Robert Rauschenberg: Ein revolutionärer Bildhauer und Künstler

Rückwirkend I von Robert Rauschenberg , 1964 (links) und Robert Rauschenberg vor seiner Vydock-Serie von Ed Chappell , 1995 (rechts)

Robert Rauschenberg radikalisierte die Moderne, wie wir sie heute kennen. Von seinen kühnen monochromen Leinwänden bis hin zu seinen späteren Siebdruckkombinationen verbrachte der selbsternannte Maler-Bildhauer sechs turbulente Jahrzehnte im ständigen Dialog mit der Kunstgeschichte und der zeitgenössischen Kultur. Seine Biografie spiegelt einen ähnlichen Elan wider wie sein brillantes Werk.

Robert Rauschenbergs frühe Jahre

Rauschenberg bei Robert Rauschenberg: Gemälde und Skulpturen, Stallgalerie durch Allan Grant , 1953, über The Robert Rauschenberg Foundation, New York

Geboren Milton Rauschenberg 1925 wuchs der Künstler in einer winzigen texanischen Stadt namens Port Arthur auf. Seine strengen Eltern haben ihm während seiner behüteten Kindheit strenge Richtlinien auferlegt, insbesondere seine Mutter, eine gläubige fundamentalistische Christin. Ebenso sparsam gestaltete sie auch seine jugendliche Kleidung aus nicht zusammenpassenden Fetzen, eine Eigenart, die Rauschengberg später stark beeinflussen sollte.

In seinen frühen Jahren verbrachte er jedoch hauptsächlich Zeit damit, bewältigte Bilder aus Comics zu skizzieren, legasthenisch, missverstanden und von seinen Kollegen unterbewertet. Rauschenberg verfolgte daher einen Job als Pfarrer, um seine konservative Gemeinde zu besänftigen, obwohl er diesen Traum schnell aufgab, als er erkannte, dass seine Kirche das Tanzen, seine liebste performative Freizeitbeschäftigung, als Sünde betrachtete. 1943 besuchte er die University of Texas, um auf Geheiß seines Vaters Pharmakologie zu studieren, und wurde unweigerlich ausgewiesen, weil er sich weigerte, einen Frosch zu sezieren. Glücklicherweise ersparte ihm ein eingehender Briefentwurf aus dem Zweiten Weltkrieg das unangenehme Gespräch mit seinen Eltern.

Rauschenberg in der Marine

Robert Rauenberg von Dennis Hopper , 1966, über Fahey/Klein Gallery, Los Angeles

Robert Rauschenberg trat 1943 in die United States Navy ein. Er war in Kalifornien stationiert, mied entschieden das Schlachtfeld und diente als medizinischer Techniker für das Navy Hospital Corps. In San Diego nutzte er auch seine Freizeit, um das nahe gelegene San Marino zu erkunden, wo er zum ersten Mal Zeuge eines Ölgemäldes in der Huntington Art Gallery wurde. Diese Erfahrung beeinflusste Rauschenbergs Entscheidung, Künstler zu werden, nachhaltig. Nach seiner Entlassung im Jahr 1945 dachte der Künstler über seinen nächsten Schritt nach, eine staatliche Auszahlung, die ein Loch in seine Taschen brannte. Schließlich sammelte er sein Geld und schrieb sich in Kunstkurse ein Kansas State University. Ein bloßer Berufswechsel reichte dem unersättlichen Rauschenberg jedoch nicht aus, der sich nach einer krassen Abkehr von seinem alten Selbst sehnte. Um sein neues Leben als Künstler zu salben, beschloss er auch, seinen Namen einfach in Bob zu ändern. Ein wiedergeborener Robert Rauschenberg wanderte einige Monate später nach Paris aus, um an der Academie Julian Malerei zu studieren.

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Eine neue Identität in Paris

Ohne Titel (Rote Malerei) durch Robert Rauenberg , 1953, über The Robert Rauschenberg Foundation, New York

Anstatt sich in Paris tiefer in sein Handwerk zu verlieben, lernte Robert Rauschenberg Susan Weil kennen, eine weitere im Ausland lebende Amerikanerin. Er war so verliebt in sie, dass er bald genug Geld sparte, um Weil zum Black Mountain College in North Carolina zu folgen. Seine Immatrikulation dort war auch weitgehend seiner Bewunderung für den renommierten Direktor Josef Albers zuzuschreiben, der für seinen disziplinierten pädagogischen Ansatz berüchtigt ist. Es dauerte jedoch nicht lange, bis ihre Beziehung mit nicht überraschender Spannung zugenommen hatte, die durch Albers 'unaufhörliche Kritik getrübt wurde. Tatsächlich hat sein Professor seine Arbeit so häufig gemieden, Rauschenberg betrachtete sich der Klassennarr, ein perfektes Beispiel dafür, was man nicht tun sollte. Nichtsdestotrotz gab ihm die strenge Anleitung des Künstlers zusätzliche Möglichkeiten, seine kreativen Entscheidungen zu schärfen, einschließlich seiner schlampigen Textur und Linienführung. Während sich seine Einschreibung am Black Mountain 1949 möglicherweise abrupt verschoben hat, folgte ihm glücklicherweise seine Faszination für das Zusammenstellen von Multimedia zu einem Neuanfang in New York.

Rückkehr nach New York

Weiße Malerei (drei Tafeln) von Robert Rauschenberg , 1951, über SFMOMA

Amerikas neues künstlerisches Epizentrum erwartete seine Ankunft entsprechend. Verheiratet mit einem Neugeborenen verbrachte Rauschenberg die Anfang der 1950er Jahre Er teilte seinen vollen Terminkalender zwischen der Arts Student League in NYC und Black Mountain auf. Sein spürbarer Ehrgeiz machte ihn auch bei Gleichaltrigen besonders beliebt. Als Reaktion auf sein abstrakt-expressionistisches Milieu malte Rauschenberg 1951 seine allererste bahnbrechende Leinwand, die aus mehreren modularen Tafeln bestand. Seine Weiße Malerei Es fehlte jedoch jedes sichtbare Zeichen eines Künstlers, was auf den modernistischen Vorläufer von Kasimir Malewitsch anspielte Weiß auf Weiß . Rauschenberg entfernte alle Anzeichen seiner eigenen Kreativität und bat auch Freunde wie Brice Marden, gemeinsam zu experimentieren, wobei jeder darauf abzielte, die Malerei auf ihre reinste Form zu reduzieren. So idealistisch die Idee auch schien, das Publikum war nicht sehr begeistert von ihrer Umsetzung. Als später in einer Gruppenausstellung von 1953 bei gezeigt Betty Parsons Galerie , Weiße Malerei gerührt ein kolossales Kontroverse unter seinen geschätzten Gästen. Kritiker hielten Rauschenberg schnell für einen schäbigen Betrüger für die Ewigkeit.

Ohne Titel (glänzend schwarze Malerei) durch Robert Rauenberg , 1951, über The Robert Rauschenberg Foundation, New York

Als seine Kunst reifte, reifte auch Rauschenbergs Privatleben. 1952 kehrte er schnell geschieden nach New York zurück und suchte Karriererat von seinen Zeitgenossen. Der Malerkollege Jack Tworkov hatte Rauschenberg zum Beispiel vorgeschlagen, mit Schwarz zu experimentieren, was schließlich zu seinem führte Schwarze Serie (1951-1953). Anders als sein farbloses Pendant jedoch Schwarze Serie war voll von Taschen grober Textur, durchsetzt mit Zeitungsausschnitten. Schwarze Serie entwickelte sich auch aus Rauschenbergs früheren Gemälden durch die Verwendung von Reflexion, abhängig von den Betrachtern, um durch jeden vorbeiziehenden Schatten eine neue Bedeutung zu erfinden. Im selben Jahr begleitete er Cy Twombly auf einem Stipendium durch Italien und Nordafrika, bei dem die beiden eine verbotene Affäre hatten. In Italien wanderte Rauschenberg auch auf verlassenen Schrottplätzen umher, um Fotos zu machen, auf der Suche nach Materialien, die er in seine Leinwände integrieren konnte. Seine Erinnerungsstücke befanden sich bald in Holzkisten mit dem Titel Persönliche Kisten (1952-1953) . Diese ersten Innovationen, die später als Assemblagen bezeichnet wurden, festigten Rauschenbergs lebenslanges Interesse an gewöhnlichen Objekten.

Neue Grenzen überschreiten

Gelöscht De Kooning von Robert Rauschenberg , 1953, über SFMOMA

Robert Rauenberg künstlerisch immer weiter weiterentwickelt nach seiner Rückkehr nach New York im Jahr 1953. Er setzte seine monochrome Farbpalette fort und konzipierte dann eine neue Rote Serie (1953-1954) , mit breiten Pinselstrichen und anderen Tropfmethoden. Auf einem Untergrund aus Zeitungsstoff gemalt, waren diese Leinwände vergleichsweise lebhafter als seine früheren Gemälde. Er fügte ihnen auch beliebige Kleinigkeiten hinzu, von Glühbirnenscherben bis hin zu Spiegeln oder Regenschirmen. Um die Grenzen noch weiter zu verschieben, entwickelte Rauschenberg anschließend eine Ausgelöscht De Kooning (1953), Produzieren a leere Skizze, die an den Titel erinnert. Seine Motivation, Willem De Kooning, einen Künstler, den er zugegebenermaßen bewunderte, zu bitten, an dieser Auslöschung teilzunehmen, bleibt ein Rätsel. Noch heute sind jedoch leichte Spuren ihrer ursprünglichen Berührung spürbar, die auf subtile Weise sowohl an Rauschenberg als auch an De Kooning erinnern. Ohne die eventuelle Inschrift des Bildhauers Jasper Johns, De Koonings gelöscht Bedeutung wäre alles andere als verloren gewesen , was genau Rauschenbergs Punkt ist, der durch seine Aktualisierung erreicht wurde.

Was ist Neo-Dadaismus?

Robert Rauschenberg und Jasper Johns im Pearl Street Studio von Johns von Rahel Rosenthal , 1954, über MoMA

Das Publikum bewegte sich durch New Yorks gesellschaftliche Kreise und definierte bald Robert Rauschenbergs Praxis der 1950er Jahre durch seine brutzelnde Kameradschaft mit Künstlerkollege Jasper Johns . Rauschenberg hatte Johns im Winter 1953 auf einer Party kennengelernt, und die beiden verstanden sich schnell und blühten auf Freunde zu Liebhabern in kurzer Zeit. Gemeinsam haben sie sich auch künstlerisch weiterentwickelt, insbesondere in ihrer Artikulation einer neuen avantgardistischen Malereigattung: Neo-Dadaismus. Befürworter der besagten Bewegung lehnten ab Abstrakter Expressionismus und seinen starren, formalistischen Parametern und bevorzugt stattdessen die Freiheit, die in den plötzlichen Überraschungen des Lebens zu finden ist. Neben seiner recht flexiblen Beziehung zu Johns verbrüderte sich Rauschenberg auch mit anderen queeren Kreativen in New York, hauptsächlich John Cage und Merce Cunningham . Mit Cage baute er dann seine Autoreifendruck ( 1953) , gerendert, indem über zwanzig Schreibmaschinenpapiere gefahren werden. Sein daraus resultierendes Stück unterwanderte die Aktionsmalerei, indem es zeigte, wie das Zeichen eines Künstlers in einem Endprodukt fehlen kann, eine nachteilig antiästhetische Agenda.

Rauschenbergs erste Mähdrescher

Charlene durch Robert Rauenberg , 1954, über The Robert Rauschenberg Foundation, New York

Leider erwiesen sich Rauschenberg und Johns als romantisches Missverhältnis. Als letzteres öffentliches Interesse erregte, ließ Rauschenbergs Fortschritt nach, eifersüchtig auf seinen neu berühmten Partner. Ihr Beziehung endete Anfang der 1960er Jahre. Obwohl der Künstler die zweite Hälfte der 1950er Jahre damit verbrachte, produktiv zu arbeiten und Samen für seinen späteren Markenzeichenstil zu pflanzen. Er sammelte alten Schrott auf den Straßen von NYC und fand weiterhin Harmonie im Unvorhergesehenen, sei es eine alte Cola-Flasche oder eine zerbrochene Seifenschale. Er prägte auch den Begriff kombiniert, um seine unscharfe Abgrenzung von Malerei und Skulptur zu beschreiben. Prototypen von Anfang 1954, wie Charlene und Sammlung , weisen auf diese Migration hin zu einer vollständigen Collage hin, die aus Comics, Schals und anderen Eintagsfliegen besteht. Bett (1955), Rauschenbergs erster offizieller Mähdrescher geht auch in seiner Technik einen Schritt weiter, indem er auf gespannte Bettlaken und ein abgenutztes Kissen zeichnet, das spontan mit Farbe in einem unbestreitbaren Pollock-Stil bespritzt wird. Diese frühen Experimente veränderten seine kreative Laufbahn für immer.

Robert Rauschenbergs Prime

Monogramm durch Robert Rauenberg , 1955, über MoMA

Robert Rauschenberg machte in den frühen 1960er-Jahren große Fortschritte und rechnete eine gescheiterte Einzelausstellung von 1958 bei ab Die Galerie Leo Castelli . Er war Mitbegründer einer Tanzkompanie mit Cunningham und beschäftigte sich mit Kostümkreation und Bühnenbildproduktion. 1963 feierte er auch einen vorzeitige Retrospektive im Jüdischen Museum , eine Ausstellung überraschend von Kritikern gut aufgenommen . Zu seinen ausgestellten Werken gehörten Monogramm (1955), eine schockierende Kreuzung zwischen einer ausgestopften Ziege und einem schäbigen Reifen. Neben seiner amalgamierten Skulptur blieb auch ein kontroverser Kombinat, Schlucht (1959) , mit Holzteilen, Kissen und einem ausgestopften Weißkopfseeadler. Obwohl Rauschenberg darauf bestand, dass sein Exemplar vor dem Weißkopfseeadler-Schutzgesetz von 1940 erworben worden war, stellte der bürokratische Aufruhr in Frage, ob es legal verkauft werden könne. Nichtsdestotrotz, Canyons ergreifende Bilder werden immer noch diskutiert, insbesondere wenn der Künstler auf einen griechischen Mythos anspielte oder beabsichtigte, nationalistische Vorstellungen zu durchdringen. Wie bei den meisten Collagen von Rauschenberg aus den 1960er Jahren zählte ihre Interpretation jedoch auf den Betrachter.

Wie sein Werk reifte

Zeichen durch Robert Rauenberg , 1970, über MoMA

Rauschenbergs Erfolg verstärkte sich Ende der 1960er Jahre. Auf der Biennale in Venedig 1964 mit einem Malereipreis ausgezeichnet, brach er als erster amerikanischer Preisträger Rekorde. Er produzierte auch reichlich und entwickelte seine visuelle Sprache durch aktuelle Ereignisse. Im Skyway (1964), Beispielsweise implementierte Rauschenberg eine neue Siebdrucktechnik, um seine Massenmedienmelodie zu arrangieren: ein kürzlich ermordeter JFK, ein Astronaut, ein fragmentiertes Gemälde von Peter Paul Rubens. Nach seinen eigenen Worten vereinte er diese Elemente, um das hektische Tempo des amerikanischen Alltags einzufangen, das sich durch neue Technologien wie das Fernsehen drastisch verändert hatte. Himmelsgarten (1969) verewigt auch die Beschäftigung des Malers mit der Gegenwart, die in einer Serie entstand, nachdem Rauschenberg den Start von Apollo 11 miterlebt hatte. Um die gesellschaftliche Katastrophe zusammenzufassen, die er in den vorangegangenen zehn Jahren miterlebt hatte, beendete Rauschenberg seine 1960er Jahre mit Zeichen (1970), Er stellt einen hoffnungsvollen Buzz Aldrin dem traumatischen Tod bekannter Persönlichkeiten wie Martin Luther King Jr. und Janis Joplin gegenüber.

Sein Umzug in den 1970er Jahren nach Captiva Island

Das ¼ Meile oder 2 Furlong Stück durch Robert Rauenberg , 1981-98, über LACMA

Neuanfänge winkten ihm in den 1970er Jahren erneut. Auf Captiva Island passte sich seine Arbeit an ihre natürliche Umgebung an und bewegte sich durch Fasern wie Papier in Richtung Abstraktion. Pappe (1971) kommuniziert dies am besten Interesse an Textur und Farbe in der Mitte der Karriere , eine Serie von Wandskulpturen aus geschnittenen, gebogenen und gehefteten Kartons. Von Baumwolle bis Satin verarbeitete Rauschenberg auch eine große Auswahl an Stoffen Raureif (1974) , Verwenden von Lösungsmitteln zum Übertragen von Bildern aus Zeitungen und Zeitschriften. 1976 montierte er einen weiteren Retrospektive im Smithsonian Museum of American Art , zu Ehren des amerikanischen Bicentennial. 1981 realisierte er auch sein bisher größtes Projekt, Das 1/4 Meile oder 2 Furlong Stück , 190 Paneele mit einer Länge von ¼ Meile, die im Laufe von siebzehn Jahren fertiggestellt wurden. Hartnäckig in seiner Überzeugung, dass Kunst ein Vehikel für Veränderungen sein könnte, gründete er dann die Rauschenberg Overseas Culture Interchange 1984 reiste er um die Welt, um benachteiligte Künstler auszubilden.

Robert Rauschenbergs Spätjahre

Mirthday Man durch Robert Rauenberg , 1997, über MoMA

Trotz der Unterstützung durch seine Sammler flachte Robert Rauschenbergs kritische Wertschätzung nach seiner Blütezeit ab. Dennoch verbrachte er die 1990er Jahre damit, aufstrebende Medien wie den Iris-Drucker zu testen, mit dem er digitale Farbkopien seiner alten Fotografien anfertigte. Iterationen von ihm Wasserwerk (1992) Serien stellen diesen schwindelerregenden visuellen Effekt dar, der per Lithographie auf Papier übertragen wird. Er feierte auch einen wohlhabenden Retrospektive im The Whitney 1990 festigte er sein Vermächtnis als Legende der Kunstwelt. Wie Rauschenberg selbst legte das Museum besonderen Wert auf sein Frühwerk und betonte dessen Bedeutung für die Abgrenzung eines neuen amerikanischen Kunstpfads. Tatsächlich die meisten von Rauchenberg später Arbeit liest sich als autobiografisch, selbstbezüglich seiner Maiden. In einer digitalisierten Collage, zentriert durch sein eigenes Röntgenbild, Mirthday Man (1997) , zum Beispiel feierte er seinen zweiundsiebzigsten Geburtstag. Rauschenberg erinnerte auch an seine Entlassung aus der Reha, in die er 1996 eingecheckt hatte, um seinen sich verschlechternden Alkoholismus einzudämmen.

Seine Gesundheit verschlechterte sich während der letzten Jahre

Bubbas Schwester (Grübeleien) durch Robert Rauenberg , 2000, über The Robert Rauschenberg Foundation, New York

Glücklicherweise erholte er sich genug, um einen gigantischen zu genießen Retrospektive im Guggenheim Museum im Jahr 1997. Die Kuration der Ausstellung, die 467 Werke umfasste, dauerte fast sechs Jahre, bis sie abgeschlossen war, und tourte anschließend durch die USA und im Ausland. In dieser Zeit arbeitete Rauschenberg auch zum ersten Mal mit Glas und schmiedete sein Personal Grübeleien (2000) basierend auf Schlüsselfiguren zu seinen Lebzeiten. Dazu gehörten seine Eltern, Ex-Liebhaber wie Jasper Johns und Mitarbeiter wie Tatyana Grosman. Angesichts seines sich verschlechternden Gesundheitszustands unternahm er jedoch auch Schritte, um sein Vermächtnis zu sichern, unter anderem als Zeuge für Künstler bezüglich der National Endowment of the Arts. Rauschenberg war auch Mitbegründer Künstlerrechte heute , eine Lobbygruppe, die Lizenzgebühren für den Weiterverkauf fordert. Doch trotz aller Bemühungen führte ein medizinisches Missgeschick dazu, dass er sich 2001 die Hüfte brach, dessen Komplikationen unweigerlich einen massiven Schlaganfall verursachten. Bis 2002 hatte er jegliches Gefühl in seiner rechten Hand verloren und war gezwungen, das Leben als Linkshänder neu zu navigieren.

Reha (Szenarien) von Robert Rauschenberg , 2005, über Waddington Custot, London

Selbst eine neurologische Verletzung konnte Robert Rauschenberg nicht davon abhalten, Kunst zu schaffen. Als sein langjähriger Liebespartner Darryl Pottorf ihn in seinen letzten Jahren unterstützte, setzte er seine visionäre Ader fort und engagierte sich wie nie zuvor für seine Sache. Von Ananas bis zu Pyramiden, Wolkenkratzern und Hirschen Kurzgeschichten (2000) primitive Motive mit seinen charakteristischen Symbolen ausbalanciert: Lastwagen, Straßenschilder und Telefonmasten. Im Szenarien (2002) , Rauschenberg collagiert auch alte Fotografien mit früheren Druckmethoden und wärmt diesmal Reflexionen wie seinen letzten Aufenthalt in der Reha auf. Zwerge (2006) , Seine allerletzten Gemälde enthielten doppelte Themen auf Leinwänden, die halb so groß waren wie sonst, daher der kleine Titel. Ohne Titel (Um) verkörpert wirklich Rauschenbergs Aufmerksamkeit für Kleinigkeiten und zeigt ein gewöhnliches Feuerwehrauto, eine Parkgarage und ein Motorrad neben einer kunstvollen Skulptur. Damit verabschiedete sich Rauschenberg im Mai 2008 unter Tränen, kurz vor dem Herzversagen. Angeblich soll er habe bis zu seinem Tod gemalt.

Robert Rauschenbergs Vermächtnis

Robert Rauschenberg und David Byrne bei einem Talking Heads Konzert von Terry Van Brunt, 1983, über The Robert Rauschenberg Foundation, New York

Robert Rauschenberg ist selbst ein Revolutionär. Obwohl seine Kunst nicht immer besänftigend wirkt, hat er sich bei Publikum und Experten gleichermaßen unwiderlegbaren Respekt erworben, wenn nicht wegen seiner schieren Entschlossenheit, erfolgreich zu sein. Inspirierende Künstler wie z Andy Warhol und Roy Lichtenstein Mit seinen fantasievollen Methoden ist er heute dafür bekannt, neue Wege des künstlerischen Einfallsreichtums zu ebnen, egal wie kitschig seine Aussichten schienen. Im Gegensatz zu seinen Nachfolgern schätzte der Maler jedoch Ausdruck und Ausführung gleichermaßen und definierte seine Rolle als Künstler im Laufe seiner Karriere bewusst neu. Seine Kunstwerke betonten auch weitgehend die Beteiligung des Publikums, abhängig von einer sprunghaften Gesellschaft, um ihre Bedeutung zu meistern. Auch wenn die Zusammenarbeit mit Zeitgenossen seine Ausbildung geprägt hat, wird der Künstler neben seiner umwerfend charmanten Persönlichkeit immer für seinen Individualismus gelobt. Das ist die unauslöschliche Magie von Robert Rauschenberg, verstorben und doch für immer in unsere Erinnerungen eingebrannt.