4 ikonische Kunst- und Modekooperationen, die das 20. Jahrhundert geprägt haben

Drei Cocktailkleider, Hommage an Piet Mondrian von Eric Koch , 1965, über Vogue France

Die Verbindungen zwischen Kunst und Mode definieren spezifische Momente in der Geschichte. Beide Medien spiegeln die gesellschaftlichen, wirtschaftlichen und politischen Veränderungen von den wilden Zwanzigern bis hin zu den extravaganten Achtzigern wider. Hier sind vier Beispiele von Künstlern und Modedesignern, die durch ihre Arbeit die Gesellschaft mitgestaltet haben.

1. Halston und Warhol: Ein Modestipendium

Vier Porträts von Halston , Andy Warhol, 1975, Privatsammlung

Die Freundschaft zwischen Roy Halston und Andy Warhol ist einer, der die künstlerische Welt definiert hat. Sowohl Halston als auch Warhol waren Führungspersönlichkeiten, die den Weg dafür ebneten, den Künstler/Designer zu einer Berühmtheit zu machen. Sie streiften das prätentiöse Stigma der Kunstwelt ab und brachten Mode und Stil in die Massen. Warhol verwendete Siebdruck, um Bilder mehrmals zu produzieren. Obwohl er das Verfahren sicherlich nicht erfunden hat, hat er die Idee der Massenproduktion revolutioniert. Halston verwendete Stoffe und Designs, die einfach und elegant waren, aber durch die Verwendung von Pailletten, Ultrasuede und Seide glamourös. Er war einer der ersten, der amerikanische Mode zugänglich und begehrenswert machte. Beide prägten Kunst und Stil durch die 1960er, 70er und 80er Jahre, die bis heute andauern.

Zusammenarbeit und kommerzieller Erfolg

Blumen von Andy Warhol , 1970, über das Princeton University Art Museum (links); mit Lisa von Andy Warhol , 1978, über Christie’s (Mitte); und Blumen von Andy Warhol , 1970, über das Tacoma Art Museum (rechts)

Sowohl Halston als auch Warhol haben bei vielen verschiedenen Projekten zusammengearbeitet. Warhol erstellte Werbekampagnen, die Halstons Kleidung und sogar Halston selbst enthielten. In einer direkteren Zusammenarbeit verwendete Halston Warhols Blumendruck auf einigen seiner Kleidungsstücke, von einem Abendkleid bis zu einem Loungewear-Set.

Halston verwendete einfache Designs in seinen Kleidungsstücken, was sie sehr erfolgreich machte. Sie waren simpel und leicht zu tragen, fühlten sich aber dennoch luxuriös an mit seiner Verwendung von Stoffen, Farben oder Drucken. Warhol vereinfachte auch seine Materialien und Prozesse, was die Reproduktion seiner Werke erleichterte und sie besser verkaufbar machte.

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Abendkleid von Halston , 1972, über Indianapolis Museum of Art (links); mit Kleid und passendes Cape von Halston , 1966, via FIT Museum, New York City (Mitte); und Lounge-Ensemble von Halston , 1974, über die University of North Texas, Denton (rechts)

Kommerzieller Erfolg hatte seine Herausforderungen für beide Designer. Halston war 1982 der erste, der mit einer Einzelhandelskette, JCPenney, zusammenarbeitete, die den Kunden eine günstigere Option für seine Designs bieten sollte. Dies war für seine Marke nicht erfolgreich, da es sie billiger zu machen schien, aber es ebnete zukünftigen Designern den Weg, dasselbe zu tun. Auch Warhol stieß auf Kritik, da seine Produktion als seicht und oberflächlich angesehen wurde. Beide haben jedoch die Nutzung von Einzelhandel und Marketing in ihren jeweiligen Räumen modernisiert, um Marken für den Verkauf an den Massenmarkt zu schaffen.

Glanz und Glamour

Schuhe aus Diamantstaub von Andy Warhol , 1980, über Monsoon Art Collection, London (links); mit Damenkleid, Pailletten von Halston , 1972, über LACMA (rechts)

Sowohl Warhol als auch Halston waren häufige Besucher des Studio 54. Sie feierten, entwarfen und produzierten Arbeiten für Berühmtheiten wie Liza Minnelli, Bianca Jagger und Elizabeth Taylor. Diese Ausflüge spiegeln sich in ihren Werken wider, da sie die Disco-Ära der 1970er Jahre inspirierten und prägten.

Halston ist bekannt dafür, Abendgarderobe mit vollen Pailletten zu kreieren. Er würde Pailletten horizontal auf den Stoff legen. Dadurch entsteht ein schimmernder Effekt des Materials, den er für Ombre- oder Patchwork-Designs verwendet. Seine Entwürfe waren einfache Silhouetten, die Leichtigkeit und Bewegung beim Tanzen schufen. Seine Verwendung von Pailletten war bei Stars sehr beliebt, darunter Liza Minnelli, die seine Entwürfe für Auftritte und Ausflüge trug Atelier 54 .

Warhols Diamond Dust Shoes-Serie veranschaulicht auch das Nachtleben von Studio 54 und den Einfluss von Prominenten. Diamond Dust verwendete er auf Siebdrucken oder Gemälden, um dem Stück ein zusätzliches Element an Tiefe zu verleihen. Warhols Schuhabdrücke waren ursprünglich die Idee für eine Werbekampagne für Halston. Er ließ sich sogar von einigen von Halstons eigenen Schuhdesigns inspirieren.

Dass der Designer zur Berühmtheit wurde, begann mit Warhol und Halston. Es ging nicht nur darum, welche Arten von Kunst und Kleidung sie schufen, sondern auch um ihr soziales Leben. Heutzutage gibt es Modedesigner und Künstler, die prominente Persönlichkeiten sind und zum Erfolg ihrer Marken beitragen.

2. Sonia Delaunay: Wo Kunst zur Mode wird

Sonia Delaunay mit zwei Freundinnen im Atelier von Robert Delaunay, 1924, via Bibliothèque Nationale de France, Paris

Sonja Delaunay nicht nur eine neue Form revolutioniert Kubismus sondern stellte sich auch die Verbindungen zwischen Kunst und Mode vor. Sowohl Delaunay als auch ihr Mann leisteten Pionierarbeit Orphismus und experimentierte mit verschiedenen Formen der Abstraktion in der Kunst. Sie war die erste ihrer Art, die ihren eigenen künstlerischen Stil verwendete und mit ihren originellen Textildesigns, Drucken oder Mustern in die Modewelt überging. Sie ist eher für ihre Kunst und ihre Verbindung zu ihrem Ehemann als für ihre Mode in Erinnerung geblieben. Ihre Kleidungsstücke standen in den 1920er Jahren an der Spitze des Wandels der Damenbekleidung. An ihren Katalog von Kleidungsstücken erinnert man sich eher in Fotografien und Verweisen auf ihre Kunst als an die physischen Kleidungsstücke selbst. Für Delaunay gibt es keine Grenze zwischen Kunst und Mode. Für sie sind sie ein und dasselbe.

Simultan- und Rebellenmode

Gleichzeitige Kleider (drei Frauen, Formen, Farben) von Sonja Delaunay , 1925, via Nationalmuseum Thyssen-Bornemisza, Madrid (links); mit Gleichzeitiges Kleid von Sonja Delaunay , 1913, via Nationalmuseum Thyssen-Bornemisza, Madrid (rechts)

Delaunay begann ihr Modegeschäft in den 1920er Jahren, indem sie Kleidung für Kunden entwarf und Stoffe für Hersteller entwarf. Sie rief ihr Label an Gleichzeitig und erweiterte ihre Verwendung von Farben und Mustern auf einer Vielzahl verschiedener Medien. Simultanismus spielte eine wichtige Rolle in ihrem Designprozess. Ihr Umgang mit der Technik ist einem Patchwork-Quilt oder Textilien aus Osteuropa sehr ähnlich. Farben überlagern sich und Muster werden verwendet, um Harmonie und Rhythmus zu schaffen. Häufige Themen von ihr sind Quadrate/Rechtecke, Dreiecke und diagonale Linien oder Kugeln, die sich alle in ihren verschiedenen Designs überlagern.

Tafel 14 von Sonia Delaunay: Ihre Bilder, ihre Objekte, ihre gleichzeitigen Stoffe, ihre Moden von Sonja Delaunay , 1925, über die National Gallery of Victoria, Melbourne

Delaunay war eine junge Frau während der Edwardianische Ära wo Korsetts und Konformität die Norm waren. Dies änderte sich in den 1920er Jahren, als Frauen Röcke über dem Knie und lockere, kastenförmige Kleidungsstücke trugen. Dieser Aspekt ist etwas, das in Delaunays Designs zu sehen ist, und sie war leidenschaftlich daran interessiert, Kleidungsstücke zu kreieren, die den Bedürfnissen von Frauen entsprechen. Sie entwarf Badeanzüge, die es Frauen ermöglichten, besser an Sportarten teilzunehmen, die sie zuvor daran gehindert hatten, sie auszuüben. Sie platzierte ihre Textilien auf Mänteln, Schuhen, Hüten und sogar Autos und machte jede Oberfläche zu ihrer Leinwand. Ihre Entwürfe schufen Bewegungsfreiheit und Ausdruck durch Farbe und Form.

Delaunays Übergang zu Film und Theater

Le P'tit Parigot von René Le Somptier , 1926, über IMDB (links); mit Kostüm für 'Cleopatra' in der Ballets Russes-Produktion von 'Cleopatra' von Sonia Delaunay, 1918, über LACMA (rechts)

Delaunay wechselte während ihrer Karriere zum Film und Theater. Sie entwarf die Kostüme für den Film von 1926 Le P'tit Parigot („Der kleine Pariser“) von Rene Le Somptier. Sowohl Delaunay als auch ihr Ehemann trugen zu dem Film bei, während ihr Ehemann zu den in den Filmen verwendeten Set-Designs beitrug. Auf der linken Seite ist die rumänische Tänzerin Lizicai Codreanu in einem der von Delaunay entworfenen Kostüme abgebildet. Ihre Verwendung von Kugeln, Zickzacklinien und Quadraten ist ein weiteres Beispiel für Simultanismus. Die Zickzacks des Hintergrunds verschmelzen mit den Leggings der Kostüme. Die Scheibe, die das Gesicht der Tänzerin umgibt, war ein wiederkehrendes Thema in Delaunays Mode.

Sie entwarf auch Designs für 'Kleopatra' , von den Ballets Russes. Ähnlich wie bei ihrer Zusammenarbeit beim Film entwarf sie die Kostüme und ihr Mann arbeitete am Bühnenbild. Beide arbeiteten zusammen, um ein harmonisches Erlebnis für den Betrachter zu schaffen. Cleopatras Kostüm hat mehrfarbige Streifen und Halbkreise, die ihren abstrakten Stil der 1920er Jahre mit traditionellem Ballett verbinden.

3. Die Zusammenarbeit von Elsa Schiaparelli und Salvador Dalí

Hutförmiger Schuh von Schiaparelli von Elsa Schiaparelli und Salvador Dalí , 1937-38, über Vogue Australia

Die Spitze von surrealistische Kunst wird mit dem Anführer in surrealistischer Manier abgeglichen. Salvador Dalí und Modedesigner Elsa Schiaparelli während ihrer jeweiligen Karriere zusammengearbeitet und sich gegenseitig inspiriert. Sie schufen ikonische Bilder wie die Hummer-Kleid , Der Schuhhut (Dalís Frau, Gala oben gesehen) und Das Tränenkleid , die das Publikum sowohl in der Kunst als auch in der Mode schockierte und inspirierte. Dalí und Schiaparelli ebneten den Weg für zukünftige Kooperationen zwischen Modedesignern und Künstlern, indem sie die Lücke zwischen dem, was als tragbare Kunst und Mode gilt, überbrückten.

Der Hummer und Dalí

Abendkleid für Damen von Elsa Schiaparelli und Salvador Dali , 1937, via Philadelphia Museum of Art (links); Salvador Dalí von George Platt Lynes , 1939, über The Metropolitan Museum of Art, New York City (rechts)

Während ein Hummer scheinbar harmlos ist, ist er tatsächlich umstritten. Dalí verwendet Hummer als wiederkehrendes Thema in seinem Werk und interessierte sich für die Anatomie des Hummers. Seine Schale wirkt außen wie ein Skelett und hat innen ein weiches Inneres, die Rückseite des Menschen. Der Hummer in Dalís Werk hat auch sexuelle Töne, die aus der weiblich-männlichen Dynamik stammen.

Das Hummerkleid ist eine Zusammenarbeit zwischen den beiden Künstlern, wobei Dalí den Hummer skizziert, der auf dem Kleid verwendet werden soll. Es löste viele Kontroversen aus, als es zum ersten Mal erschien Mode . Erstens hat es ein durchsichtiges Oberteil und einen Rock aus weißem Organza. Diese Durchsichtigkeit, die das kaum sichtbare Bild des Körpers des Models zeigt, war etwas völlig Neues in der Massenmode. Die Verwendung des weißen Stoffes kontrastiert auch mit dem Rot des Hummers. Weiß kann im Vergleich zu Rot als jungfräulich angesehen werden oder Reinheit bedeuten, was Sexualität, Macht oder Gefahr bedeuten kann. Der Hummer wird bequem auf den Rock gelegt, um den Beckenbereich einer Frau zu bedecken. Diese Platzierung ähnelt dem Foto von Dalí oben, was die Sexualität der Frauen im Vergleich zur Reaktion der Männer darauf weiter anzeigt.

Das Model, das das Kleidungsstück trug Mode war Wallis Simpson, die Ehefrau von Edward VIII., der den englischen Thron abdankte, um sie zu heiraten. Dies ist ein weiteres Beispiel dafür, wie man eine umstrittene Figur oder ein Bild in der Kultur in etwas verwandelt, das verehrt werden muss.

Gruseliger Stil

Frau mit Rosenkopf von Salvador Dalí , 1935, via Kunsthaus Zurich (left); with Das Skelettkleid von Elsa Schiaparelli , 1938, über das Victoria and Albert Museum, London (rechts)

Skelette sind ein weiteres Thema in der surrealistischen Kunst und wurden in weiteren Kooperationen zwischen Dali und Schiaparelli verwendet. Das Skelettkleid war wegen seiner Thematik, aber auch wegen seiner Technik die erste ihrer Art. Schiaparelli verwendete eine Technik namens gesteppt wo zwei Lagen Stoff zusammengenäht werden, wodurch eine Kontur entsteht. Watte wird in die Kontur eingefügt, wodurch ein erhabener Effekt entsteht. Diese Technik erzeugt eine strukturierte Oberfläche auf dem flachen Stoff, die die Illusion vermittelt, dass menschliche Knochen durch das Kleid ragen. Es verursachte einen Skandal, weil das Kleid aus einem anschmiegsamen Material bestand, das an der Haut klebte. Die Vorstellungen von Dalis Gemälden und Zeichnungen wurden durch Schiaparellis Kleidungsstücke in der physischen dreidimensionalen Welt verwirklicht. Dali interessierte sich, wie bereits erwähnt, für Anatomie, und das spiegelt sich auch in seiner Arbeit wider.

4. Yves Saint Laurent: Wo Kunst und Inspiration aufeinanderprallen

Von Picasso inspiriertes Kleid von Yves Saint Laurent von Pierre Guillaud , 1988, über Times LIVE (links); mit Die Vögel von Georges Braque, 1953, im Louvre Museum, Paris (rechts)

Wo ist die Grenze zwischen Nachahmung und Wertschätzung? Kritiker, Betrachter, Künstler und Designer haben gleichermaßen darum gekämpft, festzustellen, wo diese Grenze gezogen wird. Allerdings beim Diskutieren Yves Saint Laurent , seine Absichten waren nichts weniger als Schmeichelei und Bewunderung der Künstler und Gemälde, die er als Inspiration nutzte. Durch die Betrachtung seines umfangreichen Portfolios ließ sich Saint Laurent von Kulturen und Kunst aus der ganzen Welt inspirieren und ließ dies in seine Kleidungsstücke einfließen.

Obwohl Yves Saint Laurent die Künstler, die ihn inspirierten, nie getroffen hat, hinderte ihn dies nicht daran, Werke als Hommage an sie zu schaffen. Laurent ließ sich von Künstlern wie z Matisse , Mondrian, Van Gogh, George Braque ,und Picasso . Er war ein Kunstsammler und hatte Gemälde von Picasso und Matisse in seinem eigenen Haus. Die Bildsprache eines anderen Künstlers als Inspiration zu nehmen, kann manchmal als kontrovers angesehen werden. Saint Laurent würde jedoch ähnliche Themen wie diese Künstler verwenden und sie in tragbare Kleidungsstücke integrieren. Er nahm ein zweidimensionales Motiv und verwandelte es in ein dreidimensionales Kleidungsstück, das einigen seiner Lieblingskünstler Tribut zollt.

Pop Art und die Revolution der 60er

Cocktailkleid, getragen von Muriel, Hommage an Piet Mondrian, Haute-Couture-Kollektion Herbst-Winter 1965 von Yves Saint Laurent, fotografiert von Louis Dalmas , 1965, via Musée Yves Saint Laurent, Paris (links); mit Abendkleid getragen von Elsa, Hommage an Tom Wesselmann, Haute-Couture-Kollektion Herbst-Winter 1966 von Yves Saint Laurent, fotografiert von Gerard Pataa, 1966 , über Yves Saint Laurent Museum, Paris (rechts)

Die 1960er Jahre waren eine Zeit der Revolution und des Kommerz und waren eine neue Ära für Mode und Kunst. Die Designs von Saint Laurent wurden kommerziell erfolgreich, als er begann, sich von ihm inspirieren zu lassen Pop-Art und Abstraktion. Er kreierte 1965 26 Kleider, inspiriert von Piet Mondrians abstrakten Gemälden. Die Kleider verkörperten Mondrians Verwendung von einfachen Formen und kräftigen Grundfarben. Saint Laurent verwendete eine Technik, bei der keine Nähte zwischen den Stoffschichten sichtbar sind, wodurch es so aussieht, als wäre das Kleidungsstück ein ganzes Stück. Saint Laurent nahm Mondrians Kunst aus den 1920er Jahren und machte sie tragbar und mit den 1960er Jahren in Verbindung zu bringen.

Die Kleider im Mod-Stil sind klassische Beispiele für den Stil der 1960er Jahre, in denen Praktikabilität zu einem größeren Problem für Frauen wurde. Sie ähnelten den Kleidungsstücken der 1920er Jahre, die weniger eingeschränkt waren und Ärmel und Säume hatten, die mehr Haut zeigten. Die kastenförmigen Silhouetten von Saint Laurent ermöglichten Frauen Leichtigkeit und Bewegung. Dies führte auch zu seiner Inspiration durch Pop-Art-Künstler wie z Thomas Wesselmann und Andy Warhol. Er kreierte eine Reihe von Pop-Art-inspirierten Designs mit Silhouetten und Ausschnitten auf seinen Kleidungsstücken. Es ging darum, Beschränkungen zu durchbrechen, was Abstraktion in der Kunst bedeutet, und Design zu kommerzialisieren. Laurent hat diese beiden Ideen miteinander verbunden, um Kleidungsstücke für Frauen zu kreieren, die befreiend und ansprechend für die moderne Frau sind.

Kunstfertigkeit in der Haute Couture Mode

Abend-Ensembles, Hommage an Vincent van Gogh, getragen von Naomi Campbell und Bess Stonehouse, Haute-Couture-Kollektion Frühjahr-Sommer 1988 von Yves Saint Laurent, fotografiert von Guy Marineau , 1988, über Yves Saint Laurent Museum, Taken

Das Vincent van Gogh Jacken von Saint Laurent sind ein Beispiel dafür, wie Saint Laurent Inspiration von anderen Künstlern und sein eigenes Designtalent kombiniert. Wie bei seinen anderen Kleidungsstücken wurden die auf Künstler bezogenen Themen nicht kopiert und auf die Kleidungsstücke von Saint Laurent geklebt. Stattdessen entschied er sich, sie als Inspiration zu nehmen und Stücke zu kreieren, die seinen eigenen Stil widerspiegelten. Die Jacke ist mit ihren starken Schultern und einem sehr strukturierten kastenförmigen Look repräsentativ für den Stil der 80er Jahre. Es ist eine Collage aus Sonnenblumen, die im malerischen Stil von Van Gogh gestickt sind.

Sonnenblumen-Jacken-Detail von Yves Saint Laurent , 1988, über Christie’s (links); mit Sonnenblumen-Detail von Vincent van Gogh , 1889, über das Van Gogh Museum, Amsterdam

Yves Saint Laurent arbeitete mit dem Haus von zusammen Lesage-Haus , ein führendes Unternehmen für Haute-Couture-Stickereien. Die Sonnenblumenjacke ist mit Röhrenperlen bestickt, die die Ränder der Jacke sowie Sonnenblumenblätter und -stiele säumen. Die Blumen sind mit verschiedenen Orangetönen und gelben Pailletten gefüllt. Dadurch entsteht ein mehrdimensionales Texturstück, das Van Goghs Technik ähnelt, dicke Farbe auf Leinwand zu schichten. Es wird geschätzt, dass es eines der teuersten Stücke der Haute Couture ist und bei Christie's für 382.000 Euro verkauft wurde. Saint Laurent hat den Weg dafür geebnet, wie man Mode als Kunstwerk an und für sich tragen kann.