Expressionismus: 10 ikonische Gemälde und ihre Künstler

Das Dessert: Harmonie in Rot von Henri Matisse

Das Dessert: Harmonie in Rot von Henri Matisse (auch bekannt als Red Room oder Harmony in Red), 1908, Hermitage Museum





Der Expressionismus als Kunstrichtung kann sehr breit und schwer zu charakterisieren sein. Es erstreckt sich über verschiedene Länder, Medien, Bewegungen und Epochen. Expressionistische Kunst wurde daher nicht durch eine Reihe ästhetischer Prinzipien definiert, sondern als Ausdrucksmittel und gesellschaftlicher Kommentar. Nachfolgend finden Sie 10 ikonische Gemälde, die die eindrucksvolle und dynamische Natur der expressionistischen Periode darstellen.

Der Schrei (1893) von Edvard Munch

Der Schrei von Edvard Munch, 1893, Nationalgalerie Oslo

Der Schrei von Edvard Munch , 1893, Osloer Nationalgalerie



Edward Munch gilt als einer der bedeutendsten und einflussreichsten Künstler Modernismus . Er war Teil der symbolistischen Bewegung und Pionier der expressionistischen Malerei. Er wurde beeinflusst von Impressionisten und Post-Impressionisten in Paris wie z Claude Monet , Vincent van Gogh und Paul Gauguin . Seine Karriere dauerte fast 60 Jahre und brachte zahlreiche moderne Meisterwerke hervor.

Der Schrei ist eines der bekanntesten modernen Kunstwerke der Welt. Es ist dafür bekannt, das tiefe Gefühl von Angst und Angst zu verkörpern, das die Ära der frühen Moderne durchdrang. Das Gemälde ist weitgehend autobiografisch, da es auf Munchs Erfahrung basiert, einen durchdringenden „Schrei der Natur“ zu hören, nachdem er von zwei seiner Freunde zurückgelassen wurde, die im Hintergrund des Stücks erscheinen. Es gibt zwei Versionen des Gemäldes; Eine befindet sich im Munch-Museum in Oslo und eine in der Osloer Nationalgalerie.



Der blaue Reiter (1903) von Wassily Kandinsky

Der Blaue Reiter von Wassily Kandinsky, 1903, WikiArt (Privatsammlung)

Der Blaue Reiter von Wassily Kandinsky , 1903, WikiArt (Privatsammlung)

Wassily Kandinsky war ein Pionier der Abstraktion in der Kunst der Moderne und schlug eine umfassende Brücke zwischen Postimpressionismus und Expressionismus. Seine Arbeit erfuhr mehrere stilistische Veränderungen und entwickelte sich von realistisch und organisch zu geometrisch und abstrakt. Er hat auch gegründet Der Blaue Reiter (Der Blaue Reiter) Gruppe in München im Jahr 1911, die zu einer der frühesten formellen Gruppen expressionistischer Künstler wurde.

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Der Blaue Reiter ist ein hervorragendes Beispiel für Kandinskys Wechsel zwischen impressionistischen und expressionistischen Malstilen. Während es in Technik und Stil deutliche impressionistische Einflüsse aufweist, sind seine schwere pastose, kräftige Farbgebung und die leicht groben Pinselstriche Elemente des frühen Expressionismus. Die abstrahierte Natur des Stücks lud den Betrachter auch zur Interpretation ein; Einige haben behauptet, ein Baby in den Armen des Reiters zu sehen.

Tanz um das goldene Kalb (1910) von Emil Nolde

Dance Around the Golden Calf by Emil Nolde, 1910, Staatsgalerie Moderner Kunst, Munich

Tanz um das goldene Kalb von Emil Nolde , 1910, Staatsgalerie Moderner Kunst, Munich



Emil Nolde war ein expressionistischer Maler und ein Teil der Deutschen Die Brücke (Die Brücke) Gruppe expressionistischer Künstler. Er gilt als einer der größten Koloristen der Moderne des 20. Jahrhunderts, der mit großen, groben Strichen und kontrastierenden Farbtönen dynamische Stücke schuf. Die erhöhte Natur seiner Arbeit führt zu emotionalen Reaktionen bei den Betrachtern und schafft eine Beziehung zwischen Künstler und Publikum.

Tanz um das goldene Kalb zeigt eine Passage aus dem Buch Exodus. Nach der Geschichte im Alten Testament machten die Israeliten das Goldene Kalb, um die Menschen zu besänftigen, als Moses zum Berg Sinai reiste, weil sie befürchteten, dass er nicht zurückkehren könnte. Das Gemälde zeigt die einfachen Menschen, die einen Votivtanz um das Idol aufführen, ohne sich seiner Falschheit bewusst zu sein. Der grobe Pinselstrich und die leuchtenden Farben unterstreichen die erhöhte Emotionalität des Stücks.



Die großen blauen Pferde (1911) von Franz Marc

Die großen blauen Pferde von Franz Marc, 1911, Walker Art Center

Die großen blauen Pferde von Franz Marc , 1911, Walker Art Center

Franz Marc war ein deutscher Künstler, der auch Gründungsmitglied der Gruppe Der Blaue Reiter war. Seine Arbeit verwendete helle Farben und einen deutlich kubistischeren Stil als einige seiner Zeitgenossen. Marc stellte Tiere in seiner Kunst oft mit einem tiefen, aber zurückhaltenden Sinn für Emotionen dar, was zu dieser Zeit unter anderen einflussreichen Künstlern Berühmtheit erlangte.



Die großen blauen Pferde wurde 1911 in der ersten Ausstellung von Der Blaue Reiter gezeigt. Das Stück zeigt männlich leuchtende, kontrastierende Grundfarben. Die blaue Farbe und die sanfte Rundung der Pferde in der Mitte bilden ein Gefühl von Harmonie, Frieden und Ausgeglichenheit vor dem kräftigen Rot der Hügel im Hintergrund. Marc erklärte, dass dieser Kontrast das Nebeneinander von ruhiger Spiritualität und Gewalt darstellt und ein Gefühl der Transzendenz hervorruft.

Selbstbildnis mit chinesischer Laternenpflanze (1912) von Egon Schiele

Selbstbildnis mit einer chinesischen Laternenpflanze von Egon Schiele, 1912, Leopold Museum

Selbstporträt mit einer chinesischen Laternenpflanze von Egon Schiele , 1912, Leopoldmuseum



Egon Schiele war ein österreichischer expressionistischer Maler und Mentee eines Künstlerkollegen Gustav Klimt . Trotz einer kurzen Karriere und eines kurzen Lebens wird Schiele als produktiver Einfluss der frühen Moderne in Erinnerung bleiben. Seine Arbeit ist bekannt für ihren dynamischen Ausdruck, ihre unverfälschte Sexualität und ungewöhnliche Körperformen, die auf den frühen expressionistischen Stil hinweisen.

Selbstbildnis mit chinesischer Laternenpflanze weist trotz der Einfachheit des Stücks eine tiefe Emotion auf. Der Künstler sitzt schräg und blickt den Betrachter skeptisch an. Sein Kopf und seine Gesichtszüge sind vergrößert und der Körper unnatürlich verdreht, was eine subtile Spannung andeutet, die das Stück durchdringt. Die Pflanze im Hintergrund reckt sich ebenfalls zur Seite und ahmt die Körperkrümmung des Künstlers nach. Das Gesicht ist im Gegensatz zu der umgebenden Kleidung und dem Hintergrund mit intensiver Farbtiefe und muskulösen Details wiedergegeben, was dem Stück einen äußerst psychologischen Aspekt verleiht.

Straße, Berlin (1913) von Ernst Ludwig Kirchner

Straße, Berlin von Ernst Ludwig Kirchner, 1913, MoMA

Straße, Berlin von Ernst Ludwig Kirchner , 1913, MoMA

Ernst Ludwig Kirchner war zusammen mit Emil Nolde Mitglied der Gruppe Die Brücke deutscher Expressionisten. Seine Arbeit war geprägt von lebhaften Blockfarben, breiten, kontrastierenden Pinselstrichen und scharfen, eckigen Formen. Seine ausdrucksstarke Verwendung von Farbe wurde von den Werken postimpressionistischer und früher expressionistischer Maler inspiriert Vincent van Gogh , Albrecht Dürer und Edward Munch .

Straße, Berlin zeigt Kirchners verächtliche Sicht auf das Leben in Berlin. Dies wird durch die intensiven, scharfen Pinselstriche und beunruhigenden Farbkontraste des Stücks belegt. Die Gesichter der Porträtierten sind kaum voneinander zu unterscheiden und unterstreichen die nichtssagende Oberflächlichkeit des Berliner Highlife. Die Figuren stehen auf geneigtem Boden, ragen fast aus dem Gemälde heraus und erzeugen ein Gefühl von Klaustrophobie und Orientierungslosigkeit.

Die Nacht (1918-19) von Max Beckmann

The Night by Max Beckmann, 1918-19, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen

Die Nacht von Max Beckmann , 1918-19, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen

Max Beckmann war ein deutscher Maler, Schriftsteller und Bildhauer, der für das dramatisierte Nachtleben, mythische oder biblische Szenen in seinem Werk bekannt war. Obwohl er allgemein als expressionistischer Maler bezeichnet wird, lehnte er die Bewegung ab und bestritt, ein Teil davon zu sein. Beckmann stellte in seinen Arbeiten oft sein eigenes Gesicht dar, das an einem finsteren Gesicht mit großem Kopf zu erkennen ist.

Die Nacht war ein Produkt der Neuen Sachlichkeit oder Neuen Sachlichkeit, die als antiexpressionistische Rebellion gegründet wurde. Das Stück zeigt spitze Winkel und chaotische, sich überlagernde Figuren als Ausdruck von Beckmanns Ernüchterung über das Leben im Nachkriegsdeutschland. Das Stück zeigt grausame Elemente von Sex, Tod und Gewalt und lenkt die Aufmerksamkeit auf die Reizüberflutung und Obszönität der modernen Gesellschaft.

Liegender Akt (1919) von Amedeo Modigliani

Liegender Akt von Amedeo Modigliani, 1919, MoMA

Liegender Akt von Amedeo Modigliani , 1919, MoMA

Amedeo Modigliani war ein italienischer Maler und Künstler, der in Frankreich lebte und arbeitete. Er ist bekannt für seine Aktporträts von Frauen, die sich durch verlängerte Hälse und Körper, leere Gesichtsausdrücke und Blickkontakt mit dem Betrachter auszeichnen. Seine Arbeit wurde bis zu seinem Tod nicht gut aufgenommen, aber heute bleibt er einer der produktivsten Maler seiner Zeit.

Liegender Akt ist Teil einer Reihe von Aktporträts von Modigliani, die 1916 begannen. Die Porträts wurden von Darstellungen der Venus in der antiken griechisch-römischen Zeit beeinflusst Kunst der italienischen Renaissance , und die Frauen werden oft als solche idealisiert. Die Verwendung einer weichen Hautfarbe hebt sich von dunklen, inneren Hintergründen ab und vermittelt ein Gefühl der Intimität zwischen Motiv und Künstler. Das Thema ein Liegender Akt legt sich mit lässiger Leichtigkeit zurück, als wäre er entspannt in der Gegenwart des Malers.

Porträt eines Mannes (1919) von Erich Heckel

Portrait of a Man by Erich Heckel, 1919, MoMA

Porträt eines Mannes by Erich Heckel , 1919, MoMA

Erich Heckel war ein deutscher Maler und ein weiteres Gründungsmitglied der expressionistischen Gruppe Die Brücke. Er war auch bekannt für seine Holzschnitte, die eckige Formen, starke Linienführung und einfache Farbschemata aufwiesen. Seine Malerei zeigte eine weichere, weniger starre Linienführung und eine Vielzahl von Farbmischungen, die Einflüsse von zeigten Vincent van Gogh .

Porträt eines Mannes ist eine gemalte Holzschnittkomposition. Wie seine anderen Holzschnittporträts weist das Stück scharfe, definierte Züge auf. Die Figur verkörpert das Trauma und die Unsicherheit, die das Nachkriegsdeutschland während dieser Zeit plagte. Er sitzt mit den Augen zur Seite und den Händen am Kinn gefaltet und strahlt ein doppeltes Gefühl von Niederlage und Erwartung aus. Auch die kühle, grob gemalte Farbgebung trägt zu diesem Angstgefühl bei.

Schloss und Sonne (1928) von Paul Klee

Schloss und Sonne von Paul Klee, 1928, WikiArt (Privatsammlung)

Schloss und Sonne von Paul Klee , 1928, WikiArt (Privatsammlung)

Paul Klee war ein Schweizer Künstler, dessen eklektischer Malstil Elemente des Expressionismus enthielt, Surrealismus und Kubismus . Seine Arbeit zeigte kräftige Farbblöcke und geometrische Formen. Während seiner gesamten Karriere experimentierte er mit Farb-, Form- und Designtheorie, und seine Schriften zu diesem Thema gelten als integraler Bestandteil des Verständnisses der Moderne.

Schloss und Sonne zeigt entweder eine mittelalterliche Burg oder ein modernes Stadtbild mit kleineren Dreiecken, die von einer Skyline aus Türmen überschattet werden. Wie viele von Klees Gemälden, Schloss und Sonne wird in einem geometrischen Farbblockstil gerendert, mit hellen, kontrastierenden Details vor einem tiefroten Hintergrund. Auch die Sonne im Hintergrund wirkt, als könnte es sich um einen Mond handeln. Die Verwendung unklarer Bildsprache stellt eine Dualität gegenüber, die im Werk allgegenwärtig ist und den Betrachter einlädt, seine eigenen Schlüsse darüber zu ziehen, was das Gemälde darstellt.