Die nihilistische Verzweiflung in den Bildern von Alberto Giacometti

Alberto Giacometti sitzt mit seinen Skulpturen , via Gagosian Gallery, New York (links); mit Sitzender Mann von Alberto Giacometti , 1950, über Christie’s (rechts)

Alberto Giacometti war ein Schweizer Bildhauer und Maler Kubismus , Surrealismus und zeitgenössische Kunst während des 20. Jahrhunderts. Er ist vor allem für seine totemartigen, humanoiden Skulpturen bekannt und gilt als einer der produktivsten Bildhauer seiner Zeit. Seine Gemälde waren jedoch auch einzigartig in ihrer Abstraktion und ihrem Gefühl von rauer Trostlosigkeit. Lesen Sie mehr für eine Analyse der existenziellen Verzweiflung von Giacomettis Gemälden.

Der Kontext von Alberto Giacomettis Werk

Die Mutter des Künstlers von Alberto Giacometti , 1950, über MoMA, New York

es wäre nicht so schlimm. Wenn ich nur einen Kopf machen könnte, einen Kopf, nur einmal, dann hätte ich vielleicht eine Chance, den Rest zu machen, eine Landschaft, ein Stillleben. Aber es ist unmöglich

-Alberto Giacometti

Die Werke des Schweizer Künstlers Alberto Giacometti definieren sich über das, was ihnen fehlt. Wie die Welt um ihn herum in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts vom Krieg verwüstet, niedergerissen und bedeutungsreduziert wurde, zeigten Giacomettis Werke dieselbe desolate Kargheit. Seine Skulpturen und Gemälde sind auf die bloße, leichteste Version ihrer selbst reduziert. Figuren erscheinen ausgetrocknet und deformiert , und sogar die Porträts haben Mühe, sich an Ähnlichkeit zu erinnern. Alle drei, Giacometti, der Dargestellte und der Betrachter, bleiben voneinander isoliert. Die Unfähigkeit von Giacomettis Werken, trotz seines unerbittlichen Prozesses ihren Zweck zu erfüllen, vermittelt das Gefühl, dass das Bedeutungspotential vollständig erodiert ist. Dies ist das existenzielle Angst die Giacomettis Kunst durchdringt.

Isaku Yanaihara von Alberto Giacometti , 1956, über das Art Institute of Chicago

Alberto Giacomettis Reduktionsprozess kommt in seinem Werk auf unterschiedliche Weise zum Ausdruck. In seinen Skulpturen grub er Figuren auf den Punkter würde deinen Kopf wie eine Messerklinge aussehen lassen. Auch in seinen Gemälden war er dafür bekannt, ein Porträt endlos zu überarbeiten, bis fast nichts mehr übrig blieb. Wenn man über die Erfahrung des Malens des Philosophen spricht Isaku Yanaihara , bemerkte GiacomettiFrüher haben wir den ganzen Tag gearbeitet, und am Abend war es ein Gemälde. Und je mehr es klappte, desto mehr verschwand er.Eine der stärksten Konstanten in Giacomettis Werk ist, dass die Unfähigkeit, Bedeutung aufzudecken, ihn dazu treibt, seine Motive so beharrlich zu deformieren und neu zu konstituieren. In Anbetracht dessen kommt dieser Gedanke am besten in seinen Gemälden zum Ausdruck, sogar noch besser als in den Skulpturen, aufgrund der Natur der gegenständlichen Malerei als Ganzes sowie der Krise von modernistische Malerei , insbesondere in Bezug auf die Fotografie und ihre Versuche, sich neu zu erfinden.

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Warum Malen für Giacometti unmöglich war

Schwarze Annett von Alberto Giacometti , 1962, über das Guggenheim Museum, New York

Nehmen Sie in Bezug auf die Krise der modernistischen Malerei dieses Zitat, das Alberto Giacometti von seinem Biografen zugeschrieben wird: Jakob Herr :

Es sei unmöglich, ein Porträt zu malen, sagte er. Ingres könnte es tun. Er könnte ein Porträt fertigstellen. Es war ein Ersatz für ein Foto und musste von Hand gemacht werden, weil es damals keine andere Möglichkeit gab. Aber das hat jetzt keine Bedeutung. Das Foto existiert und das ist alles.

(James Lord, Ein Giacometti-Porträt , S. 9)

Aufgrund der allmählichen Ablösung der Ölfarbe von der realistischen Darstellung ist das Finish eines Stücks schwer fassbar geworden. In der modernistischen Malerei, an der Alberto Giacometti beteiligt war, konnte das Ziel nicht mehr nur illusionistisch sein, da Gemälde als die überzeugend echt aussehenden Bilder überholt waren. Dieser Titel gehörte nun zum Foto. Seit der Erfindung der Fotografie sind Maler gezwungen, über das Visuelle hinauszugehen, müssen sich aber dennoch an die Mittel des Visuellen halten. Das ist die Unmöglichkeit der Malerei. Der Maler muss eine bildliche Illusion erzeugen, kann aber eine solche Aufgabe nie adäquat erfüllen. Irgendwann muss das Bild zur Ruhe kommen und dieser Punkt kann nicht ganz befriedigend sein, daher Giacomettis Beharren darauf, dass er ein Bild nicht fertigstellen kann.

Jean Genet von Alberto Giacometti , 1954-55, über Tate, London

Die Existenz eines neuen Standards in der gegenständlichen Bildsprache ließ die Malerei in eine Identitätskrise geraten. Vor allem in der ersten Hälfte Das 20. Jahrhundert , als Alberto Giacometti lebte und arbeitete, verspürte die Malerei einen zunehmenden Druck der Fotografie als alternative Form der gegenständlichen Bildsprache. Als die Farbfotografie in den 1940er und 50er Jahren kommerziell erhältlich wurde, veränderte sich die Identität der Malerei radikal und führte zu Bewegungen wie Abstrakter Expressionismus , in der die Repräsentation vollständig aufgehalten wurde, um die Qualitäten zu verdinglichen, die Malerei von Fotografie unterschieden, wie Materialität und Prozess. Umgekehrt gab es in anderen Kunstformen wie der Bildhauerei keinen äußerst realistischen Ersatz. Während die Bildhauerei sicherlich am selben Bogen der Moderne wie die Malerei teilnahm und in einigen Fällen den Weg ebnete (Der enorm einflussreiche Bildhauer Constantin Brancussi , war zum Beispiel einer der frühesten abstrakten Expressionisten), gab es nicht den gleichen Druck, sich neu zu erfinden und neu zu etablieren.

Grundfragen der Malerei

Mann zeigt von Alberto Giacometti , 1947, über Tate, London

Was die Natur der Malerei und ihre Relevanz für Alberto Giacomettis Streben angeht, können wir dies wieder verstehen, indem wir sie mit der Skulptur vergleichen. Skulpturen, auch gegenständliche, können als Referenzen auf sich selbst fungieren. Eine skulpturale Darstellung hat notwendigerweise eine versichernde Realität, weil sie durch ihre Dimensionalität besser in der Lage ist, die Natur eines realen, physischen Subjekts genau wiederzugeben. Die gegenständliche Malerei hingegen ist lediglich illusionistisch, und ihre physikalischen Eigenschaften sind oft eher ein Hindernis für die Fähigkeit, das Motiv zu reflektieren, als ein Vorteil. Sichtbare Pinselstriche, die Maserung der Leinwand oder die pastosen Farbschichten lenken die Aufmerksamkeit auf die Künstlichkeit eines Werks. Malerei eignet sich nicht annähernd so gut zur Darstellung von Objekten in der beobachtbaren Welt wie Skulptur. Malerei kann unglaublich effektiv sein, um Szenen oder den Sinn von Licht einzufangen, aber Form ist das Territorium der Skulptur.

Vor diesem Hintergrund lässt sich beobachten, wie sich Alberto Giacometti mit den Unzulänglichkeiten der Malerei auseinandersetzt. In Giacomettis Gemälden besteht das Motiv aus einer Masse sich kreuzender Linien. Gelegentlich erstreckt sich diese Behandlung über das gesamte Bild, konzentriert sich jedoch typischerweise nur auf den Kopf, wobei der Rest des Raums ungeformt bleibt oder nur durch verschwommene Farbmassen angedeutet wird, die von der Dargestellten ausstrahlen. Bemerkenswerterweise beschreibt er den Kopf normalerweise nicht in Bezug auf irgendetwas anderes, sondern beabsichtigt stattdessen, seine Präsenz über die Umstände hinaus festzustellen, unter denen er ihn beobachtet. Sein Ziel beim Malen ist es nicht, eine ganze Szene oder einen ganzen Raum zu betrachten, sondern eine bestimmte Form zu manifestieren. Auf diese Weise ist seine Malerei skulptural.

Diego von Alberto Giacometti , 1959, über Tate, London

Dies zeigt Giacomettis absolute Fixierung auf eine einzige Form, den Kopf, oft unter Ausschluss von allem anderen. In Giacomettis Gemälden, wo die Form ein primäres Thema ist, wenn nicht das einzige, wird das Medium sofort auf die Probe gestellt und seine Grenzen aufgedeckt. Die Existenz dieser Einschränkungen wird durch Giacomettis unermüdliches Streben nach der greifbaren Form nur noch verschärft. Im Laufe seines mühsamen Prozesses können wir beobachten, wie Giacometti in seinen Gemälden nach und nach Formen neu strukturiert, am deutlichsten die Köpfe und Körper seiner Dargestellten. Er arbeitet gegen die Unmöglichkeit eines realen Porträts und versucht, grundlegende Fragen der Malerei über das Medium selbst zu lösen. Der Körper seines Modells und das Bild, das ihn beherbergt, beginnen sich entgegen der Intuition zu verformen.

Sitzender Mann von Alberto Giacometti, 1949, über Tate, London

Als weiteres Beispiel für Alberto Giacomettis Auseinandersetzung mit den Themen der Malerei ist seine Gewohnheit, einen Rahmen für das Thema zu ziehen, bemerkenswert. Ein gängiges Mittel in Giacomettis Bildern ist die Rahmung eines Bildes im Bild; er zeichnet oft eine weitere Box innerhalb der Grenzen der Leinwand, in der das gesamte Bild entsteht, wobei die Ränder unbehelligt bleiben. Er erkennt die künstliche Rahmung eines Gemäldes an und übertreibt sie. Dies funktioniert, um das Subjekt zu formalisieren, es einzufangen und die vollständige Isolierung des Bildes und des Körpers von der Außenwelt sicherzustellen. Das Bild erscheint deutlicher und getrennt von der Außenwelt. In gewisser Weise unterstützt Giacometti durch diese Isolierung des Bildes den Versuch, Form in seiner Malerei zu manifestieren, da sie weniger den Standards der tatsächlichen, dimensionalen Form verpflichtet ist. In einem anderen Sinne ist die Übertreibung der künstlichen Begrenzungen der Bildebene eine Art Selbstsabotage, die sicherstellt, dass das Motiv des Gemäldes niemals mit einer buchstäblichen Form verwechselt werden kann. Was jedoch klar ist, ist Giacomettis Engagement für die Tradition und die Grenzen der gegenständlichen Malerei und seine Weigerung, die Natur seiner Arbeit zu verschleiern; Er will in der Malerei zu seinen eigenen Bedingungen eine greifbare Form erreichen: den etablierten Bedingungen der Ölmalerei.

Der Bedeutungsverlust in Alberto Giacomettis Gemälden

Caroline von Alberto Giacometti , 1962, über das Art Institute of Chicago

In Alberto Giacomettis Werk geht es um Verlust. Dies erscheint buchstäblich durch seinen unaufhörlichen, reduzierenden Prozess und abstrakter durch seine Auseinandersetzung mit dem Nihilismus. Während das Thema in seiner Praxis allgegenwärtig ist, gibt es ein besonderes gemeinsames Gefühl zwischen Malerei und dieser Art von Existentialismus. Der Bedeutungsverlust in einer unruhigen Welt, wie er sich in einem veralteten Medium widerspiegelt, das verzweifelt nach einem neuen Zweck sucht. Die gescheiterten Versuche des Künstlers, etwas aus der Leere der Angst zu fassen, fallen zusammen mit der Vergeblichkeit, etwas Greifbares in der Malerei zu beschwören. So wie sich in der Welt um Giacometti die zerbrechliche Bedeutungsillusion auflöst, so verschwindet die Formillusion aus der Malerei bei der geringsten Veränderung der Wahrnehmung.