Moderne Kunst für Dummies: Ein Leitfaden für Anfänger

Einzelheiten aus Bal du Moulin de la Galette von August Renoir, 1876; Glück zu leben von Henri Matisse, 1905; und S-Bahn Ankunft in Paris von Gino Severini, 1915

Der Begriff Modernismus bezieht sich auf eine Bewegung in der Kunst, die bestrebt war, Vorstellungen und Erfahrungen der modernen Gesellschaft darzustellen. Die modernistische Kunst, die im Frankreich des 19. Jahrhunderts ihren Ursprung hatte, erreichte aufgrund ihrer gewagten thematischen und stilistischen Experimente ein weltweites Publikum. Das Oeuvre der Moderne war so vielfältig, weil die Moderne als Thema einen so überzeugenden und fruchtbaren Boden für die Repräsentation bot. Die Kunst und die Künstler versuchten herauszufinden, was es bedeutet, „modern“ zu sein. Es war ein Zusammensetzen der Gesellschaft, während sie sich um sie herum bewegte.

Einführung in die Kunst der Moderne

Musik in den Tuileriengärten von Edouard Manet , 1862, über die National Gallery, London

Das Wort „modern“ impliziert Zeitgenossenschaft oder neu, aber wenn wir an modernistische Kunst denken, bezieht sich das Wort „modern“ auf spezifische Veränderungen in Gesellschaft und Kultur. Die moderne Gesellschaft war das Produkt der industriellen und wissenschaftlichen Revolution, die das Ende einer alten Form kultureller Erfahrung bedeutete. Modernität und was es bedeutet, modern zu sein, wurde zu einer selbstbewussten Haltung für Künstler im neunzehnten Jahrhundert denen bewusst geworden war, wie sich die Gesellschaft verändert hatte und wie dies dargestellt werden sollte.

Mitte des 19. Jahrhunderts beginnen wir eine künstlerische Beschäftigung mit Aspekten der Gesellschaft zu sehen, die als „modern“ galten; der steigende Reichtum der Mittelklasse; technologische Erfindungen; und urbane Kultur und Säkularismus. Das Experimentieren in der Kunst war jedoch nicht sehr willkommen, und es bedurfte der Kühnheit Einzelner, die ihren Ruf aufs Spiel setzte, um dieser neuen Gesellschaft einen Spiegel vorzuhalten.

Avantgarde und Gesellschaft

Die Steinbrecher von Gustav Courbet , 1849, über Phaidon Press

Es gibt einen klaren Grund, warum die Moderne in Frankreich beginnen würde. Die Französische Revolution Ende des 18. Jahrhunderts die Frage aufgeworfen hatte: Wie machen wir eine freie, gleiche Gesellschaft? Es war dieses Selbstbewusstsein der damaligen französischen Kultur, das den Rahmen für eine künstlerische Auseinandersetzung mit der modernen Gesellschaft bildete. Der Begriff, 'Avantgarde,' ursprünglich im militärischen Kontext verwendet, um den „ersten Mann draußen“ zu bedeuten, wurde von dem Sozialisten Henri de Saint-Simon übernommen. Es beschrieb dann einen Künstler, der den Bedürfnissen der Menschen und der Gesellschaft dienen würde, nicht der herrschenden Klassen.

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Die Avantgarde müsste also die moderne Gesellschaft verstehen, wenn es für das Volk zu malen gäbe. Dies bedeutete die Abschaffung des traditionellen Lehrplans für Malerei, wie er in den Akademien vorgeschrieben und in den Salons beurteilt wurde; mythologische Themen , biblische Szenen und historisch bedeutsame Ereignisse gingen an der Realität der modernen Gesellschaft vorbei. Dieser Wunsch, „wirkliche Geschichte“, den Stoff des Alltags, zu malen, war der Auslöser für die erste Kunstbewegung der Moderne: Realismus .

Das Essen der Armen von Alfons Legros , 1877, über Tate, London

Courbet, der Gründer von Realismus , war Sozialist und richtete seinen Blick daher auf die Untertanen der Arbeiterklasse. Er fand einen Weg, die Menschen zu malen, die die Gesellschaft in ihrem zunehmend kapitalistischen Unternehmen übersehen hatte. Der Realismus ohne politische Zugehörigkeit würde erweitert, um die wesentliche Frage der modernistischen Kunst zu stellen: Was ist die „echte“ Erfahrung der Moderne?

Moderne und die Stadt

Die Pont-Neuf von Claude Monet , 1871, über das Dallas Museum of Art

Die Stadt und urbane Kultur würden zum Sinnbild der Moderne. Es rühmte sich einer bemerkenswerten Erfahrung mit seinem ständigen Wechsel der Menschenmassen, dem technologischen Fortschritt und den aufragenden Gebäuden; ein komplexer Mikrokosmos menschlicher Leistung. Viele wanderten aus den umliegenden ländlichen Gebieten aus, um mit der Chance, in der Stadt Reichtum anzuhäufen, zu spielen. Die Stadt vermittelte eine Vorstellung von Optimismus und Zufall; eine rasante, aufregende Erfahrung, die dem Dorfleben unbekannt ist.

Die modernistische Kunst begann ihre Reise zur Repräsentation der Stadt in den 1870er Jahren mit Manet und die Impressionisten. Der Realismus hatte das Gewicht der Akademiemalerei und der Kunst abgeworfen Impressionisten folgten diesem Beispiel und gehörten zu den ersten, die die künstlerische Fruchtbarkeit der Stadt erkannten. Ihre Malerei versuchte, diese schnelllebige, sich verändernde Erfahrung des Stadtlebens einzufangen, und dabei entwickelten sie einen neuen Stil und ein neues Thema für die Malerei. Es war ein Stil für das moderne Leben. Es wurde von den Traditionalisten des Salons verspottet, aber weil die Moderne einen neuen bürgerlichen Reichtum bescherte, Impressionisten wie zum Beispiel Renoir und Viele könnte für private Schirmherrschaft malen.

Bal du Moulin de la Galette von August Renoir , 1876, über Musée d’Orsay, Paris

Die Stadt würde jedoch mit einer Kehrseite der Entfremdung und Anonymität einhergehen. Der Einzelne könnte sich von der schieren Größe überwältigt fühlen. Sie haben sich möglicherweise auch isoliert gefühlt, da ihre Person herabgesetzt wurde und die Menschen um sie herum in ständiger Bewegung, unlesbar und gleichgültig waren. Diesen Gefühlen würde dadurch eine visuelle Sprache gegeben Edward Munch , und später die Gruppe der deutschen Expressionisten, Die Brucke . Munch entwickelte sich früh Expressionismus in seinen Bemühungen, die Einsamkeit und die beunruhigende Angst darzustellen, die er im Herzen der Stadt empfand.

Das Drama der Repräsentation

Abend in der Karl-Johan-Straße von Edvard Munch , 1892, über den Independent

Am Ende des 19. Jahrhunderts wurde die lange Tradition der Malerei dekonstruiert, um eine neue, der Moderne angemessene Form zu finden. Der traditionelle Stil basierte auf der Renaissance Vorstellung davon, was ein Gemälde sein sollte: ein rational konstruierter Raum mit einer einzigartigen Perspektive, als würde man durch ein Fenster schauen. Es zeigte sich, dass dieser Malstil nicht modernen Werten entsprach.

Moderne Werte hatten die Gesellschaft allmählich in eine andere Richtung gewandelt. Der Glaube an organisierte Religion schwand für viele im aufgeklärten Westen. Der Kapitalismus begann über die Landaristokratie zu triumphieren und schuf eine deutliche Kluft zwischen den Klassen innerhalb der Gesellschaft. Industrie und Erfindung förderten eine Idee des Optimismus, während die neue Wissenschaft von Psychoanalyse enthüllte die beunruhigenden Vorstellungen, dass der Mensch in sich selbst uneins ist. Für einen modernen Bürger in der Stadt erschien das Leben facettenreich, fragmentiert und verwirrend.

S-Bahn Ankunft in Paris von Gino Severini , 1915, über Tate, London

Was in der modernistischen Kunst auftaucht, ist der Wille des Einzelnen, neue Wege zu schaffen und zu erforschen, um diese neue Realität widerzuspiegeln; sie suchten nach einer neuen visuellen sprache. Dies führte um die Jahrhundertwende zu einer Ausbreitung von Kunstbewegungen, die alle um die Idee der Moderne wetteiferten. Am Ende des ersten Jahrzehnts des 20. Jahrhunderts erwartete das Publikum einen neuen visuellen Schock in Form einer Kunstbewegung.

Hochstimmung und Abstraktion

Glück zu leben von Henri Matisse , 1905, über die Barnes Foundation, Philadelphia

Das Ausmaß der Bewegungen im frühen zwanzigsten Jahrhundert ist selbst eine Lektion für das Verständnis der widersprüchlichen Stimmung dieser Zeit. Wo zum Beispiel Ernst Ludwig Kirchner fanden Entfremdung und Angst in der Stadt, Mitglieder der Abschnitt D’Or schöne Konnektivität gefunden; Futurismus versucht, die Schönheit der Bewegung und die rasante Hektik der Moderne darzustellen Suprematismus fanden Zuflucht in einfachen geometrischen Formen.

Was diesen Bewegungen jedoch gemeinsam ist, ist ihre Ablehnung der langjährigen Renaissance-Tradition. Diese Tradition wurde als „Illusionismus“ verspottet; es war falsch für die Welt und für das menschliche Gefühl. Es gab eine Suche nach Kunst, die außerhalb dieser Tradition entstand. Primitivismus wurde in dieser Zeit zu einem wichtigen Einfluss für Künstler, weil es eine andere Sichtweise auf die Welt bot. Der Primitivismus wurde als unbefleckt von rationaler Kontrolle empfunden und stellte daher einen wahrhaftigeren Ausdruck des emotionalen Lebens dar.

Dynamischer Suprematismus von Kasimir Malewitsch , 1915, über Tate, London

Diese Zerstreuung des Illusionismus war eine wichtige Kraft, die in der modernistischen Kunst zu spüren war. Künstler suchten nun das Echte in ihren Kunstwerken. Sie hielten es für ihre Aufgabe, der Öffentlichkeit zu zeigen, dass die Leinwand zweidimensional war und dass Illusionismus nicht erforderlich war, um zum Nachdenken und zur Schönheit anzuregen. Zum Beispiel die frühen Abstraktionen von Kandinsky waren ein Versuch zu zeigen, dass Schönheit durch nicht-objektive Linien und Farben hervorgerufen werden kann.

Nach dem Erster Weltkrieg , gab es einen Pessimismus, der die westliche Kultur durchdrang. Dass eine auf Rationalität und Fortschritt gegründete Kultur zu solchen Verwüstungen führen könnte. Die Formation der Dadaismus war ein Symbol dieser pessimistischen Einstellung; sie wollten jegliche Bedeutung in der Kunst abschaffen. Der inhärente Nihilismus erzeugte jedoch zu viel Spannung, als dass sich die Gruppe stabilisieren könnte, und die meisten ihrer Mitglieder würden sich an sie wenden Surrealismus . Der Surrealismus wurde von den neuen Theorien beeinflusst Die Psychoanalyse von Sigmund Freud . Sie glaubten, dass die Spannungen in der Kultur geheilt werden könnten, wenn der Einzelne das Bewusstsein und das Unbewusste integrieren könnte.

Kunst der Moderne: Die etablierte visuelle Sprache

Metamorphose der Narzisse von Salvador Dalí , 1937, über Tate, London

Die Moderne begann in Europa aufgrund des Aufstiegs zu stagnieren Faschismus und Kommunismus . Die autoritative Kontrolle erstickte die Kreativität und veranlasste viele, in die USA auszuwandern, um ihre Praktiken fortzusetzen. New York würde mit der letzten Saat der modernistischen Kunst werden Abstrakte Expressionisten Gründung in den 1950er Jahren. Sie nahmen viel von diesen Emigranten und von der früheren modernistischen Kunst, die in den USA zu sehen war.

In den 1960er Jahren war klar, dass die moderne Kunst eine visuelle Sprache etabliert hatte, um die Realitäten der Moderne widerzuspiegeln. Wenn modernistische Kunst visuell schwer verständlich erscheint, liegt das daran, dass die Moderne voller Widersprüche und einer solchen Vielfalt an Erfahrungen ist, dass es schwierig ist, sie vollständig zu verstehen. Die moderne Kunst suchte nach kreativen Formen, die die Erfahrung des Modernseins visualisieren würden, und wir können jetzt ihre Kühnheit schätzen. Wir können jetzt vielleicht die Art und Weise betrachten, wie Geometrie sich schneidet und Schönheit darin finden; Wir können die Objekte um uns herum etwas genauer untersuchen und feststellen, dass ihre Form nicht so einfach ist.