einer beruhigenden Ausdruckskraft.

Franz Marc hat es geschafft, die Ruhe der Natur ohne Naturalismus auszudrücken. Die Elfenbeinbäume fließen durch die Leinwand. Nichts in diesem Bild wirkt störend oder schneidend. Alles fließt in dieser sinnlichen Farbe und bildet eine Einheit der Form. Diese einfache Szene von grasenden Pferden wurde durch Marcs Verwendung von Farbe in diesem berühmten Gemälde in eine harmonische Wertschätzung der Natur verwandelt.

6. Die ängstliche Reise Von Giorgio de Chirico

Die ängstliche Reise von Giorgio de Chirico , 1913, über MoMA, New York

Chirico ’s klaustrophobische Komposition verwirrt unsere Perspektive wie ein ängstlicher Geist, der sich selbst zu viel Aufmerksamkeit schenkt. Doch die Leere in diesem berühmten Gemälde, trotz der mit Formen gefüllten Leinwand, ist in ihrer Wirkung bemerkenswert. De Chirico ist bekannt für seinen rätselhaften Stil und hier können wir sehen, warum. Wie ungeduldig bläst der Zug seinen Qualm hinter einer kurzen Backsteinmauer. Die Kraft und der Anblick des Zuges sind bedrohlich und erinnern den Betrachter an ein eingesperrtes Tier.

De Chirico war eine Quelle des Einflusses für die Surrealisten die sich in seiner Fähigkeit, innere Gemütszustände darzustellen, als ihren Vorgänger empfanden. Seine schattigen Kolonnaden sind voller Geheimnisse, Vorahnungen und Einsamkeit. Die Reihenfolge der Leinwand ist streng und einschränkend. Mit architektonischen Formen ist es de Chirico gelungen, etwas vom Innern zu evozieren.

5. Dynamik eines Radfahrers Von Umberto Boccioni

Dynamik eines Radfahrers von Umberto Boccioni, 1913, in der Sammlung Peggy Guggenheim, Venedig

Boccionis Futurist Malerei lobt Bewegung und Geschwindigkeit. Der Radfahrer, der in eine Reihe von Formen abstrahiert wurde, hat etwas Herrliches. Ähnlich wie die Kubistisch Methode spielt Boccioni damit, wie wir eine Form wahrnehmen, wenn sie sich bewegt. Es geht darum, die strengen Formen des rationalen Raums zu durchbrechen, um einen neuen Raum zu betreten, in dem die Formen destabilisiert und wunderbar sind.

Boccioni Die Farbe von trägt zu diesem Geschwindigkeitsgefühl bei; es schafft eine ästhetik aus der bewegung. Das Blau oben rechts fließt schnell in die Mitte, wo es von goldenen Gelbtönen abgesetzt wird. Das Blau wird weiter vom Gesicht des Mannes aufgenommen, der nur von den allgemeinen Linien erkannt wird. Weiß geht aus den pulsierenden Gelb-, Violett- und Blautönen hervor, wie ein Zug, der seinen Rauch abwirft, obwohl es nur Räder sind. Boccionis Radfahrerin ist entschlossen und schön und gibt uns eine neue visuelle Wertschätzung für Geschwindigkeit.

Vier. Liebhaber Von René Magritte

Die Liebenden von René Magritte , 1928, über MoMA, New York

Magritte war ein Meister der Verspieltheit und tritt in die Fußstapfen von de Chirico für seine Mehrdeutigkeit und rätselhaften Resonanzen. In diesem berühmten Gemälde lockt uns Magritte mit einem unheimlichen Bild von zwei sich küssenden Figuren, den Liebenden. Sie berühren sich nie, weil ihre Köpfe in weiße Laken gehüllt sind. Was können wir daraus machen? Wir müssen uns nichts daraus machen, obwohl der Verstand daran gewöhnt ist – geht es um die Unfähigkeit zweier Individuen, einander nie wirklich zu sehen, einander zu verstehen?

Magrittes äußerst realistischer Malstil schafft eine perfekte Gelegenheit, diesen Realismus durch seine Verwendung von Rätseln zu stören. Magrittes Image ist humorvoll. Der Kuss, der so leidenschaftlich zu sein scheint, verpufft affektiv. Es gibt ein Vertrauen in beide Liebenden, das die weißen Laken noch absurder macht. Magritte genoss die Rätsel der Psychologie und Philosophie und er verfügte über eine erstaunliche Fähigkeit, solche Rätsel auf einer Leinwand zu reproduzieren.

3. Gernika Von Pablo Picasso

Gernika von Pablo Picasso , 1937, via Reina Sofía National Art Center Museum, Madrid

Picasso 's Wiedergabe der Bombardierung von 1936 Gernika ist ein mächtiges Symbol der Zerstörung. Picasso erkannte, dass der Naturalismus die Erfahrung des Terrors nicht so wirkungsvoll dargestellt hätte wie seine kubistische Methode. Die Leinwand erscheint uns chaotisch und schwer zu interpretieren; die Verwendung von Monochromie, die lockeren, partiellen Formen und die Verzerrung der Figur. Die Formen sind innerhalb dieses einen Gebäudes abgeflacht und fragmentiert.

Die Realität der Zerstörung hat eine Art der Repräsentation zerstört. Picasso ist der Ansicht, dass jede Art von Naturalismus Vernunft und Künstlichkeit in die Leinwand bringen würde, was die Bedeutung und Kraft für Picasso beeinträchtigen würde. Bombardierung und Zerstörung sind die Fragmentierung von Formen, die Chaos hervorrufen.

zwei. Metamorphose der Narzisse Von Salvador Dalí

Metamorphose der Narzisse von Salvador Dalí , 1937, über Tate, London

Dalís Meditation über die Mythos Narziss ist ein wunderbar präzises und doch schwer fassbares Bild. Dalí interessiert sich dafür, wie wir wahrnehmen und was wir aus unseren Wahrnehmungen machen. Wir können Dalís Verwendung des Double-Take sehen, bei dem wir ein Objekt als etwas anderes wahrnehmen, bevor wir erkennen, was es ist. Obwohl, für Dalí und die Surrealisten , würden sie sich fragen, welche Wahrnehmung „real“ ist und was uns unser Unterbewusstsein sagt; wie wir uns täuschen.

Dalís Malstil, den er „handgemalte Farbfotografie“ nennen würde, umfasst sowohl Realität als auch Wahn. Die steinerne Gestalt der Narzisse verwandelt sich in die Hand, die das Ei hält, das die Narzisse zum Blühen bringt. Dalí kontrastiert das Vergehen der Zeit mit wahrer oder verblendeter Wahrnehmung, um eine neue visuelle Erforschung des Narziss-Mythos zu geben – des Mythos, der so viel mit Wahrnehmung zu tun hat. Es geht darum, wie wir uns selbst wahrnehmen und wie andere uns wahrnehmen.

1. Nachtschwärmer Von Edward Hopper

Nachtschwärmer von Edward Hopper , 1942, über das Art Institute of Chicago

Trichter ’s berühmtes Gemälde hier erinnert an de Chirico in seinem Gefühl der Einsamkeit, das durch die Architektur hervorgerufen wird. Hopper hat sich jedoch dafür entschieden Realismus um diesen Effekt zu erzielen. Das große Fenster zeigt nachts im künstlichen Licht ein paar Menschen und die Straße draußen fühlt sich kalt, leer und ohne Geräusche an. Die beiden Männer an der Bar scheinen sich zu spiegeln, eine Frau in Rot sieht ausdruckslos aus, und ein alter Mann kümmert sich um die Bar.

Es herrscht ein unbestreitbares Gefühl der Stagnation. So sehr, dass es den Betrachter verunsichert. Hopper hat die Small-Time-Bar erhöht, um etwas Überzeugendes über das menschliche Leben darzustellen; über Einsamkeit und Einsamkeit; über das Warten; darüber, wie unsere Zeit in der einsamen Nacht verbracht wird. Hoppers Realismus bringt dies mit Nachdruck nach Hause. Der eingeschränkte Blick, wie im Vorbeigehen gefangen, scheint diese Distanzierung der Individualität zu betonen.

Die Kuriosität berühmter Gemälde

Wenn wir berühmte Gemälde erkunden, suchen wir nach unserem eigenen ästhetischen Sinn und wie dieser unser eigenes Selbst- und Weltverständnis widerspiegelt. Uns werden oft berühmte Gemälde gezeigt, die in einem breiteren kulturellen Kontext gesehen wurden, um Gefühle von Schönheit und Erfahrung hervorzurufen, mit denen wir uns alle identifizieren können. Diese Bilder kommen jedoch manchmal nicht an unser eigenes Weltgefühl heran. Wir müssen unsere eigene inoffizielle Malereiausbildung durchführen, um unsere eigene visuelle Sprache zu finden und zu schätzen.