Die schockierendste und umstrittenste Kunst, die je gemacht wurde

Stuart Brisley, And For Today … Nothing, 1972, Performance, Gallery House, Goethe-Institut, London

Im Laufe der Geschichte haben Künstler nach Wegen gesucht, Traditionen aufzurütteln und die Rolle der Kunst in Frage zu stellen. Ihr Mut hat sich spannend geöffnet neue Wege in der Kunst , und veränderte unsere Art, die Welt zu sehen, auf überraschende und unerwartete Weise. Aber Risiken einzugehen hat seinen Preis und zahlt sich nicht immer aus, zumindest nicht zu Lebzeiten des Künstlers. Einige der revolutionärsten Künstler aller Zeiten wurden im Namen großer Kunst öffentlich beschämt, ins Gefängnis gesteckt oder starben beinahe. Werfen wir einen Blick in die Kunstgeschichte auf einige der schockierendsten und umstrittensten Kunstwerke, die je gemacht wurden.

1. Michelangelo, Das Jüngste Gericht, Die Sixtinische Kapelle, 1541

Michelangelo, Das Jüngste Gericht (Ausschnitt), 1541, via New York Post

Vom Moment seiner Enthüllung im Jahr 1541 an ist das wild chaotische Gewirr nackter menschlicher Körper in Michelangelos Das Jüngste Gericht überraschte und entsetzte Zuschauer gleichermaßen. Nackte Körper waren schon früher in der Kunst aufgetaucht Michelangelo, Was die Besucher jedoch am meisten schockierte, war die weitläufige Zurschaustellung von Nacktheit auf der ganzen Linie, von gewöhnlichen Menschen bis hin zu Heiligen und Märtyrern. Um das Ganze abzurunden, fügte er sogar vollständig freigelegte, grafische Genitalien hinzu, was Kardinal Oliviero Carafa dazu veranlasste, ihn der unmoralischen Obszönität zu beschuldigen. Feigenblätter und Lendenschurz wurden über exponierte Körperteile gemalt, wodurch die Natur des Originalkunstwerks verändert wurde. Sie blieben bis zu einer Restaurierung an diesem umstrittenen Kunstwerk Sixtinische Kapelle Hunderte von Jahren später, in den 1980er Jahren. Aber zu diesem Zeitpunkt hatte Michelangelos revolutionäre Zurschaustellung von menschlichem Fleisch die Kunstgeschichte bereits tiefgreifend beeinflusst, vom Manierismus bis zur Kunstgeschichte Barock- Dekadenz bis hin zur ungefilterten Nacktheit der Gegenwart.

2. Edouard Manet, Olympia, 1863

Olympia von Edouard Manet, 1863, über das Musée d'Orsay

Französischer Maler des Realismus Edouard Manets Ikone Olympia , 1865 erschütterte die Gesellschaft bis ins Mark. Erstmals ausgestellt auf der Pariser Salon 1865 zeigt Manets Gemälde ein Aktmodell, das auf einem Sofa liegt, während ein Diener ihr Blumen überreicht. Manet ahmte bewusst die Zusammensetzung nach Tizians berühmt Venus von Urbino, 1534, aber er gab seiner Version eine Reihe kontroverser Updates. Der direkte, konfrontative Blick seines Models schockierte das Publikum, das daran gewöhnt war, passive, zurückhaltende Frauen zu sehen. Dass Manet ein echtes Model, Victorine Meurent, anstelle einer mythologischen Muse benutzt hatte, war ebenfalls schockierend genug, aber er machte eine Reihe von Vermutungen, dass sie eine Prostituierte sei – der Name Olympia wurde im Paris der 1860er Jahre häufig mit Sexarbeiterinnen in Verbindung gebracht, während sie Die Umgebung erinnerte an den Stil eines Pariser Boudoirs. Die gewölbte schwarze Katze am Fuß von Olympias Bett war auch ein bekanntes Symbol für sexuelle Promiskuität. Edouard Manet wurde vom Pariser Salon gemieden, aber seine Durchbrüche führten dazu, dass eine Generation von Impressionisten und Modernisten folgte.

3. Pablo Picasso, Die Damen von Avignon, 1907

Pablo Picasso, Die jungen Damen von Avignon, 1907, über das MoMA

Picasso gehalten Die Damen von Avignon , 1907, lange in seinem Atelier versteckt. Sogar seine eigenen Freunde waren entsetzt, als sie es endlich sahen. Die aggressiven Scherben eckiger, künstlicher Farben und gebrochener, verzerrter Perspektiven waren schockierend genug, aber als das wahre Ausmaß seines Themas enthüllt wurde, war die Öffentlichkeit entsetzt. Eine nackte Gruppe von fünf Frauen, die wie klassische Akte posiert, aber keine idealisierten Schönheiten sind. Stattdessen malt er sie mit übertriebenen Gesichtern, inspiriert von den afrikanischen Masken, die er in Paris gesehen hat. Ethnographisches Museum. Die Reduzierung ihrer Körper auf eine Reihe von scharfen, bedrohlichen Formen verleiht ihnen eine bedrohliche Qualität, ebenso wie ihre kalten, unerschrockenen Blicke. Avignon war eine bekannte Straße im Pariser Rotlichtviertel und ließ keinen Zweifel daran, dass diese Frauen Prostituierte waren. Eckig zusammenstoßen Kubistisch Formen und konfrontativen Themen zerschmetterte Picasso im Alleingang Konventionen und leitete eine neue Welle von ein Modern art . Der Kunstkritiker Jonathan Jones schreibt: Les Demoiselles d’Avignon ist der Riss, der Bruch, der Vergangenheit und Zukunft trennt.

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4. Marcel Duchamp, Brunnen, 1917

Marcel Duchamp, Brunnen, 1917 (Nachbau 1964), über Tate, London

Experimentator gegeben Marcel Duchamps Brunnen , 1917 schrieb Geschichte und leitete den Beginn der Konzeptkunst ein. Um die Arbeit zu erstellen Duchamp kaufte einfach ein Urinal von einer Fabrik, signierte es mit dem Pseudonym R. Mutt und reichte es bei der Society of Independent Artists ein. Die Gesellschaft war zutiefst beleidigt über das Werk, nannte es unanständig und unmoralisch und erklärte: Der Brunnen mag an seinem Platz ein sehr nützliches Objekt sein, aber sein Platz ist nicht in einer Kunstausstellung und es ist keineswegs ein Kunstwerk . Trotz Duchamp hatte Brunnen professionell fotografiert von dem renommierten Fotografen Alfred Stieglitz in einer Galerie, während ein anonymes Editorial, das höchstwahrscheinlich von Duchamp geschrieben wurde, in der linken Zeitschrift veröffentlicht wurde Der Blinde argumentieren, Ob ​​Herr Mutt … den Brunnen gemacht hat, ist nicht wichtig. Er hat es GEWÄHLT. Er nahm einen gewöhnlichen Gegenstand des Lebens … und … erschuf einen neuen Gedanken für dieses Objekt. Dieses Argument, dass jedes Objekt ein Kunstwerk werden könnte, revolutionierte die künstlerische Praxis und wirkt sich bis heute aus.

5. Carolee Schneemann, Fleisch Freude, 1964

Carolee Schneemann, Meat Joy, 1964, Aufführungsdokumentation

US-amerikanische Performancekünstlerin Carolee Schneemann’s Freude am Fleisch , 1964 forderte frauenfeindliche Stereotypen mit voller frontaler Nacktheit und sich windender Zurschaustellung von erotischem Fleisch heraus. Sie kombinierte eine, wie sie es nannte, Einkaufsliste mit Zutaten, darunter roher Fisch, Hühnchen und Würstchen, zusammen mit Farbe, glänzendem Plastik und Seilen, und brachte eine Gruppe nackter Frauen zusammen, die sich in diesen Substanzen herumwälzten, als wären sie in einer orgasmischen Ekstase verloren. Die Reaktionen waren extrem; ein Zuschauer war so wütend, dass er sogar versuchte, Schneemann zu erwürgen, während ein anderer erklärte, ich weiß nicht, was das ist, aber es ist keine Kunst. Aber Schneemanns sexuell befreite Kunst offenbarte dem Publikum eine neue Art von uneingeschränkter Weiblichkeit und war wegweisend für eine Welle feministischer Künstlerinnen in den 1970er Jahren.

6. Stuart Brisley, Und für heute … Nichts, 1972

Stuart Brisley, Und für heute … nichts, 1972, Performance, Gallery House, Goethe-Institut, London

Britischer Performancekünstler Stuart Brisleys Und für heute … Nichts , 1972 wurde in den Tiefen eines heruntergekommenen, schäbigen Gebäudes in London inszeniert. Ein schmutziges Bad war bis zum Rand mit schwarzem Wasser und verfaultem Fleisch gefüllt, in dem Fliegen und Maden eiterten. Zwei Wochen lang lag Brisley jeden Tag nackt in diesem schmutzigen Schlamassel, den Kopf gerade so weit über dem Wasser, dass er noch atmen konnte. Kleine Besuchergruppen wurden dann eingeladen, das Gebäude zu betreten und ihn in diesem verwundbaren, halbtoten Zustand zu beobachten. Indem er seinen Körper einer fast unerträglichen Situation aussetzte, lenkte Stuart Brisely die Aufmerksamkeit der Betrachter auf die fragile Grenze zwischen Leben und Tod, eine Haltung, die tiefgreifende Auswirkungen auf die zeitgenössische Kunst das folgte. Diese Aufführung war Teil einer Gruppenausstellung im Gallery House, Goethe Institution, London, aber der Geruch von kaltem Wasser, gefüllt mit verwesenden Innereien, wurde so ekelhaft, dass alle anderen Künstler ihn zwangen zu gehen.

7. Judy Chicago, Die Dinner-Party, 1974-9

Judy Chicago, The Dinner Party, 1974–79, Brooklyn Museum, Geschenk der Elizabeth A. Sackler Foundation. Foto: Donald Woodman

Judy Chicagos monumentale Installation Die Dinner-Party , 1974-9, ist ein ikonisches Symbol des Feminismus der 1970er Jahre. Ein riesiges, dreieckiges Bankett mit 39 Gedecken wird aufgebaut, jedes als Hommage an einflussreiche Frauen aus der Geschichte. Als weibliche Alternative zum letzten Abendmahl gedacht, ist es 48 Fuß lang auf jeder Seite und dauerte über fünf Jahre bis zur Fertigstellung. Der bei weitem schockierendste Aspekt der Arbeit war die offene Darstellung weiblicher Genitalien; Jede Platte ist mit einer Variation einer Vulvaform verziert oder in diese geformt. Die Arbeit wurde am enthüllt San Franciscos Museum of Modern Art und zog eine große Zahl an, aber die Reaktionen waren ätzend und bezeichneten die Arbeit als pornografisch und anstößig. Für eine USA-Tournee vorgesehen, sagten andere Museen schnell ab. Es hat Jahrzehnte gedauert, bis sich die Kunstwelt für dieses Werk erwärmt und seine Radikalität erkannt hat, aber heute hat es eine dauerhafte Heimat im Sackler Center im Brooklyn Museum .

8. Marc Quinn, Selbst, 1991

Marc Quinn, Self, 1991, Bild von Marc Quinn

Britischer Künstler Marc Quinns Selbst , 1991 ist eine vollständige, lebensgroße Nachbildung seines Kopfes in seinem eigenen gefrorenen Blut. Zehn Liter seines Blutes wurden benötigt, um die Skulptur fertigzustellen, die nur in einem dauerhaft gefrorenen Zustand existieren kann. Quinn fertigte seine erste Version dieses Werks in einer Zeit persönlicher Kämpfe an, als er unter Alkoholismus litt; Indem er seine Abhängigkeit von Alkohol mit dem Bedürfnis des Kopfes, eingefroren zu werden, verglich, wurde die Skulptur zu einer starken Reflexion über die menschliche Abhängigkeit. Er machte weiter an der Serie und reflektierte sein sich veränderndes Gesicht, als der Alterungsprozess sowohl sein äußeres Erscheinungsbild als auch seine inneren Organe veränderte. In einem leblosen, schwebenden Zustand schwebend, sammelt sich geronnenes Blut an der Oberfläche dieses körperlosen Kopfes und sorgt für einen düsteren Anblick. Kritiker warfen ihm wenig mehr als vampirische Sensationsgier vor, während andere das Werk in einer langen Tradition der Selbstporträts einordneten Rembrandt zu Cindy Sherman. In jedem Fall hat die Auseinandersetzung mit solch unangenehm intimem Material eine Fülle neuer Möglichkeiten in der zeitgenössischen Kunst eröffnet.

9. Pussy Riot, Punk-Gebet: Muttergottes, vertreibe Putin, 2012

Pussy Riot, Punk-Gebet: Mutter Gottes, vertreibe Putin, 2012

Russische Punk-Protestgruppe Pussy Riots Punk-Gebet: Mutter Gottes, vertreibe Putin , 2012 war eine Guerilla-Performance in der Moskauer Christ-Erlöser-Kathedrale. Sie stürmten in hellen Kleidern und Sturmhauben auf die Kanzel der Kirche und sprangen, tanzten, knieten und bekreuzigten sich, bis sie von Sicherheitskräften ergriffen und aus dem Gebäude entfernt wurden. Später am selben Tag wurde diesem Filmmaterial ein sengender Soundtrack hinzugefügt, dessen Texte Putins unterdrückerisches Regime und seine Verbindungen zur russisch-orthodoxen Kirche angreifen, bevor sie Maria, die Mutter Gottes, aufforderten, Putin zu vertreiben! In den sozialen Medien verbreitete sich das Video wie ein Lauffeuer und erreichte innerhalb weniger Tage ein internationales Publikum. Russische Beamte waren so erzürnt, dass sie zwei prominente Mitglieder der Gruppe, Nadezhda Tolokonnikowa und Maria Alyokhina, zu zwei Jahren Gefängnis verurteilten und sie des durch religiösen Hass motivierten Rowdytums beschuldigten. Weltweit kam es zu Auseinandersetzungen über die harte Bestrafung von Pussy Riot, während berühmte Stimmen erfolglos ihre Freilassung forderten. Trotz ihrer schrecklichen Behandlung im Gefängnis machte die Erfahrung das Paar zu weltweiten Berühmtheiten, die bis heute erfolgreiche Kunst machen.

10. Maurizio Cattelan, Komiker, 2019

Maurizio Cattelan, Komiker, 2019, Banane an eine Wand geklebt , verkauft für 120.000 $. Foto: RHONA WISE, EPA-EFE

Als Bad Boy der italienischen Kunst bezeichnet, Maurizio Cattelan 's Komiker , 2019 hat sich über die Ansprüche lustig gemacht, die die heutige Kunstwelt umgeben, und wird nun als das ikonische Kunstwerk des Jahres anerkannt. Auf der Art Basel Miami Beach, Cattelan Gaffer klebte eine Banane an die Wand und kostete sie unglaubliche 120.000 Dollar. Nach dem Verkauf zog der Künstler David Datuna das graue Klebeband ab, nahm die Banane heraus und aß sie, wodurch das Original zerstört wurde. Die Arbeit wurde leicht neu gemacht und später aus der Galerie entfernt, um weitere Streiche zu verhindern. Aber ein Künstler sah eine andere Gelegenheit und graffitierte auf die leere Stelle, wo die Worte Epstein hat sich nicht umgebracht. Cattelan wäre der Erste, der argumentieren würde, dass jede neue Wendung in seiner Geschichte seinem Konzept einen Mehrwert verleiht, was beweist, dass heutzutage fast alles ein Kunstwerk sein kann.