Wie die Präraffaeliten-Bruderschaft die Kunstwelt schockierte: 5 Schlüsselbilder

Das erwachende Gewissen von William Holman Hunt, 1853; mit Beata Beatrix von Dante Gabriel Rossetti, 1864–70

Die Präraffaeliten-Bruderschaft ist eine der bekanntesten Kunstrichtungen aller Zeiten und weltberühmt für ihren unverwechselbaren und sofort wiedererkennbaren Stil – Frauen mit flammendem Haar, funkelnde Farben, Artus-Kostüme und wilde Landschaften, die bis ins kleinste Detail gemalt sind. Der Stil ist heute so tief in der Kulturgeschichte verwurzelt, dass man sich kaum vorstellen kann, wie radikal und subversiv er einst war. Aber in viktorianischen Zeiten waren sie die bösen Jungs der britischen Kunstwelt, die die Öffentlichkeit mit einer brandneuen Ästhetik erschreckten, die niemand zuvor gesehen hatte.

Gelangweilt und frustriert von der dominanten und abgeleiteten klassischen Kunst um sie herum, griff die Präraffaeliten-Bruderschaft zurück in die mittelalterliche Vergangenheit, um eine einfachere, authentischere Arbeitsweise zu finden. Die Natur war eine treibende Kraft, die sie mit maximaler Liebe zum Detail nachzubilden suchten. Sie definierten auch eine neue Marke weiblicher Schönheit, indem sie liegende idealisierte klassische Akte durch schrille und sexuell ermächtigte Frauen aus der realen Welt ersetzten, die die sich wandelnden Zeiten widerspiegeln, in denen sie lebten.

Wer war die Präraffaeliten-Bruderschaft?

Das Arnolfini-Porträt von Jan van Eyck , 1434, über die National Gallery, London

Die Gründer der Präraffaeliten-Bruderschaft trafen sich zum ersten Mal als Studenten in Londoner Royal Academy im Jahr 1848. Dante Gabriel Rossetti William Holman Hunt , und John Everett Millais waren alle gleichermaßen unbeeindruckt von den etablierten Lehrmethoden an der Akademie, die sie dazu ermutigten, Kunstwerke der Klassik und der Renaissance, einschließlich der Porträt- und Genremalerei, auswendig zu kopieren Raffael . Nach dem Sehen Jan van Eycks Arnolfini-Porträt, 1434, und Lorenzo Monacos San-Benedetto-Altar, 1407-9 ausgestellt bei Die Nationalgalerie in London, Stattdessen entwickelten sie einen besonderen Geschmack für die Kunst des Mittelalters und der frühen Renaissance, die vor oder vor Raffael hergestellt wurde, die sich darauf konzentrierte, aus direkter Beobachtung mit schillernden, funkelnden Farben und unglaublicher Liebe zum Detail zu arbeiten.

Das springende Pferd von John Constable , 1825, über die Royal Academy of Arts, London

Die Wahrheit in der Natur zu finden, war ein grundlegendes Konzept in der präraffaelitischen Kunst, eine Idee, die teilweise von der einfachen Ehrlichkeit der mittelalterlichen Kunst und auch von den Schriften bedeutender Kunsttheoretiker geprägt war John Ruskin, der Künstler aktiv ermutigte, in die Natur zu gehen, um die wahre Bedeutung der Kunst zu finden. Das Romantiker Maler John Konstabler und JMW Turner hatte auch einen starken Einfluss auf die Präraffaeliten mit ihrer Feier in der erhabenen Ehrfurcht und dem Wunder der Natur.

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Mit diesen Ideen wurde die Pre-Raphaelite Brotherhood 1848 heimlich in London von Millais, Rossetti und Hunt gegründet, und im Laufe der Jahre zog ihre kleine Gruppe einen größeren Kreis begeisterter Anhänger an, darunter Ford Madox Brown und Edward Burne-Jones. In ihrem Gründungsmanifest haben sie ihre Ziele beschrieben: Echte Ideen zum Ausdruck zu bringen, die Natur aufmerksam zu studieren, um zu wissen, wie man sie ausdrückt, mit dem Direkten und Ernsthaften und Herzlichen der bisherigen Kunst sympathisieren, bis auf das, was ist konventionell und sich selbst darstellend und auswendig gelernt und vor allem unentbehrlich, um durch und durch gute Bilder und Statuen zu produzieren. Diese Aussage fasste ihre bewusste Rebellion gegen die standhaften Traditionen der Royal Academy zusammen, die die viktorianische britische Kunst dominierten, eine Haltung, die den Lauf der Kunstgeschichte für immer verändern würde. Werfen wir einen genaueren Blick auf die einflussreichsten Gemälde, die einen Sturm entfachten und die Präraffaeliten-Bruderschaft zu dem bekannten Namen machten, den wir heute kennen.

1. John Everett Millais, Christus im Haus seiner Eltern, 1849

Christus im Haus seiner Eltern von John Everett Millais , 1849, über Tate, London

Auch wenn es heute überraschend erscheinen mag, löste Millais weit verbreiteten Schock und Entsetzen aus, als er dieses Gemälde 1850 in der Royal Academy enthüllte. gewöhnliche Menschen mit schmutzigen Fingernägeln, abgetragener Kleidung und faltiger Haut statt der etablierten Norm zur Idealisierung heiliger Figuren. Millais unternahm extreme Anstrengungen, um einen solch lebhaften Realismus darzustellen, indem er seine Kulisse einer echten Schreinerei nachempfunden und Schafköpfe aus einer Metzgerei als Vorbilder für die Schafe im Hintergrund verwendete.

Einer der prominentesten Kritiker dieser Arbeit war der Schriftsteller Charles Dickens, der Millais' Darstellung von Mary als so schrecklich in ihrer Hässlichkeit verurteilte, dass sie sich vom Rest der Gesellschaft als Monster abheben würde … Die Arbeit demonstrierte die bewusst provokative und konfrontative Haltung der Präraffaeliten-Bruderschaft gegenüber der Royal Academy und lehnte alle Formen von idealisierten Klassizismus zugunsten der kalten, harten Wahrheit.

2. John Everett Millais, Ophelia, 1851

Ophelia von John Everett Millais , 1851, über Tate, London

Eines der kultigsten Gemälde aller Zeiten, Ophelia von Millais, wurde oft zum Plakatbild für die gesamte präraffaelitische Bewegung. Millais fängt Ophelia aus Shakespeares Hamlet ein, die gerade in einem Bach ertrunken ist, und malt das Modell und die umgebende Wildnis mit verblüffendem, fast fotografischem Realismus. Shakespeare-Themen waren bei Künstlern dieser Zeit beliebt, aber nie zuvor waren sie mit einer so lebensechten Genauigkeit oder mit so blendend lebendigen Farben gemalt worden, die Kritiker als schrill bezeichneten und Millais beschuldigten, die Aufmerksamkeit von den um ihn herum aufgehängten Werken abzulenken.

Millais malte zuerst den Hintergrund und arbeitete monatelang im Freien an einem Flussabschnitt in Surrey, um das kleinste Detail der Pflanzenwelt einzufangen. Das später hinzugefügte weibliche Modell war Elizabeth Siddall, eine der beliebtesten Musen der Gruppe, die mit ihrer blassen Haut und ihren feuerroten Haaren die präraffaelitische Frau verkörperte und später Rossetti heiratete. Millais überredete sie, lange Zeit in einem Wasserbad zu posieren, damit er jedes Detail des Lebens, wie den glänzenden Glanz ihrer Augen und die Textur ihres nassen Haares, malen konnte, aber der zermürbende Prozess führte dazu, dass Siddall sich zusammenzog ein schwerer Fall von Lungenentzündung, eine Geschichte, die dem Gemälde eine größere emotionale Intensität verleiht.

3. Ford Madox-Braun, Hübsche Baa-Lämmer, 1851

Hübsche Baa-Lämmer von Ford Madox Brown , 1851, im Birmingham Museum and Art Gallery, via Art UK

Nach heutigen Maßstäben mag dieses Gemälde wie eine idyllische Darstellung des ländlichen Lebens aussehen, aber in der viktorianischen Gesellschaft galt es als eines der ungeheuerlichsten und skandalösesten Gemälde, die jemals gemalt wurden. Was es so schockierend machte, war sein stark beleuchteter Realismus und seine brillant kräftigen Farben, die Brown erreichte, indem er die gesamte Szene im Freien mit echten Modellen malte. Das Gemälde löste sich scharf von den idealisierten, imaginären Szenen der Fantasie und Flucht, die die Kunst der damaligen Zeit kennzeichneten, und verband die Kunst wieder mit der kalten Wahrheit des normalen, gewöhnlichen Lebens. Rückblickend gilt das Gemälde heute als wichtiger Vorläufer der Freilichtmalerei der Realisten und Impressionisten das würde folgen, wie der Kunstkritiker RAM Stevenson aus dem 19. Jahrhundert feststellte: Die ganze Geschichte der modernen Kunst beginnt mit diesem Bild.

4. William Holman-Jagd, Das erwachende Gewissen, 1853

Das erwachende Gewissen von William Holman Hunt , 1853, über Tate, London

Diese mysteriöse Innenszene ist voller versteckter Dramatik und Subtexte – was auf den ersten Blick wie ein Ehepaar allein in einem privaten Raum erscheinen mag, ist in Wirklichkeit ein viel komplexeres Arrangement. Ein genaueres Studium der Arbeit zeigt, dass sich die junge Frau hier teilweise entkleidet hat und keinen Ehering trägt, was darauf hindeutet, dass sie entweder eine Geliebte oder eine Prostituierte ist. Ein heruntergefallener Handschuh auf dem Boden impliziert die sorglose Missachtung der jungen Frau durch den Mann, dem jedoch der seltsam erleuchtete Gesichtsausdruck der Frau und ihre angespannt distanzierte Körpersprache entgegenwirken.

Zusammengenommen deuten diese Referenzen darauf hin, dass sie plötzlich den Weg der Erlösung gesehen hat, während der lichterfüllte Garten in der Ferne auf eine neue Art von Freiheit und Erlösung hinweist. Die Pre-Raphaelite Brotherhood war sich des sich verändernden Status von Frauen aus der Arbeiterklasse in der viktorianischen Zeit bewusst, die durch die steigende Beschäftigung im Zuge der industriellen Revolution eine größere Autonomie erlangten. In dieser großen, selbstbewussten jungen Frau weist Hunt auf eine bessere Zukunft sozialer Mobilität, Unabhängigkeit und Chancengleichheit hin.

5. Dante Gabriel Rossetti, Beat Beatrix 1864–70

Gesegnete Beatrix von Dante Gabriel Rossetti , 1864–70, über Tate, London

Die Inspiration für dieses gespenstische, ätherische Porträt kam von dem mittelalterlichen Dichter Dantes Text La Vita Nuova (Das neue Leben), in dem Dante von seiner Trauer über den Verlust seiner Geliebten Beatrice schreibt. Aber Rossetti modelliert die Beatrice in diesem Gemälde seiner Frau Elizabeth Siddall, die zwei Jahre zuvor an einer Überdosis Laudanum gestorben war. Das Gemälde fungiert daher als kraftvolles Denkmal für Siddall und zeigt sie als melancholischen Geist, dessen rotes Haar von einem Lichtschein umgeben ist. Im Vordergrund ist eine rote Taube ein finsterer Todesträger, der eine gelbe Blume auf den Schoß des Models fallen lässt. Ihr Ausdruck ist transzendent, als sie die Augen schließt und den Kopf gen Himmel richtet, als würde sie den Tod und das Leben nach dem Tod erwarten.

Die Tragödie dieses Werks ist typisch für eine viktorianische Besessenheit von Melancholie und Tod, aber es trägt auch eine Botschaft der Hoffnung in sich – in vielen Gemälden der Präraffaeliten-Bruderschaft symbolisierten sterbende oder tote Frauen den Tod altmodischer weiblicher Stereotypen und die Wiedergeburt der erwachenden Freiheit, Sexualität und weiblichen Kraft.

Vermächtnis der Präraffaeliten-Bruderschaft

Pappeln auf der Epte von Claude Monet , 1891, über Tate, London

Die Präraffaeliten-Bruderschaft hat zweifellos den Lauf der Kunstgeschichte geprägt und den Weg für eine ganze Sezession der folgenden Kunstrichtungen geebnet. Das Arts & Crafts-Bewegung entwickelte die präraffaelitische Betonung der mittelalterlichen Rustikalität und einer tiefen Verbundenheit mit der Natur weiter, während die ästhetische Bewegung des späteren 19thJahrhundert war eine natürliche Weiterentwicklung der Präraffaeliten, mit Dichtern, Künstlern und Schriftstellern, die sich auf ästhetische Werte statt auf gesellschaftspolitische Themen konzentrierten. Viele haben auch argumentiert, dass die Präraffaeliten den Franzosen den Weg geebnet haben Impressionisten durch die Förderung von Maltechniken im Freien, um die dramatischen Lichteffekte der freien Natur einzufangen. In der Populärkultur hat die Präraffaeliten-Bruderschaft einen Großteil der visuellen Bilder um uns herum geprägt, von J.R.R. Tolkeins Romane bis hin zum unverwechselbaren Styling der Sängerin Florence Welch und der schwebenden, ätherischen Mode von Alexander McQueen, John Galliano und The Vampire’s Wife, was beweist, wie beständig und ansprechend ihr Stil nach wie vor ist.