7 Werke, die das Erbe von Thomas Gainsborough definieren

Thomas Gainsborough war ein großer Meister der englischen Porträtmalerei, der schon zu seinen Lebzeiten Erfolg hatte. Obwohl die Porträtmalerei eine praktische Funktion beim Aufbau des Status und Ansehens des Auftraggebers hatte, gelang es Gainsborough, die Grenzen der Tradition zu erweitern und Innovation, Gefühl und erstaunliche ätherische Schönheit in seine Werke einzubringen. Nachfolgend finden Sie 7 Gemälde des großen Thomas Gainsborough, die sein Können und seinen Innovationsgeist unter Beweis stellen.

1. Thomas Gainsboroughs Heimat: Sudbury, Suffolk

Thomas Gainsborough verbrachte die ersten Jahrzehnte seines Lebens in Suffolk Grafschaft in Ostengland. Seine frühesten Werke zeigten Ansichten der lokalen Natur. Als er älter wurde, beschloss Gainsborough, sich der Porträtmalerei zuzuwenden, um Geld für seine Frau und seine Töchter zu verdienen. Im Laufe der Jahre tauchte er immer tiefer in die englische High Society ein, doch seine Liebe zur ländlichen Natur blieb bestehen.

Während seiner gesamten Karriere kehrte Gainsborough in seinen Werken zu den Feldern, Wäldern und Hügeln von Suffolk zurück. Viele davon malte er nur für sich selbst, wohlwissend, dass seine wohlhabenden Auftraggeber nicht für Bilder von ländlichen Gegenden und Bauern bezahlen wollten. Nachdem er Sudbury verlassen hatte, hörte Gainsborough auf, Landschaften direkt nach der Natur zu malen, und verließ sich stattdessen auf sein Gedächtnis und alte Skizzen. Zu Gainsboroughs Zeiten beruhte die Tradition der Landschaft auf der Konstruktion einer idealisierten Version davon auf der Grundlage unvollkommener Elemente der Realität. In seinen späteren Jahren brachte Gainsborough die Konstruktion der Realität auf eine neue Ebene, indem er auf seinem Tisch kleine Wälder aus Steinen, Gemüse und Blumenkohl arrangierte.

2. Als Aristokratie gemalte Hunde

Hunde waren häufige Gäste in Thomas Gainsboroughs Gemälden und erschienen oft ohne ihre Besitzer. Die Pomeranians gehörten Carl Friedrich Abel, einem prominenten Geiger und einem von Gainsboroughs engsten Freunden. Einem Abel nahestehenden Gerücht zufolge begannen Abels Hunde, als Gainsborough das Porträt seinem Freund brachte, es anzubellen, weil sie glaubten, die gemalten Tiere seien echt. Das Gemälde für Abel war nicht nur ein Zeichen der Sentimentalität, sondern auch ein Statussymbol: Zu dieser Zeit war ein Zwergspitz der teuerste und modischste Hund, den man besitzen konnte.

Gainsboroughs Liebe für Hunde war während seiner gesamten Karriere spürbar. Er malte sie nicht als stille Statuskameraden seiner wohlhabenden Auftraggeber, sondern als eigenständige Modelle, die Ohren und Nasen genauso sorgfältig wiedergaben wie die Gesichter seiner Kunden. Einige glauben, dass seine Liebe zu Tieren bereits in seiner Kindheit begann. In Gainsboroughs Heimatregion Suffolk gab es viele Weiden und später auch Schäferhunde auf dem Gelände. Gainsboroughs frühestes erhaltenes Hundegemälde bezog sich auf seine späten Teenagerjahre und zeigte einen Bullterrier namens Bumper, umgeben von einer ostenglischen Landschaft.

3. Selbstporträts

So sehr Thomas Gainsborough das Malen von Porträts verabscheute, so sehr empfand er eine noch größere Abneigung dagegen, sich selbst zu malen. Während Andere Für Gainsborough ergab diese oberflächliche Eitelkeit einfach keinen Sinn, da sie Selbstporträts als einen Akt des Ausdrucks künstlerischen Selbstbewusstseins und der Förderung ihrer Geschäfte betrachteten. Im Allgemeinen war er gegenüber sozialen Ritualen und Machtverhältnissen in der ihn umgebenden Gesellschaft gleichgültig, was manchmal seine Beliebtheit bei den wohlhabenden Kommissaren beeinträchtigte, die von Künstlern erwarteten, dass sie sich wie ihre Diener benahmen.

Dennoch hinterließ Gainsborough einige Selbstporträts in verschiedenen Phasen seines Lebens. Das jüngste Porträt, das nur ein Jahr vor dem Tod des Künstlers gemalt wurde, zeigte nicht nur die Entwicklung seines künstlerischen Stils hin zu einer eher impressionistischen Manier, sondern auch die Entwicklung seines Charakters. Im Vergleich zu einem Selbstporträt des jungen Gainsborough aus dem Jahr 1759 war der Künstler kein romantischer junger Mann mehr, sondern ein großer Meister, der sich an die Welt, in der er lebte, gewöhnte, obwohl er davon nicht beeindruckt war.

4. Porträt von Elizabeth Moody

Zur Zeit der künstlerischen Laufbahn von Thomas Gainsborough war die Porträtmalerei dynamisch, jedoch nicht im Sinne der Darstellung von Bewegung oder Bewegung. Während die bemalten Figuren stillstanden, führten sie ihr eigenes Leben weiter und wechselten ihre Kleidung oder Statussymbole.

Viele Kunden von Gainsborough schickten ihm Porträts, um aus der Mode gekommene Kleider neu zu bemalen, neu erworbenen Schmuck hinzuzufügen oder Frisuren gegen schmeichelhaftere auszutauschen. Es gab jedoch schwerwiegendere Gründe für die Anpassung der Arbeit, wie Geburt oder Tod. Das Porträt von Mrs. Elizabeth Moody repräsentierte beide Anlässe. Das Originalgemälde zeigte Elisabeth als junge Braut, die allein dasteht und sanft die Perlenkette an ihrem Hals berührt.

Fünf Jahre später starb sie und ließ ihren Mann – einen untröstlichen Witwer und alleinerziehenden Vater von zwei Söhnen – allein zurück. Als letzte Geste seiner Zuneigung bat er Gainsborough, das Werk neu zu malen und seine Kinder in die Komposition aufzunehmen. Ein Jahr später heiratete Herr Moody jedoch erneut, sehr zum Missfallen seiner Kinder. Das Familienverhältnis verschlechterte sich so sehr, dass Elizabeths jüngster Sohn Thomas beschloss, das Porträt einer öffentlichen Kunstgalerie zu schenken, damit seine Stiefmutter es nicht haben würde.

5. Die Töchter des Künstlers jagen einen Schmetterling

Obwohl Thomas Gainsborough im Allgemeinen kein großer Fan davon war, Menschen zu malen oder in irgendeiner Weise mit ihnen zu interagieren, gefiel es ihm auf jeden Fall, seine Familienmitglieder darzustellen. Seine Töchter Mary und Margaret waren Gainsboroughs Lieblingsmodelle und wurden von seinen frühen Jahren bis zur Reife immer wieder gemalt. Eines seiner berühmtesten Werke ist das Porträt von Maria und Margarete auf der Jagd nach einem weißen Schmetterling. Es zeigt Dynamik, kindliche Neugier und Spontaneität, alles leicht beunruhigt von der Erwartung von Schmerz und Kummer, da die jüngere Margaret nur einen Moment davon entfernt ist, mit ihrer winzigen Hand eine gefährliche Dornenpflanze zu ergreifen.

Zu Gainsboroughs Zeiten entstand das Konzept der Kindheit als einer glücklichen, unbeschwerten und gesegneten Zeit im Leben erst aufgrund der sich ändernden Lebensstile und gesellschaftlichen Konventionen. Vor dieser Ära, sowohl in der Kunst als auch in der Realität, Kinder galten als kleine Erwachsene, kleiner und vorübergehend weniger funktionsfähig. Abgesehen von gesellschaftlichen Konventionen und elterlicher Liebe hatte der Künstler möglicherweise einen traurigen Grund, Maria und Margarete so oft zu malen. Gainsborough war höchstwahrscheinlich zutiefst traumatisiert durch den Verlust seiner ersten Tochter, ebenfalls Mary, die im Säuglingsalter starb. So malte er jeden Lebensabschnitt seiner überlebenden Kinder mit großer Liebe und Vorsicht, aus Angst vor den Gefahren, denen seine Mädchen ausgesetzt sein könnten.

6. The Blue Boy: Gainsboroughs Meisterwerk

Das Gemälde von 1770 Der blaue Junge ist eines der wichtigsten Meisterwerke von Gainsborough und das Gemälde, das einen bedeutenden Einfluss auf die Kunst hatte. Das glauben die meisten Experten Der blaue Junge ist ein Porträt von Gainsborough Dupont, dem Neffen des Künstlers und seinem einzigen bekannten Assistenten. Dupont entwickelte sich zu einem ziemlich erfolgreichen Künstler, der ähnlich wie sein Onkel arbeitete.

Obwohl die Bedeutung von Der blaue Junge Da die Popularität des Gemäldes im Laufe der Jahre immer geringer wurde, wurde es 1921 zum teuersten Gemälde der Welt und für etwa 10 Millionen US-Dollar in heutiger Währung an den amerikanischen Eisenbahnmagnaten Henry Huntington verkauft. Einige Historiker glauben das Oscar Wildes Die visuelle Ästhetik beruhte teilweise auf der Mode und dem Gefühl von Der blaue Junge . Das Bild sprengte schnell die Grenzen der traditionellen Männlichkeit und der Junge im blauen Anzug wurde zum Symbol für Geschlechterambiguität und Schönheit, die über gesellschaftliche Normen hinausgeht. Der berühmte Pop-Künstler Robert Rauschenberg erklärte das Der blaue Junge motivierte ihn, eine künstlerische Laufbahn einzuschlagen.

7. Thomas Gainsboroughs Glasgemälde: Die zerbrechliche Magie

Neben der traditionellen Leinwandmalerei beschäftigte sich Gainsborough in seinen späteren Jahren auch mit der Hinterglasmalerei. Der Künstler schuf ein Bild mit Ölfarbe auf einer Glasscheibe und legte es dann in ein dunkle Showbox mit Kerzen, die das Bild von der bemalten Seite aus beleuchten. Das Ergebnis war ein beleuchtetes, lebendiges und magisches Gemälde.

Da der Betrachter das beleuchtete Glas von der Rückseite betrachten musste, musste auch der Malvorgang rückwärts gedreht werden. Gainsborough begann damit, Glanzlichter und kleinere Details zu malen, bevor er sie mit einem soliden Hintergrund überdeckte. Der Künstler manipulierte auch das Kerzenlicht – um es in einigen Bereichen seiner Arbeit wärmer erscheinen zu lassen, trug er eine dünne Schicht roter Farbe als Grundierung auf. Thomas Gainsborough schuf eine Serie von zehn bemalten Glastafeln, die heute Kunstkonservatoren vor große Herausforderungen stellen. Zu Gainsboroughs Zeiten war Glas viel zerbrechlicher und reagierte viel empfindlicher auf die Umwelt, sodass die Paneele heute ständige Pflege erfordern und nur begrenzt der Öffentlichkeit zugänglich sind.