Wie die Fotografie ein neues Verständnis von Kunst bahnte

Das früheste weit verbreitete fotografische Verfahren wurde 1839 von Louis Daguerre, dem Schöpfer der Daguerreotypie, veröffentlicht. Die Popularisierung der Fotografie sorgte in der Kunstwelt für Aufsehen und führte zu erheblichen Veränderungen in der Wahrnehmung von Kunst. Da die Fotografie die Welt genauer abbilden konnte als die Malerei, musste sich letztere neu erfinden. Aus diesem Grund verlagerte sich der Fokus der Maler von der Darstellung der Realität auf die Darstellung von Emotionen und Eindrücken. Aus diesem Grund kann die Fotografie als großer Antrieb für die Neuerfindung der Malerei angesehen werden, die im späten 19. und im gesamten 20. Jahrhundert stattfand.

Wann und wie entstand die Fotografie?

Zwei Kinder betrachten das in einer Camera Obscura entstandene Bild, entnommen aus E. Atkinsons Natural Philosophy , über Science & Society Picture Library Prints

Das erste erfolgreiche fotografische Verfahren, die Daguerreotypie , wurde 1837 von Louis Jacques Mandé Daguerre geschaffen. Daguerre hatte zuvor als professioneller Bühnenmaler an einem Theater gearbeitet. Aus diesem Grund kannte er das bereits Dunkelkammer , ein kleiner, abgedunkelter Raum mit einem winzigen Loch oder einer Linse, die ein Bild von außen durchließ. Daguerre ließ sich von diesem Prozess inspirieren, um die erste Fotokamera der Welt zu entwickeln.

Das Dunkelkammer wurde bereits seit Jahrhunderten verwendet und ermöglichte die Reflexion von Bildern der Außenwelt auf einer ebenen Fläche. Bis Daguerre bestand die Hauptschwierigkeit darin, das erzeugte Bild zu gravieren, ohne es auf einem Blatt Papier überzeichnen zu müssen. Auch nachdem es anderen Erfindern im 19. Jahrhundert gelungen war, das Bild auf ein Stück Kupfer zu übertragen, verschwand das Bild schnell, wenn es Licht ausgesetzt wurde. Vor Daguerre war es für ein Foto unmöglich, die Dunkelkammer zu verlassen, in der es hergestellt wurde.

Allerdings gravierte Daguerre die Bilder nicht auf Papier, sondern auf versilberte Kupferplatten. Diese Erfindung wurde 1839 von einem Freund, Dominique François Jean Arago, der Öffentlichkeit vorgestellt. Von da an verbreitete sich dieses neue Verfahren auf der ganzen Welt. Ende 1839 begann die Produktion von Daguerreotypien in verschiedenen Industrienationen. Aufgrund ihrer schnellen Verbreitung wurde diese neue Erfindung schnell von mehreren Herstellern perfektioniert.

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Das war Anfang der 1840er Jahre im Vereinigten Königreich die ersten europäischen Fotostudios erschien. Die Offenbarungszeiten verkürzten sich erheblich, von Daguerres 30 Minuten auf nur 20 Sekunden in den meisten Studios. In den späten 1880er Jahren Georg Eastman erstellt die ersten Filmrollen. Von da an mussten Fotografen keine versilberten Kupferplatten mehr herumtragen, und die Fotografie wurde billiger und zugänglicher.

Rezeption der Fotografie: Die Demokratisierung der Kunst

Still Life, das erste Foto, das jemals mit einer zuverlässigen Daguerreotypie aufgenommen wurde , 1837, über My Modern Met

Die Fotografie hatte einen bedeutenden Einfluss auf die Gesellschaft des 19. Jahrhunderts und seine Rezeption in Künstlerkreisen war unterschiedlich . Während einige die Fotografie begrüßten und als Hilfsmittel für ihre künstlerische Produktion nutzten, kritisierten andere diese Erfindung und lehnten es ab, sie als lohnend für Künstler zu betrachten Gustav Courbet .

Ungeachtet der unterschiedlichen Rezeptionen der Fotografie hat diese Erfindung die europäischen Gesellschaften des 19. Jahrhunderts revolutioniert. Erstmals war Kunst nicht nur für die höheren, sondern auch für die unteren Schichten erschwinglich geworden. Familien aus der Mittelschicht und der Unterschicht konnten ihre Porträts fast sofort in einem Fotostudio zu relativ erschwinglichen Preisen anfertigen lassen.

Man kann sagen, dass es zum ersten Mal zu einer Demokratisierung von Kunst und Bild gekommen ist. Während die einen positiv auf diese und die gesellschaftliche Zugänglichkeit von Kunst reagierten, sahen andere darin eine Banalisierung des künstlerischen Schaffens. Viele standen der Fotografie kritisch gegenüber und sahen sie nur als industrielle Nachahmung von Kunst für kommerzielle Zwecke.

Kunst vor dem Aufkommen der Fotografie

Porträt in einem Fotostudio , 19. Jahrhundert, über ENGIM

Trotz ihrer Variationen hatten die künstlerischen Bewegungen in Europa vor dem 19. Jahrhundert immer eine Realismus als Schwerpunkt . Ihre Veränderung und Variation manifestierte sich hauptsächlich in thematischen Änderungen (was gemalt wurde) oder in der Technik, aber in allen wurde immer eine realistische Darstellung geschätzt.

Zur Zeit der Erfindung und Verbreitung der Fotografie waren die führenden Kunstbewegungen in Europa Romantik und Neoklassizismus . Die erste hatte bereits eine Verschiebung in der künstlerischen Welt eingeleitet, indem sie den Ausdruck des Künstlers betonte.

Diana und Amor von Pompeo Stone , 1761 (neoklassizistische Malerei), über das Metropolitan Museum of Art, New York

In der Malerei der Romantik gab es viele Elemente, die nicht zur Realität gehörten (z. B. übernatürliche Elemente), aber dennoch realistisch dargestellt wurden.

In der klassizistischen Malerei erlebte die Darstellung mythologischer Figuren und Szenen eine Wiederbelebung. Möglichst schön und harmonisch wurden diese stets detailreich und akkurat dargestellt. Auch wenn einige Künstler nicht in diese künstlerischen Richtungen fielen, malten sie dennoch realistisch. Ob menschliche Sujets, Natur oder mythologische Figuren, die europäische Malerei dieser Zeit hatte das gemeinsame Ziel, Bilder so genau und detailgetreu wie möglich darzustellen.

Impressionismus: Eine von der Fotografie geprägte Kunstrichtung

Der Boulevard Montmartre an einem Wintermorgen von Camille Pissaro , 1897, über das Metropolitan Museum of Art, New York

Maler, die das Aufkommen der Fotografie miterlebten, entwickelten eine andere Wahrnehmung von Wirklichkeit und Bildern als ihre Vorgänger. Diese Künstler verstanden, dass die Realität vergänglich ist und dass jeder Moment flüchtig und begrenzt ist. Diese Maler erkannten, dass die Natur der Realität in ständiger Bewegung sein musste.

Aus diesem Grund ist die künstlerische Bewegung vonImpressionismuswar der erste, der von der realistischen Norm in der europäischen Kunst abwich. Die Künstler des Impressionismus akzeptierten, dass die Fotografie am besten geeignet war, um Standbilder festzuhalten, und dass sie sie nicht übertreffen konnten. Aus diesem Grund erforschten die Impressionisten andere Dimensionen der Malerei wie Farbe, Licht und Bewegung. Dieser Stil machte deutlich, dass die Malerei nicht in Konkurrenz zur Fotografie stehen sollte, sondern sie ergänzen sollte, um das darzustellen, was die Fotografie nicht konnte.

Eindruck, Sonnenaufgang von Claude Monet , 1872, über Kunst im Kontext

Impressionistische Maler konzentrieren sich, anstatt die Realität im Detail genau darzustellen, auf den Eindruck der Realität und versuchen, Bewegung in ihren Bildern zu vermitteln . Impressionistische Gemälde stellen die Realität dar, wie sie vom menschlichen Auge wahrgenommen wird: flüchtig und vergänglich, manchmal unklar oder verschwommen. Anfangs wurden diese etwas verschwommenen Darstellungen der Realität als minderwertige oder unfertige Gemälde kritisiert, aber mit der Zeit wurden sie geschätzt.

Von diesem Zeitpunkt an wurde allgemein akzeptiert, dass die Malerei nicht mit der Fotografie konkurrieren kann, wenn es darum geht, die Realität genau darzustellen. Diese Erkenntnis befreite die Malerei in gewisser Weise von den Fesseln des Realismus und öffnete die Tür für einen Wandel in den Künstlerkreisen. Anstatt den Realismus zu schätzen, begannen die Künstler, sich darauf zu konzentrieren, Emotionen, Eindrücke und all das auszudrücken, was Teil der menschlichen Erfahrung ist. Der Impressionismus schuf in vielerlei Hinsicht eine Brücke zwischen traditioneller Kunst, deren Kern der Realismus war, und modernistischer Kunst, die sich von einer genauen Darstellung der Realität distanzierte.

Die modernistische Kunstbewegung: Eine neue Kunstauffassung

Frau mit Hut von Henri Matisse , 1905, über das San Francisco Museum of Modern Art

Bis Anfang Das 20. Jahrhundert , war klar, dass die Fotografie gekommen war, um zu bleiben. Nicht nur das, es gab noch ein ganz neues Medium zur Darstellung der Realität: den Film. Nach einer Filmvorführung der Brüder Lumière im Jahr 1895 in Paris wurde dieses neue Medium schnell verbessert und erlangte große Popularität. Die Realität genau darzustellen, war für Maler keine notwendige Aufgabe mehr. Aus diesem Grund war der Impressionismus nur die erste einer Reihe von künstlerischen Strömungen, die sich vom Realismus entfernten.

In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts gab es mehrere Bewegungen innerhalb Modernismus das die Kunstwelt verändert hat. Das erste war Fauvismus , die reale Szenen und Motive in leuchtenden Farben darstellten, die meist nicht der Realität entsprachen. Fauvisten verwendeten dicke Pinselstriche und ließen sich von postimpressionistischen Malern wie Vincent van Gogh inspirieren. Der führende Name im Fauvismus war Henri Matisse. Auf die Frage, welche Farbe das Kleid der Dame in seinem berühmten Gemälde hat Frau mit Hut war, antwortete er angeblich: Schwarz, offensichtlich .

Eine der frühesten Bewegungen innerhalb der modernistischen Strömung war Expressionismus , die ihren Ursprung bei Van Gogh und Edvard Munch hatte, aber wenige Jahrzehnte später durch den deutschen Konzern maßgeblich weiterentwickelt wurde Die Brücke ( Die Brücke ). Im Expressionismus geht es nicht darum, die äußere Realität genau darzustellen, sondern die innere Realität, Gefühle und Emotionen. Expressionistische Künstler verwendeten lebendige Farben und ungewöhnlich dicke Pinselstriche, und die resultierenden Gemälde waren extrem dicht und intensiv und vermittelten klare Emotionen und Umgebungen.

Apokalyptische Landschaft by Ludwig Meiner , 1912, über Sotheby’s

Besonders während die Jahre nach dem Ersten Weltkrieg , expressionistische Gemälde werden besonders grotesk und düster. Durch die Konzentration auf Emotionen in der Darstellung der Realität konnten die Expressionisten ein genaueres und kritischeres Bild der Gesellschaft zeichnen. In vielerlei Hinsicht konnten diese Gemälde zeigen, was die Fotografie nicht konnte, nämlich die Gefühle der Künstler in Bezug auf die dargestellte Realität.

Wahrscheinlich eine der bekanntesten Bewegungen innerhalb der ModerneKubismus. Diese Bewegung revolutionierte das Konzept der Perspektive und lehnte die Darstellung dreidimensionaler Objekte ab. Anstatt typische Modellierungs- und Perspektivtechniken zu verwenden, stellten Kubisten wie Picasso oder Braque die Objekte als zweidimensional dar und versuchten oft, jeweils unterschiedliche Perspektiven eines einzelnen Objekts einzubeziehen. Indem er die Perspektive auf diese Weise erforscht, geht der Kubismus, wie andere modernistische Kunstbewegungen, über das hinaus, was die Fotografie leisten kann. Manchmal weichen die dargestellten Objekte so weit von der Realität ab, dass es äußerst schwierig ist, zu verstehen, was sie sind. Später entwickelte sich der Kubismus, um zugänglicher und leichter verständlich zu werden, wie auf Picassos berühmtesten Gemälden zu sehen ist, wie z Gernika .

Stillleben: Violine und Leuchter von George Braque, 1910, über das San Francisco Museum of Modern Art

Um 1920 begann eine der wichtigsten Bewegungen innerhalb der Moderne: Surrealismus . Surrealisten machen da weiter, wo die Dadaisten aufgehört haben. Obwohl in den ersten Jahren fruchtbar, die dadaistische Bewegung verlor sich schnell in seiner eigenen Absurdität und wurde von vielen Künstlern aufgegeben. Der Surrealismus ist, obwohl er auf seine Weise rätselhaft und absurd ist, keineswegs bedeutungslos. Ganz im Gegenteil, es versucht, die Überlagerung psychologischer Prozesse im menschlichen Geist aufzuzeigen, die Träume und Vorstellungskraft hervorrufen.

Der erhabene Moment von Salvador Dalí , 1938, über Fundació Gala

In der surrealistischen Malerei wird nicht die physische Realität dargestellt, sondern der Traum und die unbewusste Realität. Wie in anderen Kunstrichtungen der Moderne ergänzt der Surrealismus die Fotografie, weil er etwas darstellt, das weit außerhalb seiner Reichweite liegt: den menschlichen Geist und die Traumwelt. Indem sie sich von den Fesseln der Realität befreien, stellen surrealistische Maler unsere Gedanken und Träume auf revolutionäre Weise dar.

Wie modernistische Malerei die Fotografie beeinflusste

Schneiden Sie mit dem Dada-Küchenmesser durch die letzte Weimarer Bierbauch-Kulturepoche in Deutschland von Hannah Höchst , 1919, via Staatliche Museen zu Berlin

Obwohl die Fotografie nicht für künstlerische Zwecke geschaffen wurde, wurde sie schnell von Künstlern erforscht. Zunächst wurde die Fotografie als Hilfsmittel für die Malerei oder andere traditionelle Kunstformen verwendet. Später begannen einige Künstler, die Kombination von Fotografie, Malerei und anderen Medien zu erforschen und so neue Kunstformen wie die Fotomontage zu schaffen. Einer der führenden Künstler in diesem neuen künstlerischen Medium war Hannah Höchst , ein Künstler der Weimarer Republik, der berühmte Beispiele der Fotomontage geschaffen hat.

Es dauerte einige Zeit und Kontroversen, bis die Fotografie als bildende Kunstform angesehen wurde. Viele Kritiker weigerten sich noch bis weit ins 20. Jahrhundert hinein, die Fotografie als etwas anderes als einen industriellen Mechanismus zu akzeptieren, der die Realität imitiert, aber für sich genommen wenig künstlerischen Wert hat. Im Laufe des 20. Jahrhunderts wurde die Fotografie jedoch zunehmend als Kunstform anerkannt, und Fotografen schufen innovative Wege, sich durch sie auszudrücken.

Äquivalent von Alfred Stieglitz , 1927 (Abstrakte Fotografie), über The Metropolitan Museum of Art, New York

Die Moderne hat auch die Fotografie und ihre alternativen Darstellungen von Realität und menschlichen Emotionen maßgeblich beeinflusst. Im 20. Jahrhundert erforschten Fotografen auch experimentelle und abstrakte Fotografie . Obwohl diese Art der Fotografie immer noch die Realität darstellt, erforschen sie Formen, Farben und Perspektiven, ohne danach zu streben, eine bestimmte Szene oder ein bestimmtes Objekt genau darzustellen.

Wie die Fotografie unsere Wahrnehmung von Kunst verändert hat: Ein Überblick

Gelbe Inseln von Jackson Pollock, 1952, über Tate Museum, London

Die Erfindung der Daguerreotypie im Jahr 1837 beeinflusste die Gesellschaft und die künstlerische Welt, die Daguerre nicht hätte vorhersehen können. Indem die Fotografie die Malerei in ihrer Fähigkeit, die Realität darzustellen, übertraf, befreite sie die Malerei in gewisser Weise von der Notwendigkeit, realistisch zu sein. Die Fotografie ermöglichte auch einen breiteren Zugang zu Kunst und Porträts, die in der Gesellschaft des 19. Jahrhunderts sehr gefragt waren.

Der Impressionismus war die erste Strömung, die von der Fotografie geprägt wurde und sich vom Realismus entfernte, der die Norm in der europäischen Kunst war. Diese Bewegung fungierte als Brücke zwischen früheren Bewegungen und der Moderne. In den verschiedenen künstlerischen Strömungen der Moderne erkundeten viele Künstler unzählige neue Ausdrucksmöglichkeiten. Künstler konzentrierten sich auf die menschliche Erfahrung und verschiedene Arten, die Realität wahrzunehmen, und schufen revolutionäre Werke. Die Fotografie folgte der Tendenz zur Subjektivität und Abstraktion, was zu ihrer Anerkennung als eigenständige Kunstform beitrug.

Kunst wird heute nicht nur als wahrheitsgetreue Darstellung der Wirklichkeit verstanden, sondern als etwas, das zum Nachdenken und Fühlen anregt. Viele Betrachter interessieren sich für die Bedeutungen und Gefühle, die ein Kunstwerk vermittelt oder darstellt, oder für die darin enthaltene Gesellschaftskritik. Obwohl der Realismus von einigen immer noch geschätzt wird, hat er seinen vorrangigen Platz in Künstlerkreisen und bei den Künstlern selbst verloren. Dies wird besonders deutlich, wenn wir an Kunstbewegungen denken, die sich von der Realität distanziert haben, wie z Abstrakter Expressionismus .