Satire und Subversion: Kapitalistischer Realismus in 4 Kunstwerken definiert

Aufbau der Republik von Max Lingner, 1950-53; mit Freundinnen von Sigmar Polke, 1965/66

Kapitalistischer Realismus ist eine ungewöhnliche, schlüpfrige Kunstbewegung, die sich einer einfachen Definition widersetzt. Teil Pop-Art , teils Fluxus, teils Neo-Dada, teils Punk, kam der Stil in den 1960er Jahren aus Westdeutschland und war das Sprungbrett für einige der erstaunlichsten und erfolgreichsten Künstler von heute, darunter Gerhard Richter und Sigmar Polke. Die Kapitalistischen Realisten, die Mitte der 1960er Jahre aus West-Berlin hervorgingen, waren eine abtrünnige Gruppe von Künstlern, die in einer unruhigen Nachkriegsgesellschaft aufgewachsen waren und vielen der sie umgebenden Bilder misstrauisch und skeptisch gegenüberstanden. Sie waren sich einerseits der amerikanischen Pop Art bewusst, aber ebenso misstrauisch gegenüber der Art und Weise, wie sie den Kommerz und die Celebrity-Kultur verherrlichte.

Ähnlich wie ihre amerikanischen Zeitgenossen durchstöberten sie die Reiche der Zeitungen, Zeitschriften, Anzeigen und Kaufhäuser nach Themen. Aber im Gegensatz zum frechen, hellen Optimismus der amerikanischen Pop Art war der Kapitalistische Realismus düsterer, dunkler und subversiver, mit gedämpften Farben, seltsamen oder absichtlich banalen Themen und experimentellen oder informellen Techniken. Die unangenehme Atmosphäre ihrer Kunst spiegelte den komplizierten und gespaltenen politischen Status Deutschlands nach dem Zweiten Weltkrieg und während des still tobenden Kalten Krieges wider.

Die Geschichte des kapitalistischen Realismus

Bau der Republik von Max Lingner, 1950-53, aus bemalten Mosaikfliesen neben dem Eingang des Detlev-Rohwedder-Hauses in der Leipziger Straße

Noch durch die Berliner Mauer in Ost- und Westfraktionen geteilt, war Deutschland in den 1960er Jahren ein gespaltenes und unruhiges Land. Im Osten bedeutete die Verbindung mit der Sowjetunion, dass von der Kunst erwartet wurde, dass sie dem Propagandastil von folgt Sozialistischer Realismus , das das rustikale, ländliche Sowjetleben mit einem rosaroten, optimistischen Glanz fördert, wie es in dem berühmten Mosaikwandbild des deutschen Künstlers Max Lingner veranschaulicht wird Aufbau der Republik , 1950-53. Im Gegensatz dazu war Westdeutschland enger mit den zunehmend kapitalistischen und kommerzialisierten Kulturen Großbritanniens und Amerikas verbunden, wo sich eine breite Palette künstlerischer Praktiken herausbildete, einschließlich der Pop Art.

Campbell’s Soup Can (Tomate) von Andy Warhol , 1962, über Christie’s; mit Kunststoffwannen von Sigmar Polke , 1964, über MoMA, New York

Düsseldorfer Kunstakademie in West-Berlin wurde in den 1960er Jahren als eine der weltweit führenden Kunstinstitutionen anerkannt, wo Künstler u Josef Beuys und Karl Otto Götz lehrten eine Reihe radikal neuer Ideen, von der Fluxus-Performance-Kunst bis zur expressiven Abstraktion. Vier Studenten, die sich hier in den 1960er Jahren trafen, sollten später die Bewegung des Kapitalistischen Realismus gründen – sie waren Gerhard Richter, Sigmar Polke, Konrad Lueg und Manfred Kuttner. Als Gruppe waren sich diese Künstler durch das Lesen internationaler Zeitschriften und Publikationen der Entwicklungen in der amerikanischen Pop Art bewusst. Andy Warhols Integration der Konsumkultur in die Kunst, wie in seiner gesehen Campbells Suppendosen, 1962 war ebenso einflussreich wie Roy Lichtensteins erweiterte Comic-Auszüge mit idealisierten, glamourösen Frauen, mit denen er bemalt wurde Ben-Day-Punkte wie zum Beispiel Mädchen im Spiegel, 1964.

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Mädchen im Spiegel von Roy Lichtenstein , 1964, über Phillips

1963 inszenierten Lueg, Polke und Richter eine seltsame, experimentelle Pop-up-Performance und Ausstellung in einer verlassenen Metzgerei und zeigten eine Reihe von Lo-Fi-Gemälden jedes Künstlers, die auf Ad-hoc-Anzeigen in Zeitschriften basierten. In der Pressemitteilung bezeichneten sie die Ausstellung als erste Ausstellung deutscher Pop-Art, scherzten aber nicht, denn ihre Kunstwerke machten sich über den Hochglanz der amerikanischen Pop-Art lustig. Stattdessen konzentrierten sie sich auf banale oder schreckliche Bilder in der Öffentlichkeit, eine Stimmung, die durch die düstere Metzgerei-Kulisse noch verstärkt wurde.

Leben mit Pop: Eine Demonstration für den kapitalistischen Realismus by Gerhard Richter with Konrad Lueg , 1963, über MoMA Magazine, New York

Später im selben Jahr inszenierten Gerhard Richter und Konrad Lueg ein weiteres seltsames Pop-up-Event, diesmal in Deutschlands bekanntem Möbelhaus Mobelhaus Berges, das eine Reihe bizarrer Performances auf erhöhten Stühlen und die Ausstellung von Gemälden und Skulpturen beinhaltete Möbel des Ladens. Pappmaché-Figuren des amerikanischen Präsidenten John F. Kennedy und des renommierten Kunsthändlers Alfred Schmela begrüßten die Besucher der Galerie. Sie waren eine satirische Interpretation der Berühmtheitsfeier der Pop Art mit diesen absichtlich groben, unattraktiven Karikaturen.

Living with Pop: A Reproduction of Capitalist Realism by Gerhard Richter and Konrad Lueg, 1963, eine Installation mit Pappmaché-Modellen von John F. Kennedy, links, und dem deutschen Galeristen Alfred Schmela, fotografiert von Jake Naughton, via The New York Mal

Sie nannten die Veranstaltung Living with Pop – A Demonstration for Capitalist Realism, und hier wurde der Name ihrer Bewegung geboren. Der Begriff Kapitalistischer Realismus war eine augenzwinkernde Verschmelzung von Kapitalismus und Sozialistischem Realismus und bezog sich auf die zwei spaltenden Fraktionen der deutschen Gesellschaft – den kapitalistischen Westen und den sozialistisch-realistischen Osten. Es waren diese beiden gegensätzlichen Ideen, mit denen sie in ihrer Kunst zu spielen und sie zu kritisieren versuchten. Der respektlose Name offenbarte auch den zurückhaltenden, schwarzen Humor, der ihre Praktiken untermauerte, wie Richter in einem Interview erklärte, Kapitalistischer Realismus sei eine Form der Provokation. Dieser Begriff griff irgendwie beide Seiten an: Er machte den sozialistischen Realismus lächerlich und tat dasselbe mit der Möglichkeit des kapitalistischen Realismus.

René Block in seinem Büro in der Galerie, mit dem Plakat Hommage à Berlin , fotografiert von K.P. Brehmer , 1969, über Open Edition Journals

In den folgenden Jahren sammelte die Bewegung mit Hilfe des jungen Galeristen und Händlers eine zweite Welle von Mitgliedern René Block , der in seinem gleichnamigen West-Berliner Galerieraum eine Reihe von Gruppenausstellungen arrangierte. Im Gegensatz zu ihren malerischen Vorgängern waren diese Künstler stärker digital ausgerichtet, wie in den Arbeiten von Wolf Vostell und K.P. Brehmer. Block arrangierte über seine Plattform auch die Produktion erschwinglicher Druckausgaben und wegweisender Publikationen „Ausgabeblock“, Er hat die Karrieren von Richter, Polke, Vostell, Brehmer und vielen anderen ins Leben gerufen und die Entwicklung der Praxis von Joseph Beuys unterstützt. In den 1970er Jahren galt er als einer der einflussreichsten Galeristen der deutschen Nachkriegskunst.

Fernsehdecollage von Wolf Vostell , 1963, via Reina Sofía National Art Center Museum, Madrid

Während sich der Kapitalistische Realismus in den späten 1970er Jahren allmählich auflöste, verfolgten viele der mit der Bewegung verbundenen Künstler weiterhin ähnliche Ideen in mutigen und provokanten neuen Richtungen und sind seitdem zu weltweit führenden Künstlern geworden. Werfen wir einen Blick auf die markantesten Kunstwerke, die diesen rebellischen Zweig der deutschen Pop-Art verkörpern, und wie sie eine solide Grundlage für einige der berühmtesten Künstler von heute bilden.

1. Gerhard Richter, Mutter und Kind, 1962

Mutter und Tochter von Gerhard Richter , 1965, über The Queensland Art Gallery & Gallery of Modern Art, Brisbane

Der deutsche Künstler Gerhard Richter, einer der berühmtesten Maler der Welt, legte Anfang der 1960er Jahre mit der Bewegung des Kapitalistischen Realismus den Grundstein für seine zukünftige Karriere. Die Beziehung zwischen Malerei und Fotografie war während seiner gesamten Karriere das Hauptanliegen, eine Dualität, die er in einer Vielzahl experimenteller Ansätze untersucht hat. In der unheimlichen Malerei Mutter und Tochter, 1965 erforscht er seine charakteristische „Blur“-Technik, bei der er ein fotorealistisches Gemälde wie ein unscharfes Foto aussehen lässt, indem er die Ränder der Farbe mit einem weichen Pinsel auflockert und ihm eine gespenstische, unheimliche Qualität verleiht.

Dieser Verwischungsprozess schuf für Richter eine bewusste Distanz zwischen Bild und Betrachter. In dieser Arbeit wird ein scheinbar gewöhnliches gefundenes Foto einer glamourösen Mutter und Tochter von einem undeutlichen Schleier verdeckt. Dieser Prozess unterstreicht die Oberflächlichkeit von Bildern aus der Öffentlichkeit, die uns selten die ganze Wahrheit sagen. Der Schriftsteller Tom McCarthy bemerkt in Bezug auf Richters Prozess: Was ist eine Unschärfe? Es ist eine Korruption eines Bildes, ein Angriff auf seine Klarheit, einer, der transparente Linsen in undurchsichtige Duschvorhänge, hauchdünne Schleier verwandelt.

2. Sigmar Polke, Girlfriends (Freundinnen) 1965/66

Girlfriends (Freundinnen) von Sigmar Polke , 1965/66, über Tate, London

Wie Richter, Sigmar Polke genoss es, mit den Dualitäten zwischen gedruckten Bildern und Malerei zu spielen. Seine gerasterten Punktmuster, wie sie in diesem Gemälde zu sehen sind, wurden während seiner langen und äußerst erfolgreichen Karriere als Maler und Grafiker zu einem bestimmenden Merkmal. Auf den ersten Blick ähneln seine Punkte Der des amerikanischen Pop-Künstlers Roy Lichtenstein im Comic-Stil, Tinte sparende Ben-Day-Punkte. Aber wo Lichtenstein das glatte, polierte und mechanisierte Finish eines industriell produzierten Comics nachahmte, entschied sich Polke stattdessen dafür, die ungleichmäßigen Ergebnisse zu replizieren, die durch die Vergrößerung eines Bildes auf einem billigen Fotokopierer erzielt wurden.

Dies verleiht seiner Arbeit eine körnigere und unvollendetere Kante und verdeckt auch den Inhalt des Originalbildes, sodass wir gezwungen sind, uns auf die Oberflächenpunkte und nicht auf das Bild selbst zu konzentrieren. Wie Richters Unschärfetechnik betonen auch Polkes Punkte die Flächigkeit und Zweidimensionalität der vermittelten, fotografischen Bilder von Hochglanzwerbung, betonen deren Oberflächlichkeit und innewohnende Bedeutungslosigkeit.

3. K. P. Brehmer, Ohne Titel, 1965

Ohne Titel von K. P. Brehmer , 1965, über Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA)

Der deutsche Künstler K.P. Brehmer war Teil der Kapitalistischen Realisten der zweiten Generation, die in den 1960er Jahren vom Galeristen René Block gefördert wurden. Er verfolgte einen vielschichtigen Ansatz zur Bildherstellung, indem er Auszüge gefundener Bilder mit Bildblöcken kombinierte abstrakte, modulierte Farbe . Verschiedene Verweise auf das idealisierte amerikanische Leben sind in diesem auffälligen Offset-Werbedruck verborgen und verdeckt, darunter Bilder von Astronauten, stilvollen Einrichtungsgegenständen, Autoteilen und einem objektivierten weiblichen Modell. Die Verschmelzung dieser Bilder mit abstrakten Farbblöcken reißt sie aus dem Kontext und macht sie stumm, wodurch ihre Oberflächlichkeit hervorgehoben wird. Brehmer war daran interessiert, gedruckte Kunstwerke wie dieses herzustellen, die mit minimalen Kosten mehrfach reproduziert werden konnten, eine Denkweise, die René Blocks Interesse an der Demokratisierung der Kunst widerspiegelte.

4. Wolf Vostell, Lippenstift-Bomber, 1971

Lippenstift-Bomber von Wolf Vostell , 1971, über MoMA, New York

Wie Brehmer gehörte Vostell zur zweiten Generation kapitalistischer Realisten, die sich auf digitale und neue Medientechniken einschließlich Druckgrafik, Videokunst und Multimedia konzentrierten Installation . Und ähnlich wie seine Kollegen aus dem kapitalistischen Realismus hat er Referenzen aus den Massenmedien in seine Arbeit integriert, oft mit Bildern, die sich auf reale Fälle extremer Gewalt oder Bedrohung beziehen. In diesem kontroversen und beunruhigenden Bild kombiniert er ein bekanntes Bild eines Boeing B-52-Flugzeugs, das Bomben über Vietnam abwirft. Die Bomben werden durch Reihen von Lippenstiften ersetzt, eine Erinnerung an die dunklen und beunruhigenden Wahrheiten, die oft hinter dem Glanz und Glamour des kapitalistischen Konsums verborgen sind.

Spätere Entwicklungen im kapitalistischen Realismus

Stern von Marlene Dumas , 2004, über Tate, London

Das Vermächtnis des kapitalistischen Realismus, das weithin als Deutschlands Antwort auf das Phänomen der Pop Art anerkannt ist, ist weltweit von langer Dauer und bedeutsam. Sowohl Richter als auch Polke wurden zu zwei der berühmtesten internationalen Künstler der Kunstwelt, während ihre Kunst Generationen von Künstlern inspiriert hat, zu folgen. Sowohl Richter als auch Polke hinterfragten die verwobene Beziehung zwischen Malerei und Fotografie und hatten einen besonderen Einfluss auf eine Vielzahl von Künstlern, von Kai Althoffs kuriosen narrativen Gemälden bis hin zu Marlene Dumas’ verstörenden und verstörenden malerischen Motiven, die auf Zeitungsausschnitten basieren.

Die renommierten deutschen Künstler Martin Kippenberger und Albert Oehlen replizierten in den 1980er Jahren und darüber hinaus die gleiche ausgesprochen deutsche, respektlose Herangehensweise an das Kunstschaffen wie die Kapitalistischen Realisten und demonstrierten mit Parodien eine Missachtung der kapitalistischen Gesellschaft Expressionist Gemälde und krasse, krude ausgestellte Installationen. Diese Denkweise setzt sich heute in den Praktiken vieler weiterer Künstler fort, darunter auch Witzbolde der Kunstwelt Damien Hirst und Maurizio Cattelan.