Was ist Minimalismus? Eine Überprüfung des visuellen Kunststils

Die Skulptur von 2000 von Walter DeMaria , 1992, über LACMA

Der Minimalismus hat die moderne Kunst, wie wir sie heute kennen, verändert. Seit den 1960er Jahren hauptsächlich auf Musik und Ästhetik konzentriert, brachten ihre bildhauerischen Vorfahren Donald Judd, Robert Morris und Sol LeWitt den Stein ins Rollen für eine jahrzehntelange Suche nach kreativer Befreiung. Dieser historische Überblick beschreibt seine Metamorphose im Laufe der Jahrhunderte.

Wer hat den Minimalismus inspiriert?

Nr. VI / Komposition Nr. II von Piet Mondrian , 1920, über Tate, London

Die reduktionistischen Tendenzen der Moderne legten ein minimalistisches Fundament, lange bevor der Begriff sich materialisierte. Obwohl New York City die Popularität des Genres schließlich Mitte des 20. Jahrhunderts ausbrütete, reichen seine Ursprünge bis ins Jahr 1915 zurück, als der Avantgarde-Künstler Kasimir Malewitsch seine Eigensinnigkeit malte Schwarzes Quadrat . Zusammen mit Vladimir Tatlin interessierten sich die russischen Führer besonders dafür, neue Technologien mit dem Alltag zu verschmelzen und alltägliche Objekte zusammenzustellen, um die Kunst in ihre wahre Form zu bringen. Gemälde dienten nicht mehr als objektive Spiegel einer dreidimensionalen Gesellschaft, sondern als selbstreferenzielle Objekte, die untersuchten, wie eine Oberfläche ihre eigenen physischen Grenzen überwinden kann. Andere Wegbereiter wie der niederländische Abstraktionist Piet Mondrian, dessen einfache, aber kraftvolle Gemälde die Flächigkeit der Leinwand beleuchteten, setzten diese Praxis in den 1920er Jahren fort. Frühe abstrakte Kompositionen wie seine Nr. VI (1920) offenbaren diesen Generationswunsch, figurative Techniken zu eliminieren und die Realität auf eine Reihe geometrischer Formen zu reduzieren.

Hommage an den Platz von Josef Alber , 1959, über das Guggenheim Museum, New York

Diese Vorläufer katalysierten eine objektive Neubewertung dessen, was es bedeutet, ein Künstler zu sein. Dies könnte größtenteils auf die Anerkennung der 1920er Jahre zurückgeführt werden Marcel Duchamp, der gegen die Idee kreuzte, dass Kunst nur emotional motiviert sein sollte. Er glaubte, dass jede revolutionäre Kunst den Betrachter zwingen sollte, Machtsysteme weiter zu hinterfragen und dadurch eine tiefere Bedeutung aufzudecken. 1937 testete der proto-minimalistische Bildhauer Constantin Brancusi diese Vorstellung, indem er nach Rumänien reiste und sein 98 Fuß hohes Gebäude errichtete Endlose Spalte , ein rhombischer Turm, der gefallenen lokalen Soldaten Tribut zollt. Der Maler Josef Albers festigte dann minimalistische Ideen in der modernen Kunstausbildung, indem er während seiner Amtszeit am Black Mountain College die illusionäre Bildtiefe betonte. Seine Hommage an den Platz (1950) veranschaulicht diese Grundprinzipien durch kontrastierende Farben, Formen und Schatten, die in empirischen Designstudien verankert sind. Dem Beispiel folgen die Farbfeldmaler Ad Reinhardt und Markus Rothko führte bald einen weiteren neuen visuellen Stil an, der ästhetische Einfachheit und pigmentierte Paletten betonte.

Wann begann der Minimalismus?

Installationsansicht von 16 Amerikanern durch Soichi Sunami , 1959, über MoMA, New York

Ursprüngliche Minimalisten beabsichtigten, noch wörtlichere Darstellungen der Welt um sie herum zu produzieren. In dem Glauben, Kunst sollte sich nur auf sich selbst beziehen, wechselten viele von der bildhaften Malerei zur Skulptur oder zum Druck, um ihre Techniken zu verbessern. Frank Stella, der allgemein als der erste amerikanische Minimalist gilt, brach 1959 dank seiner berühmten Musik mit einem donnernden Klang in die New Yorker Szene ein Schwarze Gemälde. Präsentiert auf der wegweisenden Ausstellung des MoMA 16 Amerikaner Ausstellung, diese Serie von gestreiften Leinwänden, die über gezackte Holzrahmen gespannt sind und Präzedenzfälle aus gegenüberstellen Willem de Kooning und Franz Kline. Ohne jedes menschliche Zeichen nahm Stellas Abstraktion auch die Merkmale des gegebenen Raums an, während sie völlig flach, tot und gewagt blieb, ohne subjektive Entscheidungsfindung. Er sicherte diese grundlegenden schwarzen Gemälde schlampig, aber mit Überzeugung und bekannte sich zu ihrer Objekthaftigkeit stolz. Sein ikonisches 1964 zitieren entwickelte sich später zu einem theoretischen Mantra für Minimalisten weltweit: what you see is what you see.

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Die Ausstellung der Grünen Galerie von 1964

Ohne Titel durch Donald Judd , 1963, über The Judd Foundation, New York

Innerhalb eines Jahres blühte in der New Yorker Green Gallery ein visionäres kreatives Line-up auf. Kurator Richard Bellamy koordinierte eine zentrale Ausstellungsreihe Neue Arbeit aufstrebende Stimmen in einer Vielzahl von Medien zur Schau zu stellen. Aus kommerziellem Sperrholz gebaut, schwang Robert Morris seinen Ohne Titel (Eckstück) (1964), den Raum aus einem neuen Blickwinkel einrahmen. In der Zwischenzeit, Und Flawin enthüllte seine legendären fluoreszierenden Situationen, auf deren Reaktion bewährte Alltagsmaterialien die High Society beredt infiltrieren konnten. Flavins Gold, Pink und Rot, Rot (1964), Das allererste Bodenstück des Minimalisten stand neben anderen ausgestellten elektrischen Kunstwerken. Aufrührer Donald Judd auch hier debütierte er als ernsthafter Bildhauer knapp ein Jahr zuvor mit seinem markanten Ohne Titel (1963) , mit insgesamt fünf Shows während seiner kurzen Besetzung. Trotz der Vermischung bei Green bezeichnete sich jedoch keiner dieser Pioniere tatsächlich als Minimalisten. Führende Gelehrte haben sich verpflichtet, ein neues Vokabular zur Beschreibung dieser monumentalen Bewegung zu entwickeln.

Veröffentlichte Essays zum Minimalismus

Ein und drei Stühle durch Josef Kosuth , 1965, über MoMA, New York

Kritische Essays, die Mitte der 1960er Jahre veröffentlicht wurden, begründeten schließlich ein vorherrschendes minimalistisches Paradigma. 1965 veröffentlichte Donald Judd seine Abhandlung Spezifische Objekte , wobei er die Konfession Minimalismus tatsächlich ablehnte. Stattdessen argumentierte er, dass das Genre als spezifische Objekte anerkannt werden sollte, also als eine künstlerische Kategorie, die nicht einfach als ausschließlich Malerei oder Skulptur klassifiziert werden kann. Normalerweise verschmolzen Minimalisten diese beiden Medien indirekt und kippten traditionelle europäische Konventionen zugunsten von Phänomenologie . (Diese philosophische Studie wägte subjektive Erfahrung über objektive Wahrheit ab und betonte, wie die Reaktionen auf ein Kunstwerk zwischen den Kontexten variieren.) Die meisten konzentrierten sich auch darauf, dreidimensionale Objekte so genau wie möglich zu replizieren und die Autorschaft durch industrielle Werkzeuge und sperrige, nonkonformistische Konfigurationen auszurotten. Aufgrund dieser verstärkten Auseinandersetzung mit der Konzeption im Gegensatz zum Verfahren entstand auch der Minimalismus im Einklang mit Konzeptkunst. Meilensteine ​​wie der von Joseph Kosuth Ein und drei Stühle (1965) proklamierte die Frage des Jahrzehnts : Ist es Kunst, ein Objekt oder beides nicht?

Primäre Strukturen Im Jüdischen Museum

Installationsansicht von Primärstrukturen: Jüngere amerikanische und britische Bildhauer , 1966, über das Jüdische Museum, New York

Der Minimalismus erreichte 1966 seine Blütezeit. In diesem Jahr war das Jüdische Museum Gastgeber Primärstrukturen, ein Blockbuster-Schaufenster von über 40 prominenten Künstlern. Die Ausstellung, die in zehn durch eine Unterführung getrennte Galerieräume organisiert ist, hatte auch schon früh einen positiven Medienerfolg. Sorgfältig kuratierte Wände präsentierten die jüngsten Arbeiten des relativ bedeutenden Tony Smith neben Sol LeWitt, der seine enthüllte Ohne Titel (1966) , eine hölzerne Bodenskulptur, die sein späteres Werk prophezeit. Primäre Strukturen brachte auch aufstrebende Kreative wie Anne Truitt ins Rampenlicht Meeresgarten (1964) , später bekannt für ihre großformatigen Installationen. Gemälde an der Schwelle zu Minimalismus und Farbfeld, wie das von Ellsworth Kelly Blaue Scheibe (1963), trat auch auf. Dadurch Primäre Strukturen hat die Idee eines Galerieraums für immer permutiert und ein zusammenhängendes Konzept in den Vordergrund gestellt, anstatt seine einzelnen Teile zu untersuchen. Der ideale Künstler schuf nicht mehr einfach. Jetzt machen sich diese Träumer auf den Weg zum Design.

Systemische Malerei Im Guggenheim

Lawrence Alloway installiert Systemic Painting , 1966, über das Guggenheim Museum, New York

Andere Institutionen eiferten dieser Tradition schnell nach. Im September 1966 feierte das Guggenheim Systemische Malerei , eine Verschmelzung amerikanischer Kunstformen wie Hard-Edge und geformte Leinwände. Geometrische Abstraktion wurde bei dieser Präsentation von New Yorks besten Talenten bevorzugt, obwohl eine Beschreibung des Minimalismus im gesamten Katalog fehlte. So zielstrebig diese Entscheidung auch ausfiel, die ausgestellten Künstler wirkten fraglos minimalistisch. Neil Williams Schneidergewohnheiten von Billy Bo (1966) hing senkrecht zu Frank Stellas Wolfeboro IV (1966) in der High Gallery, zwei Juwelen in einer voneinander abhängigen Besetzung. Auch westliche Ausstellungsräume veränderten sich um diese Zeit im Allgemeinen, wobei die Aufgaben klassischer Museen erweitert wurden. Kunsthalles, eine deutsche Version eines zeitgenössischen Galerieraums, begann in ganz Europa aufzutauchen, reglementiert auf der Grundlage von Rotationen. Genossenschaften wie Künstlerraum in New York kontinuierlich Plattformen für Innovatoren bereitgestellt, um einzigartige Hypothesen zu formulieren. Die daraus resultierenden Kritiken schwärmten und förderten die öffentliche Wahrnehmung dessen, was Minimalismus wirklich werden könnte.

Eine Verschiebung in Richtung Post-Minimalismus

Ohne Titel (L-Träger) durch Robert Morris , 1965, über das Whitney Museum, New York

In den späten 1960er Jahren zerfiel der Minimalismus in unterschiedliche Theorien. Robert Morris ging voran Anmerkungen zur Skulptur 1-3 , seine Essays von 1966 bezeichnen einen formalen Rahmen, den Kollegen verfolgen können. Besonders bewertete er Gestaltpsychologie, das ein geordnetes Ganzes postuliert, ist größer als die Summe seiner Bestandteile. Morris artikulierte diese Implikation vollständig, indem er Teile betonte, die miteinander verbunden waren, [um] einen maximalen Widerstand gegen Wahrnehmungstrennung zu schaffen, der keine geregelten Einheiten oder symmetrischen Intervalle erforderte. Als er diese Prämisse früher getestet hatte, hatte er seine bisher bemerkenswerteste Skulptur verwirklicht, (Ohne Titel) (L-Träger). Drei identische L-förmige Polyeder balancieren in unterschiedlichen Positionen, die voneinander abhängig sind, während sie den Betrachter täuschen, unterschiedliche Größen wahrzunehmen. (Es hatte jedes Mal eine andere Montage.) Später postulierte er auch, dass eine Anordnung von Teilen ein buchstäblicher Aspekt der physischen Existenz des Dings ist. Diese erhöhte Anziehungskraft auf kompromisslose Materialien bildete die Grundlage für das, was später als Post-Minimalismus bezeichnet wurde.

Vergrabener Würfel, der ein wichtiges, aber wenig wertvolles Objekt enthält durch Sol LeWitt , 1968, über The No Show Museum, Zürich

Während der Minimalismus in eine andere Phase blühte, offenbarten seine Jünger seine Wurzeln. Sol LeWitt führte Morris’ Modell 1967 weiter, als er seinen Aufsatz in Umlauf brachte Absätze zur Konzeptkunst. Von den meisten als offizielles Manifest der Bewegung angesehen, bekräftigte er, dass das Aussehen des Kunstwerks nicht allzu wichtig sei. Vielmehr glaubte LeWitt, egal welche Form es schließlich haben mag, es müsse mit einer Idee beginnen, und verkündete hiermit, dass es der Prozess der Konzeption und Realisierung ist, mit dem sich der Künstler befasst. Diese Prinzipien folgten ihm während seiner bedeutsamen vierzigjährigen Karriere, jedoch behauptete er 1968, den Minimalismus ganz aufzugeben. Zum Abschied komponierte er dann Vergrabener Würfel, der ein wichtiges, aber wenig wertvolles Objekt enthält , buchstäblich einen Würfel in einem lokalen Garten vergraben. Heute sind nur noch Fotos von diesem flüchtigen Ereignis übrig, das den Untergang einer vergangenen Epoche ankündigt. LeWitt taufte es den Tod des Autors Haltung.

Eine neue Generation von Post-Minimalisten

Spiralbrücke durch Robert Smithson , 1970, über The Holt Smithson Foundation, Santa Fe

In den frühen 1970er Jahren entwickelte sich der Minimalismus zu mehreren separaten künstlerischen Ablegern. Die Vorfahren Judd und Morris inspirierten den Process-Künstler Richard Serra, deren ortsspezifische Skulptur Schicht (1972) zeigt eine post-minimalistische Kuriosität mit der Mischung von Outdoor- und Indoor-Konventionen. Obwohl es sein allererster Ausflug in die Wildnis war, erfand er das Rad nicht vollständig. Landsmann Robert Smithson zusammengestellt Spiralbrücke zwei Jahre zuvor eine wirbelartige Struktur aus sechstausend Tonnen schwarzem Gestein. Auch andere Landkünstler wie Walter De Maria sprangen auf diesen Zug auf. Inzwischen die Entstehung Bruce Naumann zollte Flavin Tribut, indem er mit seinem Neon in Lichtinstallationen im Freien eingriff La Tonhöhe (1972) . Allerdings freuten sich nicht alle Kritiker über diese kreative Modeerscheinung. Der Historiker Michael Fried hat dazu eine vernichtende Analyse verfasst Kunstforum während der späten 1960er Jahre , Minimalisten beschuldigen, eher Ideologie als Kunst voranzutreiben. Während er seine Bedeutung anerkennt, mied Fried auch die dem Minimalismus innewohnende Theatralik. Eine notwendige Abrechnung dämmerte am Horizont.

Eine feministische Revolution in der Kunst

Alleine sind wir machtlos, zusammen sind wir stark von See Red Women’s Workshop , 1976, über das Victoria and Albert Museum, London

1974 kam es bald zu einer Rebellion. Förderung einer Ausstellung in Die Galerie Leo Castelli , ein nackter Robert Morris, der seine mit Goldketten bedeckte Brust aufblähte, fotografiert einen Helm aus der Nazizeit aufsetzen. Demonstranten, die zuvor an der Bürgerrechtsbewegung teilgenommen hatten, nahmen zu Recht Anstoß an diesem voreingenommenen Porträt und forderten den Rückruf des Bildes. Bemerkenswerterweise waren viele Verweigerer Frauen, die sich dann auf das umfassendere Thema der Gleichstellung von Geschlecht und Rasse konzentrierten. Was danach folgte, kann nur als phänomenaler Dominoeffekt bezeichnet werden, der jeden Winkel der zeitgenössischen Industrie auf den Kopf stellte. Künstlerinnen, die sich der zweiten US-Welle des Feminismus anschlossen auf die Straße gegangen zu Streikpostengalerien oder Museen geglaubt, um ungerechte Praktiken zu fördern. Bald gründeten rein weibliche Mastheads Zeitschriften wie Ketzereien, und Dissertationen wie die von Linda Nochlin Warum es keine großen Künstlerinnen gab um den Globus zirkuliert. Feministische Flugblätter, die erklären, dass wir gemeinsam stark sind, malten eine Zukunft voller Vielfalt.

Die Dinner-Party durch Judy Chicago , 1974, über das Brooklyn Museum

Schon bald manifestierte sich diese feministische Stärke in der Kunst. Avantgarden kämpften gegen das von Männern dominierte postminimalistische Feld, indem sie darauf abzielten, ihn zu entthronen Energie Ungleichgewichte und Brutalität. Judy Chicago leitete diese Verfolgungsjagd mit Die Dinnerparty (1974) , eine Keramikskulptur, die ein zeremonielles Bankett darstellt. Hier ruhen goldene Kelche und mit Porzellan bemaltes Porzellan neben Tischsets, die prominente Frauen aus der Geschichte darstellen und die stereotype häusliche Sphäre umfunktionieren. (Chicago gründete die Feministische Atelierwerkstatt und Das Frauenhaus auch.) Handgemachte, handwerkliche und symbolische Kompositionen entstanden auch aus dem Wunsch, den Status quo zu untergraben. Lynda Benglis experimentierte gleichzeitig mit dem Gießen von Harz zur Herstellung Fleisch essen (1975) , während Eva Hessen erreichten eine ähnliche Auszahlung durch Latex, Glasfaser und Kunststoff. Nancy Graves verwendete in ihrer angesehenen Serie Tierhautfetzen und -knochen Kamele (1968) und Aus Fossilien (1977), Skulpturen, die so lebensecht sind, dass sie fast unheimlich sind. In den folgenden Jahrzehnten setzten verstärkte Bemühungen um die Dekonstruktion des minimalistischen Monolithen ein.

Minimalismus in späteren Jahren

Ohne Titel durch Donald Judd , 1991, über MoMA, New York

Trotzdem sind Jungfern-Minimalisten nicht vollständig vom Radar verschwunden. Judd arbeitete bis zu seinem Tod im Jahr 1994 und verstärkte seine Verwendung unkonventioneller Werkzeuge sowohl für Aluminium als auch für Emaille. Im Ohne Titel (1980) , Er hat ein früheres Stapelmotiv durch Stahl, Aluminium und Plexiglas regeneriert und dabei sorgfältig auf jedes Detail geachtet. Dann arrangierte Judd fünf bunte Säulen in seiner emaillierten Bodenskulptur Ohne Titel (1991), Spuren eines kompositorischen Schwerpunkts verwischt. Walter De Maria installiert Die Skulptur von 2000 ein Jahr später in Zürich, wo er 2000 polygonale Gipsstäbe quer durch das Kunsthaus positionierte. LeWitt wandte sich dann gerne Scribble-Zeichnungen zu Wandzeichnung #1268 (2005), direkt auf eine Galeriewand gerendert, um einer Skulptur zu ähneln. Obwohl Morris in den 1970er Jahren die figurative Arbeit wechselte, kehrte er unweigerlich zur Skulptur zurück Bronzetor (2005), ein Bogen aus Cortenstahl, der einen Gartenpavillon in Italien teilt. An einen erinnerte er zuletzt Show in der Leo Castelli Gallery, bevor er 2018 verstarb.

Minimalismus in der bildenden Kunst heute

Wandzeichnung Nr. 1268 von Sol LeWitt , 2005, über die Albright-Knox Art Gallery, Buffalo

Heute wird Minimalismus meist als umgangssprachliches Wort verwendet, um Einfachheit zu bezeichnen. Auf das Wesentliche reduziert, reichen die Nachwirkungen des Genres von Wohnkultur über Autos, Filmemachen und sogar Schreiben. Im künstlerischen Bereich beschwört der Minimalismus jedoch unbestreitbar Erinnerungen an eine radikale Zeit in der Menschheitsgeschichte herauf, einen Vorwärtskampf für die Freiheit, mit dem viele noch heute kämpfen. So unbeabsichtigt dies auch gewesen sein mag, es leitete eine demokratischere künstlerische Ära ein, in der sich Frauen, People of Color und andere marginalisierte Gruppen tatsächlich einen Platz am Tisch leisten konnten. Der Minimalismus hat auch Barrieren zwischen typischen Medien niedergerissen und gleichzeitig sowohl das Künstler- als auch das Betrachtererlebnis revolutioniert. Auf diese Weise demontierten seine Nachfolger effektiv die vorherrschende künstlerische Hierarchie des Nachkriegsamerikas, die einst von einflussreichen Kritikern kommandiert wurde Clemens Greenberg. Diese Auswirkungen können niemals rückgängig gemacht werden. Aber für jene abtrünnigen Minimalisten, die in den 1960er Jahren einen ersten Aufstand suchten, ist dies vielleicht genau der Punkt.