Kunstfrauen: 5 Mäzene, die die Geschichte geprägt haben

Porträt von Isabella d'Este von Tizian , 1534-36 (links), Porträt von Catherine de' Medici von Germain Le Mannier , 1547-59 (Mitte), Der rosa Sultan von Tizian , 1515-20 (rechts)

Es ist kein Geheimnis, dass einige der größten Kunstmäzene der Welt Frauen waren. Heute sind einige ihrer Namen an den Fassaden renommierter Institutionen zu sehen, vom New Yorker Whitney Museum bis zum Museo Dolores Olmedo in Mexiko-Stadt. Von der Antike bis zum 20thJahrhunderts war Kunstmäzenatentum eine wichtige Möglichkeit für Frauen, in einer Welt, die ihnen ansonsten verschlossen war, Einfluss auszuüben. Lesen Sie mehr über diese Kunstmäzene, die von einer Renaissance-Frau bis zu einem Kunstverfechter der Edo-Zeit reichen. Diese 16th-17thJahrhunderts prägten Kunstmäzeninnen nicht nur die Kultur ihrer Zeit und ihres Ortes, sondern gaben auch den Ton für die Zukunft an.

Isabella d'Este: Kunstmäzenin der Renaissance und Liebhaberin der antiken Kunst

Porträt von Isabella d'Este von Tizian , 1534-36, Kunsthistorisches Museum, Wien

Isabella d’Este wurde 1474 in die Herrscherfamilie von Ferrara, Italien, geboren und war mit Eltern gesegnet, die an die Erziehung ihrer Töchter und Söhne glaubten. Ihre umfassende humanistische Ausbildung erwies sich später im Leben als nützlich, als sie als Ehefrau von Francesco, dem Marquess of Mantua, während seiner Feldzüge als Regentin ihres Mannes diente. Als Francesco 1509 gefangen genommen wurde, erwies sich Isabella als eifrige Staatsfrau, indem sie Mantua vor feindlichen Vorstößen schützte und schließlich seine Freilassung aushandelte. Ihr größter Beitrag war jedoch ihre Umwandlung von Mantua in eine von Das Italien der Renaissance blühende Kulturzentren. Als echte Renaissance-Frau wurde sie zu einer ihrer größten Kunstmäzeninnen. Isabellas persönliche Wertschätzung für Kunst machte sie bei einigen der bekanntesten Kreativen ihrer Zeit beliebt, von Leonardo da Vinci und Raffael bis hin zu Baldassare Castiglione.

Parnass von Andrea Mantegna , 1496-97, Louvre-Museum, Paris

Isabellas Korrespondenz offenbart vor allem eine Vorliebe für antike Kunstgegenstände. Zu ihren begehrtesten Besitztümern gehörten beispielsweise eine Büste von Kaiser Octavian sowie eine kleine Statue von Amor bei der Griechischer Bildhauer Praxiteles . Letzteres wurde schließlich daneben ausgestellt Schlafender Amor durch Michelangelo , was Isabellas Wertschätzung für die ästhetischen Verbindungen zwischen klassischen Werken und den Produkten ihrer eigenen Zeit veranschaulicht. Isabellas Vorliebe für klassische Themen erstreckte sich auch auf Gemälde, von denen sie mindestens sieben besaß Darstellung mythologischer Szenen . Darunter waren Andrea Mantegna 's Parnass (1497) und Antonio da Correggios Allegorie der Tugend und Allegorie des Lasters (ca. 1528-30). Alle drei Gemälde zeigten Göttinnen wie Venus, Pallas Athene, und Diana. Abgesehen von ihrer körperlichen Schönheit symbolisierten die Göttinnen Isabellas humanistisches Wissen und ihre Tugenden.

Porträt von Isabella d'Este von Leonardo da Vinci , 1499-1500, Louvre-Museum, Paris

Gefällt dir dieser Artikel?

Melden Sie sich für unseren kostenlosen wöchentlichen Newsletter anVerbinden!Wird geladen...Verbinden!Wird geladen...

Bitte überprüfen Sie Ihren Posteingang, um Ihr Abonnement zu aktivieren

Vielen Dank!

Wie viele Mäzene ihrer Zeit enthielt auch Isabellas Sammlung mehrere Abbilder der Marquessa selbst. Das berühmteste dieser Bilder ist eine unvollendete Kreidezeichnung von Leonardo da Vinci . Auf Wunsch von Isabella ist das filigrane Porträt erstaunlich lebensecht, mit nahezu perfekten Proportionen und Verkürzungen. Während sie Gesicht wird in einem gestochen scharfen Profil dargestellt , ihre nach vorne gerichteten Schultern, die die Aufmerksamkeit auf die Details ihrer wallenden Ärmel lenken, deuten auf Marquessas Auge für Mode hin. Heute betrachten viele Gelehrte Porträt von Isabella d'Este auf Augenhöhe mit Mona Lisa als Beispiel für Leonardos Stil Porträts, die sowohl lebensecht als auch im Einklang mit universeller Schönheit waren.

Eine digitale Reproduktion von Isabella d'Este lernen im Schloss von Mantua mit Werken von Mantegna, Corregio und anderen , aus IDEA: Isabella d’Este Archive

Ein nach ihrem Tod im Jahr 1539 abgeschlossenes Inventar enthüllte über siebentausend Gemälde, Bücher und Antiquitäten. Von Gelehrten als First Lady der Renaissance in Erinnerung behalten, prägte Isabellas Einfluss die Karrieren einiger der bedeutendsten Künstler dieser Zeit und spiegelt sich somit in der Entwicklung von Isabella wider Westliche Kunst in den folgenden Jahrhunderten . Heute befindet sich der Inhalt der Sammlung der Renaissance-Frau Isabella d’Este in einigen der renommiertesten Museen der Welt, darunter das Musée du Louvre in Paris und die Londoner National Gallery.

Katharina von Medici: Königliche Frau der Renaissance

Porträt von Catherine de' Medici von Germain Le Mannier , 1547-59, Uffizien, Florenz

Zwei Jahrhunderte bevor die Exzesse von Marie Antoinette zum Stoff der Legende wurden, war Catherine de’ Medici die regierende Königin der Kontroversen. Catherine wurde 1519 in Florenz geboren und war die Tochter von Lorenzo de’ Medici, Herzog von Urbino, und Mitglied von der einflussreiche Medici-Clan , zu dessen Abstammung mehrere Päpste und Staatsmänner gehörten. Catherines Privileg war jedoch nur von kurzer Dauer, da ihre beiden Eltern innerhalb eines Monats nach ihrer Geburt starben. Zwischen Verwandten hin und her geschleudert, überlebte Katharina nur knapp den Sturz der Medici-Festung im Jahr 1527. Nach mehreren Jahren als politische Geisel war die junge Herzogin wurde unter die Fittiche ihres Onkels Papst Clemens VII. genommen. Es war Clemens, der 1533 die Ehe der 14-jährigen Katharina mit Heinrich, Herzog von Orléans, dem zweiten Sohn von König Franz I. von Frankreich, vermittelte.

Der Palast von Katharina von Medici, genannt die Tuilerien, aus Verschiedene Ansichten von bemerkenswerten Orten in Italien und Frankreich ( Verschiedene Ansichten von bemerkenswerten Orten in Italien und Frankreich ) von Stafano della Bella , 1649–51, Metropolitan Museum of Art, New York

Der Tod von Henrys älterem Bruder im Jahr 1536 bedeutete, dass Catherine nun die Dauphine oder zukünftige Gemahlin der Königin war. Unter dem Druck, die Zukunft der Valois-Dynastie zu sichern, gebar Catherine anschließend sechs überlebende Kinder, darunter drei Söhne. Als Heinrich 1547 den Thron bestieg, wurde Catherines politischer Einfluss jedoch weitgehend durch die Vorliebe ihres Mannes für seine Geliebte Diane de Poitiers eingeschränkt. Das änderte sich 1559, als Henry nach einem Turnierunfall starb. In den nächsten Jahren regierte Catherine Frankreich als Regentin für ihre jungen Söhne – zuerst Franz II. Und später Karl IX. In dieser Zeit begann Catherine, mehr Kontrolle über Frankreichs Diplomatie und Geldbeutel auszuüben, und wurde auch zu einer der führenden Kunstmäzeninnen Italiens und zu einer archetypischen Frau der Renaissance.

Nautisches Fest auf der Adour , Wandteppiche von Valois, entworfen von Antoine Caron , 1575-89, Uffizien, Florenz

Für Catherine waren Kunst und Architektur ein Werkzeug, um das Prestige der Valois in einer Zeit des Umbruchs und der Anti-Monarchie-Stimmung zu fördern. Infolgedessen sponserte sie große Bauprojekte im ganzen Land, einschließlich der Tuilerien und Hotel de la Reine in Paris . Ihr detailliertestes Projekt war das Grab ihres Mannes in der Basilika von Saint Denis. Die von Francisco Primaticcio entworfene Struktur enthielt eine kunstvolle Marmorskulptur für Henrys Herz.

Abgesehen von der Architektur verlieh Catherine der französischen Malerei und Kunstförderung durch Beziehungen zu Künstlern wie Jean Cousin the Younger und Antoine Caron mehr Prestige. Letzterer war für seinen manieristischen Stil bekannt – was sich in seinen langgestreckten, verdrehten Figuren und kontrastreichen Farben zeigt Triumph der Jahreszeiten – die die anhaltenden Spannungen in Frankreich während der Religionskriege widerspiegelten. Caron entwarf auch die Valois-Wandteppiche. Dieses reich verzierte Set aus acht Wandteppichen, das jetzt in den Uffizien in Florenz ausgestellt ist, zeigt mehrere davon Pracht , oder Hoffeste, befahl Katharina zu wichtigen Anlässen. Diese Auftritte waren ein wichtiges Ventil für Catherines eigene kreative Energie, und sie war eng in alles Musik und das Bühnenbild eingebunden. Insbesondere beaufsichtigte Catherine die Erstellung von Comic-Ballett der Königin , eine Aufführung, die viele Gelehrte als das erste moderne Ballett betrachten.

Abfahrt vom Hof ​​des Château d'Anet , Wandteppiche von Valois, entworfen von Antoine Caron , 1575-89, Uffizien, Florenz

Trotz der Gelder, die Catherine in die Kunst gesteckt hat, hatte ihr Einfluss als Frau der Renaissance und Kunstmäzenin nur wenige nachhaltige Auswirkungen. Der Zusammenbruch der Valois-Dynastie kurz nach ihrem Tod im Jahr 1589 leitete eine neue Periode ein, die vom Geschmack und den Launen der Bourbonen dominiert wurde. Catherines Bauprojekte blieben unvollendet und die meisten wurden schließlich zerstört, während ihre umfangreiche Kunstsammlung verkauft wurde, um ihre Schulden zu bezahlen. Das einzige, was von ihren Bemühungen übrig blieb, war ihre Vorliebe für extravagante Hoffeste und Unterhaltung; Zweihundert Jahre später würden die fortgesetzten Feierlichkeiten der französischen Monarchie zu Exzessen und Frivolität dazu beitragen, die wirtschaftlichen Probleme und zivilen Unruhen auszulösen, die ihnen Platz machten die Französische Revolution.

Margarete von Österreich: Kunstsammlung und Politik

Porträt von Margarete von Österreich von Bernard van Orley , 16thJahrhundert, Königliches Museum der Schönen Künste von Belgien

Das frühe Leben von Erzherzogin Margarete von Österreich war von einer Reihe von Fehlstarts geprägt. 1480 als Sohn von Kaiser Maximilian I. und Margarete von Burgund geboren, war Margarete erst zwei Jahre alt, als sie mit dem zukünftigen Karl VIII. von Frankreich verlobt wurde. Sie verbrachte daher den größten Teil ihrer prägenden Jahre am französischen Hof, wo sie unter anderem in Sprachen, Musik, Politik und Literatur unterrichtet wurde. Die Verlobung wurde jedoch 1491 aufgelöst. Margaret heiratete anschließend 1497 Juan, den Erben des spanischen Throns, aber der Prinz starb nur sechs Monate nach ihrer Vereinigung. Schließlich fand die junge Erzherzogin 1501 ihr Glück in einer Ehe mit Philibert II., Herzog von Savoyen.

Philipp der Schöne und Margarete von Österreich von Pieter van Coninxloo , 1493-95, National Gallery, London

Der Tod des Herzogs im Jahr 1504 versetzte Margarete in eine lange Zeit der Trauer, markierte aber auch den Beginn ihrer beeindruckenden Amtszeit als eine der einflussreichsten Frauen und Kunstmäzeninnen in Europa. Nachdem sie sich geweigert hatte, erneut zu heiraten, wurde sie 1507 für ihren Neffen, Kaiser Karl V., zur Regentin der Niederlande ernannt. Sie übte den diplomatischen Scharfsinn aus, den sie von ihrer ehemaligen Schwiegermutter, Isabel von Kastilien, sowie von ihrer Patin, Margarete, erworben hatte York, Margaret erwies sich als kluge Politikerin und fähige Anführerin. Dank ihres Engagements für Kunst und Literatur zog ihr Hof in Mechelen Talente aus dem ganzen Kontinent an. Ihre Sammlung war so umfangreich, von Juwelen und Skulpturen bis hin zu ethnografischen Objekten, dass der große Maler 1521 Albrecht Dürer drückte Ehrfurcht vor ihren Kostbarkeiten und ihrer kostbaren Bibliothek aus.

Königliches Kloster Brou, auch bekannt als Eglise Saint-Nicolas-de-Tolentin de Brou , 1532, Bourg-en-Bresse, Frankreich

Für Margaret waren Kunst und Architektur sowohl politische Werkzeuge als auch Quellen des Interesses. Sie war eine eklektische Renaissance-Frau und eine der prominentesten Kunstmäzeninnen ihrer Zeit. Ihr wichtigstes architektonisches Projekt, die Kirche St. Nicolas in Brou in Bourg-en-Bresse, wurde im gotischen Stil der Renaissance fertiggestellt, der sie von der Ästhetik Italiens und Frankreichs unterschied. Margarets Hauptinteresse war jedoch Porträtmalerei : Die Première Chambre ihrer Gemächer in Mechelen war ein Who-is-Who des europäischen Königshauses, von denen die meisten durch Blut oder Heirat mit Margaret verbunden waren. Zeitgenössische Aufzeichnungen listen insgesamt neunundzwanzig Porträts auf, darunter Bildnisse von Karl V., Maximilian I., verschiedenen spanischen Habsburgern und den Tudors von England . Die burgundische herzogliche Linie, von der Margaret direkt abstammte, erhielt einen Ehrenplatz. Obwohl Margarets eigenes Porträt in der Halle fehlte, wurden die ausgestellten wahrscheinlich ausgewählt, um ihre Anwesenheit in den Niederlanden durch ihre Verbindungen zu einigen der mächtigsten Persönlichkeiten des Kontinents zu legitimieren.

König Heinrich VII von einem unbekannten niederländischen Künstler (früher Michel Sittow zugeschrieben) , 1505, Nationalgalerie, London. Dieses Stück gehörte zu den Porträts in Margarete von Österreichs Première Chambre.

Angesichts ihres klugen Einsatzes von Kunst als politisches Statement ist es nicht verwunderlich, dass Margaret auch eine anspruchsvolle Kunstmäzenin war, die wusste, was ihr gefiel. In stilistischer Hinsicht scheint sie beispielsweise das Interesse der nordischen Künstler an einer getreuen Darstellung ihrer Motive aufgegriffen zu haben: Um 1525 schickte sie ihren Hofmaler Jan Cornelisz Vermeyen auf eine ausgedehnte Reise, um mehrere ihrer Verwandten mit zu malen die ausdrückliche Bitte, möglichst genaue Abbilder zu erstellen. Sie war sich auch bewusst, wie sie ihr eigenes Image konstruierte: Ihr offizielles Porträt von Bernard van Orley gilt als ziemlich lebensecht und zeigt sie als fromme, ernsthafte Witwe. Dieses Bild wurde schließlich kopiert und an ihre Verwandten und politischen Verbündeten, einschließlich Englands Heinrich VIII., verteilt. Ihr strategischer Einsatz der Künste während ihrer gesamten Amtszeit erwies sich als nützlich: Nach ihrem Tod im Jahr 1530 wurde Margaret als erfahrene Anführerin in Erinnerung gerufen, die über zwei Jahrzehnte eine umstrittene Region befehligte, sowie als treue Kunstmäzenin, die die Karrieren mehrerer nördlicher Renaissance förderte Künstler.

Hürrem Sultan, alias Roxelana: Kunstpatron des Osmanischen Reiches

Der rosa Sultan von Tizian , 1515–20, John und Mable Ringling Museum of Art, Sarasota

Die Besteigung von Hürrem Sultan ist eine der unwahrscheinlichsten Geschichten der Geschichte. Sie wurde 1505 als Aleksandra Lisowska geboren und verbrachte die ersten Jahre ihres Lebens im Dorf Rohatyn in der heutigen Ukraine. Ihr Leben änderte sich dramatisch im Alter von 14 Jahren, als ihr Dorf von Eindringlingen geplündert und sie als Sklavin gefangen genommen wurde. Nachdem sie eine erschütternde Reise zunächst auf die Krim und dann über das Schwarze Meer nach Istanbul überstanden hatte, wurde sie schließlich als Konkubine in den Harem von Topkapi, dem Palast von Kaiser Suleiman I., verkauft.

Sultan Suleiman von Anonym , 16thJahrhundert, Kunsthistorisches Museum, Wien

Das Leben im Osmanischen Reich war Welten entfernt von Rohatyn. Als er 1520 den Thron bestieg, Suleiman herrschte über eine Bevölkerung von Hunderten von Millionen, die sich über Teile Asiens, Europas und Afrikas erstreckte. Anstatt Bündnisse durch Heirat zu schließen, sicherten osmanische Herrscher die Fortsetzung ihrer Linie durch Konkubinen im Harem. Der Harem, in dem etwa 150 Frauen lebten, war ein abgelegener Ort, an dem Frauen – meist Sklaven aus eroberten Nationen – in der türkischen Sprache und den Prinzipien des Islam sowie in Musik, Literatur, Tanz und anderen Hobbys unterrichtet wurden. Während sich die meisten europäischen Besucher den Harem als erotisches Refugium vorstellten, funktionierte er in Wirklichkeit eher wie ein streng religiöses Kloster. Hier ging Aleksandra, die heute Roxelana oder russisches Mädchen heißt, schließlich in die Geschichtsbücher ein.

Moderne Ansicht eines Teils des Haseki-Sultan-Komplexes , Istanbul

Obwohl angeblich keine große Schönheit, machte Roxelanas temperamentvolle Persönlichkeit und ihr Intellekt sie bei Suleiman beliebt. Während die Tradition vorschrieb, dass jede Konkubine nur einen Sohn gebären konnte, hatte Roxelana schließlich mehrere Kinder mit Suleiman. In den frühen 1530er Jahren brach der Kaiser mit jahrhundertealten Sitten und heiratete Roxelana offiziell, was sie zur ersten königlichen Gemahlin machte, die den Titel einer hatte Haseki Sultan . Ihre neue Position war mit einer Mitgift von 5.000 Dukaten sowie einem Tagesgehalt von 2.000 Silbermünzen verbunden, von denen sie das meiste in umfangreiche öffentliche Bauprojekte steckte. Ihre größte Errungenschaft war der Haseki-Sultan-Komplex. Der von Mimar Sinan entworfene Stein-und-Ziegel-Komplex umfasste eine Moschee, eine Schule, eine Suppenküche und ein Krankenhaus.

Abgesehen von ihrem gleichnamigen Komplex finanzierte Roxelana auch Gebäude und öffentliche Ressourcen in anderen Städten, darunter Mekka und Jerusalem. Sie starb 1558, nachdem sie sowohl als Staatsfrau als auch als Kunstmäzenin beispiellose Beiträge geleistet hatte. Heute schreiben Gelehrte Roxelana die Einführung des sogenannten Sultanats der Frauen zu, einer Zeit in der osmanischen Geschichte, in der königliche Frauen einen einzigartigen Einfluss auf politische Angelegenheiten ausübten.

Tōfuku Mon-In: Patron der japanischen Kunst der Edo-Zeit

Edo-Periode Porträt von Tokogawa Masako , Koun-ji-Tempel,Kyōto

Tōfuku mon-in wurde 1607 als Tokugawa Masako geboren und war die Tochter von Tokugawa Hidetada, dem zweiten Shōgun von Japans Edo-Zeit . 1620 heiratete sie Kaiser Go-Mizunoo und schuf so ein Bündnis zwischen der in Kyoto ansässigen kaiserlichen Familie und dem Militärregime von Edo. Obwohl die Hochzeit mit aufwändigen Festlichkeiten gefeiert wurde, hatte Go-Mizunoo bereits eine Vorliebe für eine Konkubine angedeutet, mit der er zwei Kinder hatte. Erst nach der Geburt ihrer Tochter Prinzessin Okiko im Jahr 1624 erhielt Masako den Titel Chūgū oder Gemahlin der Kaiserin. Fünf Jahre später, 1629, dankte Go-Mizunoo zugunsten von Okiko ab, die später Kaiserin Meishō wurde. Zu diesem Zeitpunkt nahm Masako den buddhistischen Namen Tōfuku mon-in an.

Obwohl ihre Zeit als Gemahlin nur von kurzer Dauer war, blieb Tōfuku mon-in bis weit in ihre späteren Jahre einflussreich. Während das Militärshogunat weiterhin mehr Aspekte der Regierung kontrollierte, nutzte Tōfuku mon-in ihren persönlichen Reichtum, um die kulturellen Standards des kaiserlichen Hofes zu stärken. Sie investierte Gelder in den Wiederaufbau mehrerer buddhistischer Tempel, die durch den Bürgerkrieg zerstört wurden, darunter der Enshō-ji in Koriyama und der Kūon-ji in Kyoto. Viele dieser Stätten präsentierte sie mit Gemälden renommierter Künstler; Einige dieser Werke, wie z Koreanische Gesandte von Dōun Masanobu, sind immer noch im Besitz der Tempel.

Gedichtzettel an Kirsch- und Ahornbäumen von Tosa Mitsuoki , 1654/81, Art Institute of Chicago

Abgesehen von ihrer Arbeit beim Wiederaufbau von Tempeln hatte Tōfuku mon-in auch ein tiefes persönliches Engagement für Kunst und Hofkultur. Sie war in Kalligraphie und Komposition bewandert und dafür bekannt, Poesiepartys in ihrem Quartier zu veranstalten. Ihre Liebe zur Poesie ist in einem der bekanntesten Aufträge ihrer Sammlung verewigt, Gedichtzettel an Kirsch- und Ahornbäumen . Dieses Set aus sechs Leinwänden von Tosa Mitsuoki, das jetzt im Art Institute of Chicago zu sehen ist, zeigt 60 Gedichtzettel oder Tanzaku , zu Ästen. Der lebendige Kontrast zwischen den Ahornszenen im Herbst und den Kirschblüten im Frühling kombiniert mit den Konturen des Schwankens Tanzaku ist eine wehmütige, melancholische Reflexion über die Flüchtigkeit der Schönheit.

Gedichtzettel an Kirsch- und Ahornbäumen von Tosa Mitsuoki , 1654/81, Art Institute of Chicago

Als einer der Kunstmäzene der Edo-Zeit erstreckte sich das Interesse von Tōfuku mon-in über alle Medien. Obwohl Poesie vielleicht ihr größtes Interesse war, sammelte sie auch religiöse Ikonen, Reliquiare und Gemälde sowie Teegeschirr für die Chanoyu oder Teezeremonie. Für letzteres wandte sie sich oft an die Keramikerin Nonomura Ninsei, deren kühne Muster und raffinierte Ausführung Tōfuku mon-ins eigene Vorliebe für die Mischung zeitgenössischer und klassischer Stile ergänzten. Ihr Interviewsaal im Schloss zum Beispiel zeigte auffällige, farbenfrohe Elemente neben Poesiekarten und Ornamenten. Einer ihrer begehrtesten Aufträge für die Innenausstattung war eine Reihe von Zedernholztüren, die mit Festszenen und Bildern von großen Karpfen in Fischernetzen bemalt waren. Als sie 1678 starb, hatte Tōfuku mon-in eine riesige Sammlung von Kunstobjekten zusammengetragen, die ein beeindruckendes Archiv der Kreativität aus einer bestimmten Periode in der Geschichte ihres Landes darstellt.