Zeitleiste der antiken griechischen Kunst und Architektur

Attische rotfigurige Kalpis mit drei Mänaden , 6. Jahrhundert v. Chr., über Christie’s

Antike griechische Kunst und Kultur sind zu Eckpfeilern der modernen westlichen Gesellschaft geworden. Es bleibt in der Populärkultur präsent und man kann seine Wiederholungen in Film, Kunst, Architektur und Literatur sehen. In der gesamten antiken griechischen Zivilisation erfuhr die Kunst jedoch mehrere deutliche Änderungen in Bezug auf Medium, Stil, Verwendung und Zugänglichkeit. Hier untersuchen wir diese Veränderungen im Laufe der Zeit.

Terrakotta-Box , 8. Jahrhundert v. Chr., mit freundlicher Genehmigung von The Met

Nach der Auflösung der mykenischen Zivilisation und dem Ende der Bronzezeit im 11. Jahrhundert v. Chr. Geriet die griechische Kultur in eine Zeit relativ geringen sozialen oder künstlerischen Fortschritts, die als griechisches Mittelalter bekannt ist. Die geometrische Periode im antiken Griechenland markierte das Ende dieses dunklen Zeitalters, beginnend mit dem Wiederauftauchen der Keramikmalerei während der protogeometrischen Periode (ca. 1050-900 v. Chr.).

Die geometrische Periode zeichnet sich durch die Verwendung geometrischer Muster und Formen in ihrer Ikonographie aus. Der Fokus der Kunst verlagerte sich auch von den fließenderen, amorphen Formen der Mykenische Zeit und auf besser erkennbare Darstellungen der Menschen und Tiere der Athener Polis. Die Periode kann in drei Epochen unterteilt werden: die frühe geometrische, mittlere geometrische und späte geometrische.

Dipylon-Krater , ca. 750–35 v. Chr., mit freundlicher Genehmigung von The Met

Während dieser Zeit der antiken griechischen Kunst gab es zwei herausragende Arten von monumentalen Votivgefäßen: Krater und Amphoren. Krater wurden verwendet, um Männergräber zu schmücken, während Amphoren Frauengräber schmückten. Sie hatten im Allgemeinen einen schlanken Hals und eine verbreiterte Mitte mit zwei seitlichen Griffen.

Attische Keramikamphora, Geometrische Periode, Ca. 725-700 v. Chr., über das Met Museum

Eines der bestimmenden Merkmale der Keramik aus der geometrischen Periode wird „Horror Vacui“ oder „Angst vor dem leeren Raum“ genannt. Dies manifestierte sich darin, ganze Oberflächen mit komplizierten Details oder Mustern zu füllen. Vasen wurden daher zum größten Teil vollständig mit Ikonographie bedeckt, was zu einer reichen und künstlerischen Dekoration führte.

Nahaufnahme einer Prozessionsszene auf einem Dipylon-Krater

Die Gefäßdekoration wurde oft in Ebenen aufgeteilt, die dann auch mit Prozessions- oder „Marsch“-Szenen geschmückt wurden. Figuren auf Keramik aus der geometrischen Zeit waren oft schwarz auf hellem Hintergrund gemalt und konnten durch ihre kleinen Köpfe, verbreiterte dreieckige Brust, schmale Taillen und eckige Beine unterschieden werden.

Griechisches geometrisches Bronzepferd , 8. Jahrhundert v. Chr., mit freundlicher Genehmigung von The Met

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Obwohl die geometrische Periode hauptsächlich für ihre Töpferwaren bekannt ist, entwickelte die spätgeometrische Periode auch einen erkennbaren Skulpturenstil. Diese hauptsächlich Bronzefiguren waren im Allgemeinen sehr einfach, klassisch gerendert und elegant in der Form.

Archaische Zeit, ca. 700-480 v. Chr.

Nahaufnahme des Euphronios-Kraters, rotfigurig, ca. 515 v. Chr.

Die archaische Zeit war geprägt von einer erheblichen Zunahme der Interaktion zwischen der griechischen Welt und den umliegenden Gebieten des Mittelmeers aufgrund von Handel und internationaler Kommunikation. Dies manifestierte sich durch künstlerischen und kulturellen Einfluss aus Ägypten, dem Nahen Osten und anderen Gebieten rund um Griechenland.

Die Kunst des archaischen Griechenlands spiegelt diesen verstärkten internationalen Einfluss in Technik, Werkzeugen und Ikonographie wider. Mit sich ständig weiterentwickelnden Technologien waren Künstler erstmals in der Lage, realistische menschliche Bilder zu erstellen. Sie waren auch in der Lage, kunstvoll detaillierte, farbenfrohe Töpferwaren herzustellen.

Achilles und Ajax spielen ein Brettspiel von Exekias, schwarzfigurig, ca. 540-30 v. Chr.

Während der archaischen Zeit des antiken Griechenlands entstanden zwei charakteristische Töpferstile. Die erste davon ist als schwarzfigurige Keramik bekannt, die aus roter Keramik mit Rückseitenglasurdekoration hergestellt wurde. Die zweite Töpfertechnik hieß Rotfigur, bei der Figuren schwarz umrandet und innen rot gelassen wurden. Anfangs waren diese Gefäße hauptsächlich mit Kriegsszenen geschmückt, insbesondere aus der Ilias oder Odyssee. Im Laufe der Zeit entwickelten sie sich jedoch auch zu ruhigeren Szenen wie Symposien oder mythischen Handlungssträngen.

Am prominentesten produziert wurden Trinkgefäße. Es gab jedoch viele Methoden, um sie herzustellen, und sie unterschieden sich erheblich in Form, Verwendung und Größe. Einige wurden für Weinkrüge, Misch- oder Servierschalen, Parfümgläser und Vorratsgläser verwendet. Die Form des Gefäßes deutete normalerweise auf seine Verwendung hin, aber die überwiegende Mehrheit von ihnen hatte einen langen Hals, eine verbreiterte Mitte und seitliche Griffe.

Marmorstatue eines Kouros , ca. 590-580 v. Chr.

Die archaische Periode der antiken griechischen Kunst sah auch dramatische Innovationen in der Skulpturenproduktion. Diese eingebürgerten Skulpturen namens Kouroi erschienen. Kouroi waren halblebensechte Gedenkstatuen, die idealisierte junge Männer in ihrer Blütezeit darstellten. Es gab auch das weniger berühmte, bekleidete weibliche Gegenstück: die Kore.

Kouroi sah besonders ägyptisch aus; Ihr leicht eckiges, geometrisches Design ahmte das der altägyptischen Bronze- oder Holzskulptur nach. Sie standen aufrecht mit breiten Schultern, die Arme an ihren Seiten mit schlanken Hüften und ihre Beine zusammen. Während der gesamten archaischen Periode entwickelten sie sich jedoch zu naturalistischeren, detaillierteren Formen, die für die folgende klassische Periode charakteristisch sind.

Klassik, ca. 480-323 v. Chr.

Römische Kopie von Myrons Discobolus, Original 460-50 v

Die klassische Periode begann mit dem Ende der athenischen Tyrannei im 5. Jahrhundert v. Chr., die den Weg für die spätere Etablierung der Demokratie ebnete. Es sah auch die Perserkriege und die Herrschaft und den Tod von Alexander dem Großen im Jahr 323 v. Philosophen wie Plato, Sokrates und Aristoteles erlangten in dieser Zeit Berühmtheit, und sie gilt als Athener „ goldenes Zeitalter, “, während der Intellektualismus, Kunst, Literatur und Kultur blühten.

Erechtheion-Tempel, auf der Nordseite der Akropolis von Athen, ca. 421-406 v. Chr.

In dieser Zeit wurden viele Dinge eingeführt und erweitert, die das antike Griechenland für moderne Betrachter repräsentieren, und man konnte den klassischen Stil nicht betrachten, ohne seine Architektur zu berücksichtigen. Während der Klassik nahm der Bau monumentaler Tempel zu, darunter die Fertigstellung der Athener Akropolis und des Erechtheion sowie zahlreicher Tempel an Orten wie Delphi, Olympia und Korinth.

Animierte Nachbildung der Athener Akropolis, 447–32 v

Während der Klassik gab es drei erkennbare Baustile: den dorischen Orden, den ionischen Orden und den korinthischen Orden. Der dorische Orden war einfach, mit schlichten Säulen, Kapitellen und Giebeln. Der Ionische Orden war etwas mehr verziert, mit Säulen, die wie eine gerollte Schriftrolle aussahen. Der Korinthische Orden war der detaillierteste der drei, mit komplizierten, organischen Säulen- und Kapitelldesigns.

Die drei Ordnungen der antiken griechischen Architektur

Die klassische Kunst ist auch leicht an ihren nahezu perfekten Darstellungen der menschlichen Form in lebensgroßen und monumentalen Skulpturen zu erkennen. Griechische Künstler konzentrierten sich zunehmend auf das Studium der menschlichen Anatomie und Muskulatur und entwickelten sich von den archaischen Kouroi zu naturalistischeren, physikalisch genauen Darstellungen der menschlichen Form.

Die antike griechische Skulptur gewann auch an Variationen in Bezug auf Thema und Körperhaltung. Anstatt den archetypisch idealisierten Mann oder die Frau darzustellen, Klassische Skulptur begann, eine vielfältigere Reihe erkennbarer Merkmale aufzuweisen. Bildhauer experimentierten auch mit der menschlichen Form, indem sie Stücke mit dem Motiv in Aktion herstellten oder in der ikonischen Kontraposto-Pose standen, mit einer hervorstehenden Hüfte und dem auf die Seite verlagerten Gewicht.

Kopie des Diadoumenos von Polyklet , ca. 69-96 n. Chr., römische Kopie eines griechischen 420 v. Original, mit freundlicher Genehmigung von The Met

Während der männliche Akt in dieser Zeit von den meisten Künstlern priorisiert wurde, experimentierte Praxiteles mit dem weiblichen Akt und leistete Pionierarbeit für die weibliche Form in seiner Skulptur des Aphrodite von Knidos (ca. 350 v. Chr.). Die Skulptur wurde so berühmt, dass sie in der Moderne als „archetypischer weiblicher Akt“ gilt und immer wieder in der Untersuchung der weiblichen Form erwähnt wird. Es gab auch eine zunehmende Präsenz in häuslichen Reliefs, die Frauen- und Familienszenen darstellten.

Hellenistische Zeit, ca. 323-31 v. Chr.

Lacoön und seine Söhne , ca. Chr., römische Kopie eines griechischen Originals (möglicherweise julisch-claudische Dynastie), Vatikanische Museen

Die hellenistische Periode in der antiken griechischen Kunst begann mit dem Tod Alexanders des Großen im Jahr 323 v. Die Führung des riesigen Imperiums, das er im gesamten Mittelmeerraum, in Nordafrika und in Teilen Asiens aufgebaut hatte, wurde anschließend in drei Regionen aufgeteilt und von Generälen übernommen, wodurch das Imperium zersplittert wurde. Die griechische Kunst baute jedoch den klassischen „Hellenismus“ des Imperiums in der Kunst mit internationalem Einfluss weiter aus.

Im Allgemeinen wies die Kunst der hellenistischen Periode gegenüber der Klassik eine Zunahme an Ausdruck und Detail auf. Es begann sich von der Idealisierung der Klassik zu entfernen, und Künstler waren nicht mehr darauf beschränkt, körperliche Perfektion darzustellen. Sie konnten sich frei mit Themen wie Krankheit, Tod und Alter in der Bildhauerei auseinandersetzen.

Der sterbende Gallier , ca. 230-220 v. Chr., römische Kopie eines griechischen Originals

Selbst mit dem zersplitterten Reich nach dem Tod Alexanders des Großen gab es darin eine große Menge an privatisiertem Vermögen. Dies führte zu einer Zunahme privater künstlerischer Aufträge und damit zu einer größeren thematischen Vielfalt. Die Stücke wurden nicht nur zum Gedenken, sondern zum häuslichen Vergnügen produziert, was auch bedeutete, dass manchmal Elemente der Komödie oder Ironie vorhanden waren.

Es gab auch bedeutende Innovationen im Formenbau für die Herstellung von Trinkgefäßen und Votiv-Terrakottafiguren, was für ihre zunehmende Bedeutung und Verwendung während der hellenistischen Zeit verantwortlich sein könnte. Die Miniaturstatuen, die oft Frauen darstellen, die Gegenstände von religiöser Bedeutung halten, wurden zuvor für religiöse Opfergaben verwendet. Mit ihrer breiteren Verfügbarkeit wurden sie jedoch auch als Grabschmuck immer beliebter.

Hades entführt Persephone Wandfresko aus dem Königsgrab in Vergina, ca. 340 v. Chr.

Obwohl nur wenige physische Beweise für die Malerei aus hellenistischer Zeit erhalten sind, ist sie für ihre Zunahme von Landschaftsdarstellungen bekannt. Viele dieser Landschaften kombinieren realistische Naturelemente mit religiösen Themen. Sie wurden oft auch als Kulissen für Nachbildungen von Mythen oder antiker Literatur verwendet. Es gibt auch einige Hinweise auf hellenistische Wandmalerei, die hauptsächlich in den mazedonischen Königsgräbern in Vergina zu sehen sind, die auch mythische und religiöse Elemente aufweisen.