Die kurze, aber außergewöhnliche Kunstbewegung der Gruppe Der Blaue Reiter

Blaues Pferd I (Blue Horse I) von Franz Marc , 1911, über Lenbachhaus-Museum, München; Franz Marc Fotografie , 1910; Draft Cover of Der Blaue Reiter Almanac von Wassily Kandinsky , 1911, über Lenbachhaus-Museum, München; Wassily Kandinsky Fotografie , über das Leicester Museum

Der Beginn des 20thJahrhundert brachte Revolutionen und Fortschritte in der Art und Weise, wie Kunst gesehen und geschaffen wurde. Der Blaue Reiter oder The Blue Rider Group wurde in München als Reaktion auf traditionelle Kunstmethoden gegründet. Ihre Kunst erforschte die Beziehungen zwischen Kunst, Musik, Farbe und Spiritualismus. Obwohl die Gruppe nur von kurzer Dauer war, trugen ihre Kunst und Ideen zur Entwicklung des deutschen Expressionismus bei.

The Beginning Of Der Blaue Reiter

Der Blaue Berg (Blue Mountain) von Wassily Kandinsky , 1908/09, über das Guggenheim Museum, New York

Die Gruppe wurde 1911 von einer Mischung aus russischen Emigranten und einheimischen deutschen Künstlern gegründet. Zu den bekanntesten Namen der Gruppe gehören Wassily Kandinsky und Franz Marc die die Hauptmitglieder waren, die die Gesamtvision der Gruppe geprägt haben. Andere Künstler gehören Alexej von Jawlensky , Gabriele Münter , Marianne Von Werefkin , August Macke , und Paul Klee . Sie gründeten die Gruppe in Ablehnung einer anderen deutschen künstlerischen Bewegung, der Neuen Künstlervereinigung München. Sie strebten danach, eine neue Welle moderner Kunst zu schaffen, die sich von der konventionellen und konformistischen Kunst ihrer Vorgänger abgrenzte. Sie interessierten sich dafür, Kunst zu schaffen, die Emotionen ausdrückt, anstatt wörtliche Szenen darzustellen. Während jeder einzelne Künstler sich unterschiedlich mit Thema und Technik auseinandersetzte, teilten sie alle die gleiche Idee, Kunst als Verbindung zum Spirituellen durch die Verwendung von Farbe zu schaffen.

Die Bedeutung hinter dem Namen Der Blaue Reiter

Der Blaue Reiter (The Blue Rider) von Wassily Kandinsky, 1903

Die Benennung der Gruppe kann dadurch vereinfacht werden, dass Marc Pferde mochte und Kandinsky Reiter mochte, so dass sie zusammen den Namen Der Blaue Reiter kreierten. Der Grund, warum Pferde, Reiter und die Farbe dieser Gruppe so viel bedeuteten und zu ihrem Namen und ihrer dauerhaften Identität beitrugen, hat jedoch mehr Substanz.

Das Gemälde Der Blaue Reiter gilt als das Gemälde, das zur Grundlage für den Namen der Gruppe Der Blaue Reiter wurde. Kandinsky malte das Bild 1903 und es ist eines der ersten Gemälde, bei dem er zu einem abstrakteren Stil überging. Der Reiter im Namen symbolisierte den Übergang von der physischen Welt in die spirituelle Welt. Diese Idee stammt von den mittelalterlichen christlichen Kriegern und Rittern wie Saint George, die die Gruppe inspirierten. Die Geschichte vom Heiligen Georg, der einen Drachen tötet, spielt eine große Rolle in Kandinskys Frühwerk. Für sie bedeutete dies den Tod des Alten und die Geburt eines Anfangs. Der Reiter ist Träger eines göttlichen Erwachens und einer Wiedergeburt der Kunst. Die Mitglieder des Blauen Reiter sahen den Materialismus ihrer Zeit als Blockade gegen das spirituelle Verständnis von Geist und Seele.

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Die grossen blauen Pferde (The Large Blue Horses) von Franz Marc , 1911, über Walker Art Center, Minneapolis

Die Farbe Blau wurde zur buchstäblichen Manifestation des Transzendenten und Göttlichen, die diese Künstler in ihrer Kunst verwendeten. Blau wurde als die spirituellste und beruhigendste Farbe angesehen, die in einer Vielzahl von Kunstwerken der Gruppe immer wieder zu sehen ist. Blau wurde häufig in Verbindung mit den Pferden von Franz Marc verwendet, da sie zusammen die Reise von der materiellen Welt zu einer himmlischeren darstellen. Blau ist auch mit Männlichkeit verbunden, während Gelb eher weiblich war. Rot repräsentierte die physische und natürliche Welt im Vergleich zur Jenseitigkeit der Farbe Blau. Die Kombination aus Blau und dem Reiter repräsentiert den Kampf zwischen Gut und Böse. Für sie sind die Übel des frühen 20thJahrhundert waren moderne Technologien, Wissenschaften und städtischer Industrialismus.

The Almanac Of Der Blaue Reiter

Der Blaue Reiter Almanac Cover von Wassily Kandinsky, Franz Marc und Jean Arp , 1914, über Art Gallery of Ontario, Toronto

The Blaue Reiter Almanac ist eine Sammlung von Essays, Illustrationen und Partituren, die zur Grundlage für die Ziele der Gruppe geworden ist. Auf dem Cover des Buches befindet sich das Emblem der Gruppe von Saint George. Die Erstausgabe umfasste 1200 Exemplare mit 50 Vorzugsausgaben, darunter Holzschnitte von Wassily Kandinsky und Franz Marc. Die limitierten Holzschnitte betitelt (Bogenschütze) Archer , von Kandinsky; und Fabletier (Fantastische Kreatur) , von Marc erscheinen nur in der Erstausgabe. Die Gruppe veröffentlichte dieses erste Buch erst, als der Erste Weltkrieg die Pläne für ein zweites unterbrach. Das Buch enthält außerdem Partituren von Arnold Schönberg und Alexander Skrjabin, wobei Schönberg einen Aufsatz sowie Noten für drei Kompositionen beisteuert. Kandinskys „Der gelbe Klang“ ist ebenfalls enthalten. Das Buch enthielt nicht nur Bilder von Werken der Gruppe, sondern auch von anderen Künstlern Pablo Picasso , Vincent van Gogh , und Henri Matisse .

Der Blaue Reiter (The Blue Rider) von Franz Marc und Wassily Kandinsky , 1912, über das Museum of Fine Arts Boston

Es gibt auch Bilder von mittelalterlichen, Renaissance-, Volkskunst- und außereuropäischen Kunstwerken. Darunter afrikanische Statuen, asiatische Tuschezeichnungen, Volkskunst und Hinterglasbilder aus Bayern. Die ungeschulten Künstler und Volkskünstler, deren Kunst in dieser Zeit als primitiv bezeichnet worden wäre, inspirierten ihre Kunst. Die einfache Abstraktion von Formen und Themen führte dazu, dass die Mitglieder der Gruppe eine Bildsprache schufen, die sich immer mehr von der natürlichen Welt abwandte. Was dieses Buch so wichtig macht, ist die gemeinsame Anstrengung, die in seine Entstehung gesteckt wurde. Durch die Platzierung von Kunstbildern aus einer Vielzahl von Kulturen, Künstlern, Musikern und Kritikern zeigte es, dass alle Kunst gleichzeitig in einem Raum leben kann. Es zeigt, dass es Raum für alle Arten von Kunst gibt und wie sehr sich jede Kunst auf die andere auswirkt.

Der Einfluss der Farbe

Mädchen mit Blumenhut (Young Girl with a Flowered Hat) von Alexej von Jawlensky , 1910, über Albertina, Wien (links); mit Vier Mädchen (Four Girls) by August Macke , 1912/13, via Museum Kunstpalast, Düsseldorf (right)

Farbe spielte in den Werken des Blauen Reiters eine große Rolle. Wie im obigen Gemälde zu sehen ist, gibt es eine klare Unterscheidung zwischen den Farbaufträgen zwischen verschiedenen Mitgliedern derselben Gruppe. Fauvismus hat Verbindungen zur Gruppe Der Blaue Reiter, insbesondere zu Gabriele Münter und Alexej Von Jawlensky. Ähnlich wie bei einem Malbuch würden sie Farbe in dicke, dunkle Linien platzieren, um Kontrast und Dimension zu erzeugen. Jawlenskys Porträts zeigen diese Verbindung von Farbe und Emotion. Er konzentrierte sich hauptsächlich auf die Köpfe von Figuren und nicht auf Ganzkörperporträts. Er verwendete rohe, lebendige Farben, um zu zeigen, wie Farbe zur Essenz des eigenen Wesens werden kann.

Dame in einem Park by August Macke , 1914, MoMA, New York (links); mit Die Blaue Mantille von Alexej von Jawlensky , 1913, über das Israel Museum, Jerusalem (rechts)

Eine weitere Inspiration kam aus den Werken von Robert Delaunay und Orphismus , die August Macke und Franz Marc inspirieren sollte. Sie waren beeindruckt von Delaunays Verwendung von Farbe, wo sie in Farbfragmente gebrochen wird. Rhythmus spielt dabei eine große Rolle, da Delaunay glaubte, dass sich Farben genauso vor dem Auge bewegen wie die natürliche Welt. Dies veranlasste Macke, in Abschnitte geschnittene Formen mit sehr ausgeprägten Winkelformen zu malen. Zu seinen Motiven gehören Frauen in Kaufhäusern, Spaziergänge in Parks oder Gruppen von Frauen bei Aktivitäten, auf die er diese Technik anwendet. Im Vergleich zu Alexej von Jawlensky verwendet Macke sehr ausgeprägte Formen, die fast kubistisch sind, während Jawlensky frei ausdrucksstärkere Pinselstriche verwendet.

Farbe sprengte die Grenzen von Expressionismus wie Künstler es verwendeten, um die innersten spirituellen Gefühle zu zeigen, die sie beim Malen empfanden. Der Umgang mit Farben wurde freier und weniger der Trägheit der Realität unterworfen. Es ging an die äußeren Grenzen dessen, was für traditionelle Malerei als angemessen angesehen wurde. Farbe spielte auch für Kandinsky eine große Rolle, der sie in Verbindung mit dem Ausdruck von Emotionen mit Klang verwendete.

Die Farbe der Musik

Impression III (Konzert) von Wassily Kandinsky , 1911, über Museum Lenbachhaus, München

Musik und ihre Verbindung zur Farbe spielen in Wassily Kandinskys abstrakter Malerei eine zentrale Rolle. Synästhesie, die Fähigkeit, Farbe zu hören, zu schmecken oder zu riechen, ist ein Konzept, das Kandinsky dazu brachte, Farbe als Repräsentation physischer Sinne zu verwenden. Jede Farbe repräsentierte auch verschiedene Sektionen eines Orchesters und zusammen bilden diese Farbkombinationen eine Farbsymphonie. Dies wirkte sich auch auf den Künstler Paul Klee und seine Entwicklung hin zur abstrakten Kunst aus. Musik war auch eine große Inspiration für ihn, da sowohl er als auch Kandinsky in ihrer Jugend Musik studierten.

Auf Kandinsky basierende Farben mit spezifischen Emotionen und sogar Instrumenten. Seine Bilder sind Farbsymphonien, wobei jede Farbe eine andere emotionale Reaktion hervorruft. Gelb ist eine irdische Farbe, und je heller das Gelb, desto chaotischere und schrillere Gefühle fördert es. Blau ist beruhigend und himmlisch, was hilft, die Gelbtöne abzumildern. Rottöne sind kraftvoll und dynamisch, die tiefe Trommeln oder das Crescendo von Trompeten symbolisieren. Grün ist die ruhigste Farbe und spiegelt die sanften Töne einer Geige wider. Veilchen sind melancholisch und ähneln der traurigen Musik von Hörnern oder Dudelsäcken. Schließlich repräsentiert Schwarz das Finale eines Musikstücks, während Weiß im Gegensatz dazu bedeutet, dass alle anderen Töne stumm geschaltet werden.

Auch wenn seine Bilder spontan wirken und so wirken, als hätte Kandinsky sie auf der Stelle vollendet, ist dies eigentlich falsch. So wie ein Komponist Noten auf einer Partitur arrangiert, malte Kandinsky, als wären die Noten Farbe und die Leinwand Notenblätter. Jede Farbplatzierung war beabsichtigt und es dauerte manchmal Jahre, bis er diese Art von musikalischen Gemälden fertigstellte.

The Women Of Der Blaue Reiter

Selbstbildnis (Self-Portrait) by Marianne Von Werefkin , 1910, via Museum Lenbachhaus, München (links); mit Selbstporträt by Gabriele Münter , 1908, Nationalmuseum Thyssen-Bornemisza, Madrid (rechts)

Innerhalb des Blauen Reiters gab es Künstlerinnen wie Marianne von Werefkin, Gabriele Münter, Natalia Goncharova und Clotilde von Derp. Sowohl Werefkin als auch Münter spielten eine entscheidende Rolle in Bezug auf den Stil und die Fortschritte, die sie für expressionistische Künstlerinnen machten. Beide Künstler waren in dieser Zeit Partner von anderen Mitgliedern der Gruppe: Werefkin mit Jawlensky und Münter mit Kandinsky. Werefkin würde sogar ihre eigene Karriere zurückwerfen und sich für Jawlensky als Künstler einsetzen und sogar eine Ausstellung für ihn schaffen. Sie waren Frauen in einer Gruppe von Männern und litten unter den Einschränkungen des Frauendaseins. Sie waren jedoch immer noch in der Lage, Arbeiten zu produzieren, die zukünftigen expressionistischen Künstlerinnen den Weg ebneten.

Jawlensky und Werefkin by Gabriele Münter , 1908/09, über Museum Lenbachhaus, München

Die Arbeit von Gabriele Münter zeichnet sich durch die Verwendung kräftiger Farben und die Umrandung ihrer Motive mit schwarzen, dicken Linien aus. Ihre Bilder haben eine verdichtete Perspektive, die dem Betrachter als flach erscheint. Sie konzentriert sich auf die Farbkomposition ihrer Motive und füllt sie mit leuchtenden Farben, ähnlich den französischen Fauvisten. Ob Porträts oder Landschaften, Münters Werke haben einfache Formen, die ihre Inspiration von traditioneller Volkskunst aus Bayern und sogar von Kindermalereien widerspiegeln. Sie ging nie ganz abstrakt wie Wassily Kandinsky, sondern schuf eine figurative Kunst, die dennoch der Realität ähnelte. Dieser Schritt hin zu einem einfachen und kindlichen Erscheinungsbild ist repräsentativ für den Wunsch der Gruppe, wieder primitive Kunst zu schaffen. Sie schuf auch Stillleben mit Bildern traditioneller bayerischer Artefakte oder religiöser Ikonographie.

Wäscherinnen (Washerwomen) by Marianne Von Werefkin , 1909, über Museum Lenbachhaus, München

Marianne Von Werefkins Kunst würde sich in ihren Werken auf Bilder von Frauen und Verarmten konzentrieren. Ihre Arbeit zeigt die unterschiedliche Darstellung von Frauen zu Beginn des 19thJahrhundert. Im Vergleich zu ihren Zeitgenossen stellte sie Frauen arbeitend und bucklig vor einem Hintergrund aus Farbströmen dar. Ihre Verwendung von Farbe und ausdrucksstarken Pinselstrichen waren Einflüsse von Edvard Munch und Vincent Van Gogh, die ebenfalls Farbe verwendeten, um die Seele auszudrücken. Sie verwendete eine dunklere Farbpalette mit tieferen Rot- und Schwarztönen, insbesondere für die Kleidung von Frauen. Werefkin zeigt die Frauen, die während des Aufstiegs des Industrialismus Arbeiterinnen und Arbeiterinnen waren. Ihre Gemälde verbanden die harten Realitäten der Frauen ihrer Zeit mit der übernatürlichen Pracht ihrer Landschaften.

Der Blaue Reiter’s Only American Member

Stilleben III von Albert Bloch , 1914, über Des Moines Art Center

Albert Bloch ist ein amerikanischer Maler, der 1909 nach Deutschland zog. Er schloss sich 1911 der Gruppe Der Blaue Reiter an, nachdem Wassily Kandinsky und Franz Marc Blochs Atelier besucht hatten. Er war der einzige amerikanische Künstler, der sich der Gruppe anschloss. Während seines Aufenthaltes in Deutschland entwickelte er wie die anderen Mitglieder seinen eigenen Stil. Er verwendete häufig Bilder von tanzenden Harlekinen, Clowns, die Instrumente spielten, sowie Pierrots. Das war Blochs Interpretation dessen, wie man Musik in einer visuellen Kunstform sehen könnte. Im Vergleich zu anderen Mitgliedern der Gruppe ist Bloch für seine Arbeit in der modernen Kunst nicht so bekannt oder anerkannt. Er zog schließlich nach Kansas, wo er bis zu seiner Pensionierung an der University of Kansas lehrte.

Das obige Gemälde ist ein Beispiel für Blochs Arbeit und seine Verbindung zum Blauen Reiter. Seine Stilleben III hat keinen sichtbaren Vorder- oder Hintergrund und stattdessen stellt Bloch Objekte dar, die scheinbar in der Luft schweben. Sie repräsentieren die Verschmelzung der Grenzen zwischen der spirituellen und der physischen Welt. Die Bananen und andere Früchte scheinen von ihren eigenen Auren umgeben zu sein, die scheinbar leblosen Objekten Leben einhauchen. Seine Linien sind sehr fließend und wellig, was auch zu einer spirituelleren Darstellung eines Stilllebens führt. Stil und Philosophie des „Blauen Reiters“ behielt er auch nach dessen endgültigem Ende stets bei.

The End Of Der Blaue Reiter

Kornfeld bei Carantec von Alexej von Jawlensky , 1905, über Albertina, Wien

Der Beginn des Ersten Weltkriegs war praktisch das Ende der Gruppe. Der Krieg verschlang Europa und die Mitglieder des Blauen Reiters. Russische Mitglieder der Gruppe, darunter Wassily Kandinsky, Alexej Von Jawlensky und Marianne Von Werefkin, wurden aufgrund ihrer Nationalität nach Russland zurückgeschickt. Sowohl Franz Marc als auch August Macke wurden in die deutsche Armee eingezogen, wo sie leider beide getötet wurden.

Danach zog Jawlensky in die Schweiz und gründete 1924 die Gruppe Die Blauen Vier, zu der Paul Klee, Lyonel Feininger und Kandinsky gehörten. Bloch kehrte am Ende des Ersten Weltkriegs in die Vereinigten Staaten zurück, wo er eine Karriere als Lehrer begann. Die meisten seiner in Europa geschaffenen Werke wurden während der Bombenangriffe des Zweiten Weltkriegs zerstört. Er brachte nur wenige seiner Europea-Gemälde zurück. Sie werden nur noch in seinen eigenen persönlichen Aufzeichnungen gezeigt, die Fotografien der verlorenen Gemälde enthalten.

Während des Zweiten Weltkriegs wurde die moderne Kunst in den 1930-40er Jahren zum Ziel des Nazi-Regimes, wo sie als entartet und als Beleidigung des Regimes angesehen wurde. Münter schuf in dieser Zeit weiterhin moderne Kunst, obwohl sie mit Rückschlägen und Einschränkungen konfrontiert war. Während die Nazis versuchten, Kunstwerke zu beschlagnahmen, versteckte sie ihre Gemälde sowie die von Kandinsky und die Gemälde der anderen Mitglieder des Blauen Reiters in ihrem eigenen Haus in Murnau. Während des NS-Regimes wurde die Kunst von Jawlensky, Klee und anderen Mitgliedern der Gruppe 1937 in die Ausstellung „Entartete Kunst“ aufgenommen.