Kunst und Mode: 9 berühmte Kleider in der Malerei, die den Frauenstil verbessern

Porträt von Madame X von John Singer Sargent, 1883-84 (links); mit Der Musiker von Tamara de Lempicka, 1929 (Mitte); und Sinfonie in Weiß Nr. 1: Das weiße Mädchen von James McNeill Whistler, 1862 (rechts)

Für diese Frauen wurde alles von ihrem Reichtum, Charakter und ihrer politischen/gesellschaftlichen Haltung zu einem Hinweis darauf, wer sie waren, basierend auf diesen Gemälden. Ob sie es wussten oder nicht, sie beeinflussten Modetrends, empörten Kritiker und nutzten Mode, um sich der Welt um sie herum zu präsentieren. Unten sind neun Gemälde mit berühmten Kleidern, die von der reichen Renaissance bis in die Neuzeit .

Renaissance-Gemälde mit berühmten Kleidern

Das Renaissance war eine Zeit der kulturellen und künstlerischen Wiederbelebung, wie Der Klassizismus feierte ein revolutionäres Comeback in den europäischen Gesellschaften . In dieser Zeit gab es jedoch auch bedeutende Veränderungen in der Mode; Werfen Sie einen Blick darauf, wie berühmte Kleider in Gemälden die Mode während der Renaissance beeinflussten.

Das Arnolfini-Porträt (1434) von Jan van Eyck

Das Arnolfini-Porträt von Jan van Eyck , 1434, über die National Gallery, London

Jan van Eyck 's Arnolfini Hochzeitsportrait ist eine Grundvoraussetzung für das Studium von Stoffen in der Porträtmalerei. Van Eycks Technik überlässt nichts der Fantasie, da seine Herangehensweise an das Bemalen von Stoffen ein realistisches und dreidimensionales Erlebnis schafft. Das juwelenfarbene Smaragdgrün ihres Wollkleides und die mit Hermelin gefütterten Ärmel zeigen den Status der Familien, da sich nur wohlhabende Kunden die oben abgebildeten Stoffe leisten konnten.

Wolle, Seide, Samt und Pelz waren im Vergleich zu Baumwolle oder Leinen seltener und teurer in der Herstellung und ein Statussymbol dafür, wie viel man sich leisten konnte. Es zeigt auch den Reichtum ihres Mannes, da es zeigt, dass er es sich leisten konnte, viele Meter Stoff zu kaufen, um ihr Kleid herzustellen. Eine der am meisten diskutierten Fragen rund um das Gemälde ist, ob die abgebildete Frau (vermutlich Arnolfinis Frau) schwanger ist oder nicht. Renaissance-Röcke waren so weit und schwer, dass Frauen ihre Röcke anhoben, damit sie sich leichter bewegen ließen.

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Die sehr reichen Stunden des Herzogs von Berry April von den Brüdern Limburg , 1412-16, im Musée Condé, Chantilly, über The Web Gallery of Art, Washington D.C. (links); mit Die sehr reichen Stunden des Herzogs von Berry Der Garten Eden bis zum Brüder Limburg , 1411-16, im Musée Condé, Chantilly, über The Web Gallery of Art, Washington D.C. (rechts)

Die hinzugefügten üppigen Falten ihres Kleides zeigen auch einen Trend zur Darstellung von Frauen mit kurvigeren Mittelteilen, da sie die Hoffnung zeigten, während der Ehe Kinder zu zeugen. Ein weiteres Beispiel dafür sind die Brüder Limburg. Die sehr reichen Stunden des Herzogs von Berry. In beiden Bildern sind Frauen mit runderen Bäuchen dargestellt. Das Bild links zeigt eine Hochzeit und ist mit dem Arnolfini-Porträt vergleichbar, da beide Frauen das Bild der Mutterschaft in Erwartung einer Schwangerschaft vermitteln. Ohne das Gemälde mit einem modernen Objektiv zu betrachten, kann man dies als eine Aufzeichnung dessen sehen, was Frauen trugen und was für die Menschen wichtig war, um es anderen zu offenbaren.

Gemälde des Barock und Rokoko

Das Barock und Rokoko Epochen können durch aufwendige Dekoration, Dekadenz und Verspieltheit gekennzeichnet sein. Diese Trends zeigten sich nicht nur in der Kunst, sondern auch in der Mode durch komplizierte Ornamente und üppige Kleider. Werfen Sie einen Blick auf einige der berühmten Kleider, die von Kunstwerken inspiriert sind.

Elizabeth Clarke Freak (Frau John Freak) und Baby Maria (1674)

Elizabeth Clarke Freak (Frau John Freak) und Baby Maria von einem unbekannten Künstler , 1674, Kunstmuseum Worcester

Die Liebe zum Detail und der Fokus auf Kleidung dieses unbekannten Künstlers machen dieses Gemälde zu einer wichtigen Lebensaufzeichnung für Puritaner aus Neuengland . Auf diesem Bild ist Elizabeth mit edlen Stoffen und Accessoires aus dem Amerika des 17. Jahrhunderts geschmückt. Ihr weißer Spitzenkragen weist auf die beliebte europäische Spitze hin, die bei aristokratischen Frauen zu finden ist. Von ihrem Kleid ragt ein golden bestickter Unterrock aus Samt hervor, und ihre Ärmel sind mit Bändern verziert. Sie ist mit Schmuck aus der Perlenkette, dem Goldring und dem Granatarmband geschmückt. Dieses Gemälde bietet einen einzigartigen Einblick in das puritanische Leben von Elizabeth und ihrer Familie.

Der Künstler ist in der Lage, Bilder seines Reichtums in einer bescheidenen Umgebung zu verschmelzen. Das Gemälde zeigt deutlich Elizabeths Reichtum, da sie sich dafür entscheidet, ihr bestes Kleidungsstück und ihren besten Schmuck zu tragen. Es spiegelt auch den Reichtum ihres Mannes, John Freake, wider, sich diesen Luxus leisten zu können und dieses Porträt sowie eines seiner eigenen in Auftrag zu geben. Das Gemälde würde auch ihre puritanische Haltung der Dankbarkeit gegenüber Gott zum Ausdruck bringen, da sie ohne seinen Segen nicht in der Lage wären, diesen Luxus zu haben.

Die Schaukel (1767) von Jean-Honoré Fragonard

Die Schaukel von Jean-Honoré Fragonard , 1767, über The Wallace Collection, London

Jean-Honoré Fragonard 's Die Schaukel ist ein Beispiel für den Rokokostil in französischen Adelskreisen. Das Gemälde war ein privater Auftrag, bei dem ein französischer Höfling Fragonard bat, dieses Gemälde von sich und seiner Geliebten zu schaffen. Während das Gemälde hinter verschlossenen Türen platziert wurde, offenbart es den Luxus, die Frivolität und die geheime Natur des französischen Königshofs.

Das pastellrosa Kleid sticht aus dem üppigen Garten heraus und ist der Mittelpunkt des Stücks. Fragonard bemalt das Kleid mit lockeren Pinselstrichen, die die ausladenden Röcke und das gekräuselte Oberteil ihres Kleides nachahmen. Seine lockere Pinselführung deckt sich mit seinem Thema dieser idyllischen Gartenszene, die voller koketter und skurriler Bilder ist. Bei all den Verengungen von Korsetts, Hektik und Umschließungen weiblicher Kleidungsstücke war der untere Saum eines Frauenrocks der einzige Ort, an dem es keine gab. Fragonard nutzte dies zu seinem Vorteil, als er die Frau porträtierte, die genau an der perfekten Stelle nach oben schwingt, damit ihr Geliebter ihren Rock hochsehen kann. Der private Auftrag ermöglichte es Fragonard, mit seinem Thema zu experimentieren, und ermöglichte es den Zuschauern, aufzudecken, wie das Leben der reichsten Leute am Hof ​​gewesen wäre.

Französisches Kleid, ein Kleid aus dem Frankreich des 18. Jahrhunderts , 1770, über das Metropolitan Museum of Art, New York

Seine Malerei zeigt auch Trends, die am französischen Modehof gesetzt wurden. Das Rokoko ging über Mode, Kunst und Architektur hinaus und schuf etwas, das einzigartig französisch ist. Die Rokoko-Mode umfasste die luxuriösesten Stoffe, darunter pastellfarbene Seide, Samt, Spitzen und Blumenmuster. Es enthielt auch eine übermäßige Menge an Schleifen, Juwelen, Rüschen und dekorativen Verzierungen, um Looks zu kreieren, die bei Hof die Blicke auf sich ziehen. Der Stil definierte den Unterschied zwischen Arm und Reich, da sich die Aristokratie den Luxus feiner Stoffe und Schmuck leisten konnte. Für die Frauen in dieser Rokoko-Pracht ist das Gemälde der Inbegriff des französischen Königshofs vor der Revolution.

Berühmte Kleider in Gemälden des 19. Jahrhunderts

Das 19. Jahrhundert sah eine künstlerische Wende ab Neoklassizismus in die frühe Moderne und weichen Stilen und Denkschulen. In diesem Jahrhundert gab es auch Veränderungen in der Mode; Lesen Sie weiter, um zu sehen, wie Gemälde die Einführung berühmter Kleider und Stile beeinflussten, die deutlich moderner waren als zuvor.

Sinfonie in Weiß Nr. 1: Das weiße Mädchen (1862) von James McNeill Whistler

Sinfonie in Weiß Nr. 1: Das weiße Mädchen von James McNeill Whistler , 1862, über die National Gallery of Art, Washington D.C.

Kunst um der Kunst willen wurde verbunden Sinfonie in Weiß Nr. 1: Das weiße Mädchen wie James McNeillWhistler wollte, dass das Gemälde eine spirituelle Bedeutung hat. Kritiker sahen dies jedoch nicht so, denn die dargestellte Frau ist Joanna Hiffernan (seine damalige Geliebte). Noch wichtiger ist, dass es das Kleidungsstück war, das Whistler wählte, um Hiffernan darin zu malen, das den Deal besiegelte und dieses Kleid von seinen anderen Gemälden abhob.

Dieses Porträt war damals wegen Whistlers Darstellung des reinweißen Kleides der Frauen skandalös. Während der 1800er Jahre enthielt die Kleidung einer Frau oft a Krinoline-Käfig Unterrock aus Stahl, um ihre Röcke über Wasser zu halten. Frauen trugen neben zahlreichen anderen Unterwäsche auch Korsetts, um breitere Röcke kreieren zu können.

Die Frau in Weiß ist das genaue Gegenteil von dem damaligen Standard respektabler Kleidung. Ihr Teekleid ist ein Kleidungsstück, das nur ihr Ehemann (oder Liebhaber) sehen darf, da es leicht entfernt werden könnte. Es war ein privat getragenes Tageskleid und wurde erst in den frühen 1900er Jahren für den Alltag beliebter.

Für Whistler sollte seine Muse Teil einer Gesamtszene sein, die dem Auge gefällt. Er porträtierte Hiffernan so, wie er sie sah, und für die damaligen Betrachter war das Gemälde sowohl verwirrend als auch ein wenig unanständig.

Porträt von Miss Lloyd (1876) u Juli: Exemplar eines Porträts (1878) von James Tissot

Porträt von Miss Lloyd von James Tissot , 1876, über The Tate, London (links); mit Juli: Exemplar eines Porträts von James Tissot , 1878, über das Cleveland Museum of Art (rechts)

James Tissot schuf im späten 19. Jahrhundert zahlreiche Gemälde, die Damenmode darstellten. Er war der europäischen Mode weit voraus und ist bekannt dafür, seine Motive mit den neuesten Modetrends zu malen. Die Damenmode begann Ende des 19. Jahrhunderts bei den jungen Damen in Paris und London eine Wendung zu nehmen. Die weiten und schweren Röcke ihrer viktorianischen Vorgänger wurden durch schmalere Röcke und volle Rüschen am Rücken ersetzt. Was dieses besondere Kleid auszeichnet, ist Tissots ständige Verwendung in seinen Gemälden. Tissot verwendet es in einem anderen seiner Gemälde Die Galerie der HMS Kalkutta (Portsmouth) und in allen dreien verwendet er es in völlig unterschiedlichen Kontexten.

Miss Lloyd auf der linken Seite trägt das Kleid, wie es in der Gesellschaft abgenutzt wäre. Dieses Kleid wäre damals in Mode gewesen, da die enge Taille und die Sanduhrfigur durch ihr Kleid betont werden. Die geraden Linien ihres Kleides zeigen auch die Strenge ihrer Pose im Gegensatz zum Porträt rechts.

Das rechte ist ein Porträt von Kathleen Newton (seiner damaligen Lebensgefährtin), das während der Sommermonate in einer intimen Umgebung zu sehen ist. Im Vergleich zum ersten Porträt strahlt alles an der Art und Weise, wie er das Kleid dargestellt hat, Mattigkeit und Verführung aus. Newton sitzt auf einer Couch und ihr Kleid wirkt zerzaust und offen. Ihre Röcke fließen frei auf der Couch, und verschiedene Schleifen und Verschlüsse sind gelöst.

Beide Frauen haben ihren eigenen, unverwechselbaren Charme und Mysterien, die sie umgeben. Das Kleid selbst symbolisiert die Unterschiede in der Populärkultur seiner Zeit. Das eine ist traditionell und konventionell, während das andere für die Zuschauer im 18. Jahrhundert offensichtlich intim und doch skandalös ist.

Porträt von Madame X (1883) von John Singer Sargent

Porträt von Madame X von John Singer Sargent , 1883-84, über das Metropolitan Museum of Art, New York

Wer auch immer davor steht Frau X ist verblüfft von der Größe und Ausstrahlung ihres Porträts. John Singer Sargent schuf ein Bild einer Frau, das, obwohl es für seine Zeit nicht akzeptabel war, zu einem seiner bekanntesten und verehrtesten Gemälde geworden ist. Es ist ein Porträt von Madame Pierre Gautreau, einer amerikanischen Schönheit, die in die französische High Society gemischt ist. Es verursachte einen solchen Skandal, dass John Singer Sargent selbst Paris verlassen musste, um nach London zu gehen.

Während ähnliche Kleider als Kostüme oder für Partys getragen wurden, wurden sie in der alltäglichen Gesellschaft nicht getragen. Es gibt bestimmte Details, die dieses Kleid so skandalös machen. Ihr Korsett ist extrem spitz zur unteren Hälfte ihres Bauches. Der scharfe, tiefe V-Ausschnitt und die perlenbesetzten Träger bedecken kaum ihre Schultern und entblößen, was als intime Teile einer Frau galt, und sind daher nicht geeignet, sie in der Öffentlichkeit zu zeigen.

Abendkleid entworfen von Hoschedé Rebours , 1885, über das Metropolitan Museum of Art, New York

Nachdem Sargent das Gemälde im Pariser Salon von 1884 eingereicht hatte, erregte es Empörung bei Kritikern und Betrachtern. Es löste Kontroversen aus, wenn eine verheiratete Frau ihrer Klasse auf so provokative Weise öffentlich gezeigt wurde. Für die Zuschauer im Salon sah es so aus, als würde sie eher Unterwäsche als ein richtiges Kleid tragen. Das Gemälde schadete Mme. Gautreaus Ruf als Menschen sahen ihr Porträt als Spiegelbild einer anzüglichen Persönlichkeit.

Es sollte ursprünglich keine wörtliche Übersetzung von Mme sein. Gautreaus Charakter. Sargent selbst wählte das Kleid und ihre Haltung aus, und Requisiten ähneln alten Römische Statuen Anspielung auf Diana, Göttin der Jagd und des Mondes . Diese Kreation würde ihrem Ruf schaden. Sargent entfernte schließlich ihren Namen aus dem Porträt und benannte es um Frau X .

Berühmte Kleider in Gemälden des 20. Jahrhunderts

Kunst im 20. Jahrhundert konzentrierte sich auf Abstraktion und Ausdruck und erfuhr bedeutende Veränderungen mit neuen Stilen und Themen. Dies führte auch zur Erforschung neuer Formen und Synthesen von Mode und Kunst . Hier sind berühmte Kleider, die in Gemälden des innovativen Jahrhunderts zu sehen waren.

Porträt von Adele Bloch-Bauer I (1907) Von Gustave Klimt

Adele Bloch-Bauer I von Gustav Klimt , 1907, via Neue Galerie, New York

Das zeigt das goldene Kleid von Adele Bloch-Bauer Gustav Klimt 's Darstellung einer Frau, die von der Welt um sie herum nicht zurückgehalten wird. Im Vergleich zu anderen Porträts von High-Society-Damen ihrer Zeit sticht dieses Porträt aus der Masse heraus. Anstatt eine Frau aus der Oberschicht zu malen, die in Gärten faulenzt oder auf Sofas liest, verwandelt Klimt Adele in eine jenseitige Figur. Ihr Kleid ist eine wirbelnde Figur voller Dreiecke, Augen, Rechtecke und Ikonographie. Es gibt keine Anzeichen von gerade geschnürten Korsetts oder Schichten von Kleidung. Stattdessen wird sie so vorgelebt, wie sie in ihrer Welt aus Gold schwebt. Jugendstil enthält Themen der Natur und mythische Bilder. Es bezieht sich auch auf die böhmische Mode, die Klimt selbst trug und in verschiedenen anderen Gemälden verwendete.

Emilie Flöge und Gustav Klimt im Garten der Villa Oleander in Kammer am Attersee , 1908, über das Leopold Museum, Wien

Klimt malte oft Entwürfe des Modedesigners Emilie Flöge . Sie ist nicht so bekannt wie ihre Zeitgenossen oder Vorgänger in der Modewelt, aber sie hat durchschlagende Schritte unternommen, um Mode für die Frauen ihrer Zeit zu kreieren. Manchmal war es eine gemeinsame Anstrengung, da Klimt ihre berühmten Kleider auch in vielen seiner anderen Gemälde verwendete. Flöges Kleider haben lockere Silhouetten und weite Ärmel, die keine Korsetts oder andere einschränkende Unterwäsche enthielten. Die Werke von Klimt und Flöge förderten eine bohemische Lebensweise mit verschwommenen Grenzen zwischen Tradition und Unkonventionalität, wie das Porträt von Adele Bloch-Bauer zeigt.

Der Musiker (1929) Von Tamara Lempicka

Der Musiker von Tamara de Lempicka , 1929, über Christie’s

Tamara Lempicka schuf Porträts, die sich in den 1920er Jahren mit Weiblichkeit und Unabhängigkeit auseinandersetzten. Die Art-Deco-Malerin wurde bekannt für ihre Porträts von Prominenten, die eine stilisierte und polierte Form erkundeten Kubismus das wurde ihr Markenzeichen. Ira Perrot (ein enger Freund und Liebhaber von Lempicka) gilt als buchstäbliche Manifestation der Musik in Der Musiker . Was das Gemälde auszeichnet, ist ihre Wiedergabe des blauen Kleides. Lempickas Technik, scharfe Schatten mit ihrer gesättigten Farbpalette zu werfen, verleiht dem Kleid Bewegung, sodass es scheint, als würde es in der Luft schweben. Der kurze Saum und die kaskadierenden Falten des Kleides erinnern immer noch an Mode der 1920er Jahre , was ein Wendepunkt in der Damenmode war. Frauen trugen berühmte Kleider, die ihre Beine und Arme zur Geltung brachten, während sie Faltenröcke trugen, die das Tanzen erleichterten.

Lempicka ließ sich von den Werken der Meister der Renaissance inspirieren und studierte sie und verwendete ähnliche Themen mit einem modernen Ansatz. Traditionell ist die Farbe Blau auf den Gewändern der Jungfrau Maria in Gemälden des Mittelalters oder der Renaissance zu sehen. Ultramarinblau war selten und wurde sparsam für bedeutende Gemälde verwendet. Hier scheut sich Lempicka nicht davor zurück, die Farbe als dominierenden Mittelpunkt des Porträts einzusetzen. Es ist dieses Blau, zusammen mit ihrer außergewöhnlich starken Verwendung von glatter Farbe, das die Leuchtkraft und Anmut ihres fließenden Kleides verstärkt.

Die zwei Fridas (1939) Von Frida Kahlo

Die zwei Fridas von Frida Kahlo , 1939, im Museum of Modern Art, Mexico City, über Google Arts and Culture

Die farbenfrohen und handgewebten Textilien Mexikos sind mit dem Erbe von verwoben Frida Kahlo . Sie nahm diese Kleidungsstücke als Teil ihres Erbes an und trägt sie auf mehreren Selbstporträts und Fotografien. Die berühmten Kleider, die in Frida Kahlos gezeigt werden Die zwei Fridas symbolisieren ihre Verbindungen zu beiden Seiten ihres europäischen und mexikanischen Erbes.

Die Frida auf der linken Seite spiegelt ihre Erziehung in einer Familie der oberen Mittelklasse wider. Ihr Vater stammte ursprünglich aus Deutschland, und ihr häusliches Leben in der Kindheit war von westlichen Bräuchen geprägt. Die weiße Spitze ihres Kleides symbolisiert den in der europäischen Mode beliebten Stil. Diese verwestlichte Version steht im Gegensatz zu dem Wunsch der rechten Frida, ihr mexikanisches Erbe anzunehmen, indem sie ein traditionelles Tehuana-Kleid trägt. Diese Kleidung wurde von ihrem Ehemann ermutigt Diego Rivera , insbesondere in ihrem Kampf für Veränderungen in ihrem Land. Es zeigte ihren Stolz, indigene und traditionelle Kleidung aus Mexiko zu tragen.

Kahlos Kleidung ist ein wichtiger Aspekt ihres Lebens und ihrer Arbeit. Nachdem sie als Kind an Kinderlähmung erkrankt war, war eines ihrer Beine kürzer als das andere. Ihre farbenfrohen Röcke wurden für sie zu einer Möglichkeit, ihr Bein so zu verbergen, dass sie vor Blicken geschützt war. Ihre Garderobe umfasste Tehuana-Kleider, Huipil-Blusen, Rebozos, geblümte Kopfbedeckungen und antiken Schmuck. Diese Kleidungsstücke sind wichtig, wenn man sich Werke von Kahlo ansieht, da sie eine Illustration ihrer Liebe, ihres Schmerzes und ihres Leidens sind, die sie in ihre Arbeit einbezieht.