Der Aufstieg der Frauenbewegung: 7 feministische Kunstwerke, die Sie kennen sollten

Paper Women von Sanja Iveković, 1976-77 (links); mit Untitled Film Still #3 von Cindy Sherman, 1977 (rechts)

In den 1970er Jahren organisierten Kunsthistorikerinnen wie Linda Nochlin feministische Ausstellungen wie die 1976 Künstlerinnen 1550-1950 im LACMA. Diese Art von Ausstellung zeigte den bestehenden Mangel an Wissen über Künstlerinnen in der Kunstgeschichte und deren Ausschluss aus den meisten Museumssammlungen. In dieser Zeit begann sich die feministische Kunsttheorie als Praxis zu entwickeln. Feministische Künstlerinnen nutzten in ihrer Arbeit unterschiedliche Strategien, um Fragen zur politischen, sozialen und kulturellen Stellung der Frau in der Gesellschaft aufzuwerfen. Wenn wir uns die Kunst von Cindy Sherman, Barbara Kruger oder Judy Chicago ansehen, gibt es keinen bestimmten Stil, sondern eine vielfältige künstlerische Herangehensweise. Hier sind 7 wichtige feministische Kunstwerke, die Sie kennen sollten!

1. Die feministische Kunst von Cindy Sherman: 69 Filmstills ohne Titel

Filmstill Nr. 10 ohne Titel von Cindy Sherman , 1978, über MoMA, New York

Cindy Sherman ist eine berühmte amerikanische Künstlerin, die 1954 geboren wurde. Die meisten ihrer Arbeiten bestehen aus Porträts, in denen sie normalerweise eine Figur verkörpert. Ihre viel gepriesene Serie namens Filmstills ohne Titel besteht aus Schwarz-Weiß-Fotografien, die Ende der siebziger Jahre entstanden sind. In dieser Serie posiert Sherman als fiktive Figur aus den Filmen der 1950er und 60er Jahre. Viele Fotos aus der Serie sehen aus wie Standbilder aus Filmszenen, in denen etwas Unangenehmes oder Beängstigendes passieren wird.

Um die Serien von Cindy Sherman und die feministische Kunst im Allgemeinen zu verstehen, müssen wir uns das ansehen Laura Mulvey wegweisenden Essay über den männlichen Blick. In ihrem Aufsatz von 1975 Visuelles Vergnügen und narratives Kino , Mulvey analysierte, wie die Kamera Frauen im Hollywood-Kino betrachtet. Sie kategorisierte es als etwas namens der männliche Blick – ein Blick, der Frauen objektiviert. Durch den männlichen Blick werden weibliche Charaktere fetischisiert und als passiv dargestellt.

Filmstill Nr. 3 ohne Titel von Cindy Sherman , 1977, über MoMA, New York

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Daher spielt Cindy Sherman die stereotypen Frauenfiguren, die Hollywood uns zeigen will. Die Künstlerin zeigt die Hollywood-Weiblichkeit der 1950er-Jahre als Maskerade. Bei der Schaffung ihrer feministischen Kunst verwendet Sherman Make-up, Perücken, Requisiten, Posen und Gesichtsausdrücke, um zu zeigen, dass das, was wir auf der Leinwand sehen, ein Konstrukt ist. Obwohl Sherman sich selbst als Modell verwendet, sind die Fotografien nicht unbedingt als Selbstporträts zu verstehen, da die Künstlerin als imaginäre Figur posiert.

2. Guerilla-Mädchen: Müssen Frauen nackt sein, um ins Met zu kommen? Museum?

Müssen Frauen nackt sein, um ins Met zu kommen? Museum? von Guerilla-Girls , 1989, über Tate, London

Die Guerilla-Girls bezeichnen sich selbst als feministisch-aktivistische Künstlerinnen. Die Gruppe besteht aus vielen anonymen Mitgliedern. Die feministischen Kunstwerke von Guerilla Girls ähneln Plakaten und Werbetafeln, mit denen sie wichtige politische Botschaften kommunizieren. Durch die einfache, aber wirkungsvolle Optik von Texten und Slogans wollen Guerilla Girls zeigen, wie Frauen in der Kunstwelt diskriminiert werden. Sie sprechen nicht nur über den Mangel an vertretenen Künstlerinnen, sondern auch über den Mangel an vertretenen Artists of Color.

In ihrem Stück von 1989 Müssen Frauen nackt sein, um ins Met zu kommen? Museum? Guerilla Girls wiesen auf die großen Unterschiede in der Anzahl der im Met Museum ausgestellten Künstlerinnen und der Anzahl weiblicher Akte in den Gemälden hin, die Sie dort sehen können. Die Arbeit zeigt eine veränderte Version des Gemäldes Die große Odaliske des französischen neoklassizistischen Malers Jean-August-Dominique Ingres . Anstelle von Odalisques Kopf sehen wir eine Gorillamaske. Das Stück wurde ursprünglich für den New York City Public Art Fund geschaffen, aber später abgelehnt. Damit die Arbeit von einer großen Anzahl von Menschen gesehen werden konnte, mieteten Guerilla Girls Werbeflächen in den Bussen von New York City. Ihre feministischen Kunstwerke sollen das Bewusstsein für die bestehende Geschlechterdisparität in verschiedenen Kreativbranchen schärfen.

3. Barbara Krüger: Ohne Titel ( Es ist eine kleine Welt, aber nicht, wenn Sie sie reinigen müssen)

Ohne Titel ( Es ist eine kleine Welt, aber nicht, wenn Sie sie reinigen müssen) von Barbara Krüger , 1990, über MOCA, Los Angeles

Barbara Krüger ist eine weitere Künstlerin, die Slogans in ihren feministischen Kunstwerken verwendet. Beeinflusst von der Konsumkultur und den Massenmedien entschlüsselt Kruger Botschaften, die wir ständig über verschiedene Kanäle erhalten. Durch ihre Bildtexte stellt Kruger die Frage, wer Verhaltenskodizes, Unterdrückung, Kultur und Identität schafft.

Manche ihrer Slogans klingen wie Befehle. Sie rufen fast das Gefühl hervor, dass jemand Mächtiger uns sagt, wie wir uns verhalten oder nicht verhalten sollen. Kruger hat gesagt, dass sie Bildern und Worten das glaubt die Macht haben, uns zu sagen, wer wir sind und wer wir nicht sind, wer wir sein können und wer wir niemals sein können.

Kruger weist in ihrer Kunst auf patriarchalische Sprache und Bilder hin. Ihre explizit feministischen Stücke mögen Dein Körper ist ein Schlachtfeld oder Dein Blick trifft die Seite meines Gesichts zeigen, wie Frauen die Rechte an ihrem Körper übernehmen.

In ihrem Stück Es ist eine kleine Welt, aber nicht, wenn Sie putzen müssen es, Kruger thematisiert den vorstädtischen Lebensstil des Nachkriegsamerikas. Die berühmte Feministin Betty Friedan schrieb über die Probleme amerikanischer Hausfrauen und das Problem, das in ihrem Buch keinen Namen hat Die weibliche Mystik . Frauen, die den Großteil der Hausarbeit verrichten, sind immer noch ein Thema, daher ist Krugers Artikel relevant, wenn man die heutige Gesellschaft betrachtet, nicht nur die Vergangenheit.

4. Judy Chicagos wegweisendes feministisches Kunstwerk: Die Dinner-Party

Die Dinner-Party von Judy Chicago , 1979, über das Brooklyn Museum

Judy Chicago 's Installation Die Dinner-Party ist eines der bekanntesten feministischen Kunstwerke. Diese Kunstinstallation besteht aus einem mit Keramik, Textilien und Porzellan gefüllten Tisch, der an berühmte Frauen im Laufe der Geschichte erinnert. Der Tisch ist als Dreieck angelegt und hat 39 Teller, von denen jeder eine bestimmte Frau darstellt. Einige der Frauen, die am Tisch sitzen, sind Georgia O’Keeffe, Virginia Woolf, Emily Dickinson, Elizabeth I, Theodora und Sappho. Die Platten sollen auch weiblichen Genitalien ähneln. Weitere 999 Frauennamen sind in Gold auf den Marmorboden unter dem Tisch geschrieben.

Es dauerte vier Jahre, um das Stück in all seinen feinen Details zu schaffen. Die Installation erregte großes Aufsehen, als sie 1979 zum ersten Mal im San Francisco Museum of Modern Art eröffnet wurde und 100.000 Menschen kamen, um sie zu sehen.

Chicagos Stück zeigt auch Stickereien und andere Kunstpraktiken, die historisch als weiblich und daher von geringerem Wert als Malerei und Skulptur eingestuft wurden.

Die Dinner-Party ist ein kraftvolles und massives Kunstwerk, das Frauen, ihre Sexualität und ihre historische Bedeutung ehrt und feiert. Diese Kunstinstallation ist dauerhaft im Brooklyn Museum ausgestellt. Wenn Sie also nach New York City reisen, verpassen Sie nicht die Gelegenheit, sie zu sehen.

5. Mary Beth Edelsons Collage: Einige lebende amerikanische Künstlerinnen / Letztes Abendmahl

Einige lebende amerikanische Künstlerinnen / Letztes Abendmahl von Mary Beth Edelson , 1972, über MoMA, New York

Ein weiteres ikonisches Werk feministischer Kunst ist Mary Beth Edelson 's Einige lebende amerikanische Künstlerinnen / Letztes Abendmahl . In ihrer Version von Leonardo da Vincis Das letzte Abendmahl Edelson veränderte die Gesichter von Jesus Christus und den Aposteln mit Gesichtern von Künstlerinnen. Anstelle des Antlitzes Christi sehen wir das Antlitz Christi Georgia O’Keeffe . Neben O’Keeffe umfasste Edelson auch Künstler wie Agnes Martin, Helen Frankenthaler, Lee Krasner , Alma Thomas und Yoko Ono . Unter die Schwarz-Weiß-Bilder jeder Figur schrieb Edelson den Namen der Person, die wir sehen. Wie Judy Chicago in ihrem Stück Die Dinner-Party , Edelson ist derjenige, der Frauen ihren verdienten Platz am Tisch gibt. Um das Hauptbild herum befinden sich noch mehr Fotografien von Künstlerinnen, die jeweils nummeriert und benannt sind.

Edelson verwendete auch andere Gemälde aus der Kunstgeschichte wie das von Ingre Das Türkisches Bad und Rembrandts berühmtes Werk Die Anatomiestunde von Dr. Nicolaes Tulp für ihre künstlerischen Interventionen. Selbst in den Titeln ihrer Kunstwerke sind feministische Standpunkte präsent. So heißt beispielsweise ihre Version von Rembrandts Gruppenporträt Tod des Patriarchats / A.I.R. Anatomie Lektion . Durch die Aneignung berühmter Kunstwerke wie Das letzte Abendmahl, Edelson hinterfragt die Stellung der Frau sowohl in der Kunstgeschichte als auch in der Kirche.

6. Martha Röslers Video: Semiotik der Küche

Semiotik der Küche von Martha Rösler , 1975, über MoMA, New York

Martha Rösler ist ein amerikanischer Künstler, der in verschiedenen künstlerischen Medien wie Fotomontage, Installation, Video, Leistung , Skulptur u digitale Kunst . Die Hauptthemen ihrer Arbeit sind Krieg und Gender.

Ihr berühmtes Stück, Semiotik der Küche, ist eine 6-minütige Video-Performance, die Kochshows persifliert. Das Stück untersucht, wie das Fernsehen Geschlecht darstellt.

Rosler zieht sich im Video eine Schürze um, die eine Hausfrau imitiert, listet verschiedene Küchenutensilien auf und rezitiert sie von A bis Z. Während er die Gegenstände benennt, tritt Rosler theatralisch und aggressiv vor die Kamera. Der Künstler macht eine Parodie auf die Küche, die typischerweise als weiblicher Raum im Haus gesehen wird. Rosler verwendet daher die Parodie als Strategie, um die Idee des geschlechtsspezifischen Raums zu dekonstruieren. Die Arbeit fungiert auch als Referenz zu Julia Kind , eine Fernsehpersönlichkeit, die für ihre Kochshow berühmt ist Der französische Koch . Anstelle eines fröhlichen und fröhlichen Kindes tritt Rosler ernst und wütend auf.

Auch in ihren berühmten Fotomontagen der Serie thematisiert Rosler Fragen zu Geschlechterrollen, häuslichen Räumen und Politik House Beautiful (Die Arbeit nach Hause bringen) .

7. Jugoslawische feministische Kunst bei Sanja Iveković Papierfrauen

Papierfrauen von Sanja Iveković , 1976-77, über MACBA, Barcelona

Sanja Iveković ist ein 1949 geborener kroatischer Künstler. Iveković war Teil einer Gruppe junger jugoslawischer Künstler namens The Neue Kunstpraxis die nach dem Studentenprotest von 1968 entstand. Iveković thematisiert in ihrer Arbeit häufig feministische Themen, Geschlechterunterschiede und Probleme der Repräsentation von Frauen in den Medien.

In ihrer Serie von 1976-77 mit dem Namen Papierfrauen, Iveković verwendete Zeitschriftenanzeigen mit verschiedenen schönen Frauen. In Ivekovićs Version der Anzeigen werden Frauen zerrissen, geschnitten und über ihrer Haut zerkratzt dargestellt. Der Künstler zeigt Schönheit als ein beunruhigendes Konzept, in dem Schmerz und Aggression liegen.

Auch in Werken wie Süße Gewalt oder Tagebuch . Im Tagebuch Bilder von Frauen in voller Schminke sind auf der einen Seite zu sehen, während gebrauchte Seidenpapiere und Wattepads auf der linken Seite positioniert sind. Die schmutzigen Wegwerfartikel rechts zeigen, dass Schönheitsstandards etwas sind, das durch die Verwendung bestimmter Produkte konstruiert wird.

Wie viele andere feministische Künstlerinnen zeigt Iveković, dass stereotype Standards weiblicher Schönheit auch einschränkend und aggressiv wirken können. Für Iveković sind die Medien letztendlich gewalttätig gegenüber Frauen, und sie erkennt diesen Schmerz und diese Gewalt durch ihre Eingriffe in die Originalbilder der Zeitschrift an.