Richard Serra: Der Bildhauer mit den stählernen Augen

Richard Serra beherrscht Zeit und Raum nahtlos durch Stahlskulpturen. Vom Stadtbild seiner Heimatstadt San Francisco bis hin zu abgelegenen Gegenden in Neuseeland hat der Künstler mit seinen beeindruckenden Installationen weltweit malerische Panoramen bevölkert. Seine starke Persönlichkeit weckt weiterhin vergleichbare Neugier.

Richard Serras frühes Leben

Richard Serra , 2005, Guggenheim Bilbao

Richard Serra wuchs in den 1930er Jahren als Freigeist in San Francisco auf. Er tummelte sich zwischen den Sanddünen in seinem eigenen Hinterhof herum und hatte früh im Leben wenig Kontakt mit bildender Kunst. Er verbrachte Zeit mit seinem aus der Arbeiterklasse stammenden Einwanderervater, einem Rohrschlosser auf einer örtlichen Marinewerft. Serra erinnert sich an eine seiner ersten Erinnerungen auf der Basis, als er Zeuge eines Starts eines Öltankers wurde, wo er sofort von seiner beträchtlichen Umgebung verzaubert wurde. Dort starrte er sehnsüchtig auf den Schiffsrumpf und bewunderte seine robuste Rundung, während es im Wasser sauste. All das Rohmaterial, das ich brauchte, ist in der Reserve dieser Erinnerung enthalten, behauptete Serra in seinem Alter. Dieses Abenteuer stärkte schließlich sein Selbstvertrauen genug, um mit dem Zeichnen zu beginnen und mit seiner wilden Vorstellungskraft zu experimentieren. Später im Leben würde er diese Faszination durch offensichtliche Anspielungen auf seine Zeit an der Seite seines Vaters auf der Marine Shipyard in San Francisco wieder aufleben lassen.

Wo er trainierte

Zusammenspiel von Farbe durch Josef Alber , veröffentlicht 1963, Yale University Press

Kalifornien diente während seiner frühen Ausbildung in den späten 1950er Jahren ebenfalls als Heimatbasis. Serra schloss sein Studium der Anglistik an der UC Berkeley ab, bevor er auf den Campus in Santa Barbara wechselte, wo er 1961 seinen Abschluss machte. Sein Interesse an Kunst nahm während seines Studiums in Santa Barbara besonders zu, da er bei den berühmten Bildhauern Howard Warshaw und Rico Lebrun studierte. Anschließend erwarb er seinen M.F.A. aus Yale, wo er die Zeitgenossen Chuck Close, Brice Marden und Nancy Graves kennenlernte. (Er hielt sie insbesondere für viel fortgeschrittener als sich selbst.) In Yale ließ sich Serra auch von seinen Lehrern inspirieren, hauptsächlich dem weltberühmten abstrakten Maler Josef Albers. 1963 stimulierte Albers Serras Kreativität, indem er ihn aufforderte, seine eigenen zu begutachten Zusammenspiel von Farbe, ein Buch über das Unterrichten der Farbtheorie. In der Zwischenzeit arbeitete er auch mühsam in Stahlwerken, um sich während seiner gesamten Ausbildungszeit zu ernähren. Diese einzigartige Tätigkeit legte den Grundstein für Serras erfolgreiche Bildhauerkarriere.

Große Frau III von Alberto Giacometti , 1960 und Halbierte Ecke: Quadratisch von Richard Serra , 2013, Gemeinschaftsausstellung von Gagosian Galleries und Fondation Beyeler, Basel

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1964 sicherte sich Serra ein Yale Travelling Fellowship, um ein Jahr lang in Paris im Ausland zu studieren. Durch den Kontakt zu seinen Klassenkameraden von zu Hause aus fand er auch einen einfachen Einstieg in die zeitgenössische Sphäre der Stadt. Seine zukünftige Frau Nancy Graves hatte ihn dem Komponisten Phil Glass vorgestellt, der Zeit mit der Dirigentin Nadia Boulanger verbrachte. Gemeinsam besuchte die Gruppe die legendäre intellektuelle Kneipe von Paris, Die Kuppel , wo Serra zum ersten Mal den Schweizer Bildhauer Alberto Giacometti traf. Bald entdeckte er eine noch würdigere Einflussquelle. Im National Museum of Modern Art verbrachte Serra Stunden damit, im rekonstruierten Atelier des verstorbenen Bildhauers Constantin Brancusi grobe Ideen zu skizzieren. Er nahm auch an zahlreichen Kursen zum Aktzeichnen teil Akademie der Grande Chaumière Aus dieser Zeit überwiegen jedoch nur wenige Relikte. Umgeben von neuen Medien erwachte der Künstler in Paris kreativ und lernte aus erster Hand, wie elegant eine Skulptur den physischen Raum diktieren kann.

Seine erste gescheiterte Solo-Show

Broschüre für Einzelausstellung in der Galerie La Salita von Richard Serra , 1966, SVA-Archiv

Ein Fulbright-Stipendium führte Richard Serra 1965 nach Florenz. In Italien gelobte er, die Malerei vollständig aufzugeben und sich stattdessen ganz der Bildhauerei zuzuwenden. Serra führt seine genaue Verwandlung bis zu seinem Besuch in Spanien zurück, als er auf den Meister des Goldenen Zeitalters stieß Diego Velázquez und seine Ikone Las Meninas . Von da an beschloss er, eine komplexe Symbolik zu vermeiden, die sich mit Materialität und weniger mit zweidimensionalen Illusionen befasste. Seine nachfolgenden Kreationen, die als Assemblagen bezeichnet werden, bestanden aus Holz, lebenden Tieren und Präparatoren, die nebeneinander gestellt wurden, um extreme emotionale Reaktionen hervorzurufen. Und genau das tat Serra, als er diese eingesperrten Provokationen während seiner allerersten Einzelausstellung in der Rome Gallery ausstellte Das Wohnzimmer im Jahr 1966. Nicht nur Zeit einen vernichtenden Bericht über das schreckliche Debakel schreiben, aber die öffentliche Empörung lokaler italienischer Künstler erwies sich auch als zu viel für Rom, um es zu ertragen. Die örtliche Polizei schloss La Salita schneller, als Richard Serra seinen öffentlichkeitswirksamen Aufruhr verursachte.

Als er zurück in die USA zog

Verbliste von Richard Serra , 1967-68, MoMA

New York traf Richard Serra später in diesem Jahr mit mehr Enthusiasmus. Als er sich in Manhattan niederließ, gewöhnte er sich schnell an die Avantgarde-Szene der Stadt, die damals von Minimalisten dominiert wurde, die die Skulptur als von Natur aus wertvoll legitimierten, unabhängig von ihrer Fähigkeit, die eigenen inneren Leiden zu artikulieren. Tatsächlich lud der Vorläufer Robert Morris Serra sogar ein, an einer minimalistischen Gruppenausstellung teilzunehmen Die Galerie Leo Castelli ; und er stützte seine Arbeit neben einflussreichen Stimmen wie Donald Judd und Und Flawin. Was dem Künstler an entsprechendem Glanz fehlte, machte er jedoch mit verwegener Körnung wett. Wie Serra selbst sagte, unterschied sich seine Arbeit grundlegend von der seiner Kollegen, weil er es wollte runterkommen und dreckig werden. Um sich von der Masse abzuheben, prägte er anschließend eine mittlerweile legendäre Litanei intransitiver Verben mit dem Titel Geblendet , gekritzelt mit manuellen Aktionen wie Teilen, Rollen und Haken. Dieser Vorläufer der Process Art diente auch als einfache Blaupause für Serras lukrative Karriere.

Erste Skulpturen der 1960er Jahre

Eine Tonne Stütze durch Richard Serra , 1969, MoMA

Um seine experimentelle Philosophie zu testen, wandte sich Serra vielseitigen Materialien wie Blei, Glasfaser und Gummi zu. Sein multimediales Milieu hatte auch seine Sicht der Skulptur nachhaltig beeinflusst, insbesondere ihre Neigung, den Betrachter über die visuellen Grenzen eines Gemäldes hinauszudrängen. Zwischen 1968 und 1970 schuf Serra eine neue Skulpturenserie, Spritzen , indem er geschmolzenes Blei über eine Ecke goss, wo seine Wand und sein Boden kollidierten. Schließlich erregten seine Dachrinnen die Aufmerksamkeit des Casting-Anhängers Jasper Johns, der ihn dann bat, seine Serie in Johns Studio in der Houston Street nachzubilden. Im selben Jahr enthüllte Serra auch seinen berühmten Eine Tonne Stütze , eine vierplattierte Blei- und Legierungsstruktur, die so gestapelt ist, dass sie einem instabilen Kartenhaus ähnelt. Obwohl es so aussah, als würde es zusammenbrechen, stand es tatsächlich frei. Man könne durchsehen, hineinschauen, um sie herumgehen, kommentierte Richard Serra sein angestrebtes geometrisches Produkt. Daran führt kein Weg vorbei. Das ist eine Skulptur.

Standortspezifische Verschiebung der 1970er Jahre

Wechsel von Richard Serra , 1970-1972

Richard Serra erreichte seine Reife in den 1970er Jahren. Seine erste methodologische Divergenz geht auf die Zeit zurück, als er Robert Smithsonian dabei assistierte Spiralsteg (1970), ein Strudel aus sechstausend Tonnen schwarzer Felsen. Im weiteren Verlauf betrachtete Serra die Skulptur in Bezug auf die Ortsspezifität und dachte darüber nach, wie sich physischer Raum mit Medium und Bewegung überschneidet. Seine Skulptur von 1972 provoziert ein Gefühl von Schwerkraft, Vitalität und Masse Wechsel zeigt am besten diese Abweichung zu großformatigen Außenarbeiten. Die meisten dieser frühen Archetypen wurden jedoch nicht in den USA geschaffen. In Kanada installierte Serra sechs Betonplatten auf der gesamten Farm des Kunstsammlers Roger Davidson, um die Konturen und Zickzacklinien der zerklüfteten Landschaft zu betonen. 1973 installierte er dann seine asymmetrische Skulptur Ausspinnen im Kröller-Müller-Museum in den Niederlanden. Das Stahlplatten-Trio zwang Passanten zum Innehalten, Nachdenken und Versetzen, um es richtig wahrzunehmen. Von Deutschland bis Pittsburgh rundete Richard Serra sein Jahrzehnt mit beachtlichen Erfolgen auf der ganzen Welt ab.

Warum Richard Serra für Kontroversen sorgte

Gekippter Bogen von Richard Serra , 1981

Aber Kontroverse bedrängte ihn in den 1980er Jahren. Nachdem Serra in den USA positiv aufgenommen worden war, sorgte er 1981 in seinem Revier in Manhattan für Aufruhr. Als Teil eines U.S. General Services in Auftrag gegeben Kunst am Bau Initiative installierte er eine 12 Fuß hohe, 15 Tonnen schwere Stahlskulptur, Gekippter Bogen , Zerlegung des New Yorker Federal Plaza in zwei abwechselnde Hälften. Anstatt sich auf die optische Entfernung zu konzentrieren, versuchte Serra, die Art und Weise, wie Fußgänger auf dem Platz navigierten, vollständig zu verändern und Trägheit zwangsweise zu eliminieren, um Aktivität anzuregen. Der öffentliche Aufschrei vermied jedoch sofort das Eindringen auf einem ohnehin hektischen morgendlichen Pendelverkehr und forderte die Entfernung der Skulptur, bevor Serra die Bauarbeiten überhaupt abgeschlossen hatte. Gekippte Bögen Die internationale Kontrolle zwang die Stadtverwaltung von Manhattan unweigerlich dazu, öffentliche Anhörungen abzuhalten, in denen über ihr Schicksal im Jahr 1985 entschieden wurde. Richard Serra bezeugte gelassen die ewige Verflechtung der Skulptur mit ihrer Umgebung und verkündete sein bisher berühmtestes Zitat: Das Werk zu entfernen, heißt es zu zerstören.

Tilted Arc Defense Fund durch Richard Serra , 1985, Stiftung für zeitgenössische Kunst, New York City

Unglücklicherweise konnte nicht einmal ein überzeugendes Axiom die New Yorker dazu bringen, Blut zu trinken. Obwohl Serra die U.S. General Services verklagte, entschied das Urheberrecht Gekippter Bogen gehörten der Regierung und sollten daher entsprechend behandelt werden. Lagerarbeiter demontierten daraufhin 1989 seine berüchtigte Platte, um sie in ein Lager außerhalb des Bundesstaates zu transportieren, um nie wieder aufzutauchen. Serras Debakel warf dennoch größere Fragen im Inneren auf Der kritische Diskurs der Kunst im öffentlichen Raum , hauptsächlich die der Zuschauerbeteiligung. Wer ist das Publikum für eine Außenskulptur? Kritiker waren der Meinung, dass Stücke, die für öffentliche Plätze, Stadtparks und Gedenkstätten hergestellt wurden, die Verantwortung übernehmen sollten, eine bestimmte Gemeinschaft zu stärken, nicht zu unterbrechen. Die Unterstützer hielten an der Pflicht eines Kunstwerks fest, mutig und kompromisslos zu sein. Während er die sozioökonomischen, bildungsbezogenen und ethnischen Unterschiede seines Publikums überdachte, ging Serra aus dem Vorfall mit einer klareren Vorstellung davon hervor, für wen er Kunst schaffen sollte. Er machte sich dann auf den Weg, um sein neues Repertoire in den folgenden Jahrzehnten hervorzuheben.

Neuere Skulpturen

Drehmoment Ellipse durch Richard Serra , 1996, Guggenheim Bilbao

Richard Serra schuf in den 1990er Jahren weiterhin großformatige Skulpturen aus Cor-Ten-Stahl. Im Jahr 1991 lud ihn Storm King ein, ihr Eigentum zu beehren Schunnemunk-Gabel, vier Stahlplatten inmitten üppiger Hügellandschaften. Serra erhielt in dieser Zeit auch zunehmend Impulse von japanischen Zen-Gärten, fasziniert von dem Konzept der Skulptur als endloses Versteckspiel, das auf den ersten Blick nie zu verstehen war. Ebenso sein 1994 Schlange dekorierte das Guggenheim Bilbao mit gewundenen, aus Stahl geschmiedeten Wegen, die den Betrachter dazu anregten, sich durch den negativen Raum zu schlängeln. Zwischen monumentalen Bögen, schwindelerregenden Spiralen und runden Ellipsen reformierte Serra auch seine strukturellen Perspektiven. Sein künstlerisches Vokabular quoll über von krummlinigen Formen, während er seine italienischen Erinnerungen durchkämmte und eine neue erfand Drehmoment Ellipse (1996) Serie. Ellipse mit doppeltem Drehmoment , sein beliebtestes, wirkt der eckigen Fassade der römischen Kirche San Carlo alle Quattro Fontane entgegen, indem es die Betrachter in einen fließenden, kreisförmigen Behälter einschließt. Neu entdeckte Gelassenheit umhüllte Serras bahnbrechende skulpturale Oase.

Jo durch Richard Serra , 2000, Pulitzer-Kunststiftung, St. Louis

Aufbauend auf der Dynamik seiner gut aufgenommenen Ellipsen prägten Serras belebte Instinkte seine Praxis in den 2000er Jahren. Er begann sein Jahrzehnt mit einer Spin-off-Serie Torque-Spiralen, eingeweiht durch eine elliptische Skulptur aus gewalztem Stahl, die Joseph Pulitzer gewidmet ist. Kontrastiert den fröhlichen blauen Himmel mit der stimmungsvollen Farbpalette seines Mediums, Joe (2000) verkapselte einen autonomen Bereich innerhalb der Pulitzer Art Foundation, der der Ebbe und Flut des Alltags ausgesetzt war. Im Jahr 2005 kehrte Serra in seine Heimatstadt San Francisco zurück, um seine allererste öffentliche Skulptur in der Stadt zu installieren. Ballast. Im selben Jahr gedachte auch das Guggenheim Bilbao Die Frage der Zeit, eine Dauerausstellung, die die sieben Ellipsen von Serra zeigt. Dort beschworen Schlangenpassagen einen Mangel an Sicherheit bei einem gefährdeten Publikum und verrieten trotz einer scheinbar stabilen Konstruktion Logik. Seitdem ist er auch verwirklicht Skulpturen in Katar, und gefeierte Wechselausstellungen in Blue-Chip-Galerien wie Gagosisch. Seine zeitgemäße Karriere hält auch heute noch mit 80 Jahren an.

Was ist das kulturelle Erbe von Richard Serra?

Richard Serra neben seinem geneigten Bogen durch Arthur Mones , 1988, Brooklyn-Museum

Heute gilt Richard Serra weithin als einer der größten amerikanischen Bildhauer des 20. Jahrhunderts. Künstler und Architekten nennen ihn gleichermaßen als Motivation dafür, öffentliche Installationen kontinuierlich in den Vordergrund der Avantgarde zu rücken und ihren Zweck von institutionell zu utilitaristisch zu ändern. Doch trotz des kritischen Erfolgs glauben einige feministische Historiker, dass Serras machohafte Prahlerei ein patriarchalischer Prototyp des Nachkriegsamerikas ist. Nachfolgende Wegbereiter der Moderne wie Judy Chicago lehnten diese männlichen Ideale als veraltet ab und positionierten die Skulptur neu, um trotz der Verwendung großartiger Materialien beeindruckend zu wirken. Trotz des Widerstands der nachfolgenden Generationen sind Serras wegweisende Prunkstücke schwer zu ignorieren, ein direktes, greifbares Nebenprodukt seiner mächtigen künstlerischen Präsenz. Zuschauer auf der ganzen Welt wandern jeden Tag durch diese meditativen Zufluchtsorte in der Hoffnung, sein komplexes Genie noch einmal zu verstehen, und erinnern sich jedes Mal mit erfrischter Einsicht an unsere Körperlichkeit. Richard Serra erhebt sich wie ein verlockendes Zeugnis der Kunst als gesellschaftliche Funktion, erhaben, aber niemals völlig statisch, und erinnert immer an das Außergewöhnliche.