Pop Art: Amerikanisch vs. Britisch (Berühmte Künstler & ikonische Kunst)

Smash, Ed Ruscha, 1963, Christie’s

Pop Art, eine der berühmtesten Kunstbewegungen aller Zeiten, definierte die konsumorientierte Jugendkultur der 1950er und 60er Jahre und machte Kunst zum Pop! wie niemals zuvor. Pop-Künstler ließen sich von den Bereichen der Populärkultur inspirieren, nahmen verspielte, farbenfrohe und respektlose Bilder aus Werbung, Comics, Zeitschriften und Filmen und integrierten sie in aufregende neue Kunstformen.

Experimentieren mit der Cut-and-Paste-Sprache von Dadaist und Surrealismus , erforschten viele Künstler das Collagen auf neue, frische Art und Weise. Mit gespieltem Ernst nehmen sie Bezug auf die industrialisierte Welt des Kapitalismus und des Konsums. Andere nahmen die aufstrebende Technologie neuer Techniken an, darunter Druckgrafik, Fotografie ,und Filmemachen, das es Künstlern ermöglichte, Multiples und Wiederholungsmuster zu produzieren, wodurch der Anspruch auf das einzelne, isolierte Kunstwerk beseitigt wurde. Einige setzten auf traditionelle Medien wie Malerei und Skulptur, fanden aber Wege, fotografische oder gedruckte Elemente oder Stile zu integrieren, die digitale Effekte nachahmten.

Marilyn Monroe Series, Andy Warhol, 1967 und A Bigger Splash, David Hockney, 1967, Tate

In den 1950er und 60er Jahren überwiegend ein britisches und amerikanisches Phänomen, hatte Pop Art in den folgenden Jahrzehnten weitreichenden Einfluss und inspirierte Millionen von Nachahmern weltweit. Tatsächlich heiratete Pop die Kunst so erfolgreich mit dem Kommerz, dass ihre Verbindung noch heute stark ist. Es inspiriert und informiert weiterhin unzählige kreative Denker.

Wussten Sie, dass Pop Art in London, England, begann?

Eduardo Paolozzi, Ich war das Spielzeug eines reichen Mannes, 1947

New Yorks Andy Warhol ist Pops berühmteste Ikone, aber viele wissen vielleicht nicht, dass die Bewegung tatsächlich im London der 1940er Jahre begann. Die unabhängige Gruppe war eine Gruppe gleichgesinnter Künstler, die sich regelmäßig im Londoner Institute for Contemporary Art trafen, um Ideen auszutauschen. Sie waren vereint in ihrer Faszination für amerikanische Filme, Werbung und Branding, die ihren Weg in die britische Kultur gefunden hatten. Zu den Mitgliedern gehörten Eduardo Paolozzi und Richard Hamilton, die heute als die ersten Pop-Künstler überhaupt anerkannt sind. In einer frechen Collage von Paolozzi, betitelt Ich war das Spielzeug eines reichen Mannes, 1947, das Wort Pop! kommt aus einer Spielzeugpistole geschossen, eine Anspielung auf den kreativen Text von Comics. Viele sehen dieses Kunstwerk heute als Ursprung des Begriffs Pop Art, den Paolozzi als Abkürzung für das Wort populär verwendete und auf die Faszination der Gruppe für die Populärkultur verwies.

Richard Hamilton, Was macht die heutigen Häuser so anders, so ansprechend?, 1956

Die berühmte Collage von Richard Hamilton Was macht die heutigen Häuser so anders, so ansprechend? 1956, machte sich über das neue, idealisierte amerikanische Leben lustig, das die westliche Gesellschaft infiltrierte. Es war ein lächerlich übertriebenes Bild des perfekten Mannes und der perfekten Frau, die mit all den neuesten Gadgets gezeigt wurden. Sie sind jedoch hohle, oberflächliche Embleme des Konsums. Anders als ihr späteres amerikanisches Gegenstück zeichnete sich die britische Pop Art durch diese bissige Satire aus, die die amerikanische Kultur aus der Ferne betrachtete. Hamilton nannte ihren neuen Stil scherzhaft „Beliebt“, „vergänglich“, „entbehrlich“, „preisgünstig“, „massenproduziert“, „junge Spielerei“, „glamourös“ und „Big Business“.

Neo-Dada und Pop in New York

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Jasper Johns, Weiße Flagge, 1955, The Met

Im New York der 1950er Jahre entstand eine Neo-Dada-Kultur, die den wild experimentellen Cut-and-Paste-Absurdismus der frühen 20er Jahre erforschtethJahrhundert Dada-Bewegung . Prominente Künstler traten auf der Bühne auf, darunter Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein und andere Andy Warhol . In der wegweisenden Ausstellung unter Sydney Janis Gallery im Jahr 1962 mit dem Titel Neue Realisten , Kunstwerke wurden in mehrere wiederkehrende Themen gruppiert, darunter das tägliche Objekt, Massenmedien und Wiederholung. Der in Britisch-Amerika ansässige Kurator Lawrence Alloway entdeckte eine Verbindung zwischen britischer und amerikanischer Kunst. Er war der erste, der den Begriff Pop Art verwendete, um den Beginn einer neuen Ära zu definieren. Im Gegensatz zum britischen Pop-Stil lebten amerikanische Künstler in den Reichen der Massenkommunikation und Werbung, indem sie sie aus einer Insider-Perspektive mit einem weniger kritischen Auge betrachteten.

Viele Kunstkritiker sowohl in den Vereinigten Staaten als auch in Europa waren entsetzt über die Verwendung von „niedrigen“ Themen in den Bereichen der „hohen“ Kunst, und Künstler wurden scharf kritisiert, als die Bewegung noch in ihren Anfängen steckte. Aber Mitte der 1960er Jahre hatten viel mehr Galerien, Künstler und Käufer den steigenden Trend aufgegriffen, und es war klar, dass ein neuer Stil hier bleiben würde.

Warhol und Lichtensteins Americana

Andy Warhol, Campbells Suppendosen, 1962

Im New York der 1960er Jahre war Andy Warhol das Aushängeschild der amerikanischen Pop Art. Er nutzte beliebte, berühmte Bilder aus der amerikanischen Kultur, darunter Coca Cola, Campbell’s Soup, und ikonische Prominente wie Marilyn Monroe, Jackie Kennedy und Elizabeth Taylor. Sein bevorzugtes Medium war der Siebdruck, der es ihm ermöglichte, auffällige Bilder in kräftigen Farben als Multiples und Wiederholungsmuster zu produzieren, aber er experimentierte auch mit einer Vielzahl anderer Medien, darunter Malerei, Fotografie und Filmemachen. Gründung seiner weltberühmten New Yorker Werkstatt, bekannt als Die Fabrik, Er stellte ein Team von Assistenten ein, die ihm halfen, die New Yorker Kunstszene zu übernehmen. Obwohl Warhol oft als glänzendes Symbol für Amerikas oberflächlichen Glamour angesehen wird, lauerte unter vielen seiner Kunstwerke auch eine finstere Kante, die die dunkle Seite von Berühmtheit und Ruhm hervorhob, besonders wenn Schädel begann in seinen Kunstwerken zu erscheinen.

Roy Lichtenstein, Blam, 1962

Der amerikanische Maler Roy Lichtenstein nutzte auch die kommerzielle Welt für Themen. Ursprünglich inspiriert von den Mickey-Mouse-Kaugummiverpackungen seiner Kinder, wie in seinem frühen Gemälde zu sehen Schau Micky, 1961, Er begann, große gemalte Versionen einzelner Comic-Rahmen anzufertigen, die er ergänzte und übertrieb, um eine noch größere dramatische Wirkung hervorzuheben. Einige Werke betonten die theatralische Wirkung von onomatopoetischen Comictexten, darunter Wörter wie Blam, Pop, Whaam und Varoom. Sie waren alle in übertriebenen Buchstaben gezeichnet und von wild aufsteigendem Rauch, Feuer und Flammen oder Linien umgeben, die eine schnelle Bewegung suggerierten. Diese sofort kraftvollen Gemälde hatten einen lang anhaltenden Einfluss auf die Textkunst der 1970er Jahre.

Roy Lichtenstein, Ertrinkendes Mädchen, 1963

Aber Lichtenstein hat mit seiner Szenenserie, die auf dem Teenager-Drama-Comic basiert, wirklich Geschichte geschrieben Mädchenromane , er fängt angstgeplagte junge Frauen ein, die von heimtückischen jungen Männern weggefegt werden oder wie in der Szene in Pfützen der Verzweiflung geraten Ertrinkendes Mädchen, 1963. Lichtenstein betonte und übertrieb das emotionale Drama dieser jungen Frauen so sehr, dass sie lächerlich wurden, indem sie die Oberflächlichkeit des gedruckten Bildes hervorhoben. Replikation der Tinteneinsparung Ben-Day-Punkt Die für Comics verwendete Drucktechnik diente demselben Zweck und lenkt unsere Aufmerksamkeit auf das abgeflachte Bild. Lichtenstein bemalte mit flacher Magna-Acrylfarbe durch ein perforiertes Gitter, um diese synthetische, entpersönlichte Ästhetik zu erzeugen, mit einem Endergebnis, das vollständig maschinell hergestellt aussieht.

Andere Arten von Pop-Art

Arman, Langzeitparken, 1982

In anderen Teilen Europas entstanden Variationen der amerikanischen und britischen Pop Art unter anderen Namen. In Frankreich kam eine Gruppe von Künstlern zusammen, die sich Nouveau Realistes (Neue Realisten) nannten, mit Mitgliedern wie Arman, Cesar, Christo, John Tinguely und Yves Klein. Inspiriert von der amerikanischen und britischen Pop Art brachten sie Elemente der Popkultur in ihre Kunst ein, erforschten aber auch den weniger glamourösen Abfall des täglichen Lebens und verliehen ihrer Kunst einen schmutzigeren, weniger polierten Rand. Der Bildhauer Arman brachte zertrümmerte oder verlassene Autos in seine riesigen, monumentalen Assemblagen, wie auf dem Totem zu sehen Langzeit Parken, 1982, während Tinguely aus alten Rädern, Muttern und Schrauben Schrottmaschinen herstellte und ihnen ein klobiges, klirrendes neues Leben einhauchte.

Gerhard Richter, Party, 1963

Auch in Deutschland reagierte eine Gruppe von Künstlern in den 1960er Jahren auf das Phänomen Pop Art, u. a Gerhard Richter , Sigmar Polke, Konrad Lueg und Manfred Kuttner. Sich scherzhaft als deutsche Pop-Künstler anpreisend, um Aufmerksamkeit zu erregen, war ihre Arbeit in Wirklichkeit komplexer und kritischer. Indem sie Elemente des sozialistischen Realismus aus Ostdeutschland mit dem amerikanisierten Kapitalismus aus Westdeutschland verschmolzen, erfanden sie den amalgamierten Begriff Kapitalistischer Realismus um ihre Zwischenhaltung zu beschreiben. Ihre Bildsprache, die Bilder aus Nachrichtenberichten, Werbung und der Kultur der Prominenten heraufbeschwor, hatte oft einen bissigen, satirischen Rand. Bei Richter Party, 1963, Zum Beispiel wird eine Gruppe von Prominenten in Sigmar Polke's in eindringliche Ghule verwandelt, die Blut in ihre Weingläser sickern Hasen, 1966, Playboys Bunny Girls sind auf einen pixeligen, verschwommenen Fleck aus gemusterten und verschmierten Punkten reduziert, der die Polka-Dot-Sprache von Roy Lichtenstein widerspiegelt.

Sigmar Sigmar Polke, Hasen, 1966

Postmoderne, Neo-Pop und die Superflat

Seit dem Aufkommen der Pop Art in den 1960er Jahren reagieren Künstler immer abenteuerlicher und oft kritisch auf die expandierende Welt der Massenmedien. In den 1970er Jahren spielten postmoderne Künstler mit Bildern der Öffentlichkeit oder überarbeiteten sie, wobei sie manchmal aufgeblähte Versionen der Realität schufen, um die destruktiven Eigenschaften des Konsums hervorzuheben.

Cindy Sherman, Ohne Titel, 2010-12

Die feministische Haltung der amerikanischen Fotografin Cindy Sherman machte scharfe Beobachtungen über die oberflächlichen, idealisierten Archetypen der Gesellschaft, die sich in Filmen und Zeitschriften an Frauen richten. Sie verkleidet sich als eine Reihe von Karikaturen mit Perücken, künstlicher Bräune, verstärktem Make-up und falschen Nasen und kritisiert die Lächerlichkeit weiblicher Ideale, indem sie die dunklen Schattenseiten der plastischen Chirurgie und der kosmetischen Verbesserung aufdeckt.

Jeff Koons, Lips, 2000, aus der Serie „Easyfun-Ethereal“.

Amerikanischer Künstler Jeff Koon reagierte auf die kapitalistische Kultur in den 1980er Jahren mit Scheinwerbung in Zeitschriften und aufgeblasenen Skulpturen, die Kitsch und niedliche Erinnerungsstücke zu erschreckend übergroßen Repliken vergrößerten. Seine Serie von riesigen „Easyfun-Ethereal“-Gemälden sind Mashups von Werbeschnipseln. Sie zeigen glänzende Frauenlippen und saftige, nasse Früchte, die über tropische Landschaften schweben und die nachsichtige, sexualisierte Natur der Werbung unterstreichen. Diese raffinierte fotorealistische Sprache ist ein Stil, der heute als Neo-Pop bekannt ist. Wie Warhol leitet er eine riesige Werkstatt mit Teams von Assistenten, die seine Arbeit für ihn erledigen. Noch grotesker wirken Mike Kelleys maßlos überdimensionierte Assemblagen, die knallbunte Kuscheltiere zu schwebenden Fellknäueln zusammenwerfen, die von Massenkonsum, Verschwendung und Exzess sprechen.

Der japanische Künstler Takashi Murakami posiert mit seiner Serie „Superflat“.

Wenn postmoderne und Neo-Pop-Künstler eine kritische Haltung gegenüber der Populärkultur einnahmen, japanischer zeitgenössischer Künstler Takashi Murakami hat wieder Spaß gemacht. Kunstkritiker nennen ihn sogar Japans Antwort auf Andy Warhol. Seine lächerlich optimistische Welt ist gefüllt mit berauschenden Blumendrucken und lächelnden Gesichtern in bonbonsüßen Pastelltönen. Er verwendet den Begriff Superflat, um seine synthetische, dekorative Sprache zu definieren, und zieht Parallelen zwischen alten japanischen Holzstöcken und zeitgenössischen Anime- oder Manga-Cartoons. Er stellt fest, dass flache, dekorative und florale Designs seit Jahrhunderten in der japanischen Gesellschaft vorhanden sind. Er schließt den Kreis der Pop-Art-Sprache und kombiniert seine farbenfrohen, lächelnden Blumen und frechen, freundlichen Kreaturen zu kommerziellen Objekten. Von Turnschuhen und Handtaschen bis hin zu Handyhüllen und Skateboards beweist er, wie eng die Sprachen von Kunst und Kommerz miteinander verwoben sind.