8 berühmte Kunstwerke der Young British Artist Movement (YBA)
Die physische Unmöglichkeit des Todes im Kopf eines Lebenden von Damien Hirst, 1991 (links); mit „Schönheit“ bewahren von Anya Gallaccio, 1991 – 2003 (Mitte); und Die heilige Jungfrau Maria von Chris Ofili, 1996 (rechts)
Die jungen britischen Künstler (YBAs) sind eine Gruppe junger Künstler, die in den 1980er Jahren entstanden. Damien Hirst , Tracey Emin ,und Garry Hume sind nur drei der Namen, die im Laufe der Bewegung berühmt wurden. Es hat nie ein Manifest oder eine offizielle Vereinigung der Young British Artists gegeben. Vielmehr waren es äußere Umstände und ein künstlerischer Konsens, der die Gruppe verband. Viele der Young British Artists studierten am Londoner Goldsmith College und stellten ihre Werke in der Saatchi Gallery of London aus Kunstsammler Charles Saatchi . Die sogenannte Freeze-Ausstellung, kuratiert von dem damals 22-jährigen Kunststudenten Damien Hirst, wird aus heutiger Sicht oft als Geburtsstunde der Gruppe bezeichnet.
Young British Artist Movement (YBAM): Zweck der Provokation
Der künstlerische Konsens des Young British Artist Movement war ein gemeinsamer Wille zur Provokation. Mit Tierkadavern, Pornografie und Kunstwerken aus Alltagsgegenständen und Fundmaterialien positionierten sich die Künstler politisch – sowohl innerhalb einer konservativen Gesellschaft als auch innerhalb der Kunstwelt der 1980er und 1990er Jahre. Ein weiterer wichtiger Aspekt der Gründung von YBAM ist der unternehmerische Ansatz, ihre Arbeit zu zeigen und zu vermarkten. Dass hinter den postmodernen Arbeiten mehr als pure Provokation steckt, beweisen nicht zuletzt Nominierungen und die Verleihung des renommierten Turner Prize an mehrere YBAs.
Hier präsentieren wir 8 berühmte Kunstwerke der Young British Artists.
1. Damian Hirst, Die physischen Unmöglichkeiten des Todes im Kopf eines Lebenden (1991)
Die physischen Unmöglichkeiten des Todes im Kopf eines Lebenden von Damian Hirst , 1991, über The Independent
Damien Hirsts Die physischen Unmöglichkeiten des Todes im Kopf eines Lebenden (1991), auch bekannt als The Shark, ist wahrscheinlich das berühmteste Kunstwerk der YBA-Gruppe. Als der junge Künstler das Werk 1991 schuf, schockierte er viele Betrachter. Das Kunstwerk zeigt einen Tigerhai in Formaldehyd. Die Arbeit zeigt den Tod auf unkonventionelle und explizite Weise. Wie der Titel schon andeutet, verweist Damien Hirst den Betrachter auch auf seinen eigenen Tod bzw. auf die Unmöglichkeit, sich den eigenen Tod vorzustellen – selbst mit einem toten Tier vor sich.
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Die physische Unmöglichkeit des Todes im Kopf eines Lebenden von Damian Hirst , 1991, über Fineartmultiple
In diesem Sinne scheint der Tigerhai trotz des Wissens darüber nicht unbedingt tot, sondern in gewisser Weise auch lebendig zu sein. Nachdem der Hai nach mehr als einem Jahrzehnt zu verwesen begann, musste das Tier 2006 ersetzt werden. Mit dem Austausch des Tieres und der Veränderung des Kunstwerks provozierte der Künstler Fragen nach der Originalität eines Kunstwerks.
2. Tracey Emin, Mein Bett (1998)
Mein Bett von Tracey Emin , 1998, über Christie’s
Mein Bett (1998) ist eine Arbeit der Künstlerin Tracey Emin, die viel Kontroverse ausgelöst hat. Mit der Arbeit, die 1999 in der Tate Gallery ausgestellt wurde, brachte Tracey Emin ihr eigenes Bett im Originalzustand in einen Galerieraum. Dies, nachdem sie nach eigener Aussage während der depressiven Phase einer Trennung vier Tage in diesem Bett verbracht und nichts als Alkohol konsumiert hatte. Leere Schnapsflaschen, gebrauchte Kondome und schmutzige Unterwäsche waren um das Bett herum versammelt. Mein Bett ist eine typisch provokative und persönliche Arbeit des Künstlers. Als das Werk 1999 für den Turner Prize nominiert wurde, löste es in den britischen Medien eine kontroverse Debatte aus.
Die Provokation der Arbeit gipfelte in einer Aktion japanischer Performancekünstler Cai Yuan und Jian Jun Xi , der sich während der Ausstellung in Emins Bett eine Kissenschlacht lieferte. Die Arbeit Mein Bett stellte nicht nur die herkömmliche Vorstellung vom Kunstwerk durch die Verwendung alltäglicher Materialien auf den Kopf. Es stellte auch die klassische Vorstellung von „angemessenem“ Verhalten einer jungen Frau in den 1990er Jahren auf postmoderne Weise in Frage.
3. Tracey Emin, Jeder, mit dem ich je geschlafen habe, 1963 – 1995 (Neunzenhundertfünfundneunzig)
Jeder, mit dem ich je geschlafen habe, 1963 – 1995 von Tracey Emin , 1995, über Widewalls
Jeder, mit dem ich je geschlafen habe, 1963 – 1995 (1995) ist eine weitere Arbeit der Künstlerin Tracey Emin. Die Arbeit bestand aus einem Zelt, in dem die Künstlerin alle Namen von Personen veröffentlichte, mit denen sie bis 1995 geschlafen hatte, im sexuellen und auch im nicht-sexuellen Sinne. Insgesamt wurden 102 Namen im Zelt gefunden.
Die Künstlerin erklärte ihre Arbeit wie folgt: Mit manchen hatte ich im Bett oder an der Wand gevögelt, mit manchen hatte ich gerade geschlafen, wie meine Oma. Ich lag immer in ihrem Bett und hielt ihre Hand. Früher haben wir zusammen Radio gehört und sind eingeschlafen. Das machst du nicht mit jemandem, den du nicht liebst und der dir egal ist. Der berühmte Kunsthändler und Galerist Charles Saatchi kaufte das Werk damals. Als Saatchis Lagerhaus 2004 abbrannte, wurde das Kunstwerk zusammen mit anderen zerstört.
4. Michael Landy, Markt (1990)
Markt von Michael Landy , 1990, über Thomas Dane Gallery, London
Die Installation Market (1990) des Künstlers Michael Landy , einer der Young British Artists, ist ein gesellschaftskritisches Werk. Für das Kunstwerk arrangierte Michael Landy Teile typischer Londoner Marktstände mit Kunstrasen in einem Ausstellungsraum. Mit seiner Installation verwies der Künstler auf das Aussterben typischer Londoner Lebensmittelmärkte und eine Tradition des individuellen Kaufs und Verkaufs von Lebensmitteln. Der Ausstellungsraum, in dem die Installation ursprünglich ausgestellt wurde, verdeutlicht diesen thematischen Bezug noch einmal: Landy stellte seine Arbeiten aus Markt 1990 in einer alten Keksfabrik. Obwohl auch hier das Ausstellen von Alltagsmaterialien als Kunst als formkritisch anzusehen ist, stieß diese Installation beim Publikum auf weitaus mehr Verständnis als beispielsweise die feministischen Kunstwerke der Künstlerin Tracey Emin.
5. Anya Gallaccio, „Schönheit“ bewahren (1991 – 2003)
„Schönheit“ bewahren von Anya Gallaccio , 1991 – 2003, über Tate, London
Die Arbeit (Schönheit) bewahren von Künstler Anya Gallaccio trägt auch einen feministischen und kritisch-emanzipatorischen Ansatz. Hunderte von wunderschönen roten Blumen, verwoben zu einem Blumenteppich – so erschien die Installation von Anya Gallaccio erstmals in ihrer ersten Ausstellung in der Galerie Karsten Schubert in den 1990er Jahren. Mit der Ausstellung ihres Installationsobjekts setzte die Künstlerin die Blumen dem Verfall aus und spielte damit explizit auf das Vanitas-Thema der Kunstgeschichte an. Im Laufe der Zeit wurde der Verfall der Blumen für die Besucher der Galerie sowohl sichtbar als auch durch einen muffigen Geruch wahrnehmbar. Die Arbeit bildet einen zeitlichen Verfall in Echtzeit ab, wie z Renaissance-Gemälde zu dem Thema konnte nur andeuten. Mit (Schönheit) bewahren bezieht sich die Künstlerin auch auf den menschlichen Verfall und lässt den Betrachter ihrer Kunstwerke über den eigenen Verfallsprozess nachdenken.
6. Angus Fairhurst, Pietà (Erste Fassung) (neunzehn neunzig sechs)
Pietà (erste Fassung) von Angus Fairhurst , 1996, über Tate, London
Auch wenn die Young British Artists mit ihrer Kunst regelmäßig die Grenzen der bisherigen Kunst ausloteten, lösten sich ihre Kunstwerke nicht gänzlich von der traditionellen Kunst. Anya Gallacios (Schönheit) bewahren bereits bewiesen dies und Angus Fairhursts Mitgefühl (1996) zeigt dies ebenfalls.
Die Pietà ist als klassisches religiöses Motiv der Kunstgeschichte bekannt, das im Laufe der Jahrhunderte von den unterschiedlichsten Künstlern in Werken verwendet wurde. Auch der Künstler Angus Fairhurst spielt mit seinen Selbstauslöser-Fotografien mit diesem Motiv. Nackt wie Jesus liegt er jedoch nicht in den Armen der heiligen Mutter, sondern auf dem Schoß eines verkleideten Gorillas. Das sichtbare Kabel des Selbstauslösers fungiert in diesem Ensemble als technisches Zeichen der Lebendigkeit, während die geschlossenen Augen des Künstlers Leblosigkeit vermitteln sollen. Der Gorilla ist ein wiederkehrendes Motiv in Fairhursts Werken.
7. Jenny Saville, Planen (1993)
Planen von Jenny Saville , 1993, über Art Market Monitor
Das Gemälde Planen (1993) vom Künstler Jenny Saville bewegt sich im Spannungsfeld zwischen klassischer Technik und modernen Körperbildern. In ihrem Gemälde blickt Saville auf den Betrachter herab und verwandelt ihren Körper durch topografische Linien in eine Landkarte, die der Betrachter durch Betrachten des Gemäldes erkunden kann. Was der Betrachter sieht, ist keineswegs poliert und perfekt, wie es viele Menschen von der Malerei gewohnt sind. Stattdessen zeigt die Karosserie im Bild weiche Formen und Dellen. Der Kunstsammler Charles Saatchi wurde in den 1990er Jahren auf die Malerin aufmerksam, kaufte ihr alle Bilder ab, die in einer Ausstellung in Edinburgh präsentiert wurden, und nahm sie dann unter einen 18-monatigen Vertrag, um ihr die Möglichkeit zu geben, neue Bilder zu malen.
8. Chris Ofili, Die heilige Jungfrau Maria (neunzehn neunzig sechs)
Die heilige Jungfrau Maria von Chris Ofili , 1996, über MoMA, New York
Chris Ofili 's Arbeit Die heilige Jungfrau Maria (1996) war eine der umstrittensten in der sogenannten Sensations-Ausstellung der Young British Artists im Jahr 1997. Es ist eine Darstellung der Heiligen Jungfrau Maria, ein multimediales Werk aus eher profanen Materialien: Glitzer, Bilder aus Pop Kultur und eine aus Elefantenmist geformte Brust. Sie können sich vorstellen: Letzterer galt vielen Zuschauern und Kritikern als respektlos. Der Künstler Chris Ofili hingegen verteidigte die Integration dieses Materials in seine Malerei damit, dass Elefantendung in Simbabwe, wo Ofili einen Studienaufenthalt verbrachte, für Fruchtbarkeit stehe.
Zusammenfassung der jungen britischen Künstlerbewegung
„Schönheit“ bewahren von Anya Gallaccio , 1991 – 2003, über Tate, London
Unkonventionell und provokativ, aber auch explizit politisch – so lässt sich die Arbeit der Young British Artists (YBA) kurz zusammenfassen. Diese Auswahl von acht Künstlern macht deutlich, dass alle Beteiligten dieser postmodernen Künstlerbewegung ihren eigenen Ansatz hatten und dennoch ein Konsens zwischen ihnen besteht.