Der Aufstieg der digitalen Malerei: Ein zeitgenössisches Phänomen

digitale Zeichnung

In My Time of Dying von Glenn Brown, 2014 (links); mit Black-Light, Stuart Shave Installationsansicht in London von Jacqueline Humphries, 2014 (rechts)





Digitale Malerei ist eine Verbindung von Gegensätzen, die das klebrige Durcheinander von Farbe mit dem sauberen, polierten Furnier der Technologie vereint. Mit Informationstechnologie an unseren Fingerspitzen und Bildschirmen, die unser tägliches Leben erhellen, ist es vielleicht wenig überraschend, dass Maler untersuchen, wie sie in ihre künstlerische Praxis eingebettet werden können. Von rudimentären Druckern und Fotokopierern bis hin zu den neuesten Computercodierungen, Animationsprogrammen oder fluoreszierenden Farben sind die heutigen digitalen Gemälde genial erfinderisch und erforschen die vielen Möglichkeiten, wie computergestützte Effekte in eine bemalte Oberfläche integriert werden können. Die Kombination dieser digitalen Techniken mit einer ausdrucksstarken, malerischen Sprache ist ein Ausdruck, den viele dieser Künstler übernommen haben, um uns daran zu erinnern, dass wir unter der leuchtenden Aura des digitalen Lichts immer noch unordentliche, unvollkommene Menschen sind.

Die Geschichte der digitalen Malerei

pinselstriche roy lichtenstein

Pinselstriche von Roy Lichtenstein , 1965 über Christie’s



Seit der Erfindung der Fotografie Ende des 19thJahrhundert hat die Malerei ein heikles Verhältnis zur Technik. Expressive und abstrakte Malstile tauchten zunächst als Gegenmittel zur Fotografie auf und bewiesen, dass Farbe eine Identität haben konnte, die völlig losgelöst von den Fesseln der Repräsentation war, eine Identität, die von Natur aus an die subjektive menschliche Erfahrung gebunden war. Erst in den 1960er Jahren, mit dem Aufkommen von Pop-Art und Fotorealismus dass Künstler begannen, das Konzept der digitalen Malerei zu erforschen. Einer der ersten, der sich einer digitalen Ästhetik zuwandte, war der Pop-Künstler Roy Lichtenstein , der das Tintensparen eingeführt hat „Ben-Day“-Punkte von Comics in seine Kunst und erweitert sie zu schwindelerregenden Farb- und Lichtmustern. Seine kühle, distanzierte Sprache mechanischer Punkte schien vollständig maschinell hergestellt zu sein, wurde aber tatsächlich sorgfältig von Hand bemalt flache magna-farbe durch eine Metallschablone.

Im Gemälde Pinselstriche, 1965 Lichtenstein vergrößert das Fragment einer Comicgeschichte mit dem Titel „The Painting“ von Dick Giordano. Das abstrakte Design seiner Komposition ähnelt dem der New Yorker Maler des Abstrakten Expressionismus der 1950er Jahre, aber Lichtenstein parodiert bewusst ihre vermeintliche Originalität, indem er seine abstrakte Komposition und tropfende Farbe vollständig synthetisch macht.



Figur ohne Titel Sigmar Polke

Ohne Titel (Abbildung) von Sigmar Polke , 1983, über Sotheby’s

Im Gefolge von Amerikanische Pop-Art , eine alternative Gruppe von Künstlern, die sich selbst nannten Kapitalistische Realisten entstanden in West-Berlin und galten als Deutschlands erste Pop-Künstler. Eines der prominentesten Mitglieder war Sigmar Polke, der die Welt der Medien, der Werbung und der Populärkultur nach Themen durchforstete. Aber im Gegensatz zu den sauberen Sprachen des amerikanischen Pop verfolgten die Kapitalistischen Realisten einen düstereren und chaotischeren Ansatz und kombinierten die Expressionismus der deutschen Vergangenheit mit Bildelementen der Massenmedien, um ihre eigene Marke digitaler Malerei zu schaffen.

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Wie Lichtenstein liebte Polke Punkte, weil sie die gedruckte Seite darstellten, aber er nahm seine aus dem bewusst billigen, chaotischen Prozess des vergrößerten Fotokopierens. Polke klebte, druckte und malte diese Punkte in viele seiner Bilder und verwandelte sie in seinen eigenen frechen Markenstil, wie das Gemälde zeigt Ohne Titel (Abbildung), 1963.

abstrakte malerei 439 gerhard richter

Abstraktes Gemälde Nr. 439 durch Gerhard Richter , 1978, über Tate, London



Deutscher Maler Gerhard Richter war eng mit Polke und der Bewegung des Kapitalistischen Realismus verbunden und teilte mit Polke eine gemeinsame Faszination dafür, wie die bedruckte Oberfläche in die Malerei integriert werden konnte. Richter ist vielleicht am bekanntesten für seine charakteristischen unscharfen, fotorealistischen Gemälde, die die weich fokussierte Linse der Fotografie so gut nachahmen, dass es oft schwer zu sagen ist, ob sie überhaupt wirklich gemalt sind. Seine Arbeit war eng mit den amerikanischen Fotorealisten der 1960er und 1970er Jahre verbunden, die nach Wegen suchten, den scharfen Realismus der Fotografie in der Malerei akribisch wiederzugeben.

Aber Richter verfolgte einen experimentelleren Ansatz und mischte fotografische und malerische Effekte miteinander, um seine Bewunderung sowohl für die Massenmedien als auch für die Taktilität der Farbe auszudrücken. In den 1970er Jahren begann Richter, seine eigenen expressiven, abstrakten Gemälde zu fotografieren und auf der Grundlage dieser Fotografien neue Gemälde zu schaffen. Wie in zu sehen ist Abstraktes Gemälde Nr. 439, 1978 wird die flüssige Flüssigkeit der Farbe mit der glänzenden, makellosen Oberfläche des Fotos verschmolzen, um ein wirklich digitales Gemälde zu schaffen. Sowohl Richter als auch Polke haben einen besonders tiefgreifenden Einfluss auf die zeitgenössische Malerei von heute, die ihre spielerischen, experimentellen Ansätze immer weiter ausbaut.



Bildmaterial und Fotografie gefunden

Schweinebucht Dexter Dalwood

Schweinebucht von Dexter Dalwood , 2004, über Christie’s

Viele der heutigen Maler beziehen ihre Motive eher aus gefundenen fotografischen Quellen als aus direkter Beobachtung, eine Haltung, die die Infiltration gedruckter Medien in unser tägliches Leben widerspiegelt. Einige der abenteuerlustigsten Maler von heute betonen bewusst die digitale Natur ihres Ausgangsmaterials, indem sie die Texturen und Oberflächen des gedruckten Originalbildes und seine geschnittenen oder zerrissenen Kanten betonen.



Der britische Künstler Dexter Dalwood malt Gemälde, die auf seinen eigenen kleinen Collagen basieren, und reproduziert bewusst scharf geschnittene Scherenlinien oder gezackte Risse mit Farbe auf Leinwand. Obwohl seine Gemälde oft seltsame, illusionäre Orte darstellen, wie in zu sehen Schweinebucht, 2004 erinnert uns die durcheinandergewürfelte, ausgeschnittene und zusammengefügte Sprache der Collage, die sie konstruiert, daran, dass Malerei immer noch im Wesentlichen ein flaches, zweidimensionales Objekt ist.

Nagelgalle gesehen und nicht gesehen

Gesehen und nicht gesehen von Neil Gall, 2013, über die David Nolan Gallery, New York



Wie Dalwood genießt der britische Künstler Neil Gall es, sich in den visuellen Ephemera des täglichen Lebens zurechtzufinden und herauszufinden, wie sie in die Malerei integriert werden können. Seine fotorealistischen Leinwände sind eine vielseitige und verwirrende Mischung aus Referenzen, aber wir können oft die zerknitterten Seiten eines Hochglanzmagazins erkennen, die sich zwischen anderen zufälligen Abfällen aus seinem Studio befinden. Im Gesehen und nicht gesehen, 2013, Magazinausschnitte mit Frauengesichtern sind fast sichtbar, während er die scharfen Papierknäuel akribisch auf seine fotorealistische Oberfläche kopiert.

Computer, Drucker und Kopierer

Wade Guyton ohne Titel

Ohne Titel von Wade Guyton , 2010, über Kunst im Druck

Seit Polkes bahnbrechender Verwendung unordentlicher Fotokopien in den 1960er und 1970er Jahren haben Künstler immer wieder mit der spielerischen Dichotomie zwischen Digitaldruck und Malerei experimentiert. Der amerikanische Künstler Wade Guyton fertigt Arbeiten an, die typisch für den Begriff der digitalen Malerei sind, indem er sie großformatig auf Leinwanddrucke druckt Epson Stylus Pro 9600 Tintenstrahldrucker . Seine charakteristischen geometrischen Designs aus Quadraten, Xen und Gittern werden auf einem Computer geplant, bevor sie auf Leinwand gedruckt werden, aber am meisten genießt er die technischen Störungen, die mit dem Drucker außerhalb seiner Kontrolle auftreten, wenn die Leinwand stecken bleibt und herausgezogen werden muss , oder Tinte blutet und überläuft. Diese überraschend malerischen Zufälle offenbaren die kreativen, improvisatorischen Möglichkeiten innerhalb der vermeintlich sauberen, perfektionierten Sprache des Tintenstrahldrucks.

ohne titel charline von heyl

Ohne Titel by Charline von Heyl , 2003, über Christie’s

Die zeitgenössische deutsche Malerin Charline von Heyl arbeitet mit gefundenen Bildern, die sie dann durch den Malprozess verdunkelt und abstrahiert. Seit 2001 experimentiert sie mit Fotokopierern und wie sie bereits vorhandene Bilder verzerren und transformieren können, und stellt ihr eine endlose Auswahl an neuem Material zur Verfügung, mit dem sie arbeiten kann, um ihre eigene Marke der digitalen Malerei zu schaffen. Manchmal erzeugt sie neue Bilder, indem sie auf Fotokopien malt, wie in der Malerei auf Papier zu sehen ist, Ohne Titel, 2003, eine energiegeladene Aktivität, die teils digital, teils gemalt erscheint.

Bildschirme und bewegte Bilder

Jacqueline Humphries digitale Malerei

jHΩ1 :) von Jacqueline Humphries , 2018, über das Mousse-Magazin

Eine der aufregendsten Künstlerinnen, die heute digitale Malerei machen, ist die amerikanische Malerin Jacqueline Humphries, deren Gemälde die digitalen Sprachen von Captcha-Codes, Emojis und Computerprogrammen illustrieren. Ihre komplizierten, sich wiederholenden Muster aus Punkten, Strichen, xs und Emoticons werden durch einen industriellen Schablonenschneider gemalt, den sie dann mit expressionistischen Farbstreifen verwebt und digitale Malerei mit den unvorhersehbaren Strichen ihrer Hand verbindet. Sie vergleicht diesen Prozess der Schichtung mit der Multi-Screen-Aktivität eines Computers, bei dem wir mehrere Seiten gleichzeitig zusammen übereinander betrachten können.

jacqueline humprheis schwarzlicht stuart rasur

Black-Light, Stuart Shave Installationsansicht in London von Jacqueline Humphries, 2014, über Greene Naftali Gallery, New York

Ihre berühmte Serie von „Schwarzlicht“-Malereien Außerdem mimt sie die Ästhetik leuchtender Computerbildschirme, die mit UV-Farbe auf riesige Leinwände gemalt werden, die nur in einem abgedunkelten Raum zu sehen sind, der von UV-Lampen beleuchtet wird, was ihren Gemälden das verleiht, was sie eine filmische Qualität nennt.

amy sillman 13 mögliche zukunften

13 Mögliche Zukünfte von Amy Silman , 2012, über das Magazin This is Tomorrow

Die amerikanische abstrakte Malerin Amy Sillman ist vielleicht am besten für ihre lockeren, improvisierten Leinwände bekannt, die aus Netzwerken aus geschichteten Linien, Formen und lebhaften Farben bestehen, aber sie hat auch selbst gemacht temperamentvolle Animationen, die ihre Bildsprache zum Leben erwecken . Die Animationsarbeit, Dreizehn mögliche Zukünfte: Cartoon für ein Gemälde, 2012 wurde mit einer iPad-Zeichen-App erstellt und verfolgte die vielen verschiedenen Richtungen, die eines ihrer Gemälde mit einer spielerisch humorvollen Sprache nehmen könnte. Sillman druckte dann jeden Frame der Animation aus und machte sie zu einem riesigen Installation , die es uns ermöglicht, hinter die Kulissen der umfangreichen Entscheidungsfindung zu blicken, die zur Herstellung eines einzelnen Kunstwerks erforderlich ist.

Die Zukunft der digitalen Malerei

Glenn Brown in meiner Zeit des Sterbens

In meiner Sterbenszeit von Glen Brown , 2014, über die Website von Glenn Brown

Während wir uns in eine Zukunft mit zunehmender technologischer Entwicklung bewegen, besteht kaum Zweifel daran, dass sich der Anwendungsbereich der digitalen Malerei in neue und aufregende Richtungen erweitern wird. Der britische Künstler Glenn Brown sieht die zukünftige Rolle der Malerei darin, die Kunstgeschichte der Vergangenheit zu recyceln und wieder aufzuwärmen und sie zu etwas Neuem zu formen. Seine Gemälde kopieren und überarbeiten frühere alte und neue Gemälde von einer Vielzahl von Künstlern Rembrandt van Rijn an Frank Auerbach, aber er filtert sie durch ein digitales Sieb und verleiht ihnen eine unheimliche Atmosphäre aus digitalem Licht. Er bittet uns, darüber nachzudenken, was die zukünftige Funktion der Malerei im postdigitalen Zeitalter sein kann, wenn wir so vollständig von Bildschirmen umgeben sind, aber dennoch so viel davon profitieren können, die rohe Körperlichkeit eines echten Gemäldes zu erleben.