10 ikonische kubistische Kunstwerke und ihre Künstler

Die Frauen von Algier von Pablo Picasso , 1955, verkauft von Christie’s (New York) im Jahr 2015 für erstaunliche 179 Millionen Dollar an Scheich Hamad bin Jassim bin Jaber Al Thani, Doha, Katar

Kunst des Kubismus war eine moderne Bewegung, die heute als die einflussreichste Periode in bekannt ist Kunst des 20. Jahrhunderts . Es hat auch nachfolgende Stile in Architektur und Literatur inspiriert. Es ist bekannt für seine dekonstruierten, geometrischen Darstellungen und Aufschlüsselungen der räumlichen Relativitätstheorie. Entwickelt von Pablo Picasso und George Braque unter anderem knüpfte der Kubismus an Post-Impressionist Kunst, und besonders die Werke von Paul Cézanne, die traditionelle Vorstellungen von Perspektive und Form in Frage stellten. Unten sind 10 ikonische kubistische Werke und die Künstler, die sie produziert haben.

Proto-Kubismus-Kunst

Der Proto-Kubismus ist die Einführungsphase des Kubismus, die 1906 begann. Diese Periode spiegelt das Experimentieren und die Einflüsse wider, die zu geometrischen Formen und einer gedämpfteren Farbpalette führten, die in scharfem Kontrast zur vorangegangenen stehen Fauvistisch und Nachdruck t-Bewegungen.

Die Damen von Avignon (1907) von Pablo Picasso

Die Damen von Avignon von Pablo Picasso , 1907, MoMA

Pablo Picasso war ein spanischer Maler, Grafiker, Bildhauer und Keramiker, der als einer der produktivsten Einflüsse auf die Kunst des 20. Jahrhunderts bekannt ist. Zusammen mit Georges Braque gründete er Anfang des 20. Jahrhunderts die Kubismusbewegung. Er leistete jedoch auch bedeutende Beiträge zu anderen Bewegungen, darunter Expressionismus und Surrealismus . Seine Arbeit war bekannt für ihre kantigen Formen und herausfordernden traditionellen Perspektiven.

Die Damen von Avignon zeigt fünf nackte Frauen in einem Bordell in Barcelona. Das Stück ist in gedämpften, getäfelten Blockfarben wiedergegeben. Alle Figuren stehen dem Betrachter mit leicht beunruhigenden Gesichtsausdrücken gegenüber. Ihre Körper sind kantig und unzusammenhängend und stehen da, als würden sie für den Betrachter posieren. Darunter sitzt ein Obsthaufen, der für ein Stillleben posiert. Das Stück ist eines der berühmtesten Beispiele für die Abweichung des Kubismus von der traditionellen Ästhetik.

Häuser in L'Estaque (1908) von Georges Braque

Häuser in L'Estaque von Georges Braque , 1908, Lille Métropole Museum of Modern, Contemporary or Outsider Art

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Georges Braque war ein französischer Maler, Grafiker, Zeichner und Bildhauer, der ein führender Künstler in beiden war Fauvismus und kubistische Bewegungen. Während des frühen Kubismus war er eng mit Pablo Picasso verbunden und blieb der Bewegung für den Rest seiner Karriere treu, obwohl er seinen Stil und seine Farbverwendung änderte. Sein berühmtestes Werk zeichnet sich durch kräftige Farbgebung und scharfe, definierte Winkel aus.

Häuser in L'Estaque spiegelt den Übergang vom Postimpressionismus zum Protokubismus wider. An den gleichmäßigen Pinselstrichen und dem dicken Farbauftrag erkennt der Betrachter den Einfluss von Paul Cézanne. Braque integrierte jedoch Elemente der kubistischen Abstraktion, indem er die Horizontlinie entfernte und mit der Perspektive spielte. Die Häuser sind fragmentiert, mit inkonsistenten Schatten und einem Hintergrund, der sich in die Objekte einfügt.

Analytischer Kubismus

Analytischer Kubismus in der frühen Phase des Kubismus, beginnend 1908 und endend um 1912. Er ist gekennzeichnet durch dekonstruierte Darstellungen von Objekten mit widersprüchlichen Schatten und Flächen, die mit traditionellen Vorstellungen von Perspektive spielen. Es zeigte auch die eingeschränkte Farbpalette des Proto-Kubismus.

Violine und Leuchter (1910) von Georges Braque

Violine und Leuchter von Georges Braque , 1910, SF MoMA

Violine und Leuchter zeigt ein abstrahiertes Geigen- und Kerzenständer-Stillleben. Es ist auf einem Raster mit dekonstruierten Elementen komponiert, die eine einzige Komposition bilden, die es dem Betrachter ermöglicht, seine Interpretation des Stücks zu zeichnen. Es ist in gedämpften Braun-, Grau- und Schwarztönen wiedergegeben, mit nebeneinander liegenden Schatten und einer abgeflachten Perspektive. Es besteht hauptsächlich aus flachen, horizontalen Pinselstrichen und scharfen Konturen.

Ich und das Dorf (1911) von Marc Chagall

Ich und das Dorf von Marc Chagall , 1911, MoMA

Marc Chagall war ein russisch-französischer Maler und Grafiker, der in seiner Arbeit Traumikonographie und emotionalen Ausdruck verwendete. Seine Arbeit ging der Bildsprache des Surrealismus voraus und verwendete eher poetische und persönliche Assoziationen als traditionelle künstlerische Darstellungen. Er arbeitete im Laufe seiner Karriere in verschiedenen Medien und studierte bei einem Glasmaler, was dazu führte, dass er seine Handwerkskunst aufnahm.

Ich und das Dorf zeigt eine autobiografische Szene aus Chagalls Kindheit in Russland. Es zeigt eine surreale, traumartige Umgebung mit volkstümlichen Symbolen und Elementen aus der Stadt Witebsk, in der Chagall aufgewachsen ist. Das Stück ist daher sehr emotional und konzentriert sich auf mehrere Assoziationen mit bedeutenden Erinnerungen des Künstlers. Es hat sich überschneidende, geometrische Paneele mit gemischten Farben, die die Perspektive verwirren und den Betrachter desorientieren.

Teezeit (1911) von Jean Metzinger

Teezeit von Jean Metzinger , 1911, Philadelphia Kunstmuseum

Jean Metzinger war ein französischer Künstler und Schriftsteller, der zusammen mit einem anderen Künstler das führende theoretische Werk über den Kubismus schrieb Albert Gleise . Er arbeitete im Fauvismus und Divisionist Stile in den frühen 1900er Jahren, wobei er einige ihrer Elemente in seinen kubistischen Werken verwendete, darunter kräftige Farben und definierte Umrisse. Er wurde auch von Pablo Picasso und Georges Braque beeinflusst, die er kennenlernte, als er nach Paris zog, um eine Karriere als Künstler zu verfolgen.

Teezeit repräsentiert Metzingers Hybridisierung der klassischen Kunst mit der Moderne. Es ist das Porträt einer Tee trinkenden Frau in einer charakteristischen kubistischen Komposition. Es ähnelt klassischen und Renaissance-Büstenporträts, hat jedoch eine moderne, abstrahierte Figur und Elemente räumlicher Verzerrung. Sowohl der Körper der Frau als auch die Teetasse sind dekonstruiert und spielen mit Licht, Schatten und Perspektive. Das Farbschema ist gedämpft, mit Elementen aus Rot und Grün vermischt.

Synthetischer Kubismus

Synthetischer Kubismus ist die spätere Periode des Kubismus, die sich zwischen 1912 und 1914 erstreckt. Während sich die vorhergehende Periode des analytischen Kubismus auf die Fragmentierung von Objekten konzentrierte, betonte der synthetische Kubismus das Experimentieren mit Texturen, abgeflachter Perspektive und helleren Farben.

Porträt von Pablo Picasso (1912) von Juan Gris

Porträt von Pablo Picasso von JuanGray , 1912, Kunstinstitut von Chicago

Juan Gris war ein spanischer Maler und ein führendes Mitglied der Kubismusbewegung. Er war Teil der Avantgarde des 20. Jahrhunderts und arbeitete neben Pablo Picasso, Georges Braque und Henri Matisse in Paris. Auch für den Kunstkritiker und Gründer der „Ballets Russes“ Sergei Diaghilev entwarf er Ballett-Sets. Seine Malerei war bekannt für ihre satten Farben, scharfen Formen und die Neugestaltung der räumlichen Perspektive.

Porträt von Pablo Picasso stellt Gris’ Hommage an seinen künstlerischen Mentor Pablo Picasso dar. Das Stück erinnert mit räumlicher Dekonstruktion und paradoxen Blickwinkeln an Werke des analytischen Kubismus. Es weist jedoch auch eine strukturiertere geometrische Komposition mit klaren Farbflächen und Farbakzenten auf. Die Hintergrundwinkel verblassen in denen von Picassos Gesicht, glätten das Stück und verschmelzen das Motiv mit dem Hintergrund.

Gitarre (1913) von Pablo Picasso

Gitarre von Pablo Picasso , 1913, MoMA

Gitarre repräsentiert perfekt den Wechsel zwischen analytischem Kubismus und synthetischem Kubismus. Das Stück ist eine Collage, kombiniert mit gezeichneten Elementen, die aus Papier- und Zeitungsausschnitten bestehen und unterschiedliche Grade von Tiefe und Textur hinzufügen. Es stellt unzusammenhängende und asymmetrische Teile einer Gitarre dar, die nur an der zentralen Form und dem Kreis erkennbar sind. Sein hauptsächlich beiges, schwarz-weißes Farbschema wird von einem hellblauen Hintergrund kontrastiert, der die kräftigen Farben des synthetischen Kubismus betont.

Der Sonnenschutz (1914) von Juan Gris

Die Sonnenblende von JuanGray , 1914, Tat

Die Sonnenblende zeigt eine geschlossene Jalousie, die teilweise von einem Holztisch bedeckt ist. Es ist eine Kohle- und Kreidekomposition mit Collageelementen, die Texturen hinzufügt, die typisch für ein Stück des synthetischen Kubismus sind. Gris verwendet Perspektiven- und Größenverzerrungen zwischen dem Tisch und der Jalousie, um ein Element der Verwirrung hinzuzufügen. Die hellblaue Farbe zieht sich gegen den zentralen Tisch zusammen und umrahmt ihn, indem sie strukturelle Variationen und eine asymmetrische Balance hinzufügt.

Spätere Arbeit mit kubistischer Kunst

Während die Innovation des Kubismus zwischen 1908 und 1914 ihren Höhepunkt erreichte, hatte die Bewegung einen monumentalen Einfluss auf die moderne Kunst. Es erschien während des gesamten 20. Jahrhunderts in der europäischen Kunst und hatte zwischen 1910 und 1930 einen erheblichen Einfluss auf die japanische und chinesische Kunst.

Kubistisches Selbstporträt (1926) von Salvador Dalí

Kubistisches Selbstbildnis von Salvador Dalí , 1926, Museum des Nationalen Kunstzentrums Reina Sofia

Salvador Dalí war ein spanischer Künstler, der eng mit dem Surrealismus verbunden war. Seine Arbeit gehört zu den bemerkenswertesten und bekanntesten der Bewegung, und er bleibt einer ihrer prominentesten Mitwirkenden. Seine Kunst ist bekannt für ihre Präzision und zeichnet sich durch traumhafte Bildwelten, katalanische Landschaften und bizarre Bildwelten aus. Trotz seines primären Interesses am Surrealismus experimentierte Dalí in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts auch mit den Bewegungen des Dadaismus und des Kubismus.

Kubistisches Selbstbildnis veranschaulicht die Arbeit in Dalís kubistischer Phase zwischen 1922-23 und 1928. Er wurde von den Werken von Pablo Picasso und Georges Braque beeinflusst und experimentierte mit anderen äußeren Einflüssen während der Zeit, als er kubistische Werke schuf. Sein Selbstporträt veranschaulicht diese kombinierten Einflüsse. Es hat eine Maske im afrikanischen Stil in der Mitte, umgeben von collagierten Elementen, die typisch für den synthetischen Kubismus sind, und zeigt die gedämpfte Farbpalette des analytischen Kubismus.

Guernica (1937) von Pablo Picasso

Gernika von Pablo Picasso , 1937, Museum des Nationalen Kunstzentrums Reina Sofia

Gernika ist sowohl eines der berühmtesten Werke Picassos als auch als eines der produktivsten Antikriegskunstwerke der modernen Geschichte bekannt. Das Stück entstand als Reaktion auf die Bombardierung von Guernica, einer baskischen Stadt in Nordspanien, im Jahr 1937 durch faschistische italienische und nationalsozialistische deutsche Streitkräfte. Es zeigt eine Gruppe von Tieren und Menschen, die unter Kriegsgewalt leiden, von denen viele zerstückelt sind. Es ist in einem monochromen Farbschema mit dünnen Umrissen und geometrischen Blockformen wiedergegeben.