Winslow Homer: Wahrnehmungen und Gemälde während Krieg und Wiederbelebung

Breakers beobachten von Winslow Homer , 1891, über das Gilcrease Museum, Tulsa (links); mit Porträt von Winslow Homer , 1880, über die National Gallery of Art, Washington D.C. (Mitte); und Trautes Heim, Glück allein von Winslow Homer , 1863, über die National Gallery of Art, Washington D.C. (rechts)

Winslow Homer ist ein amerikanischer Maler, der dafür bekannt ist, Bilder des Bürgerkriegs und ruhige Sommerbilder von Frauen und Kindern zu schaffen, die sich am Meer entspannen. Homer schuf jedoch eine Vielzahl von Werken, die noch heute Diskussionen hervorrufen. Homers illustrative Fähigkeiten und entsprechende Erfahrung würden ihm helfen, ihn auf seine Arbeit als Geschichtenerzähler vorzubereiten, der verschiedene Perspektiven des Lebens der Menschen im 19thJahrhundert Amerika.

Bilder des Bürgerkriegs: Winslow Homer’s Harper’s Weekly Illustrations

Unsere Frauen und der Krieg von Winslow Homer , in Harper’s Weekly, 1862, via Smithsonian American Art Museum, Washington D.C. (links); mit Erntedankfest in der Armee – nach dem Abendessen : Der Wunsch-Bon von Winslow Homer , in Harper’s Weekly 1864, via Yale University Art Gallery, New Haven (rechts)

Während der Amerikanischer Bürgerkrieg , Bilder und Berichte von der Front der Schlacht wurden zu einer bahnbrechenden Quelle für die Berichterstattung. Winslow Homer begann Mitte des 19. Jahrhunderts als freiberuflicher Illustrator für Zeitschriften zu arbeitenthJahrhundert. Er arbeitete für Harpers Weekly während des Bürgerkriegs als Künstlerreporter. Er schuf Illustrationen von weniger vertretenen Kriegsszenen, wie Frauen, die als Krankenschwestern fungieren oder Briefe für Soldaten schreiben, sowie afroamerikanische Fuhrleute bei der Arbeit oder Erholung. Es sind diese unterschiedlichen Wahrnehmungen des Krieges, die den amerikanischen Maler in seinen späteren Werken im Leben nach dem Krieg stark beeinflussen sollten.

Anstatt sich auf dramatische Bilder des Schlachtfelds zu konzentrieren, zeigten die Arbeiten von Winslow Homer auch Bilder des Alltags der Soldaten. Zu seinen Illustrationen gehörten Bilder wie Soldaten, die Thanksgiving feiern oder Fußball spielen oder in einer Kaserne leben und Mahlzeiten essen. Wie die Männer, die er darstellte, musste Homer unter rauem Klima, Nahrungsmangel und unbequemen Lebensbedingungen leiden, und er sah die gewalttätigen Ereignisse und die Nachwirkungen der Schlacht. Dieses Gefühl der Kameradschaft mit seinen Korrespondenten und Soldaten ermöglichte ihm eine andere Perspektive auf das Leben während des Krieges. Dies führte dazu, dass den Zuschauern ein Erlebnis aus erster Hand geboten und es für die Zuschauer zu Hause besser nachvollziehbar wurde.

Amerikanischer Maler des Bürgerkriegs

Die Armee des Potomac – Ein Scharfschütze im Streikpostendienst von Winslow Homer , in Harper’s Weekly, 1862, via Smithsonian American Art Museum, Washington D.C. (links); mit Scharfschütze von Winslow Homer , 1863, über Carter Museum of American Art, Fort Worth (rechts)

Winslow Homer Seine Reisen mit der Armee verschafften ihm Anerkennung und wurden zum Katalysator für seine Karriere als amerikanischer Maler. Das obige Gemälde betitelt Scharfschütze war ursprünglich eine Illustration für das Magazin, wurde aber zum Bild für sein erstes Ölgemälde. Der Betrachter befindet sich unter dem Soldaten auf einem niedrigeren Ast und blickt auf einen Scharfschützen, der zum Schießen bereit ist. Das Bild ist von den Blättern und Zweigen des Baumes umgeben, als würde der Betrachter mit dem Scharfschützen in das Laub eintauchen. Sein Gesicht ist teilweise mit seinem Hut und seiner bewaffneten Position verdeckt, was eine kalte, distanzierte Emotion vermittelt.

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Das Gewehr ermöglichte es Soldaten, aus der Ferne zu töten, nicht aus nächster Nähe, was Winslow Homer miterlebte und benutzte, um seiner Arbeit ein schreckliches Element hinzuzufügen. Es ist unklar, ob der Scharfschütze ein Leben nimmt oder eines rettet. Im Gegensatz zu anderen Kampfszenen zeigt Homer einen einsamen Soldaten in einer ruhigeren Umgebung.

Gefangene von der Front von Winslow Homer , 1866, Metropolitan Museum of Art, New York

Das Gemälde oben ist Gefangene von der Front und zeigt den Unionsoffizier (Brigadier General Francis Channing Barlow), der konföderierte Offiziere auf einem Schlachtfeld gefangen nimmt. Dies ist eines der bekanntesten Kriegsbilder von Winslow Homer und zeigt die Stadt von Petersburg, Virginia von der Union übernommen werden. Petersburg war aufgrund seiner Versorgungsleitungen entscheidend für den Gewinn des Krieges und war eine der letzten großen Städte, die erobert wurden.

Hier erscheint es fast wie eine trostlose Einöde mit Baumstümpfen und Zweigen, die auf dem Boden verstreut sind. Der mittlere konföderierte Soldat steht alt und abgemagert neben einem aufrechten und stolzen Soldaten, der immer noch trotzig ist. Es spricht sowohl die durch den Krieg verursachten Tragödien an als auch einen entscheidenden Moment, der das Ende des Krieges bedeutete. Winslow Homer fertigte dieses Gemälde nach Kriegsende an, und dies könnte einen Einfluss darauf gehabt haben, wie er diese Szene illustrierte, da Röntgenaufnahmen zeigen, dass er das Bild mehrmals verändert hat.

Rückkehr in den Süden: Die Nachwirkungen des Krieges

In der Nähe von Andersonville von Winslow Homer , 1865-66, über das Newark Museum of Art

Wie Gefangene von der Front dienten viele von Winslow Homers Bürgerkriegsillustrationen als Inspiration für Werke, die nach Kriegsende entstanden. In der Nähe von Andersonville ist eines von Homers Gemälden, das den Stillstand ehemals versklavter Völker widerspiegelt. Hier steht eine Frau zwischen einer verdunkelten Türöffnung ins helle Tageslicht. Es ist eine Metapher für eine dunkle Vergangenheit und den Schritt nach vorne in eine hoffnungsvolle und hellere Zukunft. Schauplatz ist das Gefangenenlager der Konföderierten in Andersonville, Georgia. Im Hintergrund, Konföderierte Soldaten bringen gefangene Unionssoldaten ins Gefängnis. Es ist ein Kontrast zwischen den optimistischen Seiten nach Kriegsende und der Realität, dass im Süden immer noch dunkle Dinge im Gange sind.

Neben der Tür wachsen Trinkkürbisse mit grün sprießenden Reben. Es bezieht sich auf das Sternbild Großer Wagen, das auch als a bekannt ist Trinkkürbis und ist ein Symbol der Freiheit . Die einzigen anderen Farbquellen neben den grünen Ranken sind das rote Kopftuch der Frau und das Rot der eidgenössischen Kippe links vom Bild. Wie seine anderen Gemälde wird Rot in Zeiten der Gefahr verwendet, da Rot eine Warnung vor einer bevorstehenden Bedrohung bedeuten kann.

Ein Besuch von der alten Herrin von Winslow Homer , 1876, über das Smithsonian American Art Museum, Washington D.C.

Winslow Homer kehrte in den 1870er Jahren in den Süden nach Virginia zurück. Was aus einem Amerika nach dem Bürgerkrieg hervorging, inspirierte einige von ihnen Homers die aufschlussreichsten Kunstwerke. Ein Besuch von der alten Herrin ist ein Gemälde von vier ehemals versklavten Völkern, die ihre ehemalige Herrin anstarren.

Die Afroamerikanerin steht auf Augenhöhe und sieht ihre alte Herrin direkt an. Es definiert die Spannungen zwischen den ehemaligen Meistern/Herrinnen und der neu entdeckten Freiheit ehemals versklavter Völker. Die Szene symbolisiert den Schwebezustand zwischen der Abschaffung der Sklaverei und den Kämpfen um die Definition einer neuen Lebensweise für die Menschen auf dem Gemälde. Winslow Homer kontrastiert die strenge Südstaatenfrau, die ein Symbol der Vergangenheit ist, stark mit der Gruppe von Frauen, die in die Zukunft blicken. Homer schuf selten Porträts und porträtierte stattdessen Menschen mitten in einer Handlung, die dem Betrachter das Gefühl gibt, über die Szene gestolpert zu sein und sie aus einer anderen Perspektive zu betrachten.

Sonntagmorgen in Virginia von Winslow Homer , 1877, über das Cincinnati Art Museum

Dieses Gemälde betitelt Sonntagmorgen in Virginia zeigt einen Lehrer mit drei Schülern und einer älteren Frau in einer Sklavenhütte. Hier stellt Winslow Homer die neue Generation der alten gegenüber. Eine Lehrerin sitzt mit drei Kindern, die sich um sie drängen, während sie anhand einer Bibel unterrichtet. Die Kleidung der Frau weist darauf hin, dass sie eine Lehrerin und kein Haushaltsmitglied ist, da sie im Kontrast zu der abgetragenen Kleidung ihrer Schüler steht. Homers Kontrast der Kleidung zeigt die möglichen Fortschritte für zukünftige Generationen und zeigt gleichzeitig die aktuellen Umstände und Kämpfe, mit denen die Nation konfrontiert ist. Homer konzentrierte sich später auf die Themen Lehrer, Schulkinder und das Schulhaus. Er zeigt, wie die Macht der Bildung eine wichtige Rolle für zukünftige Generationen spielte.

Ein weiterer Kontrast ist die ältere Frau, die neben der Kindergruppe sitzt. Obwohl sie körperlich nah ist, ist immer noch ein Gefühl von Distanz und Distanz vorhanden. Sie wendet sich von den lernenden Kindern ab. Ihr Alter weist auf die Bildung hin, die ihr verweigert wurde, und unterstreicht die noch nicht allzu lange schmerzhafte Vergangenheit. Sie trägt auch einen leuchtend roten Schal und ähnlich wie andere Gemälde verwendet Winslow Homer Rot in prekären Situationen. Er dämpft dies jedoch auch mit Bildern von Wiedergeburt und Hoffnung. Homers absichtliche Positionierung der jüngeren, ehemals versklavten Völker weist auf Möglichkeiten für eine gerechtere Gesellschaft hin, erkennt jedoch potenzielle Gefahren an.

Die maritimen Abenteuer von Homers Ozeanbildern

Die Nebelwarnung von Winslow Homer , 1885, über das Museum of Fine Arts Boston

Winslow Homer ist vor allem ein Geschichtenerzähler und das zeigt sich besonders in seinen maritimen Gemälden. Er nutzte seine Erfahrung als Reporter und Geschichtenerzähler, um epische Szenen von Überleben und Untergang darzustellen. Während seiner Reisen nach Europa und zurück nach Amerika wurde Homer inspiriert von den Geschichten/Mythen des Ozeans . Er reiste in den frühen 1880er Jahren nach England und erlebte das Leben und die Aktivitäten der Menschen im Fischerdorf Cullercoats, bis er sich schließlich in Prout’s Neck, Maine, niederließ, was sein Thema stark beeinflusste.

Ein Beispiel dafür ist Die Nebelwarnung oben abgebildet, das den eindringenden Nebel darstellt, der herüberkommt, um einen Fischer zu bedrohen. Winslow Homer verwendet dunkle Untertöne, um die Spannung der Szene zu erhöhen. Anstelle von leuchtendem Blau und ruhigem Himmel sind die Meereswellen tief indigoblau, während sein Himmel stahlgrau ist. Es ist unklar, ob der Fischer Zeit hat, sich in Sicherheit zu bringen, da das Schiff weit entfernt ist. Da sein Schicksal ungeklärt bleibt, überkommt den Fischer ein inhärentes Gefühl der Angst. Homer betont dieses Drama mit den Nebelwolken, die sich gegen die Wellen auftürmen, die in heftigen nebligen Schaum sprühen, der am Horizont kollidiert. Es ist die Schärfe der Wellen, die tödlich und bedrohlich erscheint. Auch der diagonale Winkel des Bootes trägt dazu bei, da diagonale Linien von Natur aus ungleichmäßig sind und Schwindel und Orientierungslosigkeit verursachen.

Die Lebenslinie von Winslow Homer , 1884, über das Philadelphia Museum of Art

Gemälde von Winslow Homer Die Lebenslinie schildert eine gefährliche Situation einer Rettung während eines Sturms. Er zeigt die beiden Figuren auf einer Hosenboje, wo ein Flaschenzug Menschen aus einem Wrack in Sicherheit bringen würde. Dies war eine neue Form der Meerestechnologie und Homer verwendet sie in einer scheinbar verwirrenden und chaotischen Situation. Das Gesicht des Mannes ist mit einem roten Schal verdeckt Frauenkleid ist zwischen ihren Beinen gefaltet, was es schwierig macht, zwischen den beiden zu unterscheiden. Der rote Schal ist die einzige Kontrastfarbe innerhalb der Szene und lenkt den Blick des Betrachters sofort auf die im Streit befindliche Frau.

Winslow Homer ließ sich davon inspirieren Japanische Holzschnitte und benutzte sie, um Farbe, Perspektive und Form zu studieren. Diese dienten ihm nicht nur als Inspiration für seine maritimen Gemälde, sondern auch für seine anderen Naturbilder. Ähnlich wie bei japanischen Drucken verwendete er asymmetrische Linien für die Wellen, die praktisch das gesamte Bild überziehen. Das Meer umschließt die Motive und zieht die Betrachter mitten in den stürmischen Sturm hinein, was das Gefühl der Dringlichkeit der Szene verstärkt.

Eine neue Zukunft ernten: Amerikas Agrarvergangenheit

Der Veteran in einem neuen Feld von Winslow Homer , 1865, über das Metropolitan Museum of Art, New York

Von Winslow Homers Meeresmalereien bis zu seinen Szenen der Bürgerkrieg und Wiederaufbau hat er sich mit Themen wie Leben, Tod und Moral auseinandergesetzt. Der Wechsel der Jahreszeiten, Zeiten und der Politik der Nation sind beständige Themen von Homer. Auf dem obigen Gemälde erntet ein Bauer ein Weizenfeld vor einem strahlend blauen Himmel. Alles scheint idealistisch mit einem einfachen Bauern und einem Weizenfeld, das den Weg zum Wandel in Amerika nach dem Bürgerkrieg symbolisiert.

Es gibt jedoch andere widersprüchliche Symbole in diesem Bild. Der Bauer trägt eine Sichel und wendet sich vom Betrachter ab. Dieses Objekt erinnert an einen Sensenmann, der die frisch geernteten Pflanzen sät, und die Tatsache, dass der Betrachter sein Gesicht nicht sieht, erhöht dieses Mysterium nur noch. Es kann auch die Nöte bedeuten, denen eine geteilte Nation gegenübersteht. Es zeigt auch Homers Interesse an Agrarbildern und der Schaffung von Bildern, die einer vergangenen Lebensweise ähnelten. Diese Art von nostalgischen Bildern wurde in dieser Zeit populär und wurde zu einigen von Homers kommerziell erfolgreichsten Gemälden.

Schnapp die Peitsche von Winslow Homer , 1872, über das Metropolitan Museum of Art, New York

Viele von Winslow Homers Gemälden nach dem Bürgerkrieg konzentrierten sich auf Bilder von Schulkindern und Frauen, entweder in Schulumgebungen oder inmitten der Natur. Er konzentrierte sich auf diese idealistische Sichtweise von Jugend und Verjüngung, die zu beliebten Themen wurden, um ein Publikum zu inspirieren, das bereit war, voranzukommen. Hier hat er sich entschieden, Schuljungen zu illustrieren, die während der Pause ein Spiel spielen. Es ist eines der beliebtesten Gemälde von Homer, da es die süße Unschuld der Kindheit zeigt. Das einräumige rote Schulhaus im Hintergrund erinnert an das frühere ländliche Amerika, weil diese Art von Schulen aufgrund der wachsenden Zahl von Menschen, die in die Städte zogen, weniger beliebt waren.

Im Vergleich zu Winslow Homers Kriegs- oder Meeresmalereien sind die hier verwendeten Farben lebendig und lebendig. Die salbeigrünen Felder sind voller frühlingshafter Wildblumen und es gibt einen endlosen blauen Himmel voller weicher weißer Wolken. Diese Farben treten in seinen Arbeiten im Vergleich zu seinen früheren Arbeiten häufiger auf. Seine Bilder aus dem Bürgerkrieg sind im Ton gedämpft, weil Wildtiere zerstört wurden, um die Schützengräben und Schlachtfelder während des Krieges zu schaffen. In den Tierbildern, die er gegen Ende seines Lebens fertigstellte, experimentierte er mit Farben und Motiven.

Winslow Homers Untersuchung der Jagd

Auf der Spur von Winslow Homer , 1892, über die National Gallery of Art, Washington D.C.

Ein anderes Medium, in dem sich Winslow Homer auszeichnete, war Aquarell, das er für Bilder des Ozeans und des Landes verwendete. Später in seiner Karriere als Amerikanischer Maler, Er wechselte zur Aufnahme von Jagdthemen, insbesondere in den New Yorker Adirondack Mountains. Wie seine Ozeanbilder stellt Homer den Menschen gegen die Natur dar und er zeigt dies, indem er Männer darstellt, die in den Wäldern von New York Hirsche jagen. Auf der Spur zeigt einen Mann mit seinen Jagdhunden auf der Suche nach ihrer Beute. Auch bei dieser Jagd umgibt Homer den Jäger noch mit einem vorherrschenden Laub- und Buschwald. Diese Elemente verbrauchen das Bild vollständig und demonstrieren das, egal was passiert; Die Natur herrscht immer vor und ist eine größere Kraft als die Menschen.

Rechts und links von Winslow Homer, 1909, über die National Gallery of Art, Washington D.C.

Hier ist ein Beispiel für eines von Winslow Homers Tiergemälden von zwei Enten mitten im Tod. Dies wurde zu einem Thema, das der amerikanische Künstler in seinem verwendete naturalistisch Gemälde gegen Ende seines Lebens. Es gibt keine Hinweise auf einen Jäger oder seine Waffe, aber die dramatischen Schläge der Vögel lassen diesen Schluss zu. Auf der linken Ente befindet sich eine kleine Menge roter Farbe, aber ob die Enten getroffen wurden oder wegfliegen, ist noch ungewiss. Ihre unberechenbare Bewegung wird durch die stacheligen Wellen des Wassers unter ihnen veranschaulicht. Dieses Bild zeigt auch Homers Studie japanischer Holzschnitte. Der Einfluss von Japanische Kunst wuchs in Europa während des 18. Jahrhunderts und kann helfen, Homers ständige Wahl von Themen in Bezug auf die natürliche Welt zu erklären.

Fuchsjagd von Winslow Homer , 1893, über die Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphia

Winslow Homers Die Fuchsjagd ist eines seiner letzten Gemälde. Hier zeigt er den Fuchs auf der Suche nach Nahrung, während er im Winter von Krähen verfolgt wird. Ähnlich zu Der Scharfschütze Homer nutzt die Perspektive, um die Spannung und Spannung weiter zu erhöhen. Der Betrachter befindet sich auf Augenhöhe mit dem Fuchs, sodass die Krähen größer erscheinen, während sie über dem Fuchs aufragen. Der Fuchs ist diagonal geneigt, was den Kampf des Fuchses betont, der sich durch den dicken Schnee bewegt.

Die rote Haut des Fuchses hebt sich auch stark von den Weiß- und Schwarz-/Grautönen des Bildes ab. Die anderen roten Flecken sind die Beeren auf der linken Seite, die das Kommen des Frühlings und neues Leben bedeuten. Winslow Homers Verwendung von Moral ist in diesen Naturbildern ebenso bedeutsam wie in seinen anderen Werken. Er schuf Szenen, die manchmal unbequem anzusehen sind, und dennoch gelingt es ihm, den Betrachter mit seinem meisterhaften Einsatz von Zeichnen und Geschichtenerzählen in seinen Bann zu ziehen.