Prestige, Popularität und Fortschritt: Eine Geschichte des Pariser Salons

Einzelheiten aus „König Karl X., der am Ende des Salons von 1824 Auszeichnungen an die Künstler verteilt“, im Großen Salon des Louvre, von François-Joseph Heim, 1827; und Exposition au Salon du Louvre en 1787 (Die Ausstellung im Louvre Salon 1787) von Pietro Antonio Martini nach Johann Heinrich Ramberg, 1787

Kunst hat die Macht, die Welt zu gestalten, doch oft erreicht ein Werk nicht sein beabsichtigtes Publikum. Ein Meisterwerk muss gesehen, gelesen oder gehört werden, um Eindruck zu hinterlassen. Wenn es darum geht, das Leben großer Maler, Bildhauer oder Architekten zu thematisieren, erhalten ihre Gönner oft ebenso viel Aufmerksamkeit wie die Künstler selbst.

Die Struktur von Mäzenatentum und Verbreitung von Kunst bleibt jedoch oft verschwommen. Weltausstellungen und verschiedene Salons werden oft als Veranstaltungen angesehen, bei denen Kunstwerke präsentiert werden, obwohl sie in Wahrheit viel mehr sind als einfache Unterhaltungsmilieus. Sie sind Treffpunkte zwischen Publikum und Künstlern. Sie schreiben Geschichte und diktieren Trends, bauen Karrieren auf und brechen sie und, was am wichtigsten ist, erleichtern das Networking.

Eine der berühmtesten dieser Geschichten ist die Geschichte des Pariser Salons. Es brachte mehrere brillante Namen ins Rampenlicht und veränderte die Art und Weise, wie die zeitgenössische Gesellschaft Kunst und ihre Verbreitung betrachtet. Die Geschichte vom Pariser Salon erklärt, wie Kunst für alle zugänglich wurde.

Die Geburt des Pariser Salons: Eine Geschichte von Verbindungen

Ausstellung im Salon du Louvre 1787 Pietro Antonio Martini nach Johann Heinrich Ramberg, 1787, über The Metropolitan Museum of Art, New York

Die Zugänglichkeit von Kunst ist eng mit der Vernetzung verbunden. Ohne die notwendigen Verbindungen seitens des Künstlers kann ein Gemälde oder eine Skulptur einfach kein Publikum erreichen. Persönliche Verbindungen können zu wertvollem sozialem Kapital werden, das Karrieren bestimmt. Wenn es um Kunst geht, bestehen diese Verbindungen oft zu den Auftraggebern und Mäzenen, die die beliebtesten künstlerischen Trends bestimmen und auswählen, welche Künstler gefördert werden sollen. Beispielsweise kann die Fülle religiöser Motive in der westlichen Malerei als Ergebnis des Reichtums der katholischen Kirche und ihres Wunsches angesehen werden, ihre Botschaft auf der ganzen Welt zu verbreiten. In ähnlicher Weise verdanken die meisten Museen ihre Existenz mächtigen Herrschern, die wertvolle Kunst sammelten und beherbergten, weil sie die Mittel hatten, sie zu erwerben, und das Bedürfnis, ihr Ansehen zu wahren.

Gefällt dir dieser Artikel?

Melden Sie sich für unseren kostenlosen wöchentlichen Newsletter anVerbinden!Wird geladen...Verbinden!Wird geladen...

Bitte überprüfen Sie Ihren Posteingang, um Ihr Abonnement zu aktivieren

Vielen Dank!

Zunächst konnten nur wenige Privilegierte die Kunstwerke schätzen, die in den mächtigen und einflussreichen Sammlungen und Palästen verborgen blieben. Mit dem Aufstieg der europäischen Imperien in der zweiten Hälfte des 17thJahrhundert. Zu dieser Zeit erlebte Frankreich seinen vollen Glanz und wurde zum Leuchtturm dieser neuen Ära der Vernetzung.

Blick auf den Salon du Louvre im Jahr 1753 (The View of the Louvre Salon in the Year 1753) von Gabriel de Saint-Aubin, 1753, via The Metropolitan Museum of Art, New York

Das Erscheinen dessen, was später als das bezeichnet wird Pariser Salon fiel mit dem Anstieg der Alphabetisierung und der Mittelschicht zusammen. Zu Beginn des 17. Jahrhunderts konnte ein nichtadliger Pariser Gemälde und Skulpturen in Kirchen bewundern oder Umrisse der architektonischen Highlights der Stadt sehen. Und doch befriedigten diese mageren Häppchen Kultur ihre künstlerischen Gelüste nicht mehr. So entstand ein neues Unternehmen – der Pariser Salon, unterstützt von der Prestige Königliche Akademie für Malerei und Bildhauerei (Königliche Akademie für Malerei und Bildhauerei).

Die Royal Academy of Painting and Sculpture wurde Mitte des 17. Jahrhunderts gegründet. Die Akademie war eine Idee des königlichen Malers Charles Le Brun, der Ludwig XIV selbst genehmigt. Dieses neue Unterfangen zielte darauf ab, Talente außerhalb des Abgestandenen zu suchen Gilde System, das bestimmte Handwerker daran hinderte, jemals das Publikum zu erreichen. Ab 1667 unterstützte die französische Monarchie regelmäßige Ausstellungen von Werken, die von Mitgliedern der Akademie geschaffen wurden. Diese Ausstellungen, die jährlich und später alle zwei Jahre stattfanden, wurden als „Salons“ bekannt, die nach dem Louvre benannt wurden Quadratisches Wohnzimmer , wo sie festgehalten wurden. Von Anfang an wurde der Pariser Salon zum bedeutendsten Kunstereignis der westlichen Welt. Anfangs waren die Ausstellungen ausschließlich denjenigen zugänglich, die über Geld und Macht verfügten. Später nahm jedoch die Inklusivität des Salons zu.

Der Pariser Salon und die Förderung der Kunst

König Karl X. verteilt Auszeichnungen an die Künstler am Ende des Salons von 1824 im Großen Salon des Louvre von François-Joseph Heim, 1827, Louvre-Museum, Paris

Paradoxerweise führte die anfängliche Exklusivität der Ausstellungen zu einem beispiellosen Interesse an der Veranstaltung. Als der Salon immer mehr Besuchern seine Pforten öffnete, wurde er langsam zu einer renommierten Veranstaltung. Als 1791 das Sponsoring des Salons von königlichen auf staatliche Stellen überging, erreichte die Popularität der Veranstaltung ein beispielloses Niveau. Bis zu 50.000 Besucher kamen an einem einzigen Sonntag zum Salon, und insgesamt 500.000 besuchten die Ausstellung während ihrer achtwöchigen Laufzeit. Vier Jahre später, 1795, wurden die Einreichungen für den Salon für alle teilnehmenden Künstler geöffnet. Die Salon-Jury (gegründet 1748) bevorzugte jedoch immer noch die konservativeren und traditionelleren Themen; Religiöse und mythologische Kompositionen übertrumpften fast immer die Innovation.

Ein Eröffnungstag im Palais des Champs-Élysées (Der Eröffnungstag im Champs-Élysées-Palast) von Jean-André Rixens, 1890, über die Northwestern University, Evanston

Obwohl die Anfänge des Salons Originalität und Kreativität aufgegeben haben, brachte seine spätere Entwicklung etwas anderes: die weit verbreitete Förderung der Kunst. Beispielsweise wurden 1851 im Pariser Salon insgesamt 65 Stücke veröffentlicht. 1860 vervielfachte sich diese Zahl jedoch und erreichte bis zu 426 Stück. Diese Zunahme zeigt, dass nicht nur der Salon populär wurde, sondern dass es dem Salon vielleicht gelang, die Kunst zu popularisieren. Sowohl Bürgertum als auch Adel interessierten sich zunehmend für Kunst, und der Salon war ein perfekter Ort, um ein Gefühl dafür zu bekommen. Der Salon begann mit der Idee, die „besten Gemälde“ auszustellen, verwandelte sich aber allmählich in ein Geschäftszentrum, in dem Gemälde verkauft und Karrieren gemacht wurden.

Der Salon bestimmte oft die Löhne der Künstler. In den 1860er Jahren zum Beispiel konnte ein Gemälde fünfmal mehr wert sein, wenn es einen Preis gewonnen hatte. Der französische Naturmaler Jules Breton , zum Beispiel, verdankte einen Teil seiner Berühmtheit dem Einfluss des Salons auf die Verkaufspreise. Ein Mann, der davon besessen war, die französische Landschaft und romantische Sonnenstrahlen auf idyllischen Feldern zu malen, gewann für ihn eine Medaille zweiter Klasse im Salon von 1857 Segnung des Weizens im Artois.

Dieser Triumph half Breton, seinen Ruf aufzubauen und Aufträge von der französischen Kunstverwaltung zu erhalten, und wurde zu einem Sprungbrett zu internationalem Ruhm. 1886 Bretons Werk Die Kommunikanten wurde für den zweithöchsten Preis für ein Gemälde eines lebenden Künstlers bei einer New Yorker Auktion verkauft. Für Breton war der Salon sicherlich eine Karrierechance. Obwohl dies für viele vorgestellte Künstler die Norm war, war dies nicht bei allen Malern der Fall.

Rebellion gegen den Salon

Mittagessen auf dem Gras (Luncheon on the Grass) von Édouard Manet, 1863, via Musée d'Orsay, Paris

Traditionelle Geschmäcker werden typischerweise von Machthabern diktiert, die selten nach Innovation streben und daran interessiert sind, den Status quo zu bewahren. So werden Visionäre und Querdenker in Kunst und Politik oft an den Rand gedrängt. Doch in einigen Fällen werden Künstler, anstatt die bittere Pille der Ablehnung zu schlucken, zu Revolutionären und bauen eine Opposition auf. In den 1830er Jahren hatte der Salon bereits Ableger hervorgebracht, die die Werke derer zeigten, die es aus dem einen oder anderen Grund nicht in den offiziellen Pariser Salon schafften. Der prominenteste dieser Showrooms war der Salon des Refuses (Salon der Zurückgewiesenen) im Jahr 1863.

Damit verbunden ist einer der größten Skandale um den Salon der Verweigerten, der seinen berüchtigten Ruf zementierte Edouard Manet und sein Mittagessen auf dem Gras . Es wurde von der Jury des Pariser Salons abgelehnt und stattdessen im Pariser Salon aufgehängt Salon des Refuses . Manets Gemälde galt nicht wegen der Darstellung einer nackten Frau neben bekleideten Männern als unpassend, sondern wegen des herausfordernden Blicks der Dame. In ihren Augen liegt weder Scham noch Ruhe. Stattdessen scheint sie fast verärgert über das Publikum zu sein, das sie anstarrt.

Olympia von Edouard Manet , 1863, über Musée d’Orsay, Paris

1863 schlossen sich viele Künstler Manet an, um ihre Werke der Öffentlichkeit über die anzubieten Salon des Refuses weil sie unglücklich über die einseitige Auswahl des Pariser Salons waren. Unterstützt wurden die Künstler von niemand anderem als Napoleon III , der ihnen erlaubte, ihre Kunst auszustellen und sie statt der Jury des Salons von zufälligen Außenstehenden beurteilen zu lassen. Tatsächlich überzeugten die Maler das breite Publikum. Abbotts Sinfonie in Weiß, Nr.1 erregte erstmals Aufmerksamkeit im Salon der Zurückgewiesenen, bevor es zu einem international anerkannten Gemälde wurde, ähnlich wie bei Manet Mittagessen auf dem Gras. Der Salon der Zurückgewiesenen ebnete damit den Weg zur Anerkennung der Avantgarde-Kunst und befeuerte die bereits wachsende Faszination für den Impressionismus.

Die Impressionisten gehörten zu einer der früher abgespaltenen Gruppen und führten auch in späteren Jahren eigene Ausstellungen durch. Seltsamerweise stellte Manet, der sich selbst oft mit dem Impressionismus beschäftigte, stattdessen weiterhin im offiziellen Salon aus. Eines seiner berühmtesten Gemälde ist der umstrittene Akt Olympia , schaffte es in den Pariser Salon von 1865. Während der Salon die innovative Herangehensweise der Impressionisten an die Malerei und ihre draußen Methode, die lebendige Schönheit der Natur einzufangen, konnte die Jury den Aufstieg von Künstlern nicht verhindern Cézanne , Pfeifer , und Pissaro , die alle zunächst abgelehnt wurden. Tatsächlich wuchs ihr Ruf teilweise aufgrund der bösartigen Reaktionen der Salon-Kritiker. 1874 kuratierten und veranstalteten die Impressionisten ihre erste Ausstellung, die die vom Salon abgelehnten Werke zeigte.

Die Welt durch Kunst verändern

Frau im Hut (Frau mit Hut) von Henri Matisse, 1905, über SFMoMA, San Francisco

1881, die Französische Akademie der Schönen Künste hörte auf, den Pariser Salon zu sponsern, und die Gesellschaft der französischen Künstler übernahm. Der traditionelle Salon bekam bald einen prominenteren und besser organisierten Konkurrenten als die früheren kleineren Ablegerausstellungen. 1884, die Unabhängige Messe ( Salon des Unabhängigen ) wurde gegründet, mit unkonventionellen aufstrebenden Stars wie Paul Signac und George Seurat . Im Gegensatz zu anderen Ausstellungen war dieser Salon Jury-frei und vergab keine Preise.

Schon bald führte der bürokratische Charakter des offiziellen Salons dazu, dass eine weitere Gruppe von Künstlern ihre eigenen Ausstellungen gründete. Die sogenannte Herbstmesse (Herbstsalon) wurde zum ersten Mal im Jahr 1903 abgehalten. Dieser subversive Salon auf den legendären Champs-Elysées wurde von niemand anderem als geleitet Pierre-Auguste Renoir und August Rodin . Hier konnten sich die Künstler mehr auf ihre Arbeit konzentrieren als auf die Rezensionen der Mainstream-Kritiker. Henri Matisse zum Beispiel ignorierte alle Gegenreaktionen, die durch das Porträt seiner Frau mit einem riesigen Hut verursacht wurden. Er weigerte sich, seine Malerei im fauvistischen Stil zurückzuziehen und sich mit den übrigen fauvistischen Werken in einem Raum zu vereinen. Trotz ihres skandalösen Charakters ließen sich diese rebellischen Salons jedoch immer noch vom offiziellen Salon inspirieren und versuchten, seinen ursprünglichen innovativen Geist nachzuahmen.

Mittagessen der Boating Party von Pierre-Auguste-Renoir, 1880-81, über die Phillips Collection

Die erstmals im Pariser Salon angewandten Auswahlverfahren sind auch heute noch in modernen Ausstellungen präsent: Ein Beirat oder Fachleute wählen normalerweise ein Werk aus, das entweder thematische oder innovative Anforderungen erfüllt und den wahrgenommenen Qualitätsstandard aufrechterhält. Die Idee der organisierten Kuration, die Ende des 17thJahrhundert war in der Tat innovativ für ihre Zeit.

Der Salon begann mit der Förderung von Kunst und verschiedenen Kunstschulen und ebnete den Weg zum Geldverdienen und zum Aufbau von Karrieren. Der Salon bot vor allem den Ausgegrenzten Chancen. Eine Frau wie Pauline Auzou konnte sich durch ihre Aufnahme im Salon eine erfolgreiche Karriere aufbauen. 1806 wurde ihr im Salon eine erstklassige Medaille für ihre Malerei verliehen Pickard Elder . Der Salon ermöglichte es Auzou, ihre späteren Aufträge zu sichern, darunter einen für ein Porträt von Napoleon und seiner zweiten Frau Marie-Louise. Der Pariser Salon veränderte die Welt durch Kunst, und nachdem er veraltet war, setzten andere Unternehmen seine Mission fort.

Der Niedergang des Pariser Salons

Blick auf den Grand Salon Carré im Louvre von Giuseppe Castiglione, 1861, über Musée du Louvre, Paris

Der Pariser Salon brachte nicht nur neue Künstler hervor, sondern veränderte auch den Zugang zur Kunst als öffentlich zugängliches Ausdrucksmittel. Die Kunstkritik blühte im Salon auf und schuf einen Raum, in dem Meinungen aufeinanderprallten und Diskussionen stattfanden. Sie spiegelte gesellschaftliche Veränderungen, Anpassungen an neue Gegebenheiten, sprießende Ableger und wurde zum Spiegel von begrüßten oder gemiedenen künstlerischen Strömungen. Es ist die anfängliche Zugänglichkeit des Salons, die die Karrieren vieler Maler, einschließlich des Realisten, geprägt hat Gustav Courbet . Später wies Courbet darauf hin, dass der Salon ein Kunstmonopol besitze: Ein Maler müsse ausstellen, um sich einen Namen zu machen, doch der Salon sei der einzige Ort, an dem dies möglich sei. Im Laufe der Zeit änderte sich diese Situation und damit auch das Schicksal des Pariser Salons.

Zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts, Daniel-Henry Kahnweiler , ein einflussreicher Kunsthändler, der mit arbeitete Picasso und Braque, sagten seinen Künstlern offen, sie sollten sich nicht die Mühe machen, ihre Werke im Salon zu zeigen, da dieser sie nicht mehr sinnvoll fördern könne. Der Pariser Salon ging langsam zurück. Ihr Vermächtnis lebt jedoch weiter, da es in den Auswahlmustern vieler zeitgenössischer Ausstellungen immer noch sichtbar und in vielen erkennbaren Kunstwerken immer noch greifbar ist, die heute Teil dieser komplizierten Geschichte der Verbindungen und Kunstförderung sind.