Barnett Newman: Spiritualität in der modernen Kunst

Barnett Newman war ein amerikanischer Maler, der Mitte des 20. Jahrhunderts arbeitete. Er ist vor allem für seine Gemälde mit langen vertikalen Linien bekannt, die Newman Reißverschlüsse nannte. Newmans Werk überbrückt nicht nur die Kluft zwischen abstraktem Expressionismus und Hard-Edge-Malerei, sondern beinhaltet auch einen tiefen Sinn für Spiritualität, der ihn von anderen Malern dieser Zeit unterscheidet. Lesen Sie weiter, um mehr über den berühmten Künstler zu erfahren.
Barnett Newman und der abstrakte Expressionismus

Onement, I von Barnett Newman , 1948, über MoMA, New York
Barnett Newmann Die reifen Gemälde von sind an flachen, einfarbigen Scheiben zu erkennen, die mit dünnen, vertikalen Streifen geschnitten sind. Newman kam relativ spät in seiner Karriere zu diesem Stil, begann in prototypischer Weise in den späten 1940er Jahren und entwickelte sich in den frühen 50er Jahren weiter. Zuvor arbeitete Newman in einem surrealistisch-angrenzenden Stil, vergleichbar mit einigen seiner Zeitgenossen, wie z Arshile Gorki und Adpol Gottlieb , mit locker gezeichneten, improvisierten Formen, die sich über die Oberfläche ausbreiten. Nachdem sie die kompositorische Kraft dieser neuen Zip-Gemälde entdeckt hatten, dominierten sie Newmans Praxis für den Rest seines Lebens.
Das erste Stück, in dem Newman eine vertikale Linie von oben nach unten auf seine Leinwand malte, war Onement, I von 1948. Dieses Stück behält den malerischen Touch von Newmans früheren Arbeiten bei, der in den kommenden Jahren abnehmen würde. Nur vier Jahre später, in Einheit, V Die Kanten haben sich deutlich verschärft und der Lack ist abgeflacht. In den 50er Jahren wurde Newmans Technik noch schärfer und präziser geometrisch, bis zum Ende dieses Jahrzehnts durch und durch scharfkantig. Eines ist sicher, Newman überbrückte die Lücke zwischen Abstraktem Expressionismus und Hard-Edge-Malerei.

Einheit, V von Barnett Newman , 1952, über Christie’s
Das Erscheinen von Newmans Werken ab den 1950er Jahren erschwert die Beziehung seiner Arbeit zum künstlerischen Trend von Abstrakter Expressionismus , mit dem er oft identifiziert wird. Aber ist Newman wirklich ein Künstler, der mit dem Abstrakten Expressionismus verbunden ist? Der Begriff „Expressionismus“ ist für Newmans Werk nicht unbedingt relevant, zumindest was seine typische Bedeutung in der Kunst betrifft. Diese abstrakten Gemälde haben sicherlich eine emotionale Dimension, aber es fehlt ihnen die Spontaneität, Intuition und Kraft, die mit der abstrakten expressionistischen Malerei verbunden sind. Newman verringerte im Laufe seiner Karriere die Sichtbarkeit der menschlichen Note in seinen Gemälden.
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Vielen Dank!Infolgedessen ist es schwierig, einen Großteil der Arbeiten, die Newman von den 1950er Jahren bis zu seinem Tod produzierte, als reinen Abstrakten Expressionismus zu betrachten. Mit diesen Gemälden zeichnet Newman den Lauf der Jahrhundertmitte nach abstrakte Kunst , weg von expressiveren Tendenzen hin zu einer Verneinung des Werks als von Menschenhand geschaffenes Objekt. Newman verfeinert jedoch immer wieder seine Herangehensweise an diese eine Komposition: Ein fester Boden, geteilt durch Reißverschlüsse.
Die Spiritualität von Newmans Werk

Ein edler, heldenhafter Mann von Barnett Newman , 1950-51, über MoMA, New York
Wenn man über ihre formalen Qualitäten hinausgeht und stattdessen über den Zweck und die Wirkung von Barnett Newmans Gemälden spricht, sind sie ebenso eng mit ihnen verwandt Byzantinisch und Renaissance religiöse Kunst in Bezug auf die Arbeit von Newmans Zeitgenossen. Eine Parallele kann auch zu gezogen werden Romantisch Maler des 19. Jahrhunderts, wie z Caspar David Friedrich , und ihr Streben nach dem Erhabenen durch die Natur. Tatsächlich versuchten Newmans flache Farbflächen, ein Gefühl spiritueller Ehrfurcht hervorzurufen, wenn auch natürlich auf ganz andere Weise als die vormodernen Maler religiöser Szenen oder die konventionellen Naturdarstellungen der Romantiker.
Newman selbst erklärte diesen Unterschied sehr gut, als er schrieb, dass der Wunsch, die Schönheit zu zerstören, das Herzstück der Moderne sei. Das heißt, eine Spannung zwischen einem Ausdruck und seiner Vermittlung unter Beachtung ästhetischer Schönheit. In der Praxis bedeutet dies, dass Newman alle Barrieren und Stellvertreter für spirituelle, sublimieren Erfahrung, um seine Kunst so nah wie möglich an eine eigene spirituelle Erfahrung heranzuführen. Figuren oder Darstellungen jeglicher Art werden in Newmans Werk aufgegeben; symbole und narrative sind unnötig oder sogar schädlich, um nähe zu gott zu erreichen. Vielmehr sah Newmans Vorstellung vom Erhabenen ihre Erfüllung in der Zerstörung von Repräsentationen und Verweisen auf das tatsächliche Leben. Für ihn war das Erhabene nur durch den Verstand zugänglich.

Moment von Barnett Newman , 1946, über Tate, London
In einem (n Interview Zusammen mit dem Kunstkritiker David Sylvester beschrieb Barnett Newman 1965 den Zustand, den er sich von seinen Gemälden beim Betrachter erhoffte: Das Gemälde sollte dem Menschen ein Gefühl von Ort vermitteln: dass er weiß, dass er da ist, also sich seiner selbst bewusst ist. In diesem Sinne bezieht er sich auf mich, als ich das Bild gemacht habe, weil ich in diesem Sinne dort war … Für mich hat dieses Gefühl von Ort nicht nur ein Gefühl von Mysterium, sondern auch ein Gefühl von metaphysischen Tatsachen. Ich bin dem Episodischen misstrauisch geworden und hoffe, dass meine Malerei die Wirkung hat, jemandem wie mir das Gefühl seiner eigenen Ganzheit, seines eigenen Getrenntseins, seiner eigenen Individualität und gleichzeitig seiner Verbundenheit zu geben andere, die ebenfalls getrennt sind.
Barnett Newman interessierte sich für die Kraft der Malerei, um zu helfen, mit den eigenen Existenzbedingungen zu rechnen. Die Reduktion des Bildes kann also als Negation jedes Versuchs verstanden werden, sich in einer falschen Version der Welt zu verlieren. Stattdessen sollte es den Betrachter tiefer in sich selbst und die Wahrheit der Welt um ihn herum versetzen.
Newman und Götzendienst

Erste Station von Barnett Newman , 1958, über die National Gallery of Art, Washington
Barnett Newmans Herangehensweise an Spiritualität in der Kunst war und ist unverwechselbar, stützt sich stark auf die Innovationen der Moderne und nimmt wohl weitere Entwicklungen vorweg. Dennoch verließ er die Geschichte der religiösen Kunst in seiner Praxis nicht; diese Verbindung wird in den Titeln von Newmans Gemälden konkretisiert. Viele seiner Werke sind nach biblischen Figuren oder Ereignissen benannt, wie etwa die Serie „Kreuzwegstationen“.
Obwohl die Stücke eher abstrakt als bildhaft sind, sind diese Titel ein Überbleibsel der narrativen und figurativen Ideen, die Newman und seine Praxis geprägt haben. Diese Titel helfen Newman, eine offene Verbindung zur Spiritualität aufrechtzuerhalten, und ordnen ihn in die lange Linie der religiösen Kunst Abrhams ein. In einer Analyse des Kunstkritikers Newman schrieb Arthur Danto :
Abstrakte Malerei ist nicht inhaltslos. Vielmehr ermöglicht es die Darstellung von Inhalten ohne bildliche Grenzen. Aus diesem Grund glaubten ihre Erfinder von Anfang an, dass die Abstraktion mit einer spirituellen Realität ausgestattet war. Es war, als hätte Newman einen Weg gefunden, Maler zu sein, ohne gegen das zweite Gebot zu verstoßen, das Bilder verbietet.
(Dando, 2002)

Abraham von Barnett Newman , 1949, über MoMA, New York
In gewisser Weise hat Barnett Newman das Problem des Götzendienstes gelöst, indem er Gemälde zu bestimmten biblischen Themen anfertigte, die frei von Repräsentationen sind. Obwohl Newman möglicherweise keine repräsentativen Bilder der biblischen Figuren und Geschichten schafft, an die seine Titel erinnern, sind seine Objekte in einem anderen Sinne eine viel größere Form des Götzendienstes als repräsentative Gemälde biblischer Figuren; Newman-Gemälde sind Objekte, die dazu bestimmt sind, das Erhabene zu erreichen und eine spirituelle Erfahrung zu ihren eigenen Bedingungen zu schaffen, was bedeutet, dass seine Gemälde zu Objekten der Anbetung werden.
Barnett Newmans Herangehensweise kann hier mit religiösen Traditionen verglichen werden, in denen Götzendienst verboten ist, wie dem Islam, wo abstrakte, dekorative Muster und Kalligrafie gängige Kunstformen sind. Newman bewegt sich ganz gezielt an diesen gezielt intellektualisierten Abstraktionen der Sprache vorbei, um eine Ästhetik zu verfolgen, die näher an den voll emotionalen Äußerungen der ersten Menschen liegt. Wie Newman bringt es auf den Punkt : Der erste Ausdruck des Menschen war, wie sein erster Traum, ein ästhetischer. Sprache war eher ein poetischer Aufschrei als eine Forderung nach Kommunikation. Der ursprüngliche Mensch schrie seine Konsonanten, tat dies in Schreien der Ehrfurcht und des Zorns über seinen tragischen Zustand, über sein eigenes Selbstbewusstsein und über seine eigene Hilflosigkeit gegenüber der Leere. Newman interessiert es, den wesentlichsten Grundzustand der menschlichen Existenz zu finden und ästhetisch auszudrücken. Dies führt ihn dazu, seine Kompositionen so gründlich zu reduzieren, bis nur noch wenige Segmente getrennter Farbe übrig bleiben.
Barnett Newman: Glaube an die Malerei, Glaube an die Menschheit

Schwarzes Feuer ich von Barnett Newman , 1961, über Christie’s
Barnett Newmans Behandlung der Malerei als etwas mit der Kraft, existenziell zu erheben und zu erfüllen, unterscheidet ihn von den meisten anderen Künstlern der Mitte des 20. Jahrhunderts. In der Trostlosigkeit der Folgen des Zweiten Weltkriegs konnten viele Künstler diese Bedeutung nicht aufrechterhalten und nutzten ihre Arbeit stattdessen zur Verarbeitung oder Artikulation eines neuen, nihilistischen Weltbildes. Als Beispiel für Newmans gegenteilige Überzeugung sagte er einmal: Wenn mein Werk richtig verstanden würde, wäre es das Ende von Staatskapitalismus und Totalitarismus. Das Besondere an Newman in diesem Klima war seine Fähigkeit, Kunst trotz der unmöglichen Schrecken der Welt immer noch mit Spiritualität und einem echten Zweck zu versehen.
Die Schönheit und Stärke von Barnett Newmans Arbeit ist dieses unerschütterliche Selbstvertrauen, das zu einer Zeit ankommt, als so etwas noch nie so schwer aufrechtzuerhalten war. Newman spekulierte einmal über die Ursprünge dieses fast wahnhaften Engagements für die Kunst: Was ist die Daseinsberechtigung, was ist die Erklärung für den scheinbar wahnsinnigen Drang des Menschen, Maler und Dichter zu sein, wenn es nicht ein Akt des Trotzes gegen den Sündenfall des Menschen ist und eine Behauptung, dass er zum Adam des Gartens Eden zurückkehrt? Denn die Künstler sind die ersten Menschen. (Newman, 1947) Trotz der Tiefe des Untergangs der Menschheit oder des Schreckens ihrer Taten erinnert sich Newman immer daran, was sein könnte. Durch die Malerei nährt er diese Vision und bringt den Mut auf, sie von anderen gefühlt zu sehen.