9 Mal inspirierte die Kunstgeschichte Modedesigner

Geschichte der Modekunst

Linda Evangelista in einer „Warhol Marilyn“-Robe von Gianni Versace, 1991; mit dem Mondrian-Kleid von Yves Saint Laurent, Herbst-/Winterkollektion 1965; und ein Kleid aus der Resort-Kollektion von Alexander McQueen, 2013





Im Laufe der Geschichte gingen Mode und Kunst Hand in Hand und schufen eine großartige Mischung. Viele Modedesigner haben sich für ihre Kollektionen Ideen aus Kunstrichtungen geliehen, die es uns ermöglichen, Mode als Kunstform zu interpretieren. Kunst dient uns vor allem dazu, Ideen und Visionen auszudrücken. Als exquisite Ode an die Kunstgeschichte finden Sie unten neun tragbare Kunstwerke, die von visionären Modedesignern der USA entworfen wurden20. Jahrhundert.

Madeleine Vionnet: Eine Modedesignerin, die die alte Geschichte kanalisiert hat

geflügelter Sieg von Samothrake

Der geflügelte Sieg von Samothrake , 2. Jahrhundert v. Chr., über den Louvre, Paris



1876 ​​in Nord-Zentral-Frankreich geboren, Frau Vionnet war als Architekt der Schneiderinnen bekannt.Während ihres Aufenthalts in Rom war sie fasziniert von der Kunst und Kultur der griechischen und römischen Zivilisationen und inspiriert von antiken Göttinnen und Statuen.Basierend auf diesen Kunstwerken formte sie ihre Stilästhetik und kombinierte Elemente der griechischen Skulptur und Architektur, um dem weiblichen Körper eine neue Dimension zu verleihen. Mit ihrer Meisterfähigkeit von Drapierende und schräg geschnittene Kleider , revolutionierte sie die moderne Mode. Vionnet wandte sich oft an Kunstwerke wie der geflügelte Sieg von Samothrake für ihre kreativen Kollektionen.

Die Ähnlichkeit zwischen dem Meisterwerk vonHellenistischKunst und Vionnets Muse ist auffallend.Der tiefe Fall des Stoffes im Stil des griechischen Chitons erzeugt vertikale Lichtbänder, die die Figur hinunterfließen.Die Skulptur wurde als Hommage an Nike geschaffen, die griechische Göttin des Sieges und wird für seine realistische Bewegungsdarstellung bewundert. Der fließende Faltenwurf von Vionnets Design ähnelt der Bewegung des wogenden Stoffes, der sich an Nikes Körper schmiegt.Kleider können wie Lebewesen mit einer Seele sein, genau wie der Körper. Wie Geflügelter Sieg von Samothrake , Vionnet kreierte Kleider, die Menschen wecken. Der Klassizismus, sowohl als Ästhetik als auch als Designphilosophie, gab Vionnet die Möglichkeit, ihre Vision in geometrischer Harmonie zu vermitteln.



bas relief fries kleid madeleine vionnet

Frieskleid mit Basrelief von Madeleine Vionnet , fotografiert von George Hoyningen-Huene für die französische Vogue, 1931, über Condé Nast

Vionnet war auch fasziniert von modernen Kunstbewegungen, wie z Kubismus . Sie begann sich zu integrieren geometrische Formen in ihre Kreationen und entwickelte eine andere Methode, um sie zu schneiden, das sogenannte Bias-Cutting. Vionnet hat natürlich nie behauptet, den Schrägschnitt erfunden zu haben, sondern nur erweiterte seinen Einsatz . Als Frauen zu Beginn des 20. Jahrhunderts große Fortschritte im Kampf für ihre Rechte machten, verteidigte Vionnet ihre Freiheit, indem sie das langlebige viktorianische Korsett aus der täglichen Kleidung der Frauen abschaffte. Daher wurde sie zu einem Symbol der Frauen Befreiung von der Einengung der Bustiers , undStattdessen wurden neue, leichtere Stoffe auf den Markt gebrachtauf weiblichen Körpern schweben.

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Valentino und Hieronymus Bosch

Garten der irdischen Freuden

Der Garten der Lüste von Hieronymus Bosch , 1490 – 1500, über Prado-Museum, Madrid

Pierpaolo Piccioli ist der Hauptdesigner von Valentino. Die religiösen Kunstwerke aus dem Mittelaltersprechen ihn sehr an.Ausgangspunkt der Inspiration ist für ihn der Übergangsmoment vom Mittelalter zur nordischen Renaissance. Er arbeitete mit Zandra Rhodes zusammen und zusammen entwarfen sie im Frühjahr 2017 eine inspirierende Kollektion. Piccioli wollte die Punkkultur der späten 70er mit Humanismus und mittelalterlicher Kunst verbinden, also ging er zurück zu seinem Wurzeln und der Renaissance, Inspiration finden in Hieronymus Boschs Malerei Der Garten der Lüste .



Der berühmte niederländische Maler war einer der bemerkenswertesten Vertreter der nördlichen Renaissance während des 16. Jahrhunderts. Im der Garten der Lüste die Bosch vor der Reformation malte, wollte der Künstler den Himmel und die Erschaffung der Menschheit darstellen, die erste Versuchung mit Adam und Eva und die Hölle, die die Sünder vorwegnimmt. In der Mitteltafel scheinen Menschen ihren Appetit in einer vergnügungssüchtigen Welt zu stillen. Die Ikonographie von Bosch zeichnet sich durch Originalität und Sinnlichkeit aus. Das ganze Bild wird als Allegorie der Sünde gedeutet.

Valentino Garten der irdischen Freuden

Models auf dem Laufsteg bei der Modenschau Valentino Spring Summer 2017 während der Paris Fashion Week , 2016, Paris, über Getty Images



In dem Modewelt gewann das Gemälde an Popularität, da verschiedene Modedesigner von seinen Motiven verzaubert waren. Piccioli verbindet Epochen und Ästhetik und interpretiert sie neu Bosch-Symbole durch schwebende, transparente Kleider, während Rhodes die romantischen Drucke und gestickten Muster mit einer subtilen Anspielung auf die Originalkunstwerke kreierte. Farben waren definitiv ein Teil der Botschaft, die Modedesigner vermitteln wollten. So basiert die Kollektion schwebender Traumkleider auf der nordischen Farbpalette aus Apfelgrün, Blassrosa und Rotkehlchen-Ei-Blau.

Dolce & Gabbana und der Barock von Peter Paul Rubens

Rubens Venus Spiegelmalerei

Venus vor dem Spiegel von Peter Paul Rubens , 1615, über die Fürstlichen Sammlungen Liechtenstein, Wien; mit Dolce & Gabbana Modekollektion für Herbst/Winter 2020 fotografiert von Nima Benati , über die Nima Benati-Website



Peter Paul Rubens gemalte Frauen meisterhaft, ‘ mit Liebe, Gelehrsamkeit und Fleiß .‘ Er präsentierte seine Venus vor dem Spiegel als ultimatives Symbol der Schönheit. Rubens hat ihren hellen Teint und ihr helles Haar, das im Kontrast zu der dunkelhäutigen Dienerin steht, außergewöhnlich dargestellt. Das Spiegel ist das ultimative Symbol der Schönheit , das die Frau wie ein Porträt umrahmt und gleichzeitig die Nacktheit der Figur subtil betont. Der Spiegel, den Amor der Göttin vorhält, zeigt das Spiegelbild der Venus als Repräsentation des sexuellen Verlangens. Rubens, einer der Gründer von Barocke Kunst , und sein Konzept, bei dem Farben wichtiger sind als Linien, beeinflussten mehrere Modedesigner, darunter Dolce & Gabbana. Das Barocker Stil vom Geiste abgewichen Renaissance , gab die Ruhe und die Glätte auf und verfolgte stattdessen Eleganz, Aufregung und Bewegung.

frieden umarmt viel peter paul rubens

Frieden, der viel umarmt von Peter Paul Rubens , 1634, über Yale Center for British Art, New Haven; mit Dolce & Gabbana Modekollektion für Herbst/Winter 2020, fotografiert von Nima Benati , über die Nima Benati-Website



Die ModedesignerDomenico Dolce und Stefano Gabbana wollte eine Kampagne kreieren, die die sinnliche, aber auch die romantische Seite weiblicher Schönheit hervorhebt. Peter Paul Rubens war die geeignetste Inspirationsquelle. Die Kreationen des ikonischen Duos kamen in großen Einklang mit der Kunst des flämischen Malers. In dieser Kollektion posieren Models mit großer Noblesse und sehen aus, als wären sie gerade einem Gemälde von Rubens entsprungen. Die Kulisse wurde so gestaltet, dass sie an die barocken Spiegel und Stickereidetails erinnert. Die Anmut der Figuren und die Pastellfarbenpalette hoben das rosafarbene Brokatkleid perfekt hervor. Die Entscheidung der Modedesigner, verschiedene Modelle aufzunehmen, förderte den Körpertyp dieser Zeit noch mehr. Die kurvigen Linien, die Dolce und Gabbana verwendeten, widersprachen der Diskriminierung verschiedener Körpertypen in der Modebranche.

anne von österreich dolce gabbana

Porträt von Anna von Österreich von Peter Paul Rubens , 1621-25, über Rijksmuseum, Amsterdam; mit Model Lucette van Beek auf dem Laufsteg von Dolce & Gabbana, Herbst 2012 , fotografiert von Vittorio Zunino Celotto, via Getty Images

Die Damenkollektion Herbst 2012 von Dolce & Gabbana zeigt viele Merkmale der italienischen Barockarchitektur. Diese Kollektion passt perfekt zu den hochverzierten Merkmalen der Stil des sizilianischen Barocks . Die Modedesigner konzentrierten sich auf die barocke Architektur, wie sie in den katholischen Kirchen Siziliens zu sehen ist. Bezugspunkt war die Malerei von Rubens Das Porträt der Anna von Österreich . In ihr königliches Porträt , Anne von Österreich ist in spanischer Mode vertreten. Annes schwarzes Kleid ist verziert , mit vertikalen Streifen aus grüner Stickerei und goldenen Details. Die glockenförmige Hülse, bekannt als die Spanischer Great-Sleeve ist auch eine Signatur im spanischen Stil, ebenso wie der gekräuselte Spitzenkragen. Kunstvoll gestaltete Kleider und Capes aus luxuriösen Stoffen wie Spitze und Brokat stahlen Dolce und Gabbana die Show.

Kunst- und Modegeschichte: El Grecos Manierismus und Cristobal Balenciaga

el griechischer kardinal

Fernando Nino de Guevara von El Greco (Domenikos Theotokopoulos), 1600, über The Met Museum, New York

Christoph Balenciaga könnte als wahrer Modemeister bezeichnet werden, der die Damenmode im 20. Jahrhundert reformierte. Geboren in einem kleinen Dorf in Spanien, übertrug er die Essenz der spanischen Kunstgeschichte in seine zeitgenössischen Designs. Während seiner gesamten Karriere war Balenciaga beeindruckt von der Spanische Renaissance . Er suchte oft nach Inspiration bei spanischen Königen und Mitgliedern des Klerus. Balenciaga verwandelte die kirchlichen Stücke und klösterlichen Gewänder dieser Ära in tragbare Mode-Meisterwerke.

Eine seiner großen Inspirationen war der Manierist El Greco, auch bekannt als Dominikos Theotokopoulos. Anschauen El Grecos Kardinal Fernando Nino de Guevara , Es gibt eine Ähnlichkeit zwischen dem Umhang des Kardinals und dem Design von Balenciaga. Das Gemälde zeigt den spanischen Kardinal Fernando Niño de Guevara aus El Grecos Zeit in Toledo. El Grecos Ideen wurden vom Neuplatonismus der italienischen Renaissance abgeleitet, und in diesem Porträt zeigt er präsentiert den Kardinal als Symbol der Gnade Gottes . Der Manierismus ist im gesamten Gemälde präsent. Es fällt auf in der langgestreckten Figur mit dem kleinen Kopf, in den anmutigen, aber bizarren Gliedmaßen, den intensiven Farben und der Abkehr von klassischen Maßen und Proportionen.

balenciaga roter mantel

Ein Modell, das einen roten Abendmantel trägt von Cristóbal Balenciaga, Paris Fashion Week, 1954-55, über Google Arts and Culture

Balenciagas Leidenschaft für historische Kleidung zeigt sich in diesem extravaganten Abendmantel aus seiner Kollektion von 1954. Er hatte die Vision und die Fähigkeit dazu Formen in zeitgenössische Mode neu erfinden . Der übertriebene Statement-Kragen dieses Mantels spiegelt die Weite des Umhangs des Kardinals wider. Die rote Farbe in der Kleidung des Kardinals symbolisiert Blut und seine Bereitschaft, für den Glauben zu sterben. Die leuchtend rote Farbe wurde von dem berühmten Designer als außergewöhnlich angesehen, da er oft gewagte Farbkombinationen und leuchtende Farbtöne bevorzugte. Seine große Innovation bestand darin, die Taille zu eliminieren und fließende Linien, einfache Schnitte und Dreiviertelärmel einzuführen. Damit revolutionierte Balenciaga die Damenmode.

Der Designer führte auch die armbandlangen Ärmel ein, die es Frauen ermöglichten, ihren Schmuck zu zeigen. In den 1960er Jahren, während die fortschreitende Einführung von Frauen in die Arbeitswelt geschah, hatte Balenciaga die Idee, den Frauen, die er kleidete, Komfort, Freiheit und Funktionalität zu verleihen. Er förderte lockere, bequeme Kleider, die im Gegensatz zu den eng anliegenden Silhouetten der damaligen Zeit standen.

Die Symbolik von Alexander McQueen und Gustav Klimt

klimt alexander mcqueen

Erfüllung durch Gustav Klimt , 1905, via MAK – Museum für angewandte Kunst, Wien; mit Kleid aus der Resort-Kollektion von Alexander McQueen , 2013, über das Vogue-Magazin

Österreichischer Maler, Meister der Symbolismus , und Gründer der Vienna Sezession Bewegung, Gustav Klimt prägte die Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts. Seine Malerei und künstlerische Ästhetik sind seit langem ein Inspiration für Modedesigner . Unter anderen wie Aquilano Rimoldi, L’Wren Scott und Christian Dior war Alexander McQueen der Designer, der sich direkt auf Klimt bezog. In der Resort-Kollektion für die Frühjahr/Sommer-Kollektion 2013 designte er Unikate, die von der Arbeit des Malers inspiriert zu sein scheinen . Wenn man sich das fließende schwarze Kleid mit dem sich wiederholenden Goldmuster an der Oberseite ansieht, fällt einem vielleicht ein bestimmtes Gemälde ein. McQueen übernahm abstrakte, geometrische und mosaikartige Muster in Bronze- und Goldtönen und integrierte sie in seine Entwürfe.

1905 malte Gustav Klimt Erfüllung , eine Darstellung eines in einer zärtlichen Umarmung gefangenen Paares, das zu einem Symbol der Liebe wurde. Der österreichische Maler ist berühmt für seine goldenen Gemälde, aber auch für die perfekte Mischung aus Abstraktion und Farbe, die in diesen Werken vorhanden ist. Alle Mosaike haben satte Goldtöne mit kaleidoskopischen oder von der Natur abgeleiteten Dekorationen, die einen großen Einfluss auf die Mode hatten. Dieses Gemälde ist aufgrund der kontrastierenden geometrischen Formen zwischen den Kleidungsstücken der beiden Liebenden lebendig. Das Gewand des Mannes besteht aus schwarzen, weißen und grauen Quadraten, während das Kleid der Frau mit ovalen Kreisen und Blumenmotiven verziert ist. Auf diese Weise hat Klimt meisterhaft verdeutlicht den Unterschied zwischen Männlichkeit und Weiblichkeit .

Christian Dior, Das Designer der Träume, Und Claude Monets Impressionistische Gemälde

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Der Garten des Künstlers in Giverny von Claude Monet , 1900, über das Kunstgewerbemuseum, Paris

Der Gründer von Impressionismus und einer der größten französischen Maler der Kunstgeschichte, Claude Monet hinterließ ein großes künstlerisches Werk. Monet ließ sich von seinem Haus und seinem Garten in Giverny inspirieren und fing die natürliche Landschaft in seinen Gemälden ein. Genauer gesagt in dem genannten Gemälde Der Garten des Künstlers in Giverny, Es gelang ihm, die natürliche Landschaft nach seinen Bedürfnissen zu manipulieren. Der Kontrast des braunen schlammigen Weges gegen die lebendige Farbe der Blumen ergänzt die Szene. Der berühmte Impressionist wählte die Iris oft wegen ihrer violetten Farbe, um den Effekt einer hellen Sonne zu erzielen. Dieses Gemälde ist voller Leben, da die Blumen blühen und den Frühling umarmen. Die Blütenblätter von Rosen und Flieder, Schwertlilien und Jasmin sind Teil eines farbenfrohen Paradieses, das auf eine weiße Leinwand übertragen wurde.

miss dior kleid christian dior

Miss Dior Kleid von Christian Dior Haute Couture , 1949, über das Kunstgewerbemuseum, Paris

Im gleichen Geist, Christian Dior , ein Pionier der französischen Couture, prägte die Modewelt bis heute. 1949 entwarf er eine Haute-Couture-Kollektion für die Frühjahr/Sommer-Saison. Einer der Höhepunkte dieser Ausstellung war die ikonische Frau Dior Kleid, komplett mit Blütenblättern in verschiedenen Rosa- und Violetttönen bestickt. Dior hat die beiden Welten Kunst und Mode perfekt illustriert und Monets Ästhetik in diesem funktionellen Kleid imitiert. Früher verbrachte er viel Zeit auf dem Land und zeichnete seine Sammlungen in seiner Garten in Granville , genau wie Monet es getan hat. Auf diese Weise hat er definierte den eleganten „Dior“-Stil , indem er die Farbpalette und die Blumenmuster von Monet in seine Kreationen einbezog.

Yves Saint Laurent, Mondrian und De Stijl

rot blau gelb piet mondrian kleid

Komposition mit Rot, Blau und Gelb von Piet Mondrian, 1930, via Kunsthaus Zürich Museum; with Das Kleid Mondrian von Yves Saint Laurent , Sammlung Herbst/Winter 1965, via Met Museum, New York

Mondrian war einer der ersten Künstler, die im 20. Jahrhundert abstrakte Kunst malten. Er wurde 1872 in den Niederlanden geboren und gründete eine ganze Kunstbewegung namens The Der Style . Das Ziel der Bewegung war es verbinden moderne Kunst und Leben . Der Stil, auch bekannt als Neoplastizismus, war eine Form der abstrakten Kunst, bei der nur geometrische Prinzipien und Primärfarben wie Rot, Blau und Gelb mit neutralen Farben (Schwarz, Grau und Weiß) kombiniert wurden. Mondrians innovativer Stil des frühen 20. Jahrhunderts veranlasste Modedesigner, diese reine Art abstrakter Kunst nachzubilden. Das beste Beispiel für ein Gemälde von De Stijl ist die Komposition mit Rot, Blau und Gelb .

Als Kunstliebhaber integrierte der französische Modedesigner Yves Saint Laurent Mondrians Gemälde in seine Haute-Couture-Kreationen. Er wurde zum ersten Mal von Mondrian inspiriert, als er ein Buch über das Leben des Künstlers las, das ihm seine Mutter zu Weihnachten schenkte.

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Mondrian-Kleider im Museum of Modern Art von Yves Saint Laurent, 1966 über die Khan Academy

Yves Saint Laurent sagte sogar: „Mondrian ist Reinheit, und beim Malen geht es nicht weiter. Das Meisterwerk des zwanzigsten Jahrhunderts ist ein Mondrian.

Der Designer zeigte seine Wertschätzung für Mondrian in seiner Herbstkollektion 1965, die als The bekannt ist Mondrian-Sammlung . Inspiriert von den geometrischen Linien und kräftigen Farben des Malers präsentierte er sechs Cocktailkleider prägte seinen ikonischen Stil und die sechziger Jahre im Allgemeinen. Jedes von den Mondrian-Kleider variierten ein wenig, aber alle hatten die schlichte A-Linienform und die ärmellose Knielänge gemeinsam, die jedem Figurtyp schmeichelte.

Elsa Schiaparelli und Salvador Dali

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Drei junge surrealistische Frauen, die die Felle eines Orchesters von Salvador Dalí im Arm halten ,1936, über das Dali-Museum, St. Petersburg, Florida

1890 in eine in Rom ansässige Adelsfamilie geboren, Elsa Schiaparelli drückte bald ihre Liebe zur Modewelt aus. Sie würde beginnen, ihren revolutionären Stil zu entwickeln, der vom Futurismus inspiriert ist, Dadaist , und Surrealismus . Im Laufe ihrer Karriere hat sie in Verbindung gebracht mit bekannten Surrealisten und Dadaisten wie Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp , und Jean Cocteau. Sie arbeitete sogar mit dem spanischen Künstler Salvador Dali zusammen. Seine ästhetische und surrealistische Absurdität machte Dali zum berühmtesten Maler der Welt Bewegung des Surrealismus .

Tränenkleid schiaparelli

Das Tränenkleid von Elsa Schiaparelli und Salvador Dali , 1938, über das Victoria and Albert Museum, London

Einer der Besten Kooperationen in der Modegeschichte war die von Dali und Elsa Schiaparelli. Dieses Kleid wurde zusammen mit erstellt Salvador Dalí , als Teil von Schiaparellis Circus-Kollektion aus dem Sommer 1938. Das Kleid nimmt Bezug auf Dalis Gemälde, in dem er Frauen mit zerrissenem Fleisch darstellte.

dali und schiaparelli

Ein Foto von Salvador Dalií und Elsa Schiaparelli , um 1949, über das Dalí-Museum

Für surrealistische Künstler Die Suche nach der idealen Frau war zum Scheitern verurteilt , da das Ideal nur in ihrer Vorstellung und nicht in der Realität existierte. Dalis Absicht war es jedoch nicht Frauen darstellen realistisch, daher sind ihre Körper überhaupt nicht ästhetisch ansprechend. Schiaparelli wollte mit diesem Spiel des Verhüllens und Enthüllens des Körpers experimentieren, um die Illusion von Verwundbarkeit und Entblößung zu erzeugen. Das Tränen-Illusions-Kleid wurde aus hellblauem Seidenkrepp hergestellt und der Druck wurde von Dalí entworfen, um den drei Frauen aus seinem Gemälde zu ähneln. Die Risse zeigen die rosa Unterseite des Stoffes, wobei ein dunkleres Rosa in den Löchern zum Vorschein kommt.

Modedesigner & Pop Art: Gianni Versace und Andy Warhol

Marilyn Diptychon Andy Warhol

Marilyn Diptychon von Andy Warhol , 1962, über Tate, London

Das Pop-Art Ära war wahrscheinlich die einflussreichste Zeit für Modedesigner und Künstler in der Kunstgeschichte. Andy Warhol Pionier einer Kombination aus Popkultur und High Fashion, die ihn zu einer Ikone machte Symbol der Pop-Art-Bewegung . In den sechziger Jahren begann Warhol, seine charakteristische Technik, den Siebdruck, zu praktizieren.

Eines seiner frühesten und zweifellos berühmtesten Werke war Das Marilyn-Diptychon . Für dieses Kunstwerk ließ er sich nicht nur von der Popkultur, sondern auch von der Kunstgeschichte und Malern des abstrakten Expressionismus inspirieren. Warhol eroberte die beiden Welten von Marily Monroe, das öffentliche Leben des Hollywoodstars und die tragische Realität von Norma Jeane, der Frau, die mit Depressionen und Sucht zu kämpfen hatte. Das Diptychon verstärkt links die Lebendigkeit, während es rechts in Dunkelheit und Dunkelheit übergeht. In einem Versuch zu präsentieren eine Gesellschaft des Konsumismus und Materialismus , stellte er Individuen eher als Produkte denn als Menschen dar.

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Linda Evangelista in einer „Warhol Marilyn“-Robe von Gianni Versace , 1991

Der italienische Designer Gianni Versace hatte eine langjährige Freundschaft mit Andy Warhol. Beide Männer waren von der Populärkultur bezaubert. Um Warhol zu gedenken, widmete Versace ihm 1991 seine Frühjahr/Sommer-Kollektion. Eines der Kleider zeigte Warhols Marilyn Monroe-Prints. Auf Röcken und Maxikleidern verarbeitete er farbenfrohe Siebdruckporträts von Marilyn und James Dean aus den 1960er-Jahren.