Das Genie von Antonio Canova: Ein neoklassisches Wunder

Porträt von Antonio Canova von François Xavier Fabre, 1812, über The New York Times; mit Perseus mit dem Haupt der Medusa (Perseus Triumphant) von Antonio Canova, 1800-01, über die Vatikanischen Museen, Rom; und mit Theseus und dem Minotaurus von Antonio Canova, 1781-1783, über das Victoria and Albert Museum, London

Antonio Canova war als erstklassiger italienischer Bildhauer ein Musterbeispiel der neoklassizistischen Bewegung. Sein Wissen über die Kunstrichtungen Barock, Rokoko und Klassik ermöglichte es ihm, einen einzigartigen und intuitiven Stil zu kreieren. Dank der Inspiration von Johann Joachim Winckelmann und den späteren Kritiken von Gavin Hamilton entwickelte Canova ein tiefes Verständnis für die Werke der griechischen und römischen Klassik. Seine eigenen Werke veranschaulichen Harmonia, Balance, Symmetrie und Proportion. Diese Kernpunkte wurden nicht nur von den Werken der Griechen, sondern von der gesamten neoklassizistischen Bewegung geprägt. Canovas neoklassizistische Skulpturen integrierten die Vergangenheit in die Gegenwart. Bevor Sie jedoch das Leben und Werk dieses großen Bildhauers kennenlernen, ist es wichtig, sich mit der Geschichte des Neoklassizismus vertraut zu machen.

Antonio Canovas Anfänge: Die neoklassische Bewegung

Parnass von Anton Raphael Mengs, 1761, über The Hermitage Museum, St. Petersburg

Die neoklassische Bewegung begann in den 1760er Jahren mit der Wiederentdeckung Pompejis im Jahr 1748 durch Entdecker auf der Jagd nach antiken Artefakten. Die Aufdeckung der Wandfresken Während und nach den Ausgrabungen in Pompeji zwangen die Künstler, Lithographien der Stücke anzufertigen, um die Bilder in ganz Europa zu verbreiten. Der pompejanische Stil inspirierte die Künstler der damaligen Zeit und bestimmte Aspekte des Alltagslebens: Die französische Mode und Wohnkultur zum Beispiel verlagerten sich zu den raffinierteren und eleganteren Stilen der Vergangenheit.

Die Wiederentdeckung von Pompeji inspirierte auch die Wiedergeburt von Säulen, die nach dem 19. Jahrhundert hergestellt wurden Griechische klassische Orden .

Illustration des Ionischen Ordens aus dem Erechtheum aus The Antiquities of Athens (Vol. 2), 1762-1816, gescannt vom Autor aus Nineteenth-Century European Art: Third Edition von Petra ten-Doesschate Chu

Die drei Ordnungen sind dorische, ionische und korinthische Säulen. Dorische Säulen sind am besten für ihre Einfachheit, ihren Umfang und ihre Zugehörigkeit zu Stärke und dem Männlichen bekannt. Ionische Säulen haben sich in ihrer Zierlichkeit und Voluten in Form von Spiralen an die Weiblichkeit angepasst und ahmen das Haar einer Jungfrau nach. Die korinthische Ordnung war eine Kombination der beiden anderen Ordnungen, aber mit einem dekorativeren Stil, einschließlich glockenförmiger Voluten, einem äußerst detaillierten Gesims und Akanthusblättern, die die Oberseite schmücken.

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Darüber hinaus förderte Johann Joachim Winckelmann, ein deutscher Kunsthistoriker, der die neoklassische Bewegung maßgeblich beeinflusste, das Wiederaufleben der Wertschätzung klassischer Stile mit seiner Studie über die Entwicklung der klassischen Kunst durch vergleichende Forschung. Auf diese Weise ließ sich der Neoklassizismus stark von der klassischen und hellenistischen Periode der griechischen Skulptur inspirieren.

Who Was Johann Joachim Winckelmann?

Portrait of Johann Joachim Winckelmann von Angelica Kauffman, 1764, über das British Museum, London

Winkelmann war ein deutscher Kunsthistoriker, Archäologe und Frühhellenist. Er glaubte, dass die klassische Kunst eine Entwicklung durchgemacht hat, die einen Anfang, eine Mitte und ein Ende beinhaltete. Das Konzept entstand aus der Tatsache, dass pompejanische Wandmalereien nicht den ästhetischen Standards der griechischen Skulptur entsprachen. Es bestand die Vermutung, dass die pompejanischen Fresken während eines Niedergangs in der Zeitachse der klassischen Kunst gemalt wurden.

Geschichte der antiken Kunst von Johann Joachim Winckelmann , Erstausgabe erschienen 1764, via Winckelmann-Museum, Stendal

Winckelmann schrieb Geschichte der Kunst des Alterthums , oder Die Kunstgeschichte der Antike (1764), die Historiker, Gelehrte und Künstler gleichermaßen beeinflusste. In dieser Arbeit verwendete er den Kreislauf des Lebens als Analogie, um die Geschichte der klassischen Kunst zu skizzieren. Es hatte einen Ursprung, eine Wachstums- und Reifephase und schließlich einen Niedergang.

Dieses Buch inspirierte dank Winckelmanns Beschreibungen klassischer Skulpturen viele Kunstwerke und Literatur. Seine Schriften beeinflussten Bildhauer und Maler wie Antonio Canova und Anton Raphael Mengs . Er hob die idealen Qualitäten der Stücke mit ihrer edlen Schlichtheit und ruhigen Erhabenheit sowie ihrer Sinnlichkeit hervor.

Für Winckelmann lag die Wiege der klassischen Kunst nicht in Rom, sondern in Griechenland, wo sie geboren wurde und ihren Höhepunkt erreichte. Aufgrund seiner Leidenschaft für und seines intensiven Studiums antiker griechischer und römischer Werke konnte Winckelmann sehr eng zum Fortschritt von Künstlern beitragen, die die Werke der Antike begehrten.

Griechische und römische Skulptur

Artemision-Bronze , Ungefähr 460 v. Chr., über das Nationale Archäologische Museum von Athen

Überraschenderweise wurden viele griechische und römische Bronzen seit der Herrschaft des Römischen Reiches und der Kreuzzüge nicht mehr gesehen. Wieso den? Denn viele wurden wegen ihrer Bronze eingeschmolzen, da Bronze für Waffen und Werkzeuge sehr gefragt war. Trotz des Verrats dieser Aktion hatten die Römer jedoch die Voraussicht zu treffen Kopien aus Marmor einer ganzen Reihe von Skulpturen. Natürlich gab es original griechischen Marmor, wie den Kritios Junge, die antike Kouros-Statue aus Marmor , und die Nike von Samothrak und . Ihre Bronzen vermittelten jedoch am besten ihre Fähigkeiten und Philosophie für Geist und Körper während der klassischen bis hellenistischen Periode. Dann gibt es die Werke griechischer Bronzebildhauer wie Polyklet und Lysippos , deren bemerkenswerteste Werke nur noch als römische Marmorkopien zu sehen sind.

Römische Kopie von Farnese Herakles (Herkules in Ruhe) von Glykon (Original griechische Bronze von Lysippos), spätes 2. bis frühes 3. Jahrhundert n. Chr., über das Nationale Archäologische Museum von Neapel

Jede römische Kopie einer griechischen Original-Bronzestatue hat eine Strebe oder einen marmornen Baumstamm, der den Marmor ausbalanciert. (Die Strebe hat historisch viele Formen angenommen, aber der Stamm ist eine ihrer bemerkenswertesten Formen). Aufgrund der verlorenen Techniken der griechischen Skulptur konnten die Römer ihren Marmor nicht richtig ausbalancieren und mussten stattdessen Streben verwenden. Zwei Beispiele dafür sind in zu sehen Farnese Herakles , das nicht unbedingt eine Strebe hat, da die Keule Teil des Originalstücks ist, aber die gleiche Rolle wie eine Strebe übernimmt; und die Apollo Belvedere, die auf der linken Seite eine Strebe hat. Bei griechischen Originalen aus Bronze befand sich normalerweise Bronze unter den Füßen der Skulptur, die sie hochhielt – und sie dadurch an Ort und Stelle klebte.

Diagramm des Goldenen Schnitts (Goldenes Rechteck und Spirale), über das Pratt Institute

Die Römer ahmten den längst perfektionierten Stil der Griechen nach. Diese Perfektion beruhte nicht nur auf Können, sondern auch auf dem Wissen um die Goldener Schnitt , oder Goldener Schnitt über das Goldene Rechteck, und das hat die ideale Harmonie, Balance, Symmetrie und Proportion hervorgebracht. Das Apoll Belvedere , Artemision-Bronze , und Anton Mengs' Parnass sind alles Paradebeispiele für Stücke, die um den Goldenen Schnitt herum strukturiert sind. Trotz dieses Wissens neigten die Römer dazu, die Proportionen ihren eigenen Empfindungen anzupassen. Auf der anderen Seite schätzten die Griechen den idealen Körper und die raffinierte Schönheit und modellierten die Körper nach dem, was sie als das Abbild der Götter und Göttinnen empfanden.

Antonio Canova verwendete diese alten Regeln und Techniken, die von seinen Vorgängern weitergegeben wurden, um Werke zu schaffen, die sich von der Vergangenheit inspirieren lassen und gleichzeitig Wissen über die Zukunft vermitteln.

Mehr über Antonio Canova

Selbstbildnis des Bildhauers Antonio Canova , 1812, über das Art Institute of Chicago

Antonio Canova war ein italienischer neoklassizistischer Bildhauer, der von Zeitgenossen als Oberster Schönheitsminister bekannt war. Canova genoss eher die neoklassische Kunstbewegung als die Rokoko oder Barock Kunstperioden, da er auf seinen Italienreisen die Werke von Meistern wie Michelangelo sowie die Fresken von Pompeji studierte. Viele von Canovas frühen Werken basieren auf der Ablehnung, lediglich klassische griechische Techniken zu kopieren. Er versuchte, vergangene Philosophien und Auffassungen der Griechen mit seinem Wissen über die Kunst des Rokoko und des Barock zu vereinen.

Antonio Canova galt als der größte Bildhauer seiner Zeit. Vor 1779 zeigten seine frühen Werke eine spätbarocke oder Rokoko-Sensibilität, die für seine Gönner, venezianische Adlige, attraktiv war. Ein solches Beispiel wäre seins Dädalus und Ikarus Neoklassizistische Skulptur.

Canovas Begegnung mit Gavin Hamilton

Dädalus und Ikarus von Antonio Canova , 1777-1779, über Museo Gipsoteca Antonio Canova, Possagno

1779 besuchte Canova zum ersten Mal Rom und traf den schottischen Maler, Antiquitätenhändler und venezianischen Botschafter Gavin Hamilton bei einer Dinnerparty. Im Juni des folgenden Jahres sah Hamilton Canovas Dädalus und Ikarus und sagte zu ihm :

Die Vorstellungskraft der Menschen ist ebenso Wahrheit wie das rein individuelle Bild von Schönheit Wahrheit ist … die Zusammenführung von Natürlichem und Unnatürlichem ist das ideale Mittel, um unsere Idee zu vermitteln.

Hamiltons umfassender Rat an Canova war viel ausführlicher, aber im Wesentlichen wollte Hamilton, dass er sich vom Naturalismus abwendet und eine höhere Form skulpturaler Schönheit sucht. Dieser Input von Hamilton ist der Grund, warum Canovas Arbeit für immer verändert wurde und warum seine Arbeit so aufsteigen konnte.

Canova und die Apoll Belvedere : Neoklassizistische Skulptur

Perseus mit dem Kopf der Medusa (Perseus Triumphant) von Antonio Canova, 1800-01, über die Vatikanischen Museen, Rom

Nach seiner Begegnung mit Gavin Hamilton begannen Antonio Canovas spätere Arbeiten, eine idealisiertere Schönheit darzustellen, die sich von den alten Werken inspirieren ließ. Canovas Perseus mit dem Kopf der Medusa ließ sich nicht nur von den Beschreibungen der inspirieren Apoll Belvedere aber auch Willkommen Cellini 's Perseus und Medusa .

Die Hauptmerkmale von Canova Perseus geerbt von der Apoll Belvedere gehören: ein Mangel an intensiver Muskulatur mit dem gleichen idyllischen Körpertyp; starke Verwendung von Wasserfallvorhängen; fast identische Posen, abgesehen von ihren Umhängen und den Gegenständen, die sie halten (sie sind Spiegel voneinander); und ihre triumphierenden und selbstgefälligen Gesichtsausdrücke.

Apollo Belvedere Römische Marmorkopie griechischer Bronze , spätes 4. Jh. BCE (Marmorkopie 18. Jh.), über die Vatikanischen Museen, Rom

Um die Bedeutung der Apoll Belvedere , unten ist ein Auszug aus Winkelmanns Beschreibung der Skulptur, wie in geschrieben Europäische Kunst des 19. Jahrhunderts (3. Auflage) von Petra ten-Doeschate Chu:

Unter allen Werken des Altertums, die der Zerstörung entgangen sind, ist die Statue des Apollo das höchste Ideal der Kunst … Seine Statur ist erhabener als die des Menschen und seine Haltung spricht von Größe, von der er erfüllt ist. Ein ewiger Frühling… Kleider mit dem Charme der Jugend, die anmutige Männlichkeit gereifter Jahre und spielt mit Weichheit und Zärtlichkeit um die stolze Form seiner Glieder… (S. 50).

Winkelmann versuchte, die doppelte Betonung der sinnlichen und ideellen Qualitäten der griechischen Skulptur hervorzuheben, obwohl er von vielen der zerstörten Bronzen nur die römischen Kopien sehen konnte. Zu dieser Zeit war es aufgrund der Herrschaft der nicht möglich, nach Griechenland zu gehen Osmanische Türken .

Antonio Canovas goldene Jahre

Theseus und der Minotaurus von Antonio Canova , 1781-1783, über das Victoria and Albert Museum, London

Antonio Canovas goldene Jahre waren in der Tat Post-Hamilton, als er begann, innerhalb der neoklassizistischen Bildhauerstandards zu arbeiten und gleichzeitig die griechischen Ideale von himmlischer Schönheit und Perfektion anzuwenden. Canovas erstes Stück nach seinem Treffen mit Hamilton war Theseus und der Minotaurus . Diese Arbeit gilt als seine erste eigentliche neoklassizistische Skulptur zusammen mit Perseus mit dem Kopf der Medusa , die er bald darauf produzierte. Beim Betrachten dieses Stücks wird deutlich, dass Canova sich Hamiltons Rat zu Herzen nahm und versuchte, sowohl natürliche als auch unnatürliche Schönheit hervorzurufen. Dieses Stück lehnt sich noch mehr an die natürliche Vorstellung von Schönheit an; es geht jedoch nicht so weit wie seine Arbeit Dädalus und Ikarus .

So Antonio Canovas Perseus mit dem Kopf der Medusa kann wohl als Beginn seiner goldenen Ära angesehen werden. Seine Perseus und all die Werke, die danach folgten, machten ihn zum obersten Schönheitsminister.

Psyche wiederbelebt durch Amors Kuss (erste Fassung) von Antonio Canova, 1787-93, via Musée du Louvre, Paris

Die Skulptur Psyche wiederbelebt durch Amors Kuss zeigt Canovas wahres Verständnis von Hamiltons Worten und wie er einen Stil für sich selbst weiterentwickelte, der gerade erst anfing, durchzublicken Theseus und der Minotaurus . Seine Arbeit an dieser neoklassizistischen Skulptur vermittelt wirklich die Kombination des Natürlichen mit dem Unnatürlichen. Er erlaubt den Körpern, natürlichere Proportionen zu bewahren, während ihre Gesichter, Haare und Bewegungen eine jenseitige Schönheit und Sorgfalt ausstrahlen.

Theseus und der Zentaur von Antonio Canova, 1810-1819, über das Kunsthistorische Museum, Wien

Während der neoklassizistischen Bewegung blieb die Vorliebe für Werke, die den Rokoko-Stil veranschaulichen, in vollem Gange. Ein Aspekt, der die Kunst des Rokoko am meisten charakterisierte, war ihr theatralischer Charakter. Da Antonio Canova Rokoko studierte, folgte ihm diese theatralische Sensibilität in Werke wie Theseus und der Zentaur .

Im Vergleich dazu seine Theseus und der Minotaurus unterscheidet sich von dem, was viele Rokoko-Künstler in der Vergangenheit getan hatten, darin, dass es die Nachwirkungen der Schlacht zeigt, anstatt die Schlacht selbst zu zeigen. Theseus und der Minotaurus zeigt Theseus, nachdem er den Minotaurus getötet hat (wie von Hamilton empfohlen), während eines Moments der Reflexion auf seiner Tötung. In diesem Moment erkennt Theseus, dass er nun seine Unschuld verloren hat und über seine eigene Moral nachdenken muss. Anstatt Größe im Kampf darzustellen, wie Theseus und der Zentaur , gibt es eine düstere Nachdenklichkeit in dem Stück.

Theseus und der Zentaur (Nahaufnahme des Zentauren) von Antonio Canova, 1810-1819, über das Kunsthistorische Museum, Wien

Insbesondere dieses Stück sorgte für Spekulationen, es handele sich um eine Kopie eines griechischen Originals. Theseus und der Zentaur war so ausgewogen, wie ein Dreieck innerhalb der Grenzen des Goldenen Schnitts geformt, während es gleichzeitig einen Detaillierungsgrad aufwies, den man nicht unbedingt von einer originalen neoklassizistischen Skulptur erwarten würde. Das Detail des Pferdes und die fleischähnliche Beschaffenheit der Körper ließen das Stück für die damalige Zeit als unmöglich erscheinen, insbesondere angesichts des Fehlens einer Strebe und der Gesamtharmonie der Skulptur. Theseus und der Zentaur gilt daher aus gutem Grund als Canovas Magnum Opus.

Wenn es darauf ankommt, waren Canovas Werke in seiner frühen Karriere meisterhaft, mit Höhepunkten wie Dädalus und Ikarus . Ohne die Einsicht von Leuten wie Winckelmann oder den Rat von Gavin Hamilton wäre er jedoch nicht das Wunderwerk, das er geworden ist. Antonio Canova war ein wahrer Virtuose des Handwerks und schuf Werke, die wohl auf die gleiche Weise verewigt werden können wie die Werke, die ihn inspirierten.