Wiener Visionär: Das Leben und die Kunst von Gustav Klimt

Gustav Klimts Werk markiert den Übergang vom Historismus zum Jugendstil und prägte den Beginn der modernen Kunst in Wien. Seine Bilder geben einen Einblick in die Welt in Opulenz und Freizeit. In Allegorien, Porträts, Landschaften und erotischen Figuren richtet er sein Augenmerk vor allem auf das Schöne und verzichtet auf direkte Bezüge zu äußeren Ereignissen. Klimt baute seine Verwendung von Farben und Mustern auf den Einflüssen der japanischen Kunst, der Kunst des alten Ägypten und des byzantinischen Ravenna auf.

Der flachen, zweidimensionalen Perspektive seiner Bilder und der stilisierten Qualität der tiefen Sinnlichkeit seiner Malerei steht die Figur der Frau gegenüber. Abgesehen von seinem künstlerischen Werdegang ist über Gustav Klimts Privatleben so gut wie nichts Konkretes bekannt. Der Mann hinter der Kunst, der hauptsächlich vom Hörensagen als Frauenheld, Hypochonder und Junggeselle mit einem ausgeglichenen Lebensstil dargestellt wird, bleibt ein Rätsel.

Das frühe Leben von Gustav Klimt

Gustav Klimt wurde am 14. Juli 1862 als zweites von sieben Kindern des Goldstechers Ernst und Anna Klimt in der Wiener Vorstadt geboren. Nach dem Abitur an der Volks- und Realschule wurde Gustav 1876 im jungen Alter von 14 Jahren in die Kunstgewerbeschule des k. k. Museums für Kunst und Industrie (Universität für angewandte Kunst in Wien) aufgenommen.

Gustav wurde bald von seinen Brüdern in die Kunstgewerbeschule aufgenommen und erhielt seine ersten Aufträge. Dies beinhaltete die Arbeit an dem von gestalteten Festzug der „Malerfürst“ Hans Makart zum Hochzeitstag von Kaiser Franz Joseph I. und Kaiserin Elisabeth 1879.

Die Gebrüder Klimt gründeten zusammen mit Franz Matsch eine Ateliergemeinschaft, die als die bekannt wurde Kunstlercompagnie (Artists’ Organization in English) im Jahr 1883. Ihre ersten gemeinsamen Aufträge waren die Arbeit für das Wiener Architekturbüro Fellner & Helmer und die Deckengemälde für den Salon der Hermesvilla von Kaiserin Elisabeth im Jahr 1885.

Im Gegensatz zu seiner späteren Kunst, für die er besser bekannt ist, wurde Klimt als Maler der klassischen Tradition ausgebildet. Als Künstler mit akademischer Ausbildung war Klimt vom wohlhabenden liberalen Bürgertum zum Dekorateur ihrer repräsentativen Gebäude auserkoren worden. Beflügelt von einem neuen Umgang mit der Wirklichkeit, wandte er sich bald formal und inhaltlich von den Idealen und Normen des künstlerischen Historismus ab.

Gründung der Wiener Sezession

Mitte der 1890er Jahre bildete eine junge Generation aufstrebender Künstler eine Gruppe innerhalb des Künstlerhauses (ein Ausstellungsraum für etablierte Künstler, ähnlich dem der Pariser Salon ). Sie stellte sich gegen den Konservativismus und plädierte dafür, Ausstellungsräume für moderne und internationale Bewegungen zu öffnen. 1897 erklärten die aufständischen Künstler, darunter Koloman Moser, Carl Moll und Alfred Roller, ihre Trennung vom Künstlerhaus. Unter der Präsidentschaft von Klimt gründeten sie die Union Österreichischer Künstler Wiener Secession , die durch zukunftsorientierte künstlerische Konzepte die Gesellschaft erziehen und das Leben mit Kunst erfüllen wollen.

Die Secession erwies sich von Anfang an als großer Erfolg. 1898 veranstaltete es sowohl seine erste als auch seine zweite Ausstellung. Im selben Jahr erhielt die Secession mit der Errichtung des von entworfenen Secessionsgebäudes einen eigenen Ausstellungsraum Joseph Maria Olbrich . Über dem Eingang steht das Motto: „ Jeder Zeit ihre Kunst, der Kunst ihre Freiheit “ steht bis heute für den radikal liberalen Ansatz der Gruppe. Die bestimmenden Merkmale der neuen Bewegung waren, ihren Bruch mit der offiziellen akademischen Tradition zu behaupten und die Wahrheit über den modernen Menschen zu sagen. Für Gustav Klimt als Künstler bedeutete dies den Verlust seines Status als akzeptierter und etablierter Maler, den er sich über die Jahre aufgebaut hatte. Als er sich von den traditionellen Anfängen entfernte, fand sich Klimt in einer Reihe von Kontroversen wieder, die seine Karriere weiter bestimmten.

Die Skandale von Gustav Klimt

Gemeinsam mit Matsch erhielt Gustav Klimt einen Auftrag für eine Serie von Gemälde für die Universität Wien 1898 und 1899. Im Rahmen der Arbeit wurden Klimt die Fächer Philosophie, Medizin und Rechtswissenschaft zugewiesen. Die Universität erwartete eine Reihe von formalen Gemälden in einem klassischen Stil ähnlich Raffaels Werk in Stanza della Segnatura . Was sie nach mehrjähriger Arbeit tatsächlich erhielten, sorgte jedoch für einen solchen Skandal, dass Klimt die erhaltenen Vorschüsse zurückzahlte und die Gemälde zurücknahm.

Eines der Gemälde, Philosophie , wurde auf der Weltausstellung 1900 in Paris ausgestellt und gewann eine Goldmedaille, was den Unterschied zwischen französischen und österreichischen Künstlerkreisen zeigt. Das zweite Gemälde der Serie, Medizin , sorgte für noch mehr Kontroversen. Die weiblichen Figuren in dem Gemälde stellten eine vollständige Abkehr vom traditionellen akademischen Stil des 19. Jahrhunderts dar. Klimts Frauen sind langhaarig und schlank und besitzen ein sexuelles Bewusstsein, das in seiner Direktheit sowohl verführerisch als auch fast bedrohlich ist. Die Fakultätsbilder sorgten dafür, dass Gustav Klimt die Schirmherrschaft des Kaisers und anderer Persönlichkeiten des Establishments verlor. Zu seinem Glück konnte er stattdessen seinen Lebensunterhalt mit dem Malen von Porträts verdienen.

Die 14. Ausstellung der Secession im Jahr 1902 führte zu einem weiteren Skandal. Diesmal steuerte Klimt einen dem Werk gewidmeten Fries bei Ludwig van Beethoven soll im Secessionsgebäude ausgestellt werden. Drei allegorische Figuren von Neid, Luxus und Exzess wurden entworfen, um einen Teil der Mittelwand des Raums zu besetzen, in dem sie sich befanden Max Klingers Statue von Beethoven sollte auch ausgestellt werden. In der Figur von Neid nutzt Klimt die Haare der Frau, um ihr Geschlecht zu verbergen und die Aufmerksamkeit darauf zu lenken. Überschuss ähnelt nicht so sehr einer Frau, sondern einem türkischen Pascha, dessen Brust zu weiblichen Brüsten erweitert ist. Die konservative Wiener Gesellschaft war erneut zutiefst erschüttert von diesen Bildern.

Klimts Goldene Phase

Gustav Klimts Beethovenfries zeigt, dass er bereits 1902 einige Elemente verwendete, die für seine „goldene Phase“ charakteristisch waren. Die goldene Phase von Klimt wird durch die Werke repräsentiert, für die er heute am bekanntesten ist, darunter Der Kuss , Judith und der Kopf des Holofernes , sowie die Porträts von Adele Bloch-Bauer , Danae , und viele mehr. Die Verwendung metallischer geometrischer Elemente markierte den offiziellen Beginn von Klimts „goldener Phase“, die fünf Jahre später mit seinem ersten Porträt von Adele Bloch-Bauer ihren Höhepunkt erreichte.

1903, während einer Reise nach Ravenna, war Klimt sehr beeindruckt von die frühchristlichen Mosaiken in den Kirchen von Ravenna . Die Ergebnisse dieses Interesses zeigten sich in seiner eigenen Verwendung von collageartigen Mustern aus Gold- und Silberornamenten, die auf die Oberfläche der Leinwand aufgetragen wurden. Klimts Stil wurde zu einer Kombination aus natürlichen Elementen mit großen Flächen abstrakter geometrischer Ornamente.

Eines der ersten Werke, in denen Klimt echtes Blattgold verwendete, ist das Gemälde von Judith aus dem Jahr 1901. Die Heldin des jüdischen Volkes trägt ein goldenes Halsband und einen mit Edelsteinen besetzten Gürtel. Gold wird auch im Hintergrund verwendet, mit Motiven von Bäumen und Reben.

Der Höhepunkt von Klimts goldener Phase war der Erste Porträt von Adele Bloch-Bauer , vollendet 1907. Einzelne ornamentale Motive, die Klimt in Hülle und Fülle verwendete, zeigen die Vielfalt stilistischer Einflüsse. Adeles Kleid und Sessel erinnern an die Goldmosaiken von Ravenna, Augen- und Dreiecksmotive auf ihrem Kleid stammen von ägyptischem Goldschmuck und zarte Spiralen von alte mykenische Kunst . Der Hintergrund besteht aus winzigen Flocken, die ostasiatischen Paravents und Lackstücken ähneln.

Austritt aus der Wiener Secession

1905 führten jahrelang schwelende interne Konflikte und unterschiedliche Ziele der Secessionsmitglieder schließlich zum Zerwürfnis zwischen den Künstlern. Eine Gruppe von Sezessionisten, bekannt als „Stylisten“, zu denen Klimt gehörte, spaltete sich von den sogenannten „Realisten“ ab. Der Grund für die Trennung war weder ästhetisch noch stilistisch, wie die Namen vermuten lassen, sondern Klimt selbst geschuldet. Die sogenannte „Klimt-Gruppe“ (Klimt-Künstler, die die Gruppe verließen) umfasste die angesehensten und international renommiertesten Secessionsmitglieder, die ihre eigenen künstlerischen Ideen verfolgten.

Unabhängig von der Secession organisierte die Klimt-Gruppe Anfang des 20. Jahrhunderts eine der bedeutendsten Ausstellungen, die 1908 Kunstschau . In seiner Eröffnungsrede als Gruppenleiter betonte Gustav Klimt die Bedeutung der angewandten Kunst und betonte, dass es keinen Unterschied zwischen „hoher“ bildender und „niedriger“ angewandter Kunst gebe. Die Ausstellung zeigte 16 Werke von Klimt, die sich um das Gemälde drehten Der Kuss , später vom Unterrichtsministerium für die Moderne Galerie (heute Österreichische Galerie Belvedere) erworben. Oskar Kokoschka , ein weiterer bedeutender Künstler der Moderne, hatte sein Ausstellungsdebüt auf der Kunstschau und widmete seine Die träumenden Jungen zu Klimt.

Spätere Jahre und Tod

Anfang der 1910er Jahre setzte Gustav Klimt mit seiner allegorischen Malerei seinen internationalen Erfolg fort Tod und Leben 1911 gewann er den ersten Preis auf der internationalen Ausstellung in Rom. Wie seine künstlerischen Zeitgenossen hatte der Kampf zwischen Leben und Tod Klimts Kunst immer inspiriert. Einer der deutlichen Einflüsse auf Klimts Malerei kam von dem jungen Expressionisten Egon Schiele , der Klimts Schützling war. Schieles Gemälde und Zeichnungen drückten häufig die für den Expressionismus typische innere Angst aus. Im Gegensatz zu den Werken des jungen Expressionisten wirkt Klimts Gemälde des Todes tröstender und hoffnungsvoller, wobei die Menschen seine drohende Gestalt missachten.

1918, Der Große Krieg endete und brachte den Untergang der österreichisch-ungarischen Monarchie und ihrer Reichshauptstadt Wien mit sich . Auf politischer Ebene wurde ganz Österreich zermalmt, aber auch die Künstlerkreise erlitten erhebliche Verluste. Zusammen mit Egon Schiele, Koloman Moser, dem Architekten Otto Wagner und vielen anderen wurde Klimt von derselben Todeswelle mitgerissen.

Am 11. Januar 1918 erlitt Gustav Klimt in seiner Wohnung einen Schlaganfall und war halbseitig gelähmt. Weniger als einen Monat später, am 6. Februar, starb Klimt im Wiener Allgemeinen Krankenhaus an den Folgen eines Schlaganfalls und einer Lungenentzündung. Als Reaktion auf Klimts Tod schreibt die Wiener Kunstkritikerin Berta Zuckerkandl: „… auch in diesen an den Tod gewöhnten Zeiten bohrt sich Klimts Ableben als etwas Unbegreifliches in unsere Seelen, als Verletzung eines wunderbaren Geschenks an die Menschheit.“

Gustav Klimts Vermächtnis

Auch nach seinem Tod wurde in Wien über Klimts Verdienste als Künstler diskutiert. Er wurde von den jüngeren Wiener Malern Egon Schiele und Oskar Kokoschka bewundert, und obwohl Klimt sicherlich ihre Kunst inspirierte, hatte er nie wirkliche Anhänger. Während Klimt einer Übergangszeit in der Kunst angehörte, repräsentierten Schiele und Kokoschka die Anfänge des Expressionismus.

Klimt selbst bewundert Rodin und Whistler, ohne sie oder ihren Kunststil zu kopieren, also hatte er auch keine eindeutigen Vorgänger. Die einzige Aussage, die er über sich und seine Kunst machte, war: „Ich bin mir sicher, dass an mir als Person nichts Außergewöhnliches ist. Ich bin einfach ein Maler, der jeden Tag von morgens bis abends malt.“

Heute, mehr als ein Jahrhundert nach seinem Tod, gilt Gustav Klimt als einer der herausragendsten modernen Künstler aller Zeiten. Er hinterließ ein riesiges Werk, darunter rund viertausend Zeichnungen und viele Gemälde . Obwohl Klimt das Reich des Realistischen nie verließ, bildete sein verschwenderischer Einsatz von Mustern und Ornamenten eine Brücke zur für die moderne Kunst typischen Abstraktion.