7 unglaubliche surrealistische Künstlerinnen, die nicht Frida Kahlo sind

Und dann sahen wir die Tochter des Minotaurus von Leonora Carrington, 1953 (links); mit X Ray of My Skull von Meret Oppenheim, 1964 (Mitte); und Scilla von Ithell Colquhoun, 1938 (rechts)

Mehr als eine Kunstbewegung, Surrealismus war eine Haltung, eine Suche nach Freiheit, die alle Aspekte des Lebens umfasste; Surrealistische Künstlerinnen waren ebenso wie ihre männlichen Kollegen politische Aktivistinnen, Frauenrechtlerinnen und revolutionäre Kämpferinnen. Sie lebten ein außergewöhnliches Leben als freie Individuen, die ihre eigene Schönheit und Würde erfanden und ihre unvermittelte Energie, Sexualität und ihren Humor zum Ausdruck brachten. Wie Meret Oppenheim sagte, lebten und schufen surrealistische Künstlerinnen von einem bewussten Wunsch, frei zu sein.

Surrealistische Künstlerinnen und die Emanzipation der Frau

Porträt von Leonor Fini und Leonora Carrington in Verkleidung von Denise Colomb , 1952, über AWARE, Paris

Als am 21. August 1933 achtzehn Jahre einsViolette Nozière gestand die Vergiftung ihres Vaters, die französische Presse brach in Empörung eingegen sie.

Laut der öffentlichen Meinung war Violette kein ernsthaftes Mädchen, das typische Tendenzen von frisch emanzipierten Frauen zeigte: Arbeiten, Geld verdienen und ein ausschweifendes Leben führen, das mit ihren Altersgenossen aus der Arbeiterklasse nicht vereinbar war. Dabei spielte es keine Rolle, ob die Vorwürfe des sexuellen Missbrauchs gegen ihren Vater wahr warene, als die Presse beschlossen hatte, an ihr ein Exempel zu statuieren.

Als einsame Stimme des Widerspruchs zeigten die Surrealisten ihre Unterstützung mit einem kollektiven Werk, in dem sie Violette zu ihrem Schwarzen Engel wählten, der Muse, die ihren kontinuierlichen Kampf gegen die bürgerliche Mentalität und ihre Mythen von Recht und Ordnung, Logik und Vernunft inspirieren würde. Das System, das zur sozialen Ungerechtigkeit der postindustriellen Ära und zum Schrecken des Ersten Weltkriegs führte, war laut Surrealisten unwiederbringlich fehlerhaft. Um sie zu besiegen, war nicht nur eine politische Revolution nötig, sondern auch eine kulturelle.

Vier schlafende Frauen von Roland Penrose , 1937, über Google Books

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Daher war die Emanzipation der Frau grundlegend für den Abbau von Kapitalismus und Patriarchat, beginnend mit der Infragestellung der bürgerlichen Wahrnehmung von Frauen als von Natur aus gut, selbstlos, unterwürfig, ignorant, fromm und gehorsam.

Poesie. Freiheit. Liebe. Revolution. Surrealismus war kein bizarrer Eskapismus, sondern erweitertes Bewusstsein. Das Fehlen von Grenzen und Zensur bot einen sicheren Ort, um das kollektive Trauma des Ersten Weltkriegs zu diskutieren und zu verarbeiten, und bot gleichzeitig ein Ventil für die kreativen Bedürfnisse von Frauen.

Während sie willkommen geheißen wurden und sich aktiv an der Bewegung beteiligten, war das Frauenverständnis der Surrealisten immer noch sehr stark in Stereotypen und Idealisierungen verwurzelt. Frauen wurden entweder als Musen, als Inspirationsobjekte gesehen oder als infantilisierte Figuren bewundert, die dank ihrer Naivität und ihrer hysterischen Veranlagung mit lebhafter Fantasie begabt waren.

Fotomontage für Frontispiz für Verwirrte Geständnisse von Claude Cahun und Marcel Moore , 1929-30, über National Gallery of Australia, Parkes

Durch die Arbeit surrealistischer Künstlerinnen hatte die Identität der Frau wirklich die Chance, zu gedeihen und dreidimensional zu werden, da sie sich den Mythos der Muse aneignete, um ihr volles Potenzial als aktive Schöpferin auszudrücken.

Künstlerinnen wurden lange Zeit vor allem im Hinblick auf ihre oft sentimentalen Beziehungen zu männlichen Künstlern in Erinnerung gerufen. Erst in jüngster Zeit wurde ihre Arbeit unabhängig analysiert und erhielt die Aufmerksamkeit, die sie verdient. Hier sind sieben der bekanntesten und am besten studierten weiblichen Surrealisten, in der Hoffnung, dass viele andere es werden werden wiederentdeckt und schließlich in die offiziellen Akten der Kunst eingeschrieben.

Surrealistische Künstlerinnen der ersten Generation

Valentin Hugo

Porträt von Valentine Hugo , via AWARE, Paris (links); mit Exquisite Leiche von Valentine Hugo, André Breton, Tristan Tzara und Greta Knutson , 1933, via MoMA, New York (rechts)

Geboren 1887, Valentin Hugo war ein akademisch ausgebildeter Maler, der die École des Beaux-Arts in Paris besucht hatte. Aufgewachsen in einem aufgeklärten und fortschrittlichen Haushalt, trat sie in die Fußstapfen ihres Vaters und wurde Illustratorin und Zeichnerin. Bekannt für ihre Arbeit mit dem russischen Ballett, baute sie eine dauerhafte berufliche Verbindung zu ihr auf Jean Cocteau . Durch Cocteau lernte Hugo ihren zukünftigen Ehemann Jean Hugo, den Urenkel von Victor Hugo, kennen Andre Breton , der Gründer der Surrealistische Bewegung , 1917.

Die Surrealisten von Valentine Hugo, fotografiert von Man Ray , 1935, via Centre Pompidou, Paris (links); mit Exquisite Leiche von Valentine Hugo, André Breton, Nusch Eluard und Paul Eluard , 1930, über Tate, London (rechts)

Durch diese Freundschaft wuchs sie mehr und mehr mit der neu gegründeten Künstlergruppe zusammen, zu der sie nun gehörte Max Ernst , Paul Eluard, Pablo Picasso , und Salvador Dalí . Während dieser Zeit trat sie dem Bureau of Surrealist Research bei und stellte ihre Werke 1933 in den Surrealist Salons und 1936 in der Ausstellung Fantastic art, Dada, Surrealism im MoMA aus.

Betroffen vom Selbstmord ihres surrealistischen Mitstreiters René Crevel und dem Weggang von Tristan Tzara und Eluard verließ sie die Gruppe der Surrealisten für immer. 1943 wurde ihr Wort in das von Peggy Guggenheim aufgenommen Ausstellung von 31 Frauen . Ihre erste retrospektive Ausstellung fand 1977, zehn Jahre nach ihrem Tod, in Troyes, Frankreich, statt.

Meret Oppenheim

Porträt von Meret Oppenheim (links); mit Objekt von Meret Oppenheim , 1926, via MoMA, New York (rechts)

Die Tochter eines deutsch-jüdischen Vaters und einer Schweizerin, Meret Oppenheim wurde 1913 in Berlin geboren, zog aber bei Ausbruch des Ersten Weltkriegs in die Schweiz.

Aufgewachsen in einem kulturell blühenden Haushalt, waren sowohl ihre Mutter als auch ihre Großmutter Suffragetten gewesen. Ihre Großmutter war eine der ersten Frauen, die Malerei und die Düsseldorfer Akademie studierte. In ihrem Haus in Carona traf Meret viele Intellektuelle und Künstler, wie z Dadaist Künstler Hugo Kugel und Emmy Hennings sowie der Schriftsteller Herman Hesse, der kurzzeitig ihre Tante heiratete.

Ihr Vater, ein Arzt, war eng mit ihr befreundet Karl Jung und besuchte oft seine Vorlesungen: Er führte Meret in die analytische Psychologie ein und ermutigte sie, schon in jungen Jahren ein Traumtagebuch zu führen.

Handschuhe von Meret Oppenheim , 1985, über das National Museum of Women in the Arts, Washington D.C.

Aufgrund dieses Wissens war Meret Oppenheim wohl die einzige Surrealistin mit Autorität Psychoanalyse . Seltsamerweise war sie auch eine der wenigen Surrealisten, die Jung gegenüber Freud bevorzugten.

1932 zog sie nach Paris, um ihre künstlerische Laufbahn fortzusetzen, und kam durch den Schweizer Bildhauer mit dem Surrealismus in Kontakt Alberto Giacometti . Sie freundete sich bald mit dem Rest der Gruppe an, zu der damals auch gehörte Man Ray , Jean Arp , Marcel Duchamp , Dalí, Ernst und René Magritte .

Mit Picasso und in einem Pariser Café sitzen Dora Maar 1936 bemerkte Picasso das eigentümliche pelzgefütterte Armband, das für entworfen wurde Elsa Schiaparellis Haus, an Oppenheims Handgelenk. In einer expliziten Version der Ereignisse kommentierte Picasso, wie viele der Dinge, die er genoss, mit ein wenig Pelz verbessert werden könnten, worauf Oppenheim antwortete. Sogar diese Tasse und Untertasse?

Das Paar von Meret Oppenheim , 1956, via AnOther Magazine, London (links); mit Die Krankenschwester von Meret Oppenheim , 1936, über Moderna Museet, Stockholm (rechts)

Das Ergebnis dieses spielerischen Geplänkels war Oppenheims berühmtestes surrealistisches Objekt, Mittagessen in Fur auch bekannt als Fellgefütterte Tasse oder einfach Objekt . Das Stück, das in Bretons erster Ausstellung surrealistischer Objekte enthalten war, wurde von gekauft Alfred Barr für das neu gegründete MoMA: gilt als der Inbegriff des surrealistischen Objekts, Fellgefütterte Tasse wurde das erste Werk einer Künstlerin in der ständigen Sammlung des Museums.

Während ihre Arbeit von ihren männlichen Kollegen begeistert aufgenommen wurde, kämpfte sie dennoch darum, sich als Künstlerin mit eigenen Verdiensten zu etablieren und der Rolle als Muse und Inspirationsobjekt zu entkommen.

Ihre unabhängige Art, ihre Enthemmung und rebellische Haltung machten sie in den Augen der männlichen Kollegen zur fetischisierten Verkörperung des f Mutter-Kind .

Röntgenstrahl meines Schädels von Meret Oppenheim , 1964, über SF MoMA

Diese ablehnende Haltung zeigt sich in Ernsts Kommentar zur Ausstellung von Objekt : Wer bedeckt einen Suppenlöffel mit luxuriösem Fell? Kleine Meret. Wer ist uns entwachsen? Kleine Meret. Diese Identitätskämpfe, die Folgen des Antisemitismus auf die Praxis ihres Vaters und die surrealistische Diaspora während des Zweiten Weltkriegs zwangen sie, in die Schweiz zurückzukehren. Hier fiel sie in eine tiefe Depression und verschwand für fast zwanzig Jahre aus der Öffentlichkeit.

In den 1960er und 1970er Jahren aktiv, distanzierte sie sich schließlich von der Bewegung und lehnte die Hinweise auf den Surrealismus seit Bretons Ära ab. Mit dem Feminismus sympathisierend, verriet sie jedoch nie ihre Jung'sche Überzeugung, dass es keinen Unterschied zwischen Männern und Frauen gibt, und weigerte sich entschieden, an Ausstellungen nur für Frauen teilzunehmen.

Ihre lebenslange Mission scheint darin bestanden zu haben, Geschlechterkonventionen und -stereotype zu durchbrechen, indem sie Geschlechtertrennungen insgesamt überwindet und die totale Meinungsfreiheit zurückerobert. Frauen sind weder Göttinnen noch Feen noch Sphinxe, sagte sie, das sind die Projektionen der Männer. Durch den eigenen Lebensstil zu beweisen, dass man die Tabus, mit denen man die Frau seit Jahrtausenden unterjocht hat, nicht mehr für gültig hält, ist die Aufgabe der Künstlerinnen. Denn Freiheit ist nicht gegeben, erinnert sie uns, man muss sie sich nehmen.

Valentin Penrose

Porträt von Valentine Penrose von Man Ray, 1925 (links); mit Ariane von Valentin Penrose , 1934, über The San Francisco Chronicle (rechts)

Eine der kritischsten und respektlosesten surrealistischen Künstlerinnen, Valentin Penrose widmete den größten Teil ihres Lebens dem Abbau der bürgerlichen Wahrnehmung von Frauen als von Natur aus gute, selbstlose, den Ehemann anbetende, unterwürfige, ignorante, fromme, fleißige, gehorsame Ehefrau und Töchter.

Als eine der ersten Frauen, die sich der Bewegung anschlossen, war Penrose fasziniert von Beispielen unorthodoxer Frauen und führte selbst ein unkonventionelles Leben.

Sie wurde 1978 als Valentine Boué geboren und heiratete einen Historiker und Dichter Roland Penrose 1925 nahm er seinen Namen an. Zusammen mit ihrem Mann zog sie 1936 nach Spanien, um sich der Arbeitermiliz zur Verteidigung der Revolution anzuschließen.

Geschenke für Frauen von Valentin Penrose , 1951, über AWARE, Paris

Ihr Interesse an Mystik und östlichen Philosophien führte sie mehrfach nach Indien, wo sie Sanskrit und östliche Philosophien studierte. Sie interessierte sich besonders für Tantrismus , in dem sie eine wertvolle Alternative zur surrealistischen Obsession mit genitaler Sexualität identifizierte, die von Freuds Psychoanalyse beeinflusst wurde.

Sie glaubte, dass die surrealistische Sichtweise der Frau als notwendige andere Hälfte Frauen letztlich nicht von ihrer bürgerlichen Rolle emanzipieren und sie daran hindern würde, einen unabhängigen Weg zu finden. Ihr wachsendes Interesse an Okkultismus und Esoterik führte schließlich zu einem Keil zwischen ihr und ihrem Ehemann, der 1935 zur Scheidung führte.

Im folgenden Jahr reiste sie mit ihrer Freundin und Geliebten nach Indien Alice Paalen . Während sich zwei Frauen nach der Reise nie wieder sahen, wurde Lesbianismus zu einem wiederkehrenden Thema in Penroses Werk, das sich oft um Emilie- und Rubia-Figuren drehte.

Frauengeschenke (4) von Valentin Penrose , 1951, über AWARE, Paris

Ihr Collage-Roman von 1951 Gaben des Weiblichen gilt als das archetypische surrealistische Buch. Das Buch erzählt die Abenteuer der beiden Liebenden, die durch fantastische Welten reisen, und ist eine fragmentierte Sammlung zweisprachiger Gedichte und nebeneinander gestellter Collagen, die ohne Kontinuität und mit zunehmender Komplexität organisiert sind.

Immer das Stereotyp der idealen Frau in Frage stellend, veröffentlichte sie 1962 ihr berühmtestes Werk, die romantisierte Biographie der Serienmörderin Elizabeth Bathory, die Bloody Countess. Der Roman, der die Geschichte eines lesbischen Gothic-Monsters erzählt, erforderte ein Jahr Recherche in Frankreich, Großbritannien, Ungarn und Österreich.

Nachdem sie ihrem Ex-Mann immer verschlossen geblieben war, verbrachte sie ihre letzten Jahre zusammen mit seiner zweiten Frau, einer amerikanischen Fotografin, in seinem Farley Farm House Lee Miller , auch bekannt als Lady Penrose.

Claude Cahun

Fotografien von Claude Cahun und Marcel Moore wie abgebildet in einem Standbild von Barbara Hammer, Lover Other: Die Geschichte von Claude Cahun und Marcel Moore , 2006 über MoMA, New York

Claude Cahun wurde 1894 in Nantes als Lucy Renee Mathilde Schwob geboren. Claude Cahun, ebenfalls Tochter eines jüdischen Vaters, eines Mitglieds der Arbeiterklasse und einer Lesbe, erschuf viele verschiedene Persönlichkeiten, um Diskriminierung und Vorurteilen zu entgehen, angefangen bei der Wahl eines Pseudonyms, eines Geschlechts- neutraler Name, den sie die meiste Zeit ihres Lebens annahm.

Cahun ist ein emblematisches Beispiel für eine Künstlerin, die während ihrer Zeit fast unbekannt blieb, Popularität und Anerkennung in den letzten Jahren gewonnen , nach wie vor eine der bekanntesten Künstlerinnen des Surrealismus. Oft als Vorläuferin der postmodernen feministischen Kunst angesehen, wurde ihre geschlechtsspezifische Kunst und die erweiterte Definition von Weiblichkeit, die sie vorschlug, zu einem grundlegenden Präzedenzfall im postmodernen Diskurs und im Feminismus der zweiten Welle.

Selbstporträt von dem Ich bin im Training, küss mich nicht Serie von Claude Cahun , 1927, über The Guardian

Cahun kam über die AEAR, die Association des Écrivains et Artistes Révolutionnaires, in Kontakt mit den Surrealisten, wo sie Breton 1931 kennenlernte. In den folgenden Jahren stellte sie regelmäßig mit der Gruppe aus: Ihr berühmtes Foto von Sheila Legge auf dem Trafalgar Square erschien darin zahlreiche Zeitschriften und Publikationen.

Als Mitglied sowohl des Surrealismus als auch der französischen kommunistischen Gruppe erhielt Cahun als Lesbe nicht viel Solidarität von beiden. Trotz der revolutionären Haltung betrachteten die Kommunisten Homosexualität als einen Luxus, den sich nur die ausschweifende Elite leisten konnte. Breton hingegen akzeptierte es nie vollständig, abgesehen von den wenigen verlockenden lesbischen Bildern, die zur männlichen Unterhaltung bestimmt waren.

Sie lebte mit ihrer Stiefschwester und lebenslangen Partnerin Suzanne Malherbe zusammen, die auch das männliche Pseudonym Marcel Moore annahm. Lohnunterschiede machten es Frauen absichtlich unmöglich, sich selbst zu versorgen, sodass sie sich zum Überleben auf die wirtschaftliche Unterstützung von Cahuns Vater verlassen mussten.

Was willst du von mir? von Claude Cahun , 1929, über das Metropolitan Museum of Art, New York

In Ermangelung eines externen Publikums entstand Cahuns Kunst hauptsächlich in ihrem und Marcels häuslichem Umfeld, was einen ungefilterten Einblick in ihre künstlerischen Experimente ermöglicht. Durch die Verwendung von Masken und Spiegeln reflektierte Cahun die Natur der Identität und ihre Pluralität und schuf damit einen Präzedenzfall für postmoderne Künstler wie Cindy Shermann .

Mit ihren Fotos lehnte Cahun die modernistischen (und surrealistischen) Mythen der essentiellen Weiblichkeit und der idealen Frau ab und übertraf sie, indem sie die postmoderne Idee hervorbrachte, dass Geschlecht und Sexualität tatsächlich konstruiert und aufgeführt werden und dass die Realität nicht nur ist durch Erfahrung bekannt, aber durch Diskurs vermittelt und definiert.

Während der deutschen Invasion wurden Claude und Marcel wegen ihrer antifaschistischen Bemühungen verhaftet und zum Tode verurteilt. Obwohl sie bis zum Tag der Befreiung überlebten, erholte sich Claudes Gesundheit nie vollständig und starb schließlich 1954 im Alter von sechzig Jahren. Marcel überlebte sie bis 1972, als sie Selbstmord beging.

Spielzeug

Kartoffeltheater von Toyen , 1941, über The Ekphrastic Review (links); mit Porträt von Toyen , 1919, via Hamburger Kunsthalle (right)

Geboren als Marie Čermínová 1902, Spielzeug war Teil des tschechischen Surrealismus und arbeitete eng mit surrealistischen Dichtern zusammen Heinrich von der Steiermark . Wie Cahun nahm auch Toyen ein geschlechtsneutrales Pseudonym an, wahrscheinlich inspiriert von den französischen Citoyen-Bürgern. Als sexuell zweideutiger Charakter missachtete Toyen Geschlechterkonventionen völlig, indem er sowohl männliche als auch weibliche Kleidung trug und die Pronomen beider Geschlechter annahm.

Obwohl er dem französischen Surrealismus skeptisch gegenüberstand, teilte Toyens Kunst viele Themen mit Bretons Bewegung, und in den 1930er Jahren war der Künstler zu einem wesentlichen Mitglied des Surrealismus geworden. Toyens Interesse an dunklem Humor und Erotik, das immer grenzüberschreitend war, festigte den Künstler in der surrealistischen Tradition der hypersexualisierten, respektlosen Kunst, die von der Schriften des Marquis de Sade .

1909, Apollinaire hatte eines der seltenen Manuskripte von De Sade in der Biblioteque National in Paris gefunden. Tief beeindruckt beschrieb er ihn in seinem Essay als den freiesten Geist, der je gelebt hat Das Werk des Marquis de Sade , was zur Wiederbelebung der Popularität von De Sade unter den surrealistischen Künstlern beitrug.

Der Paravent von Toyen , 1966, über Schirn Zeitschrift, Frankfurt

De Sade, von dessen Namen Sadismus und Sadist stammen, verbrachte den größten Teil seines Lebens entweder inhaftiert oder in Irrenanstalten eingewiesen wegen seines Schreibens, das philosophische Diskurse mit Pornografie, Blasphemie und sexuellen Gewaltphantasien verband. Stark zensiert wurden seine Bücher dennoch beeinflusste die europäischen intellektuellen Kreise in den letzten drei Jahrhunderten .

Wie die Bohemiens vor ihnen waren Surrealisten von seinen Geschichten fasziniert, identifizierten sich mit de Sades revolutionärer und provokanter Persönlichkeit und bewunderten seine kontroversen Angriffe auf bürgerlichen Geschmack und Prüderie.

Durch die Mischung von Gewalt und sexuellem Impuls wurde die sadistische Haltung zu einem Mittel, um die angeborenen Triebe zu befreien, die im Unbewussten lauern: Sade ist der Surrealist im Sadismus, der angekündigt wurde Zuerst Manifest des Surrealismus . Toyen huldigte dem freizügigen Schriftsteller, indem er eine Reihe erotischer Illustrationen für Štyrskýs tschechische Übersetzung produzierte Justine.

Der Schießstand von Toyen , 1939-40, über Sotheby’s

Der politische Aspekt von Toyens Kunst, der nie fehlte, wurde dennoch deutlicher, als sich die politische Situation in Europa verschlechterte: Der Schießstand Serie zeigt die zerstörerische Natur des Krieges anhand der Ikonografie von Kinderspielen. Nachdem er sich 1948 nach dem kommunistischen Staatsstreich in der Tschechoslowakei in Paris niedergelassen hatte, blieb Toyen bis zu seinem Tod 1980 aktiv und arbeitete weiterhin mit dem Dichter und Anarchisten Benjamin Péret und dem tschechischen Maler zusammen Jindrich Heisler .

Surrealistische Künstlerinnen der zweiten Generation

Ithell Colquhoun

Porträt von Ithell Colquhoun, 1949 (links); mit Gorgo von Ithell Colquhoun , 1946, über Arusha Gallery, Edinburgh (rechts

Während des Zweiten Weltkriegs getrennt, tendierten die Surrealisten der zweiten Generation dazu, sich von der Kernbewegung abzuwenden und ihre eigenen Forschungsgebiete zu entwickeln.

Künstlerinnen haben sich die surrealistische Idee der mythischen Frau wieder angeeignet und sie in das mächtige Bild der Zauberin umgeformt, eines mächtigen Wesens, das ihre transformativen und generativen Kräfte kontrolliert. Das Frau-Kind die die erste Generation surrealistischer Künstlerinnen inspirierte, war nun zu der herangewachsen Hexenfrau, die Meisterin ihrer eigenen schöpferischen Kraft.

Während männliche Künstler einen externen Vermittler, häufig den weiblichen Körper, als Stellvertreter für ihr Unterbewusstsein zu benötigen schienen, hatten weibliche Künstler keine solchen Barrieren und nutzten ihren eigenen Körper als Grundlage für ihre Suche. Das Selbst Andersartigkeit , das Alter Ego, durch das Künstlerinnen ihr Inneres erforschten, war nicht das andere Geschlecht, sondern die Natur selbst, oft dargestellt durch Bestien und fantastische Kreaturen.

Wie Hille es ausdrückte, blickten Surrealisten mit einem Auge nach außen und einem nach innen. Carrington [und Varo] hatten jedoch beide Augen offen und betrachteten sowohl das Reale als auch das Magische in der Realität.

Die versunkene Kathedrale von Ithell Colquhoun , 1952, über Christie’s (links); mit bittere Abgründe von Ithell Colquhoun , 1939, in der Hunterian Art Gallery, University of Glasgow, via Art UK (rechts)

Für ihre Generation, die zwei Weltkriege, Wirtschaftskrise und eine gescheiterte Revolution erlebte, waren Magie und Primitivismus befreiend. Für Künstler war Magie ein Mittel zur Veränderung, das die Unmengen von Kunst und Wissenschaft vereinte und außer Kraft setzte, eine dringend benötigte Alternative zu Religion und Positivismus, die zu den Gräueltaten des Krieges geführt hatten. Für Frauen schließlich die Okkultismus wurde zu einem Mittel, um patriarchalische Ideologien zu untergraben und das weibliche Selbst zu stärken.

Geboren 1906 in Shillong, Britisch-Indien, Ithel Colquhoun interessierte sich im Alter von siebzehn Jahren für Okkultismus, nachdem er Crowleys gelesen hatte Abtei von Thelema . Sie wurde an der Slade School of Art ausgebildet und zog 1931 nach Paris. Ihre Karriere begann jedoch in Großbritannien: Ende der 1930er Jahre war sie mit einer Reihe von Einzelausstellungen zu einer der herausragenden Persönlichkeiten geworden des britischen Surrealismus. Ihre Zugehörigkeit zur Bewegung war jedoch nur von kurzer Dauer und verließ sie nach nur einem Jahr, als sie gezwungen war, zwischen Surrealismus und Okkultismus zu wählen.

Tanz der neun Opale von Ithell Colquhoun , 1941, über die Website von Ithell Colquhoun (links); mit Skylla von Ithell Colquhoun , 1938, über Tate, London (rechts

Während sie sich weiterhin als surrealistische Künstlerin definierte, erlaubte ihr die Trennung der formalen Bindungen an die Bewegung, eine persönlichere Ästhetik und Poetik zu entwickeln. In surrealistischer Manier wandte sie viele surrealistische Techniken wie Frottage, Abziehbild, Collage an und entwickelte gleichzeitig ihre eigenen Inspirationsspiele wie z streuen und Entoptische Graphomanie .

Kanalisierung der dunklen Macht von Künstlern wie z Artemisia Gentileschi , erkannte Colquhoun in Frauen ein Schöpfungs-, Heils- und Auferstehungspotential, das sie mit der Natur und dem Kosmos verband.

Ihre Arbeit, die Parallelen zwischen der Bewahrung der Natur und der Emanzipation der Frau zieht, schuf einen starken Präzedenzfall für die spätere Entwicklung des Ökofeminismus.

Die Suche nach der verlorenen Göttin repräsentierte die Wiederverbindung der Frau mit der Natur und die Wiederentdeckung ihrer eigenen Stärke, die Reise, die zur Rückgewinnung von Wissen und Macht führte.

Leonora Carrington

Porträt von Leonora Carrington , über Galerie Wendi Norris, San Francisco (links); mit Selbstporträt von Leonora Carrington , 1937-38, über The Metropolitan Museum of Art, New York (rechts)

Leonora Carrington, eine der langlebigsten und produktivsten surrealistischen Künstlerinnen, war eine britische Künstlerin, die während der surrealistischen Diaspora nach Mexiko floh.

Jahrgang 1917, Leonora Carrington war die Tochter eines wohlhabenden britischen Textilfabrikanten und einer irischen Mutter. Aufgrund ihrer rebellischen Haltung wurde sie von mindestens zwei Schulen verwiesen. Über zwanzig Jahre jünger als die meisten Surrealisten, kam Carrington fast ausschließlich durch Ausstellungen und Publikationen mit der Bewegung in Kontakt.

1937 lernte sie Max Ernst auf einer Party in London kennen. Die beiden freundeten sich sofort an und zogen zusammen nach Südfrankreich, wo er sich prompt von seiner Frau trennte. Eines ihrer berühmtesten Werke, Selbstbildnis (Gasthaus des Morgenröte) wurde in dieser Zeit gemalt.

Grüner Tee von Leonora Carrington , 1942, über MoMA, New York

Mit Ausbruch des Zweiten Weltkriegs wurde Ernst als unerwünschter Ausländer interniert, kam aber dank Eluards Fürsprache wieder frei. Erneut von der Gestapo verhaftet, entkam er nur knapp dem Internierungslager, was ihn veranlasste, Asyl in den Staaten zu suchen, wo er mit Hilfe von Peggy Guggenheim und Varian Fry emigrierte.

Carrington wusste nichts von Ernsts Schicksal, verkaufte ihr Haus und floh ins neutrale Spanien. Am Boden zerstört erlitt sie in der britischen Botschaft in Madrid einen Nervenzusammenbruch. Carrington wurde ins Krankenhaus eingeliefert und mit einer Krampftherapie und schweren Medikamenten behandelt, die sie zu Halluzinationen in und aus dem Bewusstsein brachten. Nach seiner Freilassung floh Carrington nach Lissabon und sicherte sich die Überfahrt nach Mexiko, indem er Mexikaner heiratete Botschafter Renato Deluc. Dort lebte sie für den Rest ihres Lebens bis zu ihrem Tod im Jahr 2011.

Und dann sahen wir die Tochter des Minotaurus von Leonora Carrington , 1953, über MoMA, New York

Ähnlich wie bei Colquhoun wurde Carringtons Suche nach der Entdeckung einer auf Frauen ausgerichteten Spiritualität von Groves‘ Essay beeinflusst Die weiße Göttin 1948 veröffentlicht, das ein erneutes Interesse an heidnischen Mythologien weckte.

Ein beliebter Mythos für surrealistische Künstlerinnen war der eines matriarchalischen Ursprungs der Menschheit: Trotz seiner historischen Genauigkeit bot der Mythos Frauen ein ermächtigendes Bild und forderte den weiblichen Schöpfungsmythos als tragfähiges Modell für weibliche Kreativität zurück. Inspiriert von dieser neuen Mythologie, Surrealistische Frauen der zweiten Welle stellten sich fantastische egalitäre Gesellschaften vor, in denen Mensch und Natur in Harmonie lebten: eine Vision der Zukunft, die durch die Agentur der Frauen geschaffen wurde.