12 sehenswerte Kunstwerke im Museum of Modern Art

Das Museum of Modern Art (MoMA) in New York City beherbergt die vielleicht umfassendste und bedeutendste Sammlung moderner und zeitgenössischer Kunst der Welt. Insgesamt besitzt das Museum of Modern Art fast 200.000 einzelne Kunstwerke, und die Zahl wächst jedes Jahr. Obwohl immer nur ein kleiner Teil davon ausgestellt ist, sind im Museum of Modern Art immer weit über 1.000 wundervolle und berühmte Kunstwerke zu sehen. Alles auf einer einzigen Reise zu sehen, ist eine entmutigende Aufgabe. Um Ihnen zu helfen, ist dies eine Liste von 12 Kunstwerken, die derzeit zu sehen sind und die Sie unbedingt im Museum of Modern Art sehen sollten.

1. Ein edler, heldenhafter Mann (1950-51), von Barnett Newmann

Ein edler, heldenhafter Mann von Barnett Newman , 1950-51, über das Museum of Modern Art, New York

Barnett Newmann 's Ein edler, heldenhafter Mann gehört zu seinen berühmtesten Kunstwerken. Das Gemälde ist massiv und misst fast 8 Fuß hoch und mehr als 17 Fuß lang. Steht man vor dem Gemälde, wird man von Newmans erhabener, existenzieller Grübelei umhüllt. Die Tiefe von Newmans Gemälden lässt sich auf diese Weise nur bei persönlicher Betrachtung ermessen. Selbst inmitten des unaufhörlichen Tumults an einem Ort wie dem Museum of Modern Art findet sich in diesem überwältigend stillen Gemälde eine widerhallende Stille; Ein edler, heldenhafter Mann hat eine ganz eigene Schwerkraft.

zwei. Jacobs Leiter (1951), von Helen Frankenthaler

Jacobs Leiter von Helen Frankenthaler , 1957, über das Museum of Modern Art, New York

Einer von Helen Frankenthaler früheste Gemälde, Jacobs Leiter wurde mit Öl statt Acrylfarbe gemacht. Dieses Ölgemälde von Frankenthaler wurde mit ihrer Soak-Stain-Technik hergestellt, bei der verdünnte Farbe auf eine ungrundierte Leinwand aufgetragen wird, und ist nicht archivfähig, was bedeutet, dass es bereits Anzeichen von Verfall zeigt. Vor einem dieser Werke zu stehen, ist ein besonderes Erlebnis, nicht nur wegen der bildhaften Schönheit des Werkes, sondern auch weil das Stück sichtbar auseinander fällt. Wenn man das weiß, fühlt man sich bei diesen Gemälden ganz präsent. Es gibt in gewisser Weise Traurigkeit, aber auch Vertrautheit. Diese Werke haben aufgrund der Zeitskala, auf der sie existieren, eine besondere Menschlichkeit.

3. Ohne Titel, (1964), von Kazuo Shiraga

Ohne Titel von Kazuo Shiraga , 1964, über das Museum of Modern Art, New York

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Dieses Gemälde ist eine relativ neue Ergänzung der Sammlung des Museum of Modern Art und wurde 2019 erworben. Dennoch gilt es als eines der prächtigsten Werke der Abstraktion der Mitte des Jahrhunderts im gesamten Museum. Dieses Stück ist ein Beispiel dafür Kazuo Shiraga ’s „Fußmalerei“-Technik, bei der er eine Leinwand auf den Boden legte, Farbe darauf häufte und sie dann mit den Füßen über die Oberfläche verteilte, wobei er sich oft an einem Seil aufhängte, um sich zu positionieren und eine Vielzahl von Markierungen zu erzielen. Mit diesem unkonventionellen Verfahren gelang Shiraga ein elegantes Werk der Abstraktion wie dieses. Dieses Gemälde ist selbstbewusst und besteht größtenteils aus zwei kräftigen, roten Farbflächen. Gleichzeitig ist es subtil, da eine genauere Betrachtung die Variation und Dichte von Farbe und Markierung innerhalb dieser zentralen Bewegung offenbart.

Vier. Masken, die dem Tod begegnen (1888), von James Ensor

Masken, die dem Tod begegnen von James Ensor , 1888, über das Museum of Modern Art, New York

Treffen Jakob Ensor , Belgiens berühmter Maler. In diesem Stück aus dem Museum of Modern Art starrt die Figur des Todes den Betrachter an, während sich ein Kader karikaturhaft maskierter Charaktere um ihn drängt. Masken, die dem Tod begegnen wurde 1888 gemalt, in den ersten Jahren von Ensors künstlerischer Transformation. Vom Beginn seiner Karriere als Künstler Ende der 1870er bis Mitte der 1880er Jahre arbeitete Ensor in einer viel zurückhaltenderen und traditionelleren Weise. In den späten 1880er Jahren begann er mit der Produktion von Werken wie diesem mit bizarren, maskierten Figuren in leuchtenden, satten Farben. Obwohl Ensors Werk aus dieser Zeit in gewisser Weise den Expressionismus vorwegnimmt, ist sein eigener Stil zu einzigartig, um ihn vollständig mit einer Bewegung in Verbindung zu bringen. Ensors reifes Werk, das sich durch Groteske, Humor und Morbidität auszeichnet, ist einzigartig, wundersam und sollte bei jeder Gelegenheit gesucht werden.

5. Wandbehang (1927), von Anni Albers

Wandbehang von Anni Albers , 1927 (gewebt 1964), über The Museum of Modern Art, New York

Dieses Textilstück wurde passend zu einem Design von gewebt Anni Alber im Jahr 1927. Obwohl sich das ursprüngliche Design auch in der Sammlung des Museum of Modern Art befindet, ist nichts vergleichbar damit, Albers Vision in Form eines fertigen Wandbehangs wirklich verwirklicht zu sehen. Obwohl die Elemente des Musters einfach sind, arrangiert Albers sie mit endloser Komplexität und Interesse.

6. Malerei (1946), von Francis Bacon

Malerei von Franz Bacon , 1946, über das Museum of Modern Art, New York

VielleichtFrancis Baconsberühmteste Kunstwerk und ein Highlight der Sammlung des Museum of Modern Art, Malerei demonstriert eine Beherrschung des gemalten Raums. Bacon collagiert mehrere Referenzen zu einem untrennbaren Ganzen; ein kuhkadaver hängt wie gekreuzigt über einer halbköpfigen gestalt, die sowohl rückwärts zu den dunklen ecken des raums als auch vorwärts zu einer unbestimmten tiergestalt zu verschmelzen scheint. Malerei ist ein unglaublich dichtes Werk. Je länger man hinsieht, scheint eine endlose Reihe schrecklicher Vorstellungen von innen aufzutauchen.

7. Marienkäfer (1957), von Joan Mitchell

Marienkäfer von Joan Mitchell , 1957, über das Museum of Modern Art, New York

Joan Mitchell war ein prominenter Abstrakter Expressionist der zweiten Generation. Was sie und ihre Zeitgenossen von den früheren Malern des Abstrakten Expressionismus unterscheidet, ist eine fleißigere Herangehensweise; Die kräftigen Pinselstriche und Farbtropfen werden strategisch aufgetragen. Tatsächlich war Mitchells Malpraxis nicht so intuitiv oder reaktiv, wie man annehmen könnte. Stattdessen verwendet sie die visuellen Zeichen und die Sprache des Abstrakten Expressionismus, um kompliziertere, ästhetisch orientierte Kompositionen zu schaffen.

Marienkäfer demonstriert Mitchells Begabung mit Farbe und zeigt eine große Vielfalt an Techniken und Anwendungen des Materials. Wenn man diese Arbeit persönlich sieht, wird die Komplexität des Stücks hervorgehoben; die farbschichten mit unterschiedlichen viskositäten erzeugen schöne momente von textur und leuchtender farbe. Vergleichen Sie Mitchells Fingerspitzengefühl mit den berühmten Kunstwerken der ersten Generation des Abstrakten Expressionismus im Museum of Modern Art, von Malern wie Jackson Pollock und Willem de Kooning, und die Ausgeglichenheit ihrer Kompositionen wird deutlich

8. Gleich (2015), von Richard Serra

Gleich von Richard Serra , 2015, über das Museum of Modern Art, New York

Richard Serra Die massive Skulptur des Museum of Modern Art scheint auf den ersten Blick den umgebenden Raum zu dominieren. Mit der Zeit jedoch Gleich entwickelt eine ruhigere Präsenz. Obwohl die Blöcke nicht symmetrisch angeordnet sind, sind sie, wie der Titel schon sagt, gleich groß, und wenn man Zeit mit der Arbeit verbringt, wird diese Gleichheit immer stärker spürbar. Die Skulptur, ihr Raum und ihr Publikum richten sich alle auf ein unvermeidliches Gleichgewicht ein.

9. Frau mit totem Kind (1903), by Käthe Kollwitz

Frau mit totem Kind by Käthe Kollwitz , 1903, über das Museum of Modern Art, New York

Diese schöne Radierung von Käthe Kollwitz fängt einen Moment unvorstellbarer Trauer ein, als eine Mutter den leblosen Körper ihres Sohnes ergreift. Kollwitz wird oft in Verbindung gebracht Deutscher Expressionismus , obwohl sich ihre Arbeit durch ihre präzise, ​​dichte Zeichnung von anderen in der Bewegung abhebt. Kollwitz modelliert hier fein das Gesicht des toten Kindes, um seine kalte Stille zu betonen, im Gegensatz zu der lockereren, ausdrucksstarken Zeichnung im Körper der von Angst überwältigten Mutter.

10. Frau I (1950-52), von Willem de Kooning

Frau I von Willem de Kooning , 1950-52, über das Museum of Modern Art, New York

In der Mitte des 20. Jahrhunderts wurde die Arbeit von Willem de Kooning stellte einen Weg nach vorne für die figurative Kunst auf dem Höhepunkt der Abstraktion dar. In De Koonings Malerei sind Figuration und Abstraktion ausgewogen und verschmelzen zu wunderbaren Ergebnissen. De Kooning sagte bekanntlich, dass die Figur nichts ist, wenn man sie nicht wie ein seltsames Wunder dreht. Kein Kunstwerk beschreibt diese Spannung zwischen Figuration und Abstraktion besser als Frau I , eines der berühmtesten Kunstwerke von de Kooning. Die Figur taucht heftig aus einem Hintergrund aus streifigen und leuchtenden Farben auf, der sich nie beruhigt. Die Existenz der Figur ist ein heikles Thema, da die Titelfrau sowohl konstruiert oder aus der lauten Abstraktion hervorgebracht als auch von ihr verzehrt zu werden scheint. Dieses Werk ist eines der auffälligsten in der Sammlung des Museum of Modern Art und bringt die zentralen Themen der Moderne zum Ausdruck.

elf. Straße Dresden (1908), von Ernst Ludwig Kirchner

Straße, Dresden von Ernst Ludwig Kirchner , 1908, über das Museum of Modern Art, New York

In diesem berühmten Beispiel des deutschen Expressionismus Ernst Ludwig Kirchner hat die latenten Ängste der modernen Stadt sichtbar gemacht. Die Massen bevölkern Straße Dresden erscheinen zugleich als undifferenzierte Masse wie auch intensiv voneinander getrennt. Alle Figuren haben in Kirchners rauer Malweise ihre Personlichkeit verflüchtigt und werden zu überlappenden, dissonanten Farbfeldern. Diese Subjekte scheinen sich jedoch auch absolut nicht voneinander bewusst zu sein. Die Szene hat keine Handlung, keine Erzählung, nichts, an dem man sich festhalten oder in dem man sich wiedererkennen könnte. Die Gesichter, die in der Menge zu sehen sind, sind leer, vielleicht leicht spöttisch. In diesem Gemälde ist das ausgesprochen moderne Gefühl der Massenentfremdung so brillant eingefangen.

12. Der Palast um 4 Uhr morgens (1932), Alberto Giacometti

Der Palast um 4 Uhr morgens von Alberto Giacometti , 1932, über das Museum of Modern Art, New York

Diese Skulptur ist ein Beispiel dafür Alberto Giacometti ’s frühes, surrealistisch angehauchtes Werk. Laut Giacometti ist dieses Kunstwerk genau so entstanden, wie er es sich in seinem Kopf hätte vorstellen können. Diese Nähe zu seiner Vorstellungskraft hat zu einem Stück geführt, das nicht in unsere Welt zu gehören scheint und um seinen Erhalt kämpft. Das Gebilde ist so leicht und leer, dass es sich anfühlt, als würde es gleich zusammenbrechen. Im Vergleich zu Giacomettis anderen Skulpturen, insbesondere zu seinem reifen Werk (das auf der Überarbeitung von Materialien basiert), Der Palast um 4 Uhr morgens fühlt sich nahezu einmalig leise und präzise an. Dennoch fängt es das Gefühl existenzieller Zerbrechlichkeit ein, das so viel von Giacomettis Werk durchdringt.