4 Künstler der viktorianischen Ära, die Kunst um der Kunst willen gemacht haben

Einzelheiten aus Flammender Juni von Sir Frederic Leighton, 1895; und Der Tagtraum von Dante Gabriel Rossetti, 1880

Der Ausdruck Kunst um der Kunst willen mag einfach klingen – aber diese vier Wörter leiteten eine brandneue Kunstbewegung im viktorianischen London ein. Kunst um der Kunst willen entstand als englische Übersetzung des französischen Slogans Kunst für Kunst . In den 1860er Jahren wurde das Konzept durch populär Walter Pater , ein einflussreicher britischer Kunstkritiker. Seine Arbeit trug dazu bei, den Grundstein für die Ästhetische Bewegung zu legen, die eine vielfältige Gruppe von Künstlern, Kunsthandwerkern und Dichtern der viktorianischen Avantgarde unter dem Motto Kunst um der Kunst willen vereinte.

Kunst um der Kunst willen: Ein Hintergrund

Walter Pater war berühmt dafür, blumige Prosa in seinen kunstgeschichtlichen Essays und kritischen Besprechungen der Kunst und Literatur des viktorianischen Zeitalters zu verwenden. Seine Arbeit konzentrierte sich oft auf der Wunsch nach Schönheit, die Liebe zur Kunst um der Kunst willen, und er predigte häufig, dass die beste Kunst zu dir kommt, wenn du offen bekennst, deinen Momenten, während sie vergehen, nichts als die höchste Qualität zu verleihen, und einfach um dieser Momente willen. Diese Philosophien widersprachen direkt den jahrhundertealten Traditionen des Prestige Königliche Kunstakademie und soziale Normen der viktorianischen Ära.

Sinfonie in Weiß, Nr.III von James Abbott McNeill Whistler , 1865-67, über das Barber Institute of Fine Arts, Birmingham

Im Großbritannien des 19. Jahrhunderts diktierte die Mainstream-Kultur strenge Moralvorstellungen. Kunst wurde hauptsächlich verwendet, um ethische, politische, soziale oder religiöse Botschaften auszudrücken. Währenddessen lehrte die Royal Academy immer noch eine Kunsthierarchie, die begünstigte Klassisch und Hoch Italienische Renaissance Themen und Stile. Aufbauend auf dem Konzept der Kunst um der Kunst willen zielte die Ästhetische Bewegung darauf ab, all dies zu stürzen, indem sie darauf bestand, dass Künstler ihre Arbeit nicht über ihren eigentlichen Wert hinaus rechtfertigen sollten.

In diesem kulturellen Kontext haben Schöpfer verschiedener Disziplinen die Kunst um der Kunst willen zu ihrem Credo gemacht, einschließlich der Präraffaeliten-Bruderschaft , die Maler der Ästhetischen Bewegung, angeführt von James Abbott McNeill Whistler , Innenarchitekten der Arts-and-Crafts-Bewegung geführt von William Morris , und die Dichter der Fleshly School, angeführt von Algernon Charles Swinburne . Sie alle glaubten, dass ihr gewähltes Medium unabhängig von jeder didaktischen oder utilitaristischen Funktion existieren sollte. Im Bereich der Malerei waren Thema und Erzählung nicht mehr relevant – ein Ansatz, der für die damalige Zeit revolutionär war – und Kunst um der Kunst willen brachte ein aufregendes neues Kunstgenre hervor, das Beiträge dieser vier bemerkenswerten Künstler aus der viktorianischen Ära umfasste.

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1. James Abbott McNeill Whistler: Poesie des Sehens

Arrangement in Grau und Schwarz Nr. 1 (Porträt der Mutter des Künstlers) von James Abbott McNeill Whistler , 1871,über das Musée d’Orsay, Paris

Whistler war ein in Amerika geborener Künstler, der einer der Anführer der Ästhetischen Bewegung wurde. Obwohl er sich in einem akademischen Umfeld nie besonders hervorgetan hat, studierte Whistler in Paris neben dem Impressionisten und ließ sich dann in London nieder, wo er sich mit den Künstlern der Avantgarde der viktorianischen Ära verband. Durch diese Einflüsse half Whistler, den Weg für Kunst um der Kunst willen zu ebnen, um sich wirklich durchzusetzen.

Das behauptet Walter Pater alle kunst strebt ständig nach dem zustand der musik. Auch Whistler war von der Idee angezogen, dass Musik die vorbildlichste Form der Kunst um der Kunst willen ist. Denn ein Musikstück ohne Text – und damit ohne definitive Erzählung oder Thema – kann nur wegen seiner Schönheit geschätzt werden. Tatsächlich strebte Whistler diesen Effekt in der bildenden Kunst an und ging so weit, seine Bilder nicht nach Motiven, sondern mit musikalischen Begriffen wie zu benennen Harmonie , Anordnung , Nocturne , und Symphonie . In Bezug auf seinen unkonventionellen Namensstil, Whistler erklärt , Wie die Musik die Poesie des Klangs ist, so ist die Malerei die Poesie des Sehens, und das Thema hat nichts mit Klang- oder Farbharmonie zu tun.

Auch das berüchtigte Porträt von Whistlers Mutter ist in erster Linie eine ästhetische Anordnung von Farben und Formen. Es ist nur umgangssprachlich als Porträt der Mutter des Künstlers bekannt, während sein offizieller Titel – Arrangement in Grau und Schwarz Nr. 1 – deutet darauf hin, dass das Gemälde nichts weiter als eine ästhetische Komposition aus gedämpften Farben ist.

Nocturne: Blau und Gold – Old Battersea Bridge von James Abbott McNeill Whistler , ca. 1872-75, über Tate, London

In ähnlicher Weise malte Whistler in einer von ihm benannten Serie häufig Szenen der nebligen Themse bei Nacht Nachts . Jeder Nocturne zeichnet sich durch eine bemerkenswert flache und einfache Komposition, eine monotone Farbpalette und breite, durchscheinende Pinselstriche aus. Das Endergebnis ist eher ein verträumter visueller Effekt aus Licht und Farbe als ein herkömmliches Landschaftsgemälde eines vertrauten Ortes. Die Betrachter der viktorianischen Ära waren schockiert über das scheinbar unvollendete Erscheinungsbild und das unbestimmte Thema dieser Gemälde – so sehr, dass a Klage folgte.

2. Albert Moore: Gemächlicher Luxus

Träumer von Albert Moore , 1882, über das Birmingham Museum and Art Gallery, Birmingham

Als junger Künstler war Moore fasziniert von antike Skulptur . Er verbrachte Stunden damit, sie zu studieren und zu skizzieren Elgin Marbles , eine Sammlung antiker griechischer Skulpturen aus der Parthenon im Britischen Museum in London. Seine akademischen Fähigkeiten und Neoklassischer Stil gewährte ihm einen Ausstellungsraum an der Royal Academy of Art – aber seine unerbittliche künstlerische Unabhängigkeit hinderte ihn letztendlich daran, sich voll und ganz an der Seite der traditionelleren Akademiker zu beteiligen.

Moore ist bekannt für seine dekadenten Kompositionen weiblicher Figuren in verschiedenen Ruhe- und Entspannungszuständen, die typischerweise in einer imaginären und äußerst dekorativen klassischen Umgebung stehen. Im Gegensatz zu der von der Royal Academy geförderten Kunstform enthalten Moores Gemälde keine historischen Erzählungen oder erkennbaren Botschaften. Die Frauenfigur existiert nicht als Sujet, sondern als eines von vielen Elementen einer ästhetischen Komposition. Ihre Identitäten und sogar ihre Gesichtsausdrücke sind absichtlich vage – aber die kunstvoll gerenderten Körper, Stoffe, Texturen und harmonischen Farbpaletten demonstrieren Moores Talent, eine Fülle von dekorativen Details zu kombinieren, um eine luxuriöse und dennoch gemütliche Wirkung zu erzielen.

Granatäpfel von Albert Moore , ca. 1875, in der Guildhall Art Gallery, London, über Art UK

Tatsächlich sind die meisten seiner Gemälde, wie z Granatäpfel , sind nach schönen Dingen wie Blumen und Früchten oder nach Tages- und Jahreszeiten benannt. Diese Titel beschreiben keine Erzählung oder Themen, noch nennen sie die bemerkenswertesten Objekte in den Gemälden. Stattdessen betonen sie die dekorative Gesamtwirkung, die das Gemälde erzielen soll. Während jeder Teil von Moores Gemälden eine erkennbare Form darstellt, sind alle Objekte und Figuren so von jeglichen identifizierenden Merkmalen abstrahiert, dass sie nur existieren, um eine ästhetische Komposition zu vervollständigen, die wegen ihrer Schönheit genossen wird – ein Paradebeispiel für Kunst um der Kunst willen.

3. Dante Gabriel Rossetti: Sinnliche Porträtmalerei

Der Tagtraum von Dante Gabriel Rossetti , 1880, über das Victoria and Albert Museum, London

Sowohl ein Maler als auch ein Dichter, Rossetti ist bekannt für seine äußerst dekorativen Frauenporträts, von denen viele Gedichte in die Rahmen eingraviert oder in die Komposition aufgenommen haben. Rossetti war Gründungsmitglied der Präraffaeliten-Bruderschaft und fühlte sich als solches von mittelalterlichen Inspirationsquellen angezogen, die älter waren Raffael ,der Favorit der Royal Academy Alter Meister Maler der Renaissance. Rossetti war auch daran interessiert, mit dem zu experimentieren, was Walter Pater bezeichnete Bildhafte Poesie, oder Kunstwerke, die ihren vollen Ausdruck durch Zeichnung und Farbe erreichen, anstatt eine Geschichte zu erzählen.

Rossetti stellte zu seinen Lebzeiten nicht oft öffentlich aus, aber sein Ruf wuchs dennoch, als Besucher seines Ateliers die Nachricht von seinen kühnen Innovationen verbreiteten. Er war auch dafür berüchtigt, die Gesellschaft verschiedener weiblicher Musen zu leisten. Rossetti fühlte sich besonders zu Frauen hingezogen, die starke, kantige Gesichtszüge, voluminöse Frisuren und eine verführerische Präsenz hatten – ganz im Gegensatz zu den Viktorianisches Ideal der zarten und prüden Weiblichkeit.

Geküsster Mund von Dante Gabriel Rossetti , 1859, über das Museum of Fine Arts, Boston

Geküsster Mund war das allererste von Rossettis charakteristischen Einzelfigurenporträts. Inspiriert von einem gleichnamigen italienischen Sprichwort, von dem ein Auszug tatsächlich auf der Rückseite der Leinwand eingraviert ist, Geküsster Mund zeigt Rossettis Muse, Modell und manchmal Geliebte, Fanny Cornforth . In diesem Gemälde verschmelzen Cornforth und ihre Umgebung zu einem ästhetischen Effekt – ihr auffallendes orangefarbenes Haar, ihre samtgrüne Kleidung und ihre goldenen Accessoires verschmelzen mit dem Blumenarrangement im Hintergrund und dem kunstvollen Textil im Vordergrund, die beide unnatürlich abgeflacht sind um die Bedeutung der Komposition als Ganzes weiter zu betonen. Es gibt keinen erkennbaren Ort, keine Geschichte, Person oder Zeitperiode Geküsster Mund – es ist einfach ein Objekt der Schönheit.

4. Frederic Leighton: Klassizismus der viktorianischen Ära

Mutter und Kind (Kirschen) von Frederic Leighton , 1865, über Blackburn Museum und Kunstgalerie

Leighton war zu Lebzeiten aufgrund seines klassisch inspirierten und akademisch geschulten Stils kommerziell erfolgreich. Er studierte Malerei und Bildhauerei in Florenz und Paris, ließ sich dann in London nieder, wo er mit verschiedenen Künstlern aus der viktorianischen Ära zusammenarbeitete und ein Design entwarf opulente Residenz für ihn selbst. Im Gegensatz zu anderen Künstlern der Ästhetischen Bewegung, die sich an den Rändern der Londoner Kunstszene aufhielten, wurde Leighton Vollmitglied der Royal Academy of Art und fungierte sogar als deren Präsident. Dort konnte er das Konzept der Kunst um der Kunst willen innerhalb des Establishments vorantreiben.

Flammender Juni von Sir Frederic Leighton , 1895, im Ponce Art Museum, über Google Arts & Culture

Gilt als das größte Gemälde in Leightons Karriere, der Illustrierte Flammender Juni wurde in den 1960er Jahren wiederentdeckt, nachdem es nach dem Tod des Künstlers aus der Öffentlichkeit verschwunden war. Während Flammender Juni zeigt zwar Leightons akademische Ausbildung in der menschlichen Anatomie, er verbiegt subtil die Regeln der Repräsentation, um die Figur der Frau und den Rest der Szene als dekorative Werkzeuge zu verwenden, anstatt überzeugende Illusionen zu schaffen. Die Monumentalität der Figur der Frau wird betont, indem ihre Beine verlängert werden, um die Möbel zu überfüllen, und der feurige Farbton und die dynamische Bewegung ihres Vorhangs, der kaum von ihrem gespreizten Haar zu unterscheiden ist, übertrieben werden.

Wie die gemächlichen Frauen von Albert Moore, Flammender Juni Ihre Ruhe macht sie zu einem passiven, vielleicht sogar leblosen Teil einer traumhaften Dekorationsszene – obwohl ihre Pose im wirklichen Leben wahrscheinlich keine erholsame Pose wäre. Obwohl Leighton in der Lage gewesen wäre, eine menschliche Figur, die sich im dreidimensionalen Raum zurückzieht, perfekt zu malen, Flammender Juni zeigt, wie sein Interesse an Kunst um der Kunst willen zu einem Verständnis des Klassizismus inspirieren konnte, nicht als akademische Technik oder historische Referenz, sondern als formbare Ästhetik.

Vermächtnis der Kunst um der Kunst willen

Laut James Whistler Kunst sollte unabhängig von allem Geschwätz sein, für sich allein stehen und den künstlerischen Sinn für Auge und Ohr ansprechen. Indem sie ihren gemeinsamen Glauben an die Kunst um der Kunst willen praktizierten – und es wagten, sich über die Grenzen der traditionellen didaktischen Kunst hinaus zu wagen – trugen diese vier Maler aus der viktorianischen Ära dazu bei, die Bühne dafür zu bereiten Modernisten des zwanzigsten Jahrhunderts um die Grenzen der Kunst für die kommenden Jahrzehnte noch weiter zu verschieben.