5 zeitgenössische schwarze Künstler, die Sie kennen sollten

Präsident Barack Obama von Kehinde Wiley , 2018, über die National Portrait Gallery, Washington, D.C. (links); mit Teerstrand Nr. 2 von Faith Ringgold , 1990-92, über National Building Museum, Washington, D.C. (rechts)

Zeitgenössische Kunst dreht sich alles darum, den Kanon zu konfrontieren, eine Vielzahl von Erfahrungen und Ideen darzustellen, neue Medien zu nutzen und die Kunstwelt, wie wir sie kennen, aufzurütteln. Es spiegelt auch die moderne Gesellschaft wider und bietet den Zuschauern die Möglichkeit, auf sich selbst und die Welt, in der sie leben, zurückzublicken. Zeitgenössische Kunst lebt von Vielfalt, offenem Dialog und Engagement des Publikums, um als Bewegung erfolgreich zu sein, die den modernen Diskurs herausfordert.

Schwarze Künstler und zeitgenössische Kunst

Schwarze Künstler in Amerika haben die zeitgenössische Kunstszene revolutioniert, indem sie die Räume betraten und neu definierten, die sie zu lange ausgeschlossen hatten. Heute setzen sich einige dieser Künstler aktiv mit historischen Themen auseinander, andere repräsentieren ihr Hier und Jetzt, und die meisten haben Branchenbarrieren überwunden, mit denen weiße Künstler nicht konfrontiert waren. Einige sind akademisch ausgebildete Maler, andere fühlen sich von nicht-westlichen Kunstformen angezogen und wieder andere entziehen sich jeder Kategorisierung.

Von einem Quilt-Hersteller bis hin zu einem Neon-Bildhauer, dies sind nur fünf der unzähligen schwarzen Künstler in Amerika, deren Arbeiten den Einfluss und die Vielfalt der schwarzen zeitgenössischen Kunst zeigen.

1. Kehinde Wiley: Zeitgenössische Künstlerin, inspiriert von alten Meistern

Napoleon führt die Armee über die Alpen von Kehinde Wiley , 2005, über das Brooklyn Museum

Am bekanntesten für den Auftrag, die zu malen offizielles Porträt von Präsident Barack Obama , Kehinde Wiley ist ein in New York City lebender Maler, dessen Werke die Ästhetik und Techniken der traditionellen westlichen Kunstgeschichte mit der gelebten Erfahrung schwarzer Männer im Amerika des 21. Jahrhunderts verbinden. Seine Arbeit zeigt schwarze Models, die er in der Stadt trifft, und enthält Einflüsse, die der durchschnittliche Museumsbesucher erkennen könnte, wie die organischen Textilmuster von William Morris Kunst- und Handwerksbewegung oder die heroischen Reiterporträts von Neoklassiker wie Jacques-Louis David .

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Genau genommen Wileys 2005 Napoleon führt die Armee über die Alpen ist ein direkter Verweis auf Davids ikonisches Gemälde Napoleon überquert die Alpen bei Grand-Saint-Bernard (1800-01). Über diese Art von Porträt sagte Wiley: Es fragt: „Was machen diese Typen?“ Sie nehmen die Posen von Kolonialherren ein, den ehemaligen Bossen der Alten Welt. Wiley verwendet vertraute Ikonographie, um seinen zeitgenössischen schwarzen Untertanen die gleiche Kraft und Heldenhaftigkeit zu verleihen, die weiße Untertanen innerhalb der Mauern westlicher Institutionen seit langem genießen. Wichtig ist, dass er dies tun kann, ohne die kulturelle Identität seiner Untertanen auszulöschen.

Beim Malen geht es um die Welt, in der wir leben, sagte Wiley. Schwarze Männer leben in der Welt. Meine Wahl ist, sie einzubeziehen.

2. Kara Walker: Schwärze und Silhouetten

Aufruhr! (Unsere Werkzeuge waren rudimentär, aber wir machten weiter) von KaraWalker , 2000,über Solomon R. Guggenheim Museum, New York

Als schwarzer Künstler im Schatten von Georgias Stone Mountain, einem hoch aufragenden Monument der Konföderation, aufzuwachsen, bedeutete das Kara Walker war jung, als sie entdeckte, wie Vergangenheit und Gegenwart eng miteinander verflochten sind – insbesondere, wenn es um die tiefen Wurzeln des Rassismus in Amerika geht Misogynie .

Walkers bevorzugtes Medium sind geschnittene Papiersilhouetten, die oft in großformatigen Rundbildern installiert sind. Ich zeichnete Umrisse von Profilen nach und dachte über Physiognomie, rassistische Wissenschaften, Minnesänger, Schatten und die dunkle Seite der Seele nach, sagte Walker. Ich dachte, ich habe hier schwarzes Papier.

Silhouetten und Rundbilder wurden beide im 19thJahrhundert. Durch die Verwendung altmodischer Medien untersucht Walker die Verbindung zwischen historischen Schrecken und zeitgenössischen Krisen. Dieser Effekt wird noch verstärkt, indem Walker einen traditionellen Schulraumprojektor verwendet, um den Schatten des Betrachters in die Szene einzubeziehen vielleicht würden sie also verwickelt werden.

Für Walker geht es beim Geschichtenerzählen nicht nur darum, Fakten und Ereignisse von Anfang bis Ende wiederzugeben, wie es in einem Lehrbuch der Fall wäre. Ihre Cyclorama-Installation aus dem Jahr 2000 Aufruhr! (Unsere Werkzeuge waren rudimentär, aber wir machten weiter) ist ebenso eindringlich wie theatralisch. Es verwendet silhouettierte Karikaturen und farbige Lichtprojektionen, um die Sklaverei und ihre anhaltenden, gewalttätigen Auswirkungen auf die amerikanische Gesellschaft zu untersuchen.

Es ist zu viel davon, sagte Walker als Antwort darauf, dass ihre Arbeit zensiert wurde. Meine ganze Arbeit trifft mich unvorbereitet. Walker ist seit den 1990er Jahren auf Kontroversen gestoßen, einschließlich der Kritik anderer schwarzer Künstler wegen ihrer Verwendung von verstörenden Bildern und rassistischen Stereotypen. Man könnte auch argumentieren, dass das Hervorrufen einer starken Reaktion beim Betrachter, sogar einer negativen, sie zu einer entschieden zeitgenössischen Künstlerin macht.

3. Faith Ringgold: Geschichte des Quiltens

Wer hat Angst vor Tante Jemima? von Faith Ringgold , 1983, über Studio Art Quilt Associates

Geboren in Harlem auf dem Höhepunkt der Harlem-Renaissance Faith Ringgold, eine Bewegung, die schwarze Künstler und Kultur feierte, ist eine Caldecott-prämierte Kinderbuchautorin und zeitgenössische Künstlerin. Sie ist vor allem für ihre detaillierten Story-Quilts bekannt, die Darstellungen von Schwarzen in Amerika neu erfinden.

Ringgolds Story-Quilt entstand aus einer Kombination von Notwendigkeit und Einfallsreichtum. Ich habe versucht, meine Autobiographie zu veröffentlichen , aber niemand wollte meine Geschichte drucken, sagte sie. Als Alternative fing ich an, meine Geschichten auf meine Quilts zu schreiben. Heute werden Ringgolds Story-Quilts sowohl in Büchern veröffentlicht als auch von Museumsbesuchern genossen.

Die Hinwendung zum Quilten als Medium gab Ringgold auch die Möglichkeit, sich von der Hierarchie der westlichen Kunst zu lösen, die herkömmlicherweise akademische Malerei und Skulptur schätzt und die Traditionen schwarzer Künstler ausschließt. Diese Subversion war besonders relevant für Ringgolds ersten Story-Quilt, Wer hat Angst vor Tante Jemima? (1983), die das Thema untergräbt Tante Jemima, ein geschichtsträchtiges Klischee, das auch 2020 für Schlagzeilen sorgt . Ringgolds Repräsentation verwandelt Tante Jemima von einem Klischee aus der Zeit der Sklaverei, das Pfannkuchen verkaufte, in eine dynamische Unternehmerin, die ihre eigene Geschichte zu erzählen hat. Das Hinzufügen von Text zum Quilt erweiterte die Geschichte, machte das Medium einzigartig für Ringgold und dauerte ein Jahr, um es von Hand herzustellen.

4. Nick Cave: Tragbare Textilskulpturen

Soundsuit von Nick Cave , 2009, über das Smithsonian American Art Museum, Washington, D.C.

Nick Cave wurde sowohl als Tänzer als auch als Textilkünstler ausgebildet und legte den Grundstein für eine Karriere als zeitgenössischer schwarzer Künstler, der Mixed-Media-Skulptur und Performance-Kunst verschmilzt. Im Laufe seiner Karriere hat Cave über 500 Versionen seiner Unterschrift erstellt Soundsuits – tragbare Mixed-Media-Skulpturen, die beim Tragen Geräusche machen.

Das Soundsuits werden mit einer Vielzahl von Textilien und gefundenen Alltagsgegenständen hergestellt, von Pailletten bis zu menschlichen Haaren. Diese vertrauten Objekte werden auf ungewohnte Weise neu arrangiert, um traditionelle Symbole von Macht und Unterdrückung, wie die Ku-Klux-Klan-Kapuze oder den Kopf einer Rakete, zu demontieren. Beim Tragen ist die Soundsuits verschleiern die Aspekte der Identität des Trägers, die Cave in seiner Arbeit untersucht, einschließlich Rasse, Geschlecht und Sexualität.

Unter den Arbeiten vieler anderer schwarzer Künstler , Caves erster Soundsuit wurde nach dem Vorfall der Polizeibrutalität mit Rodney King im Jahr 1991 gezeugt. Cave sagte: Ich fing an, über die Rolle der Identität nachzudenken, rassistisch profiliert sein, sich abgewertet fühlen, weniger als, entlassen. Und dann war ich zufällig an diesem einen Tag im Park und schaute auf den Boden, und da war ein Zweig. Und ich dachte nur, nun, das ist verworfen, und es ist irgendwie unbedeutend.

Dieser Zweig ging mit Cave nach Hause und legte buchstäblich den Grundstein für seinen ersten Soundsuit Skulptur. Nachdem er das Stück fertiggestellt hatte, zog Ligon es wie einen Anzug an, bemerkte die Geräusche, die es machte, wenn er sich bewegte, und der Rest war Geschichte.

5. Glenn Ligon: Identität als schwarzer Künstler

Ohne Titel (Fremder im Dorf/Hands #1) von Glenn Ligon , 2000, über das Museum of Modern Art, New York City

Glenn Ligon ist ein zeitgenössischer Künstler, der dafür bekannt ist, Text in seine Gemälde und Skulpturen zu integrieren. Er gehört auch zu einer Gruppe zeitgenössischer schwarzer Künstler, die den Begriff erfunden haben Post-Blackness , eine Bewegung, die auf der Überzeugung basiert, dass die Arbeit eines schwarzen Künstlers nicht immer seine Rasse repräsentieren muss.

Ligon begann seine Karriere als Maler, inspiriert von den abstrakten Expressionisten – bis, wie er sagte, er angefangen, Text in meine Arbeit zu integrieren , zum Teil, weil das Hinzufügen von Text der abstrakten Malerei, die ich machte, buchstäblich Inhalt verlieh – was nicht heißen soll, dass abstrakte Malerei keinen Inhalt hat, aber meine Bilder schienen inhaltslos zu sein.

Als er zufällig in einem Studio neben einem Neongeschäft arbeitete, begann Ligon, Neonskulpturen herzustellen. Bis dahin wurde Neon bereits von zeitgenössischen Künstlern wie populär gemacht Und Flawin , aber Ligon nahm das Medium und machte es sich zu eigen. Sein bekanntestes Neon ist Doppeltes Amerika (2012). Diese Arbeit existiert in mehreren subtilen Variationen des Wortes America in Neonbuchstaben.

Doppeltes Amerika 2 von Glenn Ligon , 2014, über The Broad, Los Angeles

Die berühmte Eröffnungszeile von Charles Dickens to Ein Märchen über zwei Städte – Es war die beste Zeit, es war die schlimmste Zeit – inspiriert Doppeltes Amerika . Ligon sagte, Ich begann darüber nachzudenken, wie Amerika am selben Ort war. Dass wir in einer Gesellschaft lebten, die einen afroamerikanischen Präsidenten wählte, aber auch mitten in zwei Kriegen und einer lähmenden Rezession steckten.

Titel und Thema der Arbeit werden buchstäblich in ihrer Konstruktion ausbuchstabiert: zwei Versionen des Wortes Amerika in Neonbuchstaben. Bei näherer Betrachtung scheinen die Lichter kaputt zu sein – sie flackern und jeder Buchstabe ist mit schwarzer Farbe bedeckt, sodass Licht nur durch die Ritzen scheint. Die Botschaft ist zweigeteilt: zum einen wörtlich in Worte gefasst und zum anderen durch Metaphern erkundet, die sich in den Details der Arbeit verstecken.

Meine Aufgabe ist es nicht, Antworten zu produzieren. Meine Aufgabe ist es, gute Fragen zu stellen, sagte Ligon. Dasselbe gilt wahrscheinlich für jeden zeitgenössischen Künstler.