Bruce Nauman: Anti-Kunst-Apostate

Hundert leben und sterben , Bruce Naumann , 1984, New York Times

Bruce Naumans kreatives Genie hat jedes erdenkliche Medium geziert. Der chamäleonartige Künstler, der für seine respektlosen Lichtinstallationen weithin bekannt ist, besitzt keinen typischen Stil, sondern verwandelt sich wie eine Vorbestimmung in seine Materialien. Von erschütternder Skulptur über Fotografie, Video und Zeichnung trotzt Bruce Nauman auch heute noch so intensiv jeder Beschreibung wie seine Entstehung vor sechzig Jahren.

Bruce Naumans frühes Leben und Werk

Ohne Titel, Bruce Naumann, 1965, SFMoMa

Naumans turbulente Kindheit begann in den 1940er Jahren in Fort Wayne, Indiana. Sein Vater war ein Ingenieur, der Künstler trieb von einer Podunk-Stadt im Mittleren Westen zur nächsten und fügte sich nie wirklich ein. Er zeigte sehr wenig Interesse an bildender Kunst, bevorzugte stattdessen Musikinstrumente, ein früher Beweis für seine mediale Vielseitigkeit. In den 1960er Jahren studierte er bis zu seinem Abschluss 1964 Mathematik und Physik mit Nebenfach Malerei an der University of Wisconsin. Zwei Jahre später schloss er seinen MFA an der UC Davis ab. Zu seinen Lehrern gehörten die Avantgarde-Pioniere Manuel Neri, William T. Wiley und Robert Arneson, skulpturale Nonkonformisten, die die Bezirke durch einen entspannten und breiten Lehrplan drängten. Nauman beschloss auch, die Malerei ganz aufzugeben, während er Davis besuchte, und beanspruchte einfach seine reichlich vorhandenen Materialien in die Quere gekommen. Schlank mit gedeckter Farbpalette, seine letzte Leinwand Ohne Titel (1965) hat wenig Ähnlichkeit mit dem lebendigen Werk, für das der Künstler heute bekannt ist.

Die späten 1960er Jahre waren für Bruce Nauman eine experimentelle Zeit. 1965 entwarf er seine ersten Fiberglasskulpturen und verfolgte beim Gießen und Formen einen unkonventionellen Ansatz. Unter Verwendung von Polyesterharz schuf Nauman eine Ohne Titel Serie, die die physikalischen Möglichkeiten seines neuen Mediums bewertet, monochromatische Modelle, die zweimal in Glasfaser gegossen wurden. Da es jedoch auf einem handgefertigten Ton-Prototyp basierte, ging er auch ein großes Risiko im Umgang mit seiner Zerbrechlichkeit ein. Sein Spiel würde sich jedoch unweigerlich auszahlen. Nauman arbeitete zu Beginn seiner Karriere in den 1960er Jahren unermüdlich daran, sich auf eine Idee von ihm zu konzentrieren zeitgenössisch Konzeptisten hatten begonnen zu postulieren: Kreativtechniken ersetzten Endergebnisse als Quelle der Bedeutung. Ich war ein Künstler und ich war im Studio, also muss alles, was ich im Studio gemacht habe, Kunst sein, einst Bruce Nauman bemerkt über seine frühen Jahre. Zu diesem Zeitpunkt wurde Kunst mehr zu einer Aktivität und weniger zu einem Produkt.

Wie Prozesskunst Nauman inspirierte

Mein Name, als wäre er auf die Oberfläche des Mondes geschrieben, Bruce Naumann , 1968, WikiArt

Nauman bekennt sich zu einer auf Methodik hyperfokussierten künstlerischen Gattung. Synchronisiert Prozesskunst, Der Stil bevorzugt Technik gegenüber Nachwirkungen und betrachtet Handarbeit als Kreativität in sich. Viele schreiben seine Entstehung dem monumentalen Moment zu Jackson Pollock tropfte Farbe auf eine leere Leinwand, obwohl die Prozesskunst noch weiter zurückreicht Dadaismus. Anstatt sich auf Endergebnisse zu fixieren, erfreuen sich Prozesskünstler an der Körperlichkeit ihrer Medien und genießen eine Routine von Anfang bis Ende. Das Zusammenstellen, Klassifizieren und Mustern waren alle gleich wichtige Facetten bei der Schaffung eines Meisterwerks. Die Reduktion war in Naumans Mixed-Media-Arbeit der späten 1960er und 1970er Jahre von besonderer Bedeutung. Ähnlich dem Gelehrten Marshall McLuhan berühmter Spruch, sein Medium war in der Tat seine Botschaft. Nauman formulierte Tausende von nuancierten Geschichten durch Licht-, Video- und Soundinstallationen und untersuchte gleichzeitig seine künstlerische Rolle, während er sie erfüllte.

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Naumans erste New Yorker Ausstellung

Neon-Vorlagen der linken Hälfte meines Körpers, aufgenommen in 10-Zoll-Intervallen , Bruce Naumann, 1966

Die Galerie Leo Castelli war Gastgeber von Nauman erste New Yorker Ausstellung im Jahr 1968. Der Künstler füllte den winzigen Raum mit seinen neu entdeckten Experimenten und zeigte rudimentäre Licht- und Videoinstallationen, um seine künstlerische Geschicklichkeit zu demonstrieren, wie seine mittlerweile berühmte Neon-Vorlagen der linken Hälfte meines Körpers, aufgenommen in Abständen von zehn Zoll (1966). So sehr Castelli auch an ihn glaubte, Kritiker stießen auf seine Arbeit mit gemischten Kritiken. Europäische Kuratoren zeigten von Anfang an eine starke Affinität zu Nauman. Dissidenten in Amerika, insbesondere in New York, waren nicht annähernd so freundlich. Schreiben in Bezug auf seine Ausstellung in der Leo Castelli Gallery, Historiker Robert Pincus-Witten proklamierte Naumans Output infantilen Narzissmus. Wahrscheinlich führte sein Status als Außenseiter von San Francisco zu territorialer Eifersucht. Oder vielleicht war New York City einfach nicht bereit für seine natürliche Weitsicht. Nauman sollte seinen Gegnern dennoch während seines nächsten Jahrzehnts in Kalifornien das Gegenteil beweisen.

Warum Bruce Nauman den Minimalismus meidet

Der wahre Künstler hilft der Welt, indem er mystische Wahrheiten enthüllt (Fenster- oder Wandschild), Bruce Nauman, 1967, National Gallery of Australia

Minimalismus während Bruce Naumans Aufstieg zum Ruhm in den 1960er Jahren hegemoniales Prestige einnahm. Aus dem gleichen Grund versuchte der Bildhauer, der vorherrschenden kreativen Ordnung, zu der bedeutende Persönlichkeiten wie Barnett Newman und Newman gehörten, bewusst entgegenzuwirken Donald Judd. Aus dem Archetypus des Künstlers sei inzwischen eine nüchterne Karikatur perfektionistischer Tendenzen geworden, ein Phänomen, das Nauman als zunehmend selbstherrlich beschrieb. Ich war überrascht, wie schlecht sie gemacht waren, kritisierte er einmal Judds frühe Arbeit in a New York Times Interview. Im Vergleich zu starren, abstrakten und flachen formalistischen Techniken war Naumans Arbeit wahrnehmbar unbeschwert, ein fehlerhafter Spiegel, der seine authentische künstlerische Reise darstellt. Obwohl nie bestätigt, Historiker stellen sogar die Hypothese auf, dass seine kunstvollen Titel eine direkte Subversion der konformistischen Tendenzen sind, ein Stück ohne Titel zu kennzeichnen. Ausgestattet mit seinem dynamischen Multimedia-Arsenal erschütterte der Provokateur die Moderne bis ins Mark, indem er versprach, seinem eigenen Verhaltenskodex zu folgen.

In den frühen 1970er Jahren erreichte Naumans Karriere beispiellose Höhen. Er zog nach Pasadena, tauchte in den performativen Aspekt der Kunst ein und begann, sich in seinen sozialen Kreisen zu verzweigen. Zu seinen inspirierenden Kollegen gehörten Musiker und Tänzer, von denen Nauman lernte, seinen kreativen Prozess weiter zu verfeinern. Seine neonblaue und rote Lichtskulptur Der wahre Künstler hilft der Welt, indem er mystische Wahrheiten enthüllt (Fenster- oder Wandschild) (1967) veranschaulicht diese Zeit am besten, der Titel ist in eine schwindelerregende Spirale gekritzelt. Durch die Verschmelzung fantasievoller Sprache mit kommerziell hergestellten Materialien beschwor der Künstler seinen mathematischen Hintergrund durch räumliche Relativität des Betrachters herauf. Aus der Ferne wirkte die rote Neonverkleidung wie eine Sechs, die Naumans Inschrift erst bei näherem Hinsehen sichtbar machte. Hervorgehoben in internationalen Foren wie z Kunsthalle Bern und die Städtisches Museum, Naumans institutionelle Intrige kulminierte 1972, als ihm seine erste offizielle Museumsretrospektive angeboten wurde.

Erste Bruce-Nauman-Retrospektive

La Brea/Kunsttipps/Rattenspieß/Teergruben, Bruce Naumann , 1972, LACMA

Das Los Angeles Art Museum und The Whitney haben Nauman’s gemeinsam kuratiert tourende Extravaganz. Marcia Tucker und Jane Livingston reisten querfeldein von New York nach Los Angeles und organisierten es mit dem Bestreben, Europa zu erreichen. Die Sammlung der Ausstellung umfasste neue Arbeiten, die Nauman Ende der 1960er und Anfang der 1970er Jahre fertigstellte, darunter seine erste großformatige Außeninstallation. Konzipiert, um LACMA zu umkreisen, sein La Brea / Kunsttipps / Rattenspieß / Teergruben (1972) neben den prähistorischen Teergruben von La Brea, die in Neonrot und -grün beleuchtet sind. Wie sein Titel vermuten lässt, enthielt das Stück Anagramme von La Brea, ein witziges, aber scheinbar zweckloses Wortspiel. Dabei war die Trivialität genau Naumans Ziel. Er nutzte kräftige Farbkontraste und hob sprachliche Rätsel hervor, um alltägliche Phrasen und Konnotationen zu verwirren. Trotz seiner innovativen Leistungen wurde Naumans Retrospektive von einigen Medien dennoch als haltlos verteufelt. Ein zunehmender medialer Strudel veranlasste den Künstler, seine Flugroute zu überdenken.

Naumans letzte Jahre in Kalifornien

Silberne Bücher, Bruce Naumann , 1974, MoMA

Bruce Nauman ist ein notorischer Privatperson. Ob positiv oder negativ, er verabscheute das Rampenlicht, seine Paranoia nahm mit seinem Ruhm zu. Mitte der 1970er Jahre machte ihm die Prominenz das Schlimmste und er reduzierte seine künstlerische Produktion stark. Aus dieser Abgeschiedenheit entstand jedoch eine unglaubliche Originalität, einschließlich Naumans heute renommierter textbasierter Medien. Tatsächlich konzipierte er 1974 seine Leuchtreklame Silberne Bücher in einem Versuch, die Kontrolle über seine eigenen Methoden zurückzugewinnen, ein Gegenstück zu einer großen Ausstellung, der er in Paris gedachte. Sich überlappende Sätze roter und grüner Schläuche enthüllten französische Anagramme für den Begriff Bücher oder Bücher. Um das Ende einer denkwürdigen Ära zu markieren, schuf er auch sein letztes skulpturales Werk in Pasadena Studiostück im Jahr 1979. Das maßstabsgetreue Modell vermischte frühere Materialien, durch die Nauman seine geometrischen Neigungen erforschte. Damit verabschiedete er sich nostalgisch von seiner Heimat Kalifornien, auf dem Weg zu Neuanfängen in New Mexico.

Als Nauman nach New Mexico zog

Violinen Gewalt Stille, Bruce Naumann , 1981, Tate Modern

Nauman machte sich in den 1980er Jahren einen neuen Namen. Inmitten der üppigen Hügellandschaft von San Miguel County baute er ein neues Studio in einem winzigen Dorf südlich von Santa Fe namens Pecos . Dort entwickelte er auch eine fortschrittliche Bildsprache und ersetzte seine vereinfachten Neonlichter durch finsterere Ausdrucksweisen. Im Violinen Gewalt Stille (1981) , gelb und rosa Neonröhren stellen sechs Wörter in einem locker geformten Dreieck nebeneinander und konterkarieren Musikalität mit Gelassenheit. Bis 1983 führte Nauman seine Ideen durch die Stuart Foundation, die schließlich sein Leuchten errichtete Laster und Tugenden an Fassaden in ganz San Diego Jahre später. Naumans bahnbrechendes Jahrzehnt, unbestreitbar sein berühmtestes Werk, erreichte mit seinem Jahr 1984 seinen Höhepunkt Hundert leben und sterben. Vier hoch aufragende Säulen, 100 unsinnige Phrasen und ein Medley aus fluoreszierenden Pigmenten verkörperten fehlerlos unsere paradoxe menschliche Erfahrung. Ein komplexer Algorithmus beleuchtete ausgewählte Wörter, während andere dunkler wurden, um einen visuellen Wohlklang der Sprache zu erzeugen.

Während sich die öffentliche Wahrnehmung der Avantgarde veränderte, veränderte sich auch Naumans wachsender Ruf. Er feierte in den 1980er Jahren mehrere gut aufgenommene Solo-Shows, darunter Stationen in Baltimore, Deutschland, und London. Bis 1987 hatte er sein wachsendes Interesse an der Zuschauerbeteiligung mit Werken wie verfestigt Clown-Folter , eine Projektion grotesker Videos rund um seine charakteristischen Motive. Überwachung, Stress, Sondierung und Wortspiele kombiniert ad infinitum, um das Publikum zu desorientieren, was auf Naumans grundlegende Besessenheit anspielt: Wiederholung. Nach einer Pause von fast zwanzig Jahren kehrte er mit seiner Arbeit von 1988 auch zum Gießen zurück Ohne Titel (Zwei Wölfe, Zwei Hirsche), hergestellt unter Verwendung zerstückelter Präparatoren aus einem nahe gelegenen Geschäft in New Mexico. Anatomisch wirkten die Frankenstein-ähnlichen Kreaturen wie aus einer anderen Welt und drehten sich auf einem Karussell, das an ein Schlachthaus erinnert. Nauman gedieh auf dem Höhepunkt seiner Multimedia-Produktion. 1989 heiratete er einen Künstlerkollegen Susan Rothenberg, und das Paar zog auf eine Farm im nahe gelegenen Galisteo, wo sie noch immer wohnen.

Neuere Arbeiten von Nauman

Installationsansicht von Feed Me/Anthro-Socio , Bruce Nauman, 1993, Der Wächter

Video wurde in den 1990er und 2000er Jahren zu Naumans Hauptbeschäftigung. Er erforschte seine eigene kommunikative Kraft und testete systematisch die kontextuelle Beziehung zwischen Körper und umgebendem Raum, neugierig auf Zeit als relatives Konzept. Zum Beispiel seine Arbeit von 1993 Feed Me/Anthro-Socio zeigte einen sich drehenden Schauspieler, der schrie, füttere mich, hilf mir, esse mich, verletze mich, unvollständig ohne das Eintauchen eines Zuschauers. Im Gegensatz zu seinen Zeitgenossen prägten Naumans ausgewählte Sujets seine Videoinstallationen situativ, nicht umgekehrt. 1999 wurde er mit dem Goldenen Löwen individuell ausgezeichnet 48. Biennale Venedig, der höchste Preis für Filmeinreichungen. Die American Academy of Arts and Letters nahm ihn 2000 als Mitglied auf, und 2004 erhielt er einen Kaiserlicher Preis. Die von der Japan Art Association verliehene Auszeichnung zeichnet Künstler aus, die maßgeblich zur Entwicklung der internationalen Kunst und Kultur beigetragen haben. Bruce Nauman hatte verkörpert, was es bedeutete, als globales Aushängeschild zu gelten.

Kontrapoststudien, I bis VII, Bruce Naumann , 2016, Das Philadelphia Museum of Art

Heute lebt er ein bescheidenes Leben auf seiner Farm in New Mexico. Nur wenige würden vermuten, dass sein bescheidener Komplex ein Studio in einem winzigen Schuppen beherbergt, der an grüne Weiden für Pferdeweiden angrenzt. Obwohl seine Kunst immer noch eine wichtige Rolle spielt, hat Nauman in andere Geschäftsfelder expandiert und verkauft gelegentlich sogar Wildbestände. Trotzdem ist er während seiner Zeit bei Galisteo kreativ gereift. Eines seiner neusten Werke, Kontrapoststudien, I bis VII (2016) , untersucht Ton und Video, indem er zeigt, wie Nauman a schlägt entgegen Pose. Als Doppelgänger zu seinem ersten berühmten fungieren Gehen Sie mit Kontrapost (1968), die digital manipulierten Medien übertrugen seine Bewegungen in Positiv- und Negativfilm, vorwärts bzw. rückwärts. Auch angesichts des zwangsläufigen Alterns hat sich Naumans Fokus auf Körperlichkeit über die Jahre nicht wesentlich verändert. Vielmehr hat sein Verständnis für seine biologische Uhr einer intimeren Untersuchung seiner Psyche Platz gemacht. Seine Zukunft könnte sogar noch größere Einsichten enthalten.

Das kulturelle Erbe von Bruce Nauman

Bruce Nauman in New Mexico , Alec Soth, 2018, New York Times

Bruce Naumans Arbeit fungiert als unheimlicher gesellschaftlicher Lackmustest. Egal wie aggressiv, provokativ oder einfach nur schrecklich, der Künstler erweitert weiterhin seine intellektuellen und physischen Grenzen, um ein internationales Publikum zu verwirren, zu verzaubern und zu beklagen. Mit einundachtzig Jahren hat er hasserfüllte Kritik, überwältigendes Lob und sogar fast tödlichen Darmkrebs überstanden, von denen nichts seine stetige Beharrlichkeit aufgehalten hat. Seine Anti-Kunst, die tiefes seelisches Unbehagen hervorruft, hat das öffentliche Bewusstsein auf Gedeih und Verderb gelockert und uns stellvertretend durch seine kreative Suche nach Freiheit transportiert. Bruce Nauman wird die Zuschauer noch lange nach seinem traurigen Ableben polarisieren.