Die harte Materialität von Frank Auerbach in der School of London

Der Maler Frank Auerbach wurde 1931 in Deutschland geboren. Um dem Naziregime zu entkommen, schickten Auerbachs Eltern ihn 1939 nach Großbritannien, wo er seitdem lebt. Auerbach hatte 1956 seine erste Einzelausstellung und blieb während seiner gesamten Karriere ein fester Bestandteil der britischen Kunst. Er hat normalerweise eine viel weniger herausragende Rolle gespielt als andere Maler in seinem Umfeld, wie Francis Bacon und Lucian Freud. Im Laufe von fast 70 Jahren in der Öffentlichkeit ist Auerbach konstant geblieben. Der Künstler bekennt sich zu seiner harten Materialität und seiner intensiven Malweise, bleibt dabei aber aufschlussreich und relevant für die zeitgenössische Kunst.

Frank Auerbach und die School of London

Kopf Gerda Böhm von Frank Auerbach , 1979-80, über die Marlborough Gallery, London

Frank Auerbachs Gemälde weisen eine schroffe Figuration auf, die sinnbildlich für die britische Kunst der Nachkriegszeit ist. Neben Malern wie z Leon Kosoff , Franz Bacon, und Lukian Freud weist Auerbachs Arbeit Ähnlichkeiten auf. Dennoch heben sich Auerbachs Gemälde ab und sind einzigartig aggressiv unter den Schule von London , die Heimat zahlreicher, bekanntermaßen aggressiver Maler. Seine Arbeit zeigt vielleicht die größte Toleranz, nicht nur für Abstraktion , aber für Verzerrung – sogar Hässlichkeit.

Sofort attackiert Frank Auerbach die Sinne mit massenhaft dicker, gesättigter Farbe, die mit Gewalt aufgetragen wird und in der Topografie erhalten bleibt. Was ihn ausmacht, ist die Bereitschaft, sich einer fantastisch chaotischen Malerei hinzugeben, wobei seine Porträts oft nur eine vage kopfförmige Form hinterlassen, die mit Linien übersät ist, die in die Oberfläche gedrückt werden und nach den Merkmalen suchen.

Im Leiter Gerda Böhm , ein Strudel aus Farben, die ineinander übergehen und in ihrer Konsistenz variieren, beginnen eher durch die Dichte der Markierungen, an denen sich der Kopf befinden sollte, als durch die visuelle Lesbarkeit auf einen Kopf hinzuweisen. Die Gemälde von Frank Auerbach halten ihre Darstellungen nur minimal fest. Nur der eklatante Kontrast seiner Farben und die Kraft seiner Pinselstriche bewirken, dass alle Spuren auf seinen Gemälden inmitten der Gewalt seines Prozesses visuell deutlich bleiben.

Auerbachs Farbe

Leiter J.Y.M von Frank Auerbach , 1978, über Thyssen-Bornemisza-Museum, Madrid

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Diese Farben sind ein weiteres Markenzeichen von Frank Auerbach. Obwohl Auerbachs frühes Werk eher neutral, manchmal sogar in Graustufen gehalten war, hat er klargestellt, dass dies nie eine künstlerisch motivierte Entscheidung war. Die frühen Arbeiten wurden in gedämpften Erdtönen ausgeführt, da er sich bis in die 1960er Jahre keine helleren Pigmente in der für sein Verfahren notwendigen Menge leisten konnte. Nachdem seine finanziellen Bedenken beseitigt waren, veränderte sich Frank Auerbachs Palette dramatisch zugunsten der intensiven, gesättigten Farben, die wir in seinen reifen Gemälden sehen.

Die meisten seiner Zeitgenossen tendierten zu einer deutlich zurückhaltenderen Farbpalette. Selbst im Fall von jemandem wie Francis Bacon, der einige reinere, gesättigtere Farben verwendet, beschränkt er sich auf jeweils nur ein oder zwei solcher Farbtöne, wobei er die Farbe oft nur als Gesamthintergrund verwendet.

Parkdorf Ost von Frank Auerbach , 2002-03, über Marlborough Gallery, London

Auerbachs Bilder setzen sich aus leuchtenden Farbstreifen aus der Tube zusammen, die sich abwechselnd gegeneinander stellen und zu einem gräulichen Schlamm verschwimmen. Diese Farben laufen über die Leinwand, in unterschiedlichen Formen und ohne sie. Die Palette erinnert eher an Auerbachs stilistische Vorfahren, die Expressionisten des frühen 20. Jahrhunderts: Maler wie Ernst Ludwig Kirchner und Franz Marc , mit ihrer grellen, übertriebenen, fast willkürlichen Farbgebung.

Bacchus und Ariadne von Frank Auerbach , 1971, über Tate, London

Frank Auerbachs Bacchus und Araidne , zum Beispiel, weist den gleichen unbehandelten Regenbogen aus Kadmium und Ultramarin auf wie ein Stück wie das von Franz Marc Das unglückliche Land Tirol . Dennoch wendet Auerbach diese lebhaften Farben manchmal mit einer Inbrunst an, die jeden historischen Präzedenzfall übertrifft. Vielleicht unter den Abstrakte Expressionisten In Amerika findet sich ein ähnlicher Farbsinn in den Gemälden von Willem de Kooning . Obwohl Auerbachs Farbe in seiner unmittelbaren Gruppe britischer Künstler der Mitte des Jahrhunderts weitgehend beispiellos ist.

Obwohl Auerbachs Arbeit auf vielen der gleichen philosophischen und theoretischen Anliegen basiert wie der Rest der School of London, ist sein Sinn für Farbe in seinem Bombast unter ihnen beispiellos. Auch Auerbachs engster Stilkollege Leon Kossoff, der eine ähnlich materialintensive Malweise praktizierte, war mit Farbe stets zurückhaltender. Körperlich, visuell und in der Gesamtheit archiviert Auerbach eine ganz eigene Eindringlichkeit.

Auerbach vs. Expressionismus

Das unglückliche Land Tirol von Franz Marc , 1913, über Guggenheim, New York

Zufällig hören Frank Auerbachs Ähnlichkeiten mit den frühen deutschen Expressionisten mit diesen formalen Fragen auf, denn die formalen Fragen selbst sind der springende Punkt in Auerbachs Werk. Die Expressionisten ihre Vision der Welt verzerrt und intensiviert, um eine emotionale Reaktion auf die Welt greifbar zu machen. Auerbach befindet sich stattdessen in einem Bereich, in dem das Potenzial der Malerei in Frage gestellt wird, solche Erfahrungen auch nur ansatzweise zu kommunizieren. Die visuelle Überhöhung ist für ihn der Versuch, mit der unpräzisen Sprache der Malerei etwas Reales des Sujets einzufangen. Auerbachs Gemälde werden so farbintensiv, weil er fest entschlossen ist, sie mit der materiellen Realität des Motivs zu verbinden.

Die Schwierigkeit dieser Aufgabe führt zu einem enorm zeitintensiven Prozess. Schon früh überlagerte Auerbach seine Bilder endlos, bis er zu etwas Annehmbarem gelangte. In den letzten Jahren hat er einen Alla-Prima-Ansatz favorisiert; Er schafft ein Gemälde in einer Sitzung, malt nass in nass und kratzt dann die Leinwand sauber, wenn er mit dem Ergebnis nicht zufrieden ist.

Inhaltlich wie formal ist Frank Auerbach seiner Malerei verpflichtet. Er radelt durch ein paar vertraute Themen; eine wiederkehrende Reihe von Standorten in London für die Landschaften und eine vertrauenswürdige Reihe von Modellen, die an seine mühsamen Arbeitsgewohnheiten gewöhnt sind, für die Porträts. Während sich die Expressionisten von der Unmittelbarkeit der Emotion leiten ließen, ist Auerbach zurückhaltender. Seine Malerei zeigt eine beispiellose Überzeugung in der Arbeit, die aufgewendet wird, um sie auszudrücken, im Gegensatz zu der Dringlichkeit, mit der sie auf die Leinwand gekritzelt wird.

Die harte Geometrie und Materialität von Auerbach

Mornington Crescent von Frank Auerbach , 1965, über Tate, London

Ein weiteres Kennzeichen von Auerbachs Werk ist die Kantigkeit. Obwohl sich Auerbachs Farbe auf der Leinwand zu einer weichen Randunschärfe vermischt, werden diese Momente der Unsicherheit oft von dicken, geraden Balken schwarzer Farbe umschlossen. Die Geometrie in Auerbachs Malerei ist vielleicht am deutlichsten in seinen Landschaften von London, mit all den rechten Winkeln der Architektur der Stadt. Besonders deutlich wird dies in seiner Serie von Baustellen, wie z Mornington Halbmond , mit den Skeletten von Gebäuden, die zwischen den Trümmern der Nachkriegszeit errichtet wurden und als kreuz und quer verlaufende Farbbalken gezeichnet sind.

Während diese architektonischen Szenen Auerbachs geometrischen Fokus am mühelosesten widerspiegeln, bleibt dieses Anliegen in seiner figurativen Malerei bestehen; Die gleichen konstruktiven, geraden Balken umreißen die Formen des menschlichen Kopfes und des Oberkörpers. Bemerkenswert ist auch, wie Auerbach seine Modelle positioniert. Ihre Köpfe und Toros sind geneigt oder flach gelegt, so dass sie beginnen, die raue Winkligkeit der Stadt um sie herum nachzuahmen. Kompositorisch Auerbachs Liegender Kopf von Julia II erscheint seinen Stadtbildern ebenso nah wie seine Porträts.

Auerbach in der zeitgenössischen Kunst

Liegender Kopf der Julia II von Frank Auerbach , 1997, über die Marlborough Gallery, London

Im Kontext der zeitgenössischen Kunst zeichnet sich Auerbach nicht durch seine Differenz zu seinen Zeitgenossen aus, sondern durch seinen puren Ausdruck. Ausdruck ihres gemeinsamen Anliegens: die reale Materialität der Malerei als Kontrast zur illusorischen Natur der Repräsentation. Auerbachs Malerei stand in einer Tradition der dekonstruktiven, gegenständlichen Malerei, die sich Mitte des 20. Jahrhunderts entwickelte und sich auf die neuen theoretischen Funktionsweisen der Malerei nach einer Zeit gesellschaftlicher Umbrüche und Neuordnungen konzentrierte.

David Landau Sitzend von Frank Auerbach , 2013-15, über Marlborough Gallery, London

Obwohl Auerbach heute einige Gesellschaft hat, mit anderen Überbleibseln aus dieser Zeit und Tradition der Malerei, wie z Anselm Kiefer und George Baselitz , erscheint die Arbeit dieser Künstler im Vergleich zu jüngeren Malern, die an der gleichen überwältigenden Materialität interessiert sind, die alle ihre Arbeiten definiert, anders. Als Auerbach bekannt wurde, litt die Malerei unter großer Angst: Sie spiegelte das Trauma der Weltkriege wider, geriet in eine Krise, stellte ihre eigene Lebensfähigkeit als Medium in Frage, das sich vorwärts bewegte.

Bis jetzt wurde diese Angst in vielerlei Hinsicht gelöst. Die Malerei hat sich eine neue Nische bewahrt, weiter entfernt von ihrer hegemonialen Position in der visuellen Kultur; Auerbach kam zu seinem Stil, als die alte Malerei im Sterben lag, jüngere Künstler kommen zu ihrem, wenn eine Malerei wiedergeboren wird. Die Malerei hat eine weniger anstrengende Rolle übernommen, und Künstler, die in Bezug auf eine intensive Materialität eine oberflächliche Ähnlichkeit mit Auerbach haben könnten, mögen Dana Schutz oder Alison Schulnik , zeigen einen ganz anderen Ton als alles aus der Mitte des Jahrhunderts. Vielmehr sind ihre Arbeiten spielerisch im Experimentieren mit der Form von Farbe und Malerei, unbeeindruckt von der enormen Angst der Nachkriegszeit.

Was Frank Auerbach über die Malerei heute verrät

Wiederaufbau des Empire Cinema, Leicester Square von Frank Auerbach , 1962, über das Courtauld Institute of Art, London

Auerbachs Gemälde erinnern an ein Gemälde, das Angst vor sich selbst hat. Sie kommen zu einer Zeit, als die dominierende Stellung der Malerei in der Kunstwelt durch unmittelbarere Medien wie Fotografie und Film bedroht wurde. Die Materialität der Malerei war eine unausweichliche und schreckliche Realität. Im zeitgenössische Kunst, Malerei steht am Rande der Mainstream-Kultur, und Materialität erscheint als eine Art Befreiung von der immateriellen digitalen Art und Weise, durch die wir derzeit die meisten zeitgenössischen Kunstwerke erleben.

Die Arbeit von Frank Auerbach erinnert uns an die Kontingenz der Malerei und unser Verhältnis zu ihr. Die spezifischen Ängste seiner Zeit prägen Auerbachs Werk bis heute, wo sie in deutlichem Kontrast zu neueren Anliegen stehen. Das bedeutet keineswegs, dass Auerbachs Arbeit jetzt weniger wichtig ist. Vielmehr ist seine Arbeit aufgrund seiner wechselnden Beziehung zur Malerei immer notwendiger geworden. Sie nähert sich der Malerei von einer Position außerhalb unseres kollektiven, gegenwärtigen Verständnisses. Sie warnt davor, unsere heutige Auffassung von Malerei als unberührt oder natürlich zu bezeichnen.

Frank Auerbach und seine Bilder üben eine Düsterkeit und Sorgfalt aus, die ihresgleichen sucht. Gegenwärtig steht seine Arbeit als Relikt, das aus einer verlorenen Auffassung von Malerei stammt, und als ein aufstrebender entscheidender Leitpfeil, der den Weg der Malerei zu etwas Neuem anzeigt.