10 LGBTQIA+-Künstler, die Sie kennenlernen sollten

Jamaikanische Romanze von Felix d’Eon, 2020 (links); mit Liebe auf der Jagd von Felix d’Eon, 2020 (rechts)

Im Laufe der Geschichte und bis in die Gegenwart hat Kunst als Quelle der Solidarität und Befreiung für Menschen in der LGBTQIA+-Community fungiert. Egal, woher auf der Welt der Künstler oder das Publikum kommt oder welchen Hindernissen sie als LGBTQIA+-Menschen begegnet sind, Kunst ist die Brücke für Menschen aus allen Lebensbereichen, um zusammenzukommen. Hier ist ein Einblick in zehn außergewöhnliche LGBTQIA+-Künstler, die ihre Kunst nutzen, um sich mit ihrem queeren Publikum zu verbinden und ihre eigene einzigartige Identität zu erforschen.

Schauen wir uns zunächst fünf verstorbene Künstler an, die den Weg für die LGBTQIA+-Künstler von heute geebnet haben. Ungeachtet des sie umgebenden sozialen oder politischen Klimas haben sie diese Hindernisse überwunden, um Kunst zu schaffen, die ihre LGBTQIA+-Identität und ihr Publikum anspricht.

LGBTQIA+-Künstler des 19. Jahrhunderts

Simeon Salomo (1840-1905)

Simeon Salomo , über das Simeon Solomon Research Archive

Von einigen Gelehrten als angesehen der vergessene Präraffaeliten , Simeon Solomon war im späten 19. Jahrhundert ein jüdischer Künstler in England. Solomon war eine bemerkenswerte Person, die trotz der vielen Herausforderungen, mit denen er konfrontiert war, weiterhin schöne Kunst produzierte, die seine einzigartige und facettenreiche Identität erforschte.

Im Sappho und Erina , eines der berühmtesten Werke Salomos, die Griechischer Dichter Sappho , eine legendäre Person, die zum Synonym für ihre lesbische Identität geworden ist, teilt einen zärtlichen Moment mit der Geliebten Erinna. Die beiden teilen sich ausdrücklich einen Kuss – diese sanfte und romantische Szene lässt nicht viel Raum für heterosexuelle Interpretationen.

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Sappho und Erinna in einem Garten bei Mytilene von Simeon Solomon , 1864, über Tate, London

Sinnliche körperliche Nähe, androgyne Figuren und natürliche Umgebungen sind alles Elemente, die von der verwendet werden Präraffaeliten , aber Solomon verwendete diesen ästhetischen Stil, um Leute wie ihn darzustellen und homoerotisches Verlangen und Romantik zu erforschen. Solomon wurde schließlich wegen versuchter Sodomie verhaftet und inhaftiert und zu diesem Zeitpunkt von der künstlerischen Elite abgelehnt, einschließlich vieler der präraffaelitischen Künstler, zu denen er aufgeschaut hatte. Er lebte viele Jahre in Armut und sozialem Exil, schuf jedoch bis zu seinem Tod Kunstwerke mit LGBTQIA+-Themen und -Figuren.

Violet Oakley (1874-1961)

Violette Oakley-Malerei , über das Norman Rockwell Museum, Stockbridge

Wenn Sie jemals durch die Straßen gegangen sind und die historischen Stätten in der Stadt Philadelphia, Pennsylvania, besichtigt haben, sind Sie höchstwahrscheinlich einer Reihe von Werken von Angesicht zu Angesicht begegnet Violet Oakley . Oakley wurde in New Jersey geboren und war um die Wende des 20. Jahrhunderts in Philadelphia tätig. Er war Maler, Illustrator, Wandmaler und Glasmaler. Oakley wurde von den Präraffaeliten und den Präraffaeliten inspiriert Kunst- und Handwerksbewegung , die ihre Bandbreite an Fähigkeiten zuschreibt.

Oakley wurde beauftragt, eine Reihe von Wandmalereien für das Pennsylvania State Capitol Building zu machen, deren Fertigstellung 16 Jahre dauern würde. Oakleys Arbeit war Teil anderer bemerkenswerter Gebäude in Philadelphia, wie der Pennsylvania Academy of Fine Arts, der First Presbyterian Church und des Charlton Yarnell House. Das Charlton Yarnell House oder Das Haus der Weisheit , wie es genannt wurde, enthält eine Kuppel aus Buntglas und Wandmalereien Das Kind und die Tradition .

Das Kind und die Tradition von Violet Oakley , 1910-11, über das Woodmere Art Museum, Philadelphia

Das Kind und die Tradition ist ein perfektes Beispiel für Oakley vorausschauendes Denken Perspektive, die in fast allen ihren Werken präsent war. Wandbilder, die Visionen einer feministischen Welt enthalten, in der Männer und Frauen gleichermaßen existieren und in der eine häusliche Szene wie diese in einem von Natur aus queeren Licht dargestellt wird. Zwei Frauen erziehen das Kind und sind umgeben von allegorischen und historischen Figuren, die eine vielfältige und fortschrittliche Bildung symbolisieren.

In Oakleys Leben erhielt sie hohe Ehrenmedaillen, erhielt große Aufträge und lehrte an der Pennsylvania Academy of Fine Arts, womit sie die erste Frau war, die viele dieser Dinge tat. Sie tat all dies und mehr mit der Unterstützung ihres Lebenspartners, Edith Emerson , ein weiterer Künstler und Dozent an der PAFA. Oakleys Vermächtnis prägt die Stadt Philadelphia bis heute.

LGBTQIA+-Künstler des 20. Jahrhunderts

Claude Cahun (1894-1954)

Ohne Titel (Selbstbildnis mit Spiegel) von Claude Cahun und Marcel Moore , 1928, über das San Francisco Museum of Modern Art

Claude Cahun wurde am 25. Oktober 1894 in Nantes, Frankreich, als Lucy Renee Mathilde Schwob geboren. Mit Anfang Zwanzig nahm sie den Namen Claude Cahun an, der wegen seiner Geschlechtsneutralität gewählt wurde. In dem 19. und frühes 20. Jahrhundert , Frankreich gedieh mit Menschen, die soziale Normen wie Geschlechtsidentität und Sexualität in Frage stellten, und gab Leuten wie Cahun den Raum, sich selbst zu erforschen.

Cahun hat hauptsächlich fotografiert, obwohl sie auch in Theaterstücken und verschiedenen Performance-Kunstwerken mitgewirkt hat. Surrealismus bestimmte einen Großteil ihrer Arbeit. Mit Requisiten, Kostümen und Make-up bereitete Cahun die Bühne, um Porträts zu schaffen, die das Publikum herausfordern würden. In fast allen Selbstporträts von Cahun blickt sie den Betrachter direkt an, wie in Selbstporträt mit Spiegel , wo sie ein stereotyp weibliches Motiv eines Spiegels aufgreift und es zu einer Auseinandersetzung mit Geschlecht und dem Selbst entwickelt.

Claude Cahun [links] und Marcel Moore [rechts] bei der Vorstellung von Cahuns Buch Aveux non Avenus , über das Daily Art Magazine

In den 1920er Jahren zog Cahun mit Marcel Moore, ihrem Lebenspartner und Künstlerkollegen, nach Paris. Das Paar würde für den Rest seines Lebens in Kunst, Schreiben und Aktivismus zusammenarbeiten. Während des Zweiten Weltkriegs, als die Deutschen begannen, Frankreich zu besetzen, zogen die beiden nach Jersey, wo sie unermüdlich gegen die Deutschen kämpften, indem sie Gedichte schrieben oder britische Nachrichten über die Nazis druckten und diese Flugblätter an öffentlichen Orten auslegten, damit Nazisoldaten sie lesen konnten.

Beauford Delaney (1901-1979)

Beauford Delaney in seinem Studio , 1967, über die New York Times

Beauford Delaney war ein amerikanischer Maler, der seine Arbeit nutzte, um seine inneren Kämpfe um seine Sexualität zu verstehen und zu bewältigen. Geboren in Knoxville, Tennessee, führte ihn seine künstlerische Vision während des 20. Jahrhunderts nach New York Harlem-Renaissance , wo er sich mit anderen Kreativen wie ihm anfreundete, wie zum Beispiel James Baldwin.

Licht habe ich von Beauford gelernt, sagt Delaney Baldwin in einem Interview für das Magazin Übergang im Jahr 1965 . Licht und Dunkelheit spielen bei Delaney’s eine große Rolle Expressionist Gemälde, wie dieses Selbstporträt von 1944. Darin fällt sofort der markante Blick auf. Delaneys Augen, eines schwarz und das andere weiß, scheinen Ihre Aufmerksamkeit zu erregen und Sie zu zwingen, über seine Kämpfe und Gedanken nachzudenken, und offenbaren dem Publikum einen transparenten und verletzlichen Ort.

Selbstporträt von Beauford Delaney, 1944 über das Art Institute of Chicago

Delaney nutzte seine Kunst auch, um universelle Themen zu diskutieren. In seiner Rosa Parks-Serie fertigte er Gemälde der Schlüsselfigur der Bürgerrechtsbewegung Rosa Parks an. In einer frühen Skizze eines dieser Gemälde sitzt Parks allein auf einer Busbank und neben ihr stehen die Worte I will not bewegt. Diese kraftvolle Botschaft zieht sich durch Delaneys Werke und prägt weiterhin sein inspirierendes Vermächtnis.

Tove Janson (1914-2001)

Trove Jansson mit einer ihrer Kreationen , 1954, über The Guardian

Tove Jansson war eine finnische Künstlerin, die vor allem für sie bekannt war Mumin Comics, die die Abenteuer der Mumin-Trolle verfolgen. Obwohl die Comics eher auf Kinder ausgerichtet sind, sprechen die Geschichten und Charaktere eine Reihe von Themen für Erwachsene an, was sie bei Lesern jeden Alters beliebt macht.

Jansson hatte in ihrem Leben Beziehungen zu Männern und Frauen, aber als sie eine besuchte Weihnachtsfeier 1955 , lernte sie die Frau kennen, die ihre Lebenspartnerin Tuulikki werden würdePietilä. Pietilä war selbst Grafikerin, und gemeinsam würden sie die Welt der Mumins erweitern und ihre Arbeit nutzen, um über ihre Beziehung und die Probleme zu sprechen, in einer nicht so akzeptierenden Welt queer zu sein.

Mumintroll und Too-ticky im Muminland-Winter von Tove Janson , 1958, über die offizielle Mumin-Website

Es gibt viele Parallelen zwischen den Charakteren von Mumintal und den Menschen in Janssons Leben. Die Figur Moomintroll [links] repräsentiert Tove Jansson selbst, und die Figur Too-Ticky [rechts] repräsentiert ihre Partnerin Tuulikki.

In der Geschichte Muminland Winter , sprechen die beiden Charaktere über die seltsame und ungewöhnliche Jahreszeit des Winters und wie manche Kreaturen nur in dieser ruhigen Zeit herauskommen können. Auf diese Weise zeigt die Geschichte geschickt die universelle LGBTQIA+-Erfahrung, verschlossen zu sein, sich zu outen und die Freiheit zu haben, seine Identität auszudrücken.

Schauen wir uns nun fünf kompromisslose Künstler an, die ihre Kunst heute nutzen, um ihre Wahrheit auszusprechen. Über die unten eingebetteten Links können Sie mehr entdecken und einige dieser Leute sogar unterstützen.

Zeitgenössische LGBTQIA+-Künstler, die Sie kennen sollten

Mickalene Thomas (New York, USA)

Geboren in Camden, New Jersey und jetzt aktiv in New York, Mickalene Thomas ’ kühne Collagen, Wandbilder, Fotos und Gemälde zeigen schwarze LGBTQIA+-Leute, insbesondere Frauen, und versuchen, die oft weiße/männliche/heterosexuelle Kunstwelt neu zu definieren.

Luncheon on the Grass: Die drei schwarzen Frauen von Mickalene Thomas , 2010, über die Website von Mickalene Thomas

Die Zusammensetzung von Die drei schwarzen Frauen kommt Ihnen vielleicht bekannt vor: Édouard Manets Mittagessen auf dem Gras, oder Lunch on the Grass , ist ein Spiegelbild zu Thomas‘ Malerei. Es ist ein Trend in der Kunst von Thomas, Kunstwerke aus der Geschichte zu nehmen, die als Meisterwerke gelten, und Kunst zu schaffen, die ein vielfältigeres Publikum anspricht.

In einem (n Interview mit dem Seattle Art Museum sagt Thomas:

Ich habe mir westliche Persönlichkeiten wie Manet und Courbet angesehen, um eine Verbindung zwischen dem Körper und der Geschichte zu finden. Weil ich den schwarzen Körper nicht gesehen habe, der historisch über die Kunst geschrieben wurde, in Bezug auf den weißen Körper und den Diskurs – es gab ihn nicht in der Kunstgeschichte. Und deshalb habe ich das in Frage gestellt. Ich war nur wirklich besorgt über diesen bestimmten Raum und wie leer er war. Und wollte einen Weg finden, diesen Raum zu beanspruchen, meine Stimme und die Kunstgeschichte in Einklang zu bringen und in diesen Diskurs einzutreten.

Mickalene Thomas vor ihrer Arbeit , 2019, über das Stadt- und Landmagazin

Thomas nimmt Motive wie den weiblichen Akt, der oft unter männlichem Blick steht, und kehrt sie um. Durch das Fotografieren und Malen von Freunden, Familienmitgliedern und Liebhabern schafft Thomas eine echte Verbindung zu den Personen, die sie für künstlerische Inspiration sucht. Der Ton ihrer Arbeit und das Umfeld, in dem sie sie erschafft, ist nicht sachlich, sondern eher befreiend, feiernd und gemeinschaftlich.

Zane Muholi (Umlazi, Südafrika)

Somnyama Ngonyama II, Oslo durch Zane Muholi , 2015, über das Seattle Art Museum

Ein Künstler und Aktivist , verwendet Muholi intime Fotografie, um bestätigende Aufnahmen zu erstellen und ehrliche Diskussionen über Transgender, nicht-binäre und intersexuelle Menschen anzuregen. Ob es sich bei der Szene um Lachen und Schlichtheit handelt oder um ein rohes Porträt des Individuums, das sich an expliziten Transgender-Ritualen wie dem Binden beteiligt, diese Fotos geben Licht auf das Leben dieser oft ausgelöschten und zum Schweigen gebrachten Menschen.

Indem sie Fotos von transsexuellen, nicht-binären und intersexuellen Menschen sehen, die einfach sie selbst sind und alltäglichen Routinen nachgehen, können andere LGBTQIA+-Zuschauer Solidarität und Bestätigung in ihren visuellen Wahrheiten empfinden.

ID-Krise , aus Nur das halbe Bild Serie von Zanele Muholi , 2003, über Tate, London

ID-Krise zeigt eine Person, die sich mit der Praxis des Bindens beschäftigt, eine, mit der sich viele trans und nicht-binäre Menschen identifizieren können. Muholi fängt oft diese Art von Handlungen ein und beleuchtet in dieser Transparenz die Menschlichkeit von Transmenschen für ihre Zuschauer, egal wie sie sich identifizieren. Muholi schafft in ihrer Arbeit eine ehrliche, wahre und respektvolle Darstellung, und diese Art von Arbeit ist entscheidend. Die Kunst von Zanele Muholi wurde in bedeutenden Museen wie dem ausgestellt Tate , das Guggenheim , und das Kunstmuseum von Johannesburg.

Kjersti Faret (New York, USA)

Kjersti Faret bei der Arbeit in ihrem Studio , über die Cat Coven-Website

Kjersti Faret ist eine Künstlerin, die ihren Lebensunterhalt damit verdient, ihre Kunstwerke auf Kleidung, Aufnähern und Anstecknadeln sowie Papier zu verkaufen, alles von Hand per Siebdruck bedruckt. Ihre Arbeit ist weitgehend von mittelalterlichen Manuskripten inspiriert, Jugendstil , ihr norwegisches Erbe, das Okkulte und vor allem ihre Katzen. Mit einer Ästhetik, die von Kunstbewegungen der Vergangenheit inspiriert ist, und mit einem magischen Twist, schafft Faret Szenen voller Verzauberung, Humor und oft queerer Darstellung.

In ihrer Malerei Liebhaber , Faret erschafft eine skurrile Märchenszene einer harpyisch-lesbischen Romanze. Faret teilt ihre Gedanken zu dem Gemälde auf ihrer Instagram-Seite mit @cat_coven :

Es begann als experimenteller Scherenschnitt, nur von der goldbraunen Harpyie. Als sie größtenteils fertig war, wollte ich eine Umgebung schaffen, in die sie sich einfügen konnte. Ich hatte auch das Bedürfnis, schwule Kunst zu machen, und so war ihr Liebhaber geboren. Ich lasse mich von meinem Unterbewusstsein auf der Reise der Fertigstellung der Illustration führen. Spontan erschuf ich kleine Kreaturen, um die Welt zu bevölkern, um die Liebenden anzufeuern. Ich stelle mir das als den Moment nach ihrer epischen Liebesgeschichte vor, in dem sie endlich zusammenkommen, dieser Moment kurz bevor sie sich küssen und The End über den Bildschirm kritzelt. Ein Fest der queeren Liebe.

Liebhaber von Kjersti Faret , 2019, über die Website von Kjersti Faret

Letztes Jahr veranstaltete Faret eine Mode- und Kunstshow in Brooklyn mit anderen queeren Kreativen namens the Mystische Menagerie .Auf dem Laufsteg wurden handgefertigte Kleidungsstücke und Kostüme ausgestellt, die von mittelalterlicher Kunst inspiriert waren, und es gab auch Stände für Dutzende lokaler Künstler, die ihre Arbeiten ausstellten und verkauften. Faret hält sie weiterhin auf dem Laufenden Kunstgeschäft regelmäßig und erstellen alles von der ersten Skizze bis zum skurrilen Paket, das in Ihrem Briefkasten ankommt.

Schock McDaniel (Florida, USA)

Schock McDaniel , über die Website von Shock McDaniel

Shoog McDaniel ist ein nicht-binärer Fotograf, der atemberaubende Bilder schafft, die Fettleibigkeit neu definieren und Körper aller Größen, Identitäten und Farben zelebrieren. Indem McDaniel Modelle in verschiedene Outdoor-Umgebungen mitnimmt, wie eine Steinwüste, einen Sumpf in Florida oder einen Blumengarten, findet McDaniel harmonische Parallelen im menschlichen Körper und in der Natur. Diese kraftvolle Wirkung bestätigt, dass Fett natürlich, einzigartig und schön ist.

In einem (n Interview Mit Teen Vogue teilt McDaniel ihre Gedanken über die Parallele zwischen dicken/queeren Menschen und der Natur:

Ich versuche tatsächlich, an diesem Buch über sogenannte Körper zu arbeiten Körper wie Ozeane … Das Konzept ist, dass unsere Körper riesig und schön sind und wie ein Ozean voller Vielfalt sind. Es ist im Grunde nur ein Kommentar zu dem, was wir jeden Tag durchmachen, und zu der Schönheit, die wir haben und die man nicht sieht. Das werde ich hervorheben und die Körperteile, ich werde Bilder von unten machen, ich werde Bilder von der Seite machen, ich werde die Dehnungsstreifen zeigen.

Berühren von Shoog McDaniel , über die Website von Shock McDaniel

Berühren , eines von McDaniels vielen Fotos mit Modellen unter Wasser, zeigt das Spiel der Schwerkraft von fetten Körpern, die sich auf natürliche Weise im Wasser bewegen. Sie können die Rollen, die weiche Haut und das Drücken und Ziehen sehen, wenn die Models schwimmen. McDaniels Mission, fette/queere Menschen in natürlichen Umgebungen einzufangen, produziert nichts weniger als magische Kunstwerke, die fetten LGBTQIA+-Leuten Solidarität verleihen.

Felix d’Eon (Mexiko-Stadt, Mexiko)

Felix d’Eon , über das genagelte Magazin

Felix d’Eon ist ein mexikanischer Künstler, der sich der Kunst der queeren Liebe verschrieben hat (von sein Instagram bio) und tatsächlich repräsentiert seine Arbeit das breite Spektrum von LGBTQIA+-Leuten aus der ganzen Welt. Ein Stück könnte von a sein Shoshone-Person mit zwei Geistern , ein schwules jüdisches Paar oder eine Gruppe von Transsatiren und Faunen, die sich im Wald tummeln. Jedes Gemälde, jede Illustration und jede Zeichnung ist einzigartig, und unabhängig von Ihrem Hintergrund, Ihrer Identität oder Sexualität können Sie sich in seinen Werken wiederfinden.

In d’Eons Kunst steckt definitiv ein kunsthistorisches Bewusstsein. Wenn er sich beispielsweise entscheidet, ein japanisches Paar aus dem 19. Jahrhundert zu malen, wird er dies im Stil von tun Ukiyo-E Holzschnitte. Er macht auch Comicstrips im Mid-Century-Stil, mit schwule Superhelden und Schurken. Manchmal nimmt er vielleicht eine historische Figur ein Poet , und erstellen Sie ein Stück, das auf einem Gedicht basiert, das sie geschrieben haben. Eine große Facette von d’Eons Werk ist der traditionell mexikanisch und aztekische Folklore und Mythologie, und er hat kürzlich ein ganzes aztekisches Tarot-Deck erstellt.

Die Serenade von Felix d'Eon

Felix d’Eon schafft Kunst, die alle LGBTQIA+-Leute feiert und sie in zeitgenössische, historische oder mythologische Umgebungen versetzt. Dies ermöglicht seinem LGBTQIA+-Publikum, sich selbst im Narrativ der Kunstgeschichte zu sehen. Diese Mission ist lebenswichtig. Wir müssen die Kunst der Vergangenheit untersuchen und die Kunst der Gegenwart neu definieren, um eine ehrliche, integrative und akzeptierende künstlerische Zukunft zu schaffen.