Vanitas: Niederländische Meistergemälde erklärt

Stillleben mit einem Band von Withers Emblemen von Edward Collier , 1696, über Tate, London

Das Niederländisches Goldenes Zeitalter (1575-1675) brachte eine bemerkenswerte Ausgießung künstlerischen Genies hervor. Diese Periode in der niederländischen Geschichte brachte solche hervor Rembrandt , Johannes Vermer ,und Franz Hals. Niederländische Meistermalereien tendierten zur historischen Malerei, Porträtmalerei und dem häuslichen Interieur mit Themen, die der Betrachter interpretieren konnte.

Jedoch, Eitelkeit , ein Subgenre der Stilllebenmalerei, wurde in dieser Zeit immer beliebter, obwohl wir von den drei genannten Meistern wenig bis gar nichts von diesem Genre besitzen. Die Meisterschaft von Vanitas gehörte Namen wie Harmen Steenwijck, David Bailly und Pieter Claesz.

Vanitas wurde in einer Zeit religiöser Spannungen kultiviert und als Bollwerk für die protestantische Mission der Selbstbetrachtung produziert. Die niederländische Republik, ihre katholischen spanischen Herrscher abzuschütteln, war ein stolzer protestantischer Staat geworden und versuchte, dieses Gefühl durch die Kunst der Vanitas auszudrücken.

Vanitas, Das Bewusstsein der Sterblichkeit

Stillleben: Eine Allegorie der Eitelkeiten des menschlichen Lebens von Harmen Steenwjick , 1658, über die National Gallery, London

In erster Linie bekannt als ein beliebtes niederländisches Kunstgenre der Barockzeit (ca. 1585-1730) ist Vanitas eng mit einem kulturellen Phänomen verbunden, das im frühneuzeitlichen Europa bekannt ist Gedenke des Todes (Lateinisch für „denke daran, dass du sterben musst“).

Vanitas-Gemälde sind zart und detailverliebt. Sie sind von symbolischen Bildern bevölkert, die den Betrachter dazu zwingen, das Bild zu studieren. Bei der Rückkehr zu niederländischen Meistergemälden von Vanitas bemerken wir etwas, das wir zuvor übersehen haben.

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Was Vanitas jedoch in erster Linie beschwört, ist eine nackte Wahrheit. Es ist wahr, dass wir sterben werden, und deshalb sollten wir über unsere Bestrebungen und täglichen Praktiken nachdenken. Das Stillleben Vanitas erzählt uns von der Vergeblichkeit unserer irdischen Bestrebungen angesichts unserer sterblichen Existenz.

Eitelkeit und Protestantismus

Die reumütige Magdalena von Georges de la Tour , 1640, über das Metropolitan Museum of Art, New York

Das evangelischReformation im sechzehnten Jahrhundert verursachte eine beispiellose Verschiebung im religiösen Denken. Als Europa sich zwischen Katholizismus und Sekten des Protestantismus aufteilte, brachte es Verwirrung in viele religiöse Fragen, die ein fester Bestandteil des Denkens der Frühen Neuzeit waren.

Während dieser Zeit gab es einen Anstieg in Richtung Bilderstürmerei (die Zerstörung heiliger Bilder), die von den Katholiken erleichtert wurde. Protestanten argumentierten, dass Bilder für die Betrachtung Gottes und heiliger Themen nützlich sein könnten. Der Protestantismus förderte im Vergleich zum gemeinsamen Gebet des Katholizismus einen individualistischeren Ansatz der Kontemplation.

Dieses individualistische Gefühl für die Kontemplation und die Idee, dass Bilder als Referenzen für die Kontemplation dienen könnten, halfen, die Vorstellungskraft des niederländischen Meisters in Richtung Vanitas zu lenken. Die niederländische Republik, die im 17. Jahrhundert protestantisch war, hatte eine bemerkenswerte Ausgießung dieser introspektiven Kunstform.

Realismus: Die strenge Ästhetik

Vanity-Stillleben von Jan Jansz , 1648, über die National Gallery, London

Die Inspiration für den Titel „Vanitas“ wird eng durch eine Passage in der Bibel ( Prediger 1:2; 12:8 ): „Eitelkeit der Eitelkeiten, alles ist Eitelkeit“. Vanitas war eine künstlerische Reaktion auf die katholische Kunst der Gegenreformation. Die Kunst der Gegenreformation konzentrierte sich auf die Geheimnisse und Heiligen des katholischen Glaubens.

Vanitas ist jedoch realistisch und in irdischen Dingen verankert, nicht wie der mystische Ansatz des Katholizismus. Vanitas trägt dazu bei, den Geist durch das, was auf der Erde ist, auf das Königreich des Himmels zu richten.

Vanitas-Gemälde sind bemerkenswert detailliert. Genaues Hinsehen offenbart das Können und die Treue des Künstlers. Der Realismus in den Gemälden niederländischer Meister hebt Objekte aus dem Leben des Betrachters hervor und macht das Gemälde damit nachvollziehbar. Mit einem realistischen Stil kann Vanitas seine Hauptbotschaft isolieren; die Eitelkeit der irdischen Dinge

Realismus bringt die Verwirrung und die flüchtigen Aspekte des irdischen Lebens deutlich auf die Leinwand. Es hilft daher dem Betrachter, seinen Verstand im Gegensatz zur Unordnung des Vanitas-Gemäldes zu ordnen.

Holländische Meistermalerei und Unordnung

Stillleben: Zinn- und Silbergefäß und eine Krabbe von Willem Claesz , 1633, über die National Gallery, London

Ein Vanitas-Gemälde fällt auf den ersten Blick auf, weil es ungeordnet ist. Die Leinwand ist vollgestopft mit scheinbar zufälligen Objekten. Die Objekte sind nicht nur symbolisch, sondern auch die stilistische Entscheidung, sie auf diese Weise zusammenzudrängen.

Die Gemälde niederländischer Meister bieten uns eine symbolische Darstellung der Instabilität der Welt. Nichts dauert und nichts kann Verfall und Tod widerstehen. Es ist eine strenge Botschaft mit dem Ziel, den Betrachter zu moralisieren.

Vanitas lehrt evangelische Ethik. Vanitas erinnert uns an die Anziehungskraft weltlicher Dinge und wie sie in Bezug auf Gott flüchtig und unerfüllt sind. Es soll Gott und das Heilige Reich im Auge behalten und so den Betrachter daran erinnern, in Übereinstimmung mit Gott zu handeln.

Vanitas und das Stillleben

Stillleben mit Totenschädel und Schreibfeder von Pieter Clesz, 1628, über das Metropolitan Museum of Art, New York

Vanitas ist eine Variante der Stilllebenform. Ein Stillleben besteht aus unbelebten Gegenständen, meist Gegenständen des täglichen Lebens (Vasen, Tassen, Teller, Lebensmittel, Blumen etc.). Nicht dass es aus diesen Objekten besteht, macht es wichtig, sondern dass die Aufmerksamkeit und der Fokus des Gemäldes allein auf diesen Objekten liegen.

Der Begriff selbst stammt vom niederländischen „stilleven“, das Mitte des 17. Jahrhunderts zum kategorisierenden Wort für dieses Genre wurde. Das Malen bestimmter Objekte soll dem Betrachter etwas zeigen, das Sie sehen möchten, und es kann zahlreiche Gründe geben, warum ein bestimmtes Objekt gemalt ist oder nicht.

Die Botschafter von Hans Holbein dem Jüngeren , 1533, über die National Gallery, London

Nehmen Sie als Beispiel a Renaissance-Malerei (um 1400-1600) des altholländischen Meisters Hans Holbein d. J., „Die Gesandten“: Die hier gemalten Gegenstände wollen den beiden Gesandten Erhabenheit verleihen: Globus, Fernglas und Laute erwecken den Eindruck, als ob diese wären Männer der Welt; Sie sind kultiviert und wohlhabend.

„The Ambassadors“ dient uns gut als Vorläufer für Vanitas. Wie wir im Vordergrund von Holbeins Gemälde sehen, einen Schädel (der für die volle Wirkung persönlich in der Galerie besichtigt werden muss). Die Vanitas-Malerei möchte uns an unseren Tod erinnern, und so werden Objekte des Todes, des Verfalls, in den Gemälden späterer niederländischer Meister mit mehr Fokus dargestellt.

Vanitas erteilt uns also eine moralische Lektion. Es stellt unsere Eitelkeiten in Kontrast zu unserem eventuellen Untergang. Es appelliert an etwas, das uns in unserem Umgang mit der Welt und den Menschen um uns herum demütigen kann.

Ein typisch niederländisches Meistergemälde von Vanitas

Vanity-Stillleben von Edward Collier , 1662, über das Metropolitan Museum of Art, New York

Vanitas-Gemälde unterscheiden sich von üblichen Stillleben dadurch, dass sie symbolisch sind. Es dient nicht der Präsentation von Objekten oder der ästhetischen Darstellung der Fähigkeiten eines Künstlers – obwohl sich beide Merkmale in einem Vanitas-Gemälde zeigen.

Es gibt mehrere Motive, die integraler Bestandteil von Vanitas sind. Die Gemälde niederländischer Meister betonten je nach geografischer Lage unterschiedliche Motive, da bestimmte Regionen unterschiedliche Motive bevorzugten. Zum Beispiel bevorzugte die Stadt Leiden als Universitätsstadt Bilder von Büchern.

Die häufigsten Motive sind Darstellungen von Reichtum: Gold, Geldbörsen und Schmuck; Wissensrepräsentationen: Bücher, Ferngläser, Karten und Stifte; Genussdarstellungen: Essen, Weinbecher und Stoffe. Schließlich Darstellungen des Verfalls; Totenköpfe, Blumen, Kerzen und Sanduhren.

Stillleben mit Austern, einer silbernen Tazza und Glaswaren von Willem Claesz , 1635, über das Metropolitan Museum of Art, New York

In Willem Claesz’ „Stillleben mit Austern“ werden Reichtumsgegenstände (Tazza aus Silber, Austern, Wein) umgeworfen und zu früh zurückgelassen. Die geschälte Zitrone, ein häufiges Bild in Vanitas, offenbart die Bitterkeit im Inneren; eine symbolische Darstellung menschlicher Habgier. Die Austern sind ihres Lebens entleert und das zusammengerollte Stück Papier ist ein Stückchen aus einem Almanach, das das Vergehen der Zeit signalisiert.

Die Palette von Claesz’ Malerei ist dunkel und begrenzt. Dies war eine übliche Wahl in niederländischen Meistergemälden von Vanitas. Es schafft eine düstere und grüblerische Stimmung, mit der eine einzigartige Lichtquelle den einzigartigen Grund für die Betrachtung eines Vanitas-Gemäldes nachahmt; sich an seinen Tod zu erinnern.

Vermächtnis von Vanitas

Schwarzer Krug und Schädel von Pablo Picasso , 1946, über Tate, London

Die Vanitas-Malerei verlor ihre kommerzielle Popularität bis zum Ende des niederländischen Goldenen Zeitalters. Die Stilllebenmalerei dieser Zeit hätte jedoch eine große Bedeutung Einfluss auf kommende Künstler. Die Bedeutung hinter Vanitas verlor ihre Kraft, während der Geist der kämpferischen Reformation an Schwung verlor.

Vanitas existierte während des siebzehnten Jahrhunderts, um den Geist zur Betrachtung des Todes und der Eitelkeiten des Lebens zu führen. Doch es wurde aus einem Widerspruch geboren, dass der Akt des Malens selbst, das Schaffen eines schönen Artefakts, Eitelkeit an sich war. Vanitas-Gemälde wurden zu Objekten von irdischem Wert, etwas, das sie anzuprangern versuchte.

Sonnenblumen von Vincent van Gogh, 1888, über The National Gallery, London

Was sich in seinem Gefolge fortsetzte, war seine Ästhetik und Schönheit. Kommen zu Ende des neunzehnten Jahrhunderts das Stillleben nahm einen anderen Bedeutungsgrund auf. Zum Vincent van Gogh , könnte das Stillleben etwas von wundersamer Schönheit darstellen; ein reiner Gefühlsausdruck, der durch ein Objekt symbolisiert wird.

Zum Paul Cézanne und Pablo Picasso , Stillleben war ein Genre, in dem man mit Ästhetik experimentieren und die Objekte selbst hinterfragen konnte, indem man den Blickwinkel verschleierte. Es bleibt bis heute ein Arrangement für künstlerische Studien und eine Möglichkeit für einen Künstler, sein Können zu präsentieren.