Definition der Moderne durch 5 Fakten und 12 Kunstwerke

Tanzen von Henri Matisse , 1909-10, via Hermitage Museum, Sankt Petersburg; mit Komposition mit Rot, Blau und Grau von Piet Mondrian, 1927; und Frauen II. von Willem de Kooning, 1952

Wie jede andere Epochenbeschreibung in der Kunst sind „Modernismus“ und „moderne Kunst“ schwer genau zu definieren. Der Grund ist, dass solche Kategorien in gewisser Weise subjektiv sind und daher immer umstritten bleiben werden. Mit dem Begriff „Moderne“ sprechen wir üblicherweise von einer globalen Bewegung, die sowohl gesellschaftlich als auch kulturell Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts in den Ländern der westlichen Welt stattfand. Gerade in der bildenden Kunst bedeutete der Begriff einen Bruch mit fast allem, was vorher in der Kunst geschah. Und es beschreibt die Suche nach neuen Ausdrucksmitteln.

Nummer 14 von JacksonPollock , 1951, über Tate, London

Eingebettet in große soziale, kulturelle und politische Umwälzungen gilt die „Moderne“ als eine Zeit der Innovation und des Experimentierens. Grob gesagt reicht der Begriff „Moderne“ in der Kunst vom Realismus von Künstlern wie Gustave Courbet bis zur Abstraktion der 1960er Jahre. Im Folgenden erklären wir Ihnen die „Moderne“ anhand von 5 Fakten und 12 Kunstwerken näher.

1. Die Moderne beschreibt keinen einzigen Stil

Die japanische Fußgängerbrücke von Claude Monet , 1899, über die National Gallery of Art, Washington D.C.

Meist erfolgt die Beschreibung einer Epoche nach Ähnlichkeiten in den Kunstwerken einer bestimmten Epoche. Modern art ist jedoch nicht so einfach einzugrenzen – im Gegenteil. Anstelle eines einzigen Stils entstanden in der Moderne viele verschiedene Stile und Kunstformen. Viele der neuen Kunstformen und Stilrichtungen haben eines gemeinsam: Viele tragen den Namenszusatz -ismus in ihrem Namen. Dazu gehören zum Beispiel Impressionismus , dem folgte Expressionismus . Aber auch Kubismus und Fauvismus fallen in die Kategorie „Modernismus“.

Violine und Krug von George Braque , 1910, über Art Archive

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In dieser Rubrik sehen Sie jeweils ein Werk der Künstler Claude Monet und Georg Braque . Oberflächlich betrachtet könnten diese Kunstwerke unterschiedlicher nicht sein. Sowohl die Technik als auch die Farben und Motive unterscheiden sich grundlegend. Die beiden Werke haben jedoch mehr gemeinsam, als man anfangs vermuten mag. Beide Gemälde sind in der Kunst der Moderne entstanden. Was sie noch verbindet, soll in den folgenden Erläuterungen gezeigt werden.

2. Künstler der Moderne stellten konservative Werte in Frage oder lehnten sie sogar ab

Die Ära der Moderne in der Kunst wurde eingeläutet, als immer mehr Künstler klassische Prinzipien der Kunst ablehnten und traditionelle Vorstellungen von Kunst zunehmend ablehnten. Künstler wie Claude Monet verzichteten in ihren Gemälden darauf, die Welt so realistisch wie möglich darzustellen, wie es in der Kunst gelehrt wurde Renaissance Vor. Stattdessen ging es ihm wie vielen anderen Künstlern um einen subjektiven Ausdruck der Wahrnehmung. Das bedeutete auch, dass Künstler wie Monet das Sehen als solches hinterfragten. Eine objektive Vorstellung vom Sehen wurde auf den Prüfstand gestellt und zunehmend von einer subjektiven Vorstellung vom Sehen abgelöst.

Der Schrei von Edvard Munch , 1893, über das Munch-Museum, Oslo

Lassen Sie uns einen Blick darauf werfen Edward Munch sein berühmtes Gemälde Der Schrei (1893). Edvard Munch zeigt mit diesem Kunstwerk, wie plötzliche Erregung all unsere Sinneseindrücke verändert. Alle Linien des Gemäldes führen zum schreienden Kopf im Zentrum des Gemäldes. Die wilde Mischung aus leuchtenden Farben und organischen Linien verstärkt den Eindruck des Gefühlsausbruchs. Bei diesem Gemälde des norwegischen Künstlers wird eines sehr deutlich: In der Malerei der „Moderne“ geht es weder um Naturwahrheiten noch um die Darstellung idealer Schönheiten. Was zählt, ist der reine Ausdruck von Emotionen, selbst wenn dies bedeutet, eine Figur bis zur Hässlichkeit zu verzerren.

3. Moderne steht für Innovation und Experiment

Die moderne Kunst wurde stark von den gesellschaftlichen und politischen Ereignissen des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts beeinflusst. Die Jahrhundertwende stellt für die westlichen Gesellschaften einen der größten historischen Umbrüche dar. Die Industrialisierung nahm in dieser Zeit richtig Fahrt auf, der Kapitalismus setzte sich immer mehr durch, es gab Erfindungen wie die Eisenbahn und den Ersten Weltkrieg. All dies konfrontierte die Menschen mit Unvorhergesehenem. Dieser Aufbruch und Umbruch war auch in der Kunst zu spüren. Es gab viele Innovationen und die Menschen experimentierten mit Formen, Farben, Linien und Motiven wie nie zuvor.

Les Demoiselles d'Avignon von Pablo Picasso, 1907, über MoMA, New York

Ein gutes Beispiel für diese Entwicklung ist das Kunstwerk von Pablo Picasso Die Damen von Avignon (1907). Wenn man sich dieses Gemälde heute ansieht, könnte man fast meinen, Picasso habe dieses Werk gemalt, um die westliche Malerei von Grund auf zu verändern. Hier spielt der Künstler nicht nur mit der Form des weiblichen Körpers, indem er sie mit geometrischen Formen kombiniert, sondern auch mit den Gesichtern der Frauen inspiriert von afrikanischer Kunst . Beide können als Elemente einer Bildrevolution gesehen werden.

Erwachsensein von Hilma af Klint , 1907, über Herz & Kunst

Auch die Abstraktion hielt zur Zeit der Moderne Einzug in die Kunst. Der schwedische Künstler Hilma von Klint gilt heute als Pionier der abstrakte Kunst , zusammen mit Künstlern wie z Wassily Kandinsky . In ihrer Kunst durchlief sie eine malerische Entwicklung von der naturalistischen Kunst zur abstrakten Kunst. Bereits um 1906 malte Hilma af Klint ihre ersten abstrakten Bilder.

4. Der Fokus lag oft auf Material, Farbe, Technik und Prozess

Komposition mit Rot, Blau und Grau von Piet Mondrian , 1927, über Sotheby’s

Ob die Pinselstriche eines Claude Monet, die Farbflächen auf einem Werk von Piet Mondrian oder Farbspritzer auf einem Action Painting von Jackson Pollock – im Zeitalter der Moderne drängten sich Material, Farbe, Technik und malerische Verfahren in den Werken vieler Künstler in den Vordergrund.

Dabei müssen die Bilder keinesfalls überladen werden. Oft ist es sogar die totale Reduktion, die einen besonderen Fokus schafft. Einige gute Beispiele dafür sind die monochromen Arbeiten des französischen Künstlers, Yves Klein .

Ohne Titel Blau Monochrom (IKB 239) von Yves Klein , 1959, über Sotheby’s

Yves Klein gilt als Künstler der Avantgarde . Besonders berühmt geworden sind seine monochromen Bildkompositionen, die er in einem von ihm entwickelten Ultramarinblau gestaltete. Die Farbe trägt den offiziellen Namen International Klein Blue. In solch einem blauen Bild wird die Farbe zum einzigen Motiv und zieht somit sofort die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich.

5. Clement Greenberg: Ein bedeutender Theoretiker der (abstrakten) Moderne

Ein Name, der im Zusammenhang mit moderner Kunst durchaus wissenswert ist, ist Clement Greenberg. Der Kunstkritiker Clemens Greenberg ist so etwas wie der Kopf der spätmodernen Malerei. Greenberg war davon überzeugt, dass Kunst auf ihre grundlegendsten Elemente reduziert werden muss: auf die Oberfläche und ihre Farbe. So propagierte der amerikanische Theoretiker in erster Linie Abstrakter Expressionismus und Farbflächenlackierung.

Ein edler, heldenhafter Mann von Barnett Newman , 1950/51, über MoMA, New York

Künstler wie Jackson Pollock, Willem de Kooning und Barnett Newmann verdanken ihren Ruhm und ihre internationale Anerkennung dem Einfluss und der Unterstützung von Clemens Greenberg . Eine der berühmtesten Schriften von Clement Greenberg ist Auf dem Weg zu einem neueren Laokoon (1940). Der Titel verrät es bereits: Greenberg bezieht sich mit seinem Text auf einen berühmten Text von Gotthold Ephraim Lessing. Wie Lessing wollte auch Greenberg die Künste in ihre Disziplinen trennen. Er erklärt die bildende Kunst zur höchsten Kunst. Die Stärke der Malerei, erklärt er in seinem Essay, werde erst sichtbar, wenn sie auf jegliches Narrative verzichtet. Genau darauf hat sich die Avantgarde in ihrer Malerei eingestellt, wie wir in den vorangegangenen Gemälden sehen können.

Frauen II. von Willem de Kooning , 1952, über MoMA, New York

Halten wir also fest: „Moderne“ ist der Begriff für einen Zeitraum am Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts. Damals trugen große gesellschaftliche und kulturelle Veränderungen dazu bei, dass sich die Kunst im Wandel befand. Moderne Kunst lässt sich keineswegs auf wenige ähnliche Merkmale reduzieren. Es gibt jedoch einige Merkmale, anhand derer moderne Kunst definiert werden kann. In der Kunst herrschte Aufbruchstimmung und Mut zum Experiment. Während der Moderne stellten Künstler konservative Werte und traditionelle Vorstellungen von Kunst in Frage. Sie drückten sich mit Farbe, Formen, Linien und Techniken aus und ebneten so den Weg zur Abstraktion. Eine wichtige Theoretikerfigur in der Entwicklung der modernen Kunst ist der amerikanische Kunstkritiker Clement Greenberg. Seine Schriften geben entscheidende Antworten auf die Frage, wie moderne Kunst auszusehen hat.