Fotorealismus: Die Beherrschung der Mundanität verstehen

Bus mit Reflexion des Flatiron Building von Richard Este , 1966-67, via Smithsonian Magazine und Marlborough Gallery, New York

Fotorealismus ist eine radikale Kunstbewegung aus den 1960er Jahren in Nordamerika, bei der Maler Fotografien bis ins kleinste Detail auf riesige, ausladende Leinwände kopierten. Während der gesamten fotorealistischen Bewegung demonstrierten Künstler eine meisterhafte technische Virtuosität in der Malerei, die ihresgleichen sucht, und verbanden die beiden gegensätzlichen Medien Malerei und Fotografie auf neue Weise.

So unterschiedliche Künstler wie Malcolm Morley, Chuck Close und Audrey Flack übernahmen den fotorealistischen Stil, um das glänzende neue Gesicht der urbanen Kultur der Nachkriegszeit zu beobachten, und verwandelten bescheidene oder banale Motive wie alte Postkarten, unordentliche Tischplatten oder Schaufenster in faszinierende Kunstwerke . Vor allem aber markierte die Kunstbewegung des Fotorealismus eine bedeutsame Epoche in der Kunstgeschichte, denn seitdem spielt fotografisches Material eine entscheidende Rolle in der Entwicklung der zeitgenössischen Malerei.

Die Kamera: Das Werkzeug eines Malers für den Fotorealismus

SS Amsterdam vor Rotterdam von Malcolm Morley , 1966, über Christie’s

Seit seiner Erfindung im 19thJahrhunderts hatte die Fotografie zwangsläufig einen Einfluss auf das Wesen und die Rolle der Malerei. Es war nicht länger die Rolle der Malerei, die Genauigkeit des Lebens einzufangen, also war die Malerei frei, etwas ganz anderes zu sein: Viele haben argumentiert, dass diese Verschiebung 19thund 20th-Jahrhundert Kunst weiter in den Bereich der Abstraktion , wo Farbe sich verhalten konnte, wie sie wollte. Aber in den frühen 1960er Jahren waren viele Künstler müde, Farbe um ihrer selbst willen herumzuschleudern, und suchten stattdessen nach etwas Frischem und Neuem. Betreten Sie die Künstler Malcolm Morley und Richard Estes. Der britische Maler Morley wird oft als der erste Künstler bezeichnet, der sich mit dem Fotorealismus auseinandergesetzt hat und minutiös detaillierte Kopien von Postkarten mit idyllischen Ozeandampfern geschaffen hat, die in einem Stil, den er als Superrealismus bezeichnet, durch das strahlend blaue Wasser fahren.

Abendessen von Richard Este , 1971, via Smithsonian Magazine und Marlborough Gallery, New York

Dicht auf Morleys Fersen war der amerikanische Maler Richard Estes, der dem Trend mit akribisch gerenderten Darstellungen der glänzenden Fassade New Yorks folgte, von den polierten Fenstern der Diners der 1950er Jahre bis zum metallischen Glanz brandneuer Autos. Die reflektierenden Oberflächen, die er verwendete, waren ein bewusstes Schaufenster für seine meisterhafte Beherrschung der Malerei und sollten den Fotorealismus enorm beeinflussen. Dieser neue Malstil sah zunächst wie eine Rückkehr zu den Traditionen des Realismus aus, war aber in Wirklichkeit ein ganz neues Reich von Neuland. Was die Arbeit des Fotorealismus von den hochrealistischen Malern der Vergangenheit unterschied, war ein bewusster Versuch, die einzigartigen Qualitäten des fotografischen Bildes zu reproduzieren, wie in der Veröffentlichung beschrieben Kunst in der Zeit : Fotorealistische Künstler der 1960er und 1970er Jahre untersuchten die Art des Sehens, die für die Kamera einzigartig war … Fokus, Schärfentiefe, naturalistische Details und einheitliche Aufmerksamkeit für die Bildoberfläche.

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Fotorealismus, Pop Art und Minimalismus

Eisenhändler von John Salz , 1981 , über National Galleries of Scotland, Edinburgh

Wie Pop-Art und Minimalismus, Der Fotorealismus entstand in den 1950er Jahren in Europa und den Vereinigten Staaten als Reaktion auf die wild emotionalen Sprachen von Abstrakter Expressionismus. Pop Art kam zuerst und ebnete den Weg mit einem frechen Fokus auf den effekthascherischen Glamour der Werbung und der Promi-Kultur, injiziert mit grellen Farben und vereinfachten Designs. Minimalismus war im Vergleich dazu cool und glatt, eine reduzierte, raffinierte Interpretation der Abstraktion mit sich wiederholenden Gittern, Geometrie und eingeschränkten Farben. Die fotorealistische Bewegung entstand irgendwo in der Mitte zwischen diesen beiden Strängen und teilte die Aneignung von Popkultur mit Pop Art , und die saubere, methodische Rationalität des Minimalismus. Im Gegensatz zum frechen Spaß der Pop Art betrachteten fotorealistische Künstler banale Themen mit einer ironischen, toten Ironie, die frei von menschlichen Emotionen war: Dazwischen ist ein grundlegender Kontrast zu erkennen Andy Warhols ikonisches Pop-Motiv von Campbells Suppendosen, 1962 und John Salts fotorealistische Beobachtungen eines Eisenwaren-Schaufensters in Eisenhändler , 1981. Der Fotorealismus kollidierte auch mit dem Minimalismus, indem er Elemente mit narrativem oder realistischem Inhalt im Gegensatz zu ihrer reinen, sauberen Sprache der reduktiven Einfachheit wiedergab.

Führende Künstler

64er Chrysler von Robert Bechtle , 1971, über Christie’s

In den frühen 1970er Jahren gewann der Fotorealismus an Fahrt und wurde zu einem großen Phänomen in ganz Nordamerika. Zu den führenden Vertretern des neuen Stils gehörten die kalifornischen Künstler Robert Bechtle, Ralph Goings und Richard Mclean sowie in New York die Maler Chuck Close, Audrey Flack und Tom Blackwell. Anstelle einer einheitlichen Gruppe arbeitete jeder Künstler unabhängig und näherte sich einem fotorealistischen Stil innerhalb seines eigenen konzeptionellen Rahmens. Robert Bechtle malte Szenen, die er als die Essenz der amerikanischen Erfahrung bezeichnete, und spiegelte die visuelle Ikonographie der Werbung mit gewöhnlichen Vorstadtszenen von Familien und ihren zuverlässigen Autos als ultimatives Symbol des kapitalistischen Luxus wider. Sein Fokus auf das flache, glänzende Furnier ist jedoch etwas zu perfekt, was darauf hindeutet, dass hinter dieser oberflächlichen Fassade Dunkelheit lauert. Richard Mclean produzierte auch eine idealisierte Vision des amerikanischen Lebens, aber er zeigte statt der Zersiedelung der Vorstädte Pferde- oder Rindermotive und dokumentierte kluge Reiter, Tierpfleger und glänzende Pferde in strahlendem Sonnenschein als wahres Symbol des amerikanischen Traums.

Medaillon von Richard Mclean , 1974, über das Guggenheim Museum, New York

Eine Bewegung ist geboren

Dieser kunterbunten Truppe aufstrebender junger Künstler wurden anfangs verschiedene Namen zugeworfen, darunter New Realism, Super-Realism und Hyper-Realism, aber es war der New Yorker Galerist Louis K. Meisel der als erster den Begriff „Fotorealismus“ im Katalog für die prägte Whitney Museums Ausstellung Zweiundzwanzig Realisten, 1970. Nach dem Erfolg dieser Ausstellung erfand sich Meisel in den 1970er Jahren als Ein-Mann-Cheerleader für den Fotorealismus neu, widmete seine eigene SoHo-Galerie der Förderung fotorealistischer Kunstwerke und veröffentlichte einen strengen Fünf-Punkte-Leitfaden, der in beschreibt genaues Detail, wie ein fotorealistisches Kunstwerk aussehen sollte. Ein weiterer Meilenstein für die fotorealistische Bewegung kam 1972 als Schweizer Kurator Harald Szeemann leitete das Ganze Dokumente 5 in Deutschland als Schaufenster für den fotorealistischen Stil betitelt Die Wirklichkeit hinterfragen – Bildwelten heute, mit Werken von sage und schreibe 220 Künstlern, die mit fotografischen Malstilen arbeiten.

Wie haben sie das gemacht?

Big Self-Portrait von Chuck Close, 1967-68, über das Walker Art Center, Minneapolis

Fotorealistische Künstler erkundeten eine Reihe erfinderischer und manchmal genialer Tricks, um solch beeindruckend genaue Ergebnisse zu erzielen. Der New Yorker Maler Chuck Close schuf riesige, minutiös detaillierte Porträts von sich und seinen Freunden, indem er mehrere revolutionäre Techniken kombinierte. Die erste bestand darin, ein Polaroidbild mit einem Raster zu versehen, um es in eine Reihe kleiner Komponenten zu zerlegen, und dann jedes winzige Teil nach dem anderen zu malen, um zu verhindern, dass er von der Ungeheuerlichkeit der anstehenden Aufgabe überwältigt wird. Er verglich dieses methodische Vorgehen mit dem „Stricken“, da das Bild methodisch Reihe für Reihe aufgebaut wird. Close trug auch Farbelemente mit einer Airbrush auf und kratzte mit Rasierklingen hinein, um feinere Definitionsbereiche zu erzielen, und befestigte sogar einen Radiergummi an einer elektrischen Bohrmaschine, um wirklich in diesen weicheren Tonbereichen zu arbeiten. Erstaunlicherweise beansprucht er seine ikonischen 7-mal-9-Fuß Großes Selbstporträt, 1967-68 wurde mit nur einem Teelöffel schwarzer Acrylfarbe hergestellt.

Zweiter Weltkrieg (Eitelkeit) von Audrey Flack , 1977, über Christie’s

Im Gegensatz dazu projizierte die New Yorker Künstlerkollegin Audrey Flack ihre eigenen fotografischen Bilder als Leitfaden für die Malerei auf eine Leinwand; das erste ihrer Werke, das auf diese Weise hergestellt wurde, war Familienportrait Farb, 1970. Die Arbeit mit der Projektion erlaubte ihr, eine überwältigende Genauigkeit zu erreichen, die von Hand allein nicht möglich gewesen wäre. Flack trug dann mit einer Airbrush dünne Farbschichten auf ihre Leinwände auf und entfernte so im Endergebnis alle Spuren ihrer Hand. Im Gegensatz zu den distanzierten Stilen ihrer Zeitgenossen waren Flacks Gemälde oft mit tieferen emotionalen Inhalten ausgestattet, insbesondere ihre Stilllebenstudien, die die Memento-Mori-Tradition mit sorgfältig platzierten Objekten widerspiegelten, die die Kürze des Lebens symbolisierten, wie Schädel und brennende Kerzen, wie in zu sehen Werke wie Zweiter Weltkrieg (Eitelkeit), 1977.

Hyperrealismus

Mann auf einer Bank von Duane Hanson , 1977, über Christie’s

Im Zuge der fotorealistischen Bewegung entstand in den späten 1970er Jahren eine neue, aufgeblähte Version des Stils, die als Hyperrealismus bekannt wurde. Im Gegensatz zum allgemeinen mechanischen, distanzierten Blick fotorealistischer Motive konzentrierte sich der Hyperrealismus auf bewusst emotionale Motive, während er das Gefühl der Ehrfurcht und Größe ihrer Motive mit riesigen Maßstäben, extremer Beleuchtung oder Hinweisen auf narrative Inhalte verstärkte. Unabhängiger Kurator, Autor und Redner Barbara Maria Stafford beschrieb den Stil für das Magazin der Tate Gallery Tate-Papiere als etwas, das künstlich intensiviert und gezwungen wird, realer zu werden, als es war, als es in der realen Welt existierte.

Die Bildhauerei war ein besonders wichtiger Zweig der hyperrealen Kunst, insbesondere die Fiberglas-Körperabgüsse der amerikanischen Bildhauer Duane Hanson und John de Andrea, die unglaublich lebensechte Figuren in Posen oder Szenarien platzieren, die auf unerzählte Geschichten unter der Oberfläche hinweisen. Der zeitgenössische australische Bildhauer Ron Mueck hat diese Ideen in den letzten Jahren auf die Spitze getrieben und surreale figurative Embleme geschaffen, die von der Komplexität des menschlichen Daseins sprechen, mit verschobenen Maßstäben, die darauf abzielen, ihre emotionale Wirkung zu verstärken. Sein riesiges neugeborenes Baby Ein Mädchen, 2006, ist über 5 Meter lang und fängt mit theatralischem Drama das wundersame Wunder ein, ein Kind zur Welt zu bringen.

Ein Mädchen von Ron Mück , 2006, über die National Gallery of Melbourne, Australien und Der Atlantik

Neue Ideen im Fotorealismus

Durchgeknallt von Jeff Koon , 1999, über das Guggenheim Museum, Bilbao

Der Fotorealismus erreichte in den 1970er Jahren seinen Höhepunkt, aber seitdem haben Variationen des Stils in den folgenden Jahrzehnten Bestand. Nach der Explosion der Informationstechnologie in den 1990er Jahren übernahm eine neue Welle von Künstlern fotorealistische Arbeitsweisen, aber viele gingen über den wörtlichen Ausdruck der fotorealistischen Kunstbewegung hinaus, indem sie Elemente der kreativen digitalen Bearbeitung in Computerprogrammen einführten.

Ohne Titel (Ozean) von Vija Celmins , 1977, über das San Francisco Museum of Modern Art

Im amerikanischen Künstler Jeff Koons’ Kitsch, Easyfun-ätherisch Serie, einschließlich der Arbeit Durchgeknallt, 1999 erstellt er digitale Collagen mit verführerischen Ausschnitten aus Zeitschriften und Plakatwerbung, die dann von seinem Assistententeam mit Farbe auf riesige, wandgroße Leinwände vergrößert werden. Am anderen Ende des Spektrums fertigt die amerikanische Künstlerin Vija Celmins winzige, fein beobachtete Zeichnungen und Drucke auf Papier in Schwarzweiß an, die die Weiten des Ozeans oder den sternenübersäten Nachthimmel mit winzigen, sich wiederholenden Markierungen und Flecken vermitteln, die nur knapp sind zeigen die Spuren ihrer Entstehung.

Flache Todesfälle durch Glen Brown , 2000, über The Gagosian Gallery, London

Der britische Maler Glenn Brown verfolgt einen ganz anderen Ansatz; Aufbauend auf der surrealen Sprache des Hyperrealismus erstellt er fotorealistische Kopien berühmter expressionistischer Kunstwerke, die in einer Aura unnatürlichen Lichts erstrahlen, als würden sie auf einem Computerbildschirm betrachtet. Browns komplexer Prozess, ein Foto des Kunstwerks eines anderen Künstlers mit Farbe zu kopieren, zeigt, wie eng unsere Erfahrungen des Sehens und Malens mit der digitalen Erfahrung von heute verflochten sind.