6 berühmte Künstlerinnen, die Sie kennen sollten

Mama , eine Skulptur der Künstlerin Louise Bourgeois

Maman, eine Skulptur der Künstlerin Louise Bourgeois Der Walk of Fame der Kunstgeschichte ist mit den Namen männlicher Künstler gepflastert, sammelt aber zunehmend mehr weibliche Künstler. Die allgemeine Wahrnehmung eines männlichen Meisters und Meisterwerks wird stark davon beeinflusst, dass ihre weiblichen Pendants in unseren Schulbüchern und in den wichtigsten Museumsgalerien fast vollständig fehlen.

Künstlerinnen heute

In der Filmbranche hat die Unterrepräsentation von Frauen in führenden Rollen als Regisseurinnen und Produzentinnen in den letzten Jahren viele Wellen der Empörung ausgelöst. Hashtags, die sich in sozialen Medien aufbäumen, wie z #OscarsSoMale zeigen, dass ein hoher Bedarf an mehr weiblicher Sichtbarkeit besteht.

Gleiches gilt für den Kunstbetrieb, auch wenn der Aufschrei nicht so laut ist wie in Hollywood. Ein Grund dafür könnte sein, dass es zumindest in der modernen und zeitgenössischen Kunst eine langsamere und stetigere Verschiebung hin zu mehr Frauen gibt. Bereits 1943 Peggy Guggenheim organisierte eine reine Frauenausstellung in ihrer berüchtigten New Yorker Galerie Kunst dieses Jahrhunderts , einschließlich Beiträge von Dorothea Gerben und Frida Kahlo . Dieses Pionierunternehmen, genannt 31 Frauen , war das erste seiner Art außerhalb Europas. Seitdem hat sich viel verändert. Heute gibt es viele Galerien, die immer mehr Künstlerinnen vertreten. Außerdem nehmen mehr Frauen an renommierten Kunstfestivals teil und gewinnen wichtige Preise.

Große Müdigkeit, Camille Henrot, 2013, via camillehenrot.fr

Allerdings sind Künstlerinnen in der Museumslandschaft noch immer unterrepräsentiert. Das Informationsunternehmen für den Kunstmarkt Artnet ergab in einer Analyse, dass zwischen 2008 und 2018 nur 11 Prozent aller Arbeiten, die von den besten amerikanischen Museen erworben wurden, von Frauen stammten. Im Hinblick auf ein historisches Kunstverständnis bleibt also noch viel zu tun, um die Sichtbarkeit von Künstlerinnen und ihrer Arbeit zu erhöhen.

Hier ist ein Überblick über meine Lieblingskünstlerinnen in der gesamten Kunstgeschichte bis heute, die ich für ihre Beherrschung mehrerer Medien, für ihr konzeptionelles Denken, für ihre Behandlung frauenzentrierter Themen und damit für die Schaffung eines bemerkenswerten und einzigartigen Œuvres schätze .

Camille Henrot

Die in Frankreich geborene, zeitgenössische Künstlerin Camille Henrot ist berühmt für ihre Arbeit mit verschiedenen Medien, von Film über Assemblage bis hin zu Skulptur. Sie hat sich sogar an Ikebana gewagt, eine traditionelle japanische Blumenarrangement-Technik. Was ihre Arbeit jedoch wirklich bemerkenswert macht, ist ihre Fähigkeit, scheinbar widersprüchliche Ideen zu kombinieren. In ihren komplexen Kunstwerken stellt sie Philosophie gegen Popkultur und Mythologie gegen Wissenschaft. Die zugrunde liegende, allumfassende Idee ihrer Kunstwerke ist nie allzu offensichtlich. Camille Henrot ist eine Meisterin darin, Dinge elegant zu verpacken und subtile und mystische Atmosphären zu schaffen. Erst nachdem Sie in sie eingetaucht sind, können Sie die Punkte verbinden.

Um es am besten zu veranschaulichen, nehmen wir ein Beispiel: Zwischen 2017 und 2018 stellte Camille Henrot im Palais de Tokyo in Paris eine Carte Blanche mit dem Titel aus Tage sind Hunde . Sie hinterfragte die Beziehungen von Autorität und Fiktion, die unsere Existenz bestimmen, und nahm eine der grundlegendsten Strukturen unseres Lebens – die Woche –, um ihre eigene Ausstellung zu organisieren. Während Jahre, Monate und Tage durch eine natürliche Gegebenheit strukturiert sind, ist die Woche dagegen eine Fiktion, eine menschliche Erfindung. Die Erzählung dahinter mindert jedoch nicht seine emotionalen und psychologischen Auswirkungen auf uns.

The Pale Fox, Camille Henrot, 2014, Fotografie von Andy Keate via camillehenrot.fr

In einem der Räume stellte Camille Henrot ihre Installation aus Der blasse Fuchs , die zuvor von der Chisenhale Gallery in Auftrag gegeben und produziert worden war. Sie benutzte es, um den letzten Tag der Woche darzustellen – den Sonntag. Es ist eine immersive Umgebung, die auf Camille Henrots früherem Projekt Grosse Fatigue (2013) aufbaut – einem Film, der mit dem ausgezeichnet wurde Silberner Löwe auf der 55. Biennale von Venedig. Während Grosse Fatigue in dreizehn Minuten die Geschichte des Universums erzählt, ist The Pale Fox eine Meditation über unseren gemeinsamen Wunsch, die Welt durch die uns umgebenden Objekte zu verstehen. Sie sammelte persönliches Material und überlagerte es nach einem Übermaß an Prinzipien (den Himmelsrichtungen, den Lebensabschnitten, den philosophischen Prinzipien von Leibniz) und schuf so die körperliche Erfahrung einer schlaflosen Nacht, einer katalogisierenden Psychose. Auf ihrer Website erklärt sie, dass ich mit The Pale Fox vorhatte, den Akt des Aufbaus einer kohärenten Umgebung zu verspotten. Trotz all unserer Bemühungen und unseres guten Willens bleibt am Ende immer ein Kieselstein in einem Schuh stecken.

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Haris Epaminondas

Im Mittelpunkt der Arbeit des zypriotischen Künstlers stehen raumgreifende Collagen und vielschichtige Installationen. Für die internationale Ausstellung im 58. Biennale Venedig kombinierte sie gefundene Materialien wie Skulpturen, Töpferwaren, Bücher oder Fotografien, aus denen sie sorgfältig eine ihrer charakteristischen Installationen konstruierte.

Vol. XXII, Haris Epaminonda, 2017, Fotografie von Tony Prikryl

Ähnlich wie bei Camille Henrot offenbaren ihre Kompositionen ihre zugrunde liegende Bedeutung nicht sofort. Was ihre Arbeit jedoch von der von Camille Henrot unterscheidet, ist, dass sie ihre Objekte nicht in komplexe Erzählungen und konzeptionelle Theorien einbettet. Stattdessen sind ihre Installationen viel einfacher organisiert und evozieren ein Gefühl minimalistischer Ordnung. Erst beim genaueren Betrachten der einzelnen Objekte fallen einem die Widersprüche hinter einer scheinbar perfekten Ästhetik auf. Haris Epaminonda verwendet für ihre Kompositionen gefundene Objekte, die nach traditionellem Verständnis völlig fremd wären. So kann man zum Beispiel auf fast natürliche Weise einen Bonsai-Baum neben einer griechischen Säule stehen sehen. Die Künstlerin verstrickt ihre Objekte in ein Netz historischer und persönlicher Bedeutungen, die der Öffentlichkeit und wahrscheinlich auch ihr selbst unbekannt sind. Obwohl Haris Epaminonda die impliziten Geschichten ihrer Objekte nicht ignoriert, lässt sie sie ihre Kraft lieber intrinsisch entfalten.

VOL. 27., Haris Epaminonda, 2019, über moussemagazine.it

Für ihr 30-minütiges Video Chimera gewann Haris Epaminonda die 58. Biennale von Venedig Silberner Löwe als vielversprechender junger Teilnehmer ausgezeichnet und gehört seitdem zu den internationalen Shootingstars der zeitgenössischen Kunst.

Akunyili Crosbys Griff

Njideka Akunyili Crosby wurde in Nigeria geboren und lebt und arbeitet derzeit in Los Angeles. Als Teenager gewann ihre Mutter die Greencard-Lotterie und ermöglichte der ganzen Familie den Umzug in die Vereinigten Staaten. In ihren Gemälden reflektiert Akunyili Crosby ihre Erfahrungen als Mitglied der zeitgenössischen nigerianischen Diaspora. Auf riesigen Papierflächen trägt sie mehrere Schichten auf, um Porträts und Wohninterieurs darzustellen, wobei sie Tiefe und Flächigkeit gegenüberstellt.

Die Künstlerin arbeitet mit einer Mixed-Media-Technik, die unter anderem fotografische Transfers, Farbe, Collage, Bleistiftzeichnung, Marmorstaub und Stoff enthält. Auf diese Weise schafft die Künstlerin außergewöhnliche Gemälde, die eher alltägliche, häusliche Themen veranschaulichen, in denen sie sich selbst oder ihre Familie darstellt. In ihrer Arbeit dreht sich alles um Kontraste, sowohl formal als auch inhaltlich. Betrachtet man die Details ihrer Gemälde genauer, findet man Objekte wie einen gusseisernen Heizkörper, der auf die kalten Winter in New York hinweist, oder eine auf einem Tisch stehende Petroleumlampe, die Akunyili Crosbys Erinnerungen an Nigeria entstammt.

Mama, Mama und Mama (Vorgänger Nr. 2), Njikeda Akunyili Crosby, 2014, über njikedaakunyilicrosby

Kontraste sind jedoch nicht nur auf das oben Erwähnte beschränkt: Bis 2016 überwog eine plötzliche hohe Nachfrage nach Akunyili Crosbys Arbeiten, die sie langsam produziert, das Angebot. Dies ließ die Preise ihrer Kunstwerke auf dem Markt explodieren. Es gipfelte darin, dass eines ihrer Gemälde bei der Auktion für zeitgenössische Kunst von Sotheby’s verkauft wurde November 2016 für fast 1 Million US-Dollar und stellte damit einen neuen Künstlerrekord auf. Nur sechs Monate später wurde ein Werk von einem privaten Sammler für rund 3 Millionen Dollar verkauft Christies London und 2018 verkaufte sie ein weiteres Gemälde für rund 3,5 Millionen US-Dollar Sotheby’s New York .

Luise Bourgeois

Die französisch-amerikanische Künstlerin ist vor allem für ihre großformatigen Skulpturen bekannt, von denen die berühmteste eine gigantische Spinne aus Bronze ist, die „Louise Bourgeois Spider“ mit dem Titel Maman, die ständig um die Welt reist. Mit einer Höhe von neun Metern hat sie eine überdimensionale, metaphorische Darstellung ihrer eigenen Mutter geschaffen, wobei es bei dem Kunstwerk keineswegs darum geht, eine tragische Mutter-Tochter-Beziehung aufzudecken. Im Gegenteil: Die Skulptur ist eine Hommage an ihre eigene Mutter, die in Paris als Gobelin-Restauratorin arbeitete. Genau wie Spinnen erneuerte die Mutter von Bourgeois Gewebe – immer und immer wieder. Der Künstler empfand daher Spinnen als schützende und hilfreiche Wesen. Das Leben besteht aus Erfahrungen und Emotionen. Die Objekte, die ich geschaffen habe, machen sie greifbar, sagte Bourgeois einmal, um ihre eigene Kunst zu erklären.

Mutter, Louise Bourgeois, 1999, über guggenheim-bilbao.eus

Neben der Schaffung von Skulpturen war sie auch eine produktive Malerin und Grafikerin. In den Jahren 2017 und 2018 wurde die Museum für moderne Kunst in New York (MoMA) widmete dem weniger bekannten Œuvre der Künstlerin eine Retrospektive mit dem Titel An Unfolding Portrait, die sich hauptsächlich auf ihre Gemälde, Skizzen und Drucke konzentrierte.

Mein inneres Leben, Louise Bourgeois, 2008, über moma.org

Welche Medien auch immer der vielseitig talentierte Künstler verwendete, Bourgeois konzentrierte sich hauptsächlich auf die Erforschung von Themen rund um Häuslichkeit und Familie, Sexualität und Körper sowie Tod und das Unbewusste.

Gabriele Münter

Wenn Sie wissen Wassily Kandinsky , sollte Ihnen Gabriele Münter kein geringerer Name sein. Die expressionistische Künstlerin stand an der Spitze der Gruppe Der Blaue Reiter (Der Blaue Reiter) und arbeitete mit Kandinsky zusammen, den sie während ihres Unterrichts an der Phalanx-Schule in München kennengelernt hatte, einer von dem russischen Künstler gegründeten Avantgarde-Institution.

Bildnis Gabriele Münter (Portrait of Gabriele Münter), Wassily Kandinsky, 1905, via Wikimedia Commons

Kandinsky war der erste, der Gabriele Münters malerische Fähigkeiten im frühen 20. Jahrhundert bemerkte. Ihre berufliche Beziehung – die schließlich auch zu einer persönlichen wurde – dauerte fast ein Jahrzehnt. In dieser Zeit lernte Gabriele Münter mit Spachteln und dicken Pinselstrichen zu arbeiten und dabei Techniken anzuwenden, die sie aus dem Französischen ableitete Große Katzen .

Mit ihren neu erworbenen Fähigkeiten begann sie, Landschaften, Selbstporträts und Wohnräume in satten Farben, vereinfachten Formen und kräftigen Linien zu malen. Nach einiger Zeit entwickelte Gabriele Münter ein tieferes Interesse daran, den Geist der modernen Zivilisation zu malen, ein gemeinsames Thema expressionistischer Künstler. So wie das Leben selbst eine Ansammlung vergänglicher Momente ist, begann sie, augenblickliche visuelle Erfahrungen einzufangen, im Allgemeinen auf schnelle und spontane Weise.

Das gelbe Haus (The Yellow House), Gabriele Münter, 1908, via Wikiart

Um Gefühle hervorzurufen, verwendete sie lebhafte Farben und schuf poetische Landschaften, die reich an Fantasie und Vorstellungskraft sind. Die Beziehung zwischen Gabriele Münter und Kandinsky hat das Werk der russischen Künstlerin stark beeinflusst. Er begann Gabriele Münters Gebrauch von satten Farben und ihren expressionistischen Stil in seine eigenen Gemälde zu übernehmen.

Ihre Beziehung endete, als Kandinsky im Ersten Weltkrieg Deutschland verlassen musste und somit nach Russland zurückkehren musste. Von diesem Zeitpunkt an lebten sowohl Gabriele Münter als auch Kandinsky ein voneinander getrenntes Leben, ihre gegenseitige Beeinflussung der Werke blieb jedoch bestehen.

Sophie Taeuber-Arp

Sophie Taeuber-Arp ist wohl eine der vielseitigsten Künstlerinnen der Kunstgeschichte. Sie arbeitete unter anderem als Malerin, Bildhauerin, Textil- und Bühnenbildnerin sowie als Tänzerin.

Bühnenbild für König Hirsch, Sophie Taeuber-Arp, 1918, Fotografie E. LinckDie Schweizer Künstlerin begann als Lehrerin für Stickerei, Weberei und Textilgestaltung an der Hochschule der Künste in Zürich. 1915 lernte sie ihren späteren Ehemann kennen Jean-Hans Arp , der im Ersten Weltkrieg vor der deutschen Wehrmacht geflohen war und sich dem angeschlossen hatte Dada-Bewegung . Er machte sie mit der Bewegung bekannt und anschließend nahm sie an Aufführungen teil, die von der organisiert wurden Dadaisten im Cabaret Voltaire. Sie wirkte als Tänzerin, Choreografin und Puppenspielerin mit. Darüber hinaus entwarf sie Puppen, Kostüme und Bühnenbilder für eigene und fremde Künstlerauftritte im Kabarett Voltaire .

Neben ihren Auftritten bei Dada-Veranstaltungen schuf Sophie Taeuber-Arp textile und grafische Arbeiten, die neben denen von Piet Mondrian und Kasimir Malewitsch zu den frühesten konstruktivistischen Werken der Kunstgeschichte zählen.

Gleichgewicht, Sophie Taeuber-Arp, 1932-33, via Wikimedia CommonsAußerdem war sie eine der ersten Künstlerinnen, die Polka Dots in ihren Werken anwendete. Sophie Taeuber-Arp hatte ein ausgeprägtes Verständnis für raffinierte geometrische Formen, für Abstraktion und für den Einsatz von Farbe. Ihre Arbeiten galten oft als bahnbrechend und zugleich fröhlich.

1943 starb Sophie Taeuber-Arp bei einem Unfall im Haus von Max Bill. Sie und ihr Mann hatten beschlossen, über Nacht zu bleiben, nachdem es spät geworden war. Es war eine kalte Winternacht und Sophie Taeuber-Arp schaltete den alten Ofen in ihrem kleinen Gästezimmer an. Am nächsten Tag fand ihr Mann sie an einer Kohlenmonoxidvergiftung tot auf.

Sophie Taeuber-Arp und ihr Mann Jean Arp hatten bei verschiedenen gemeinsamen Projekten sehr eng zusammengearbeitet. Sie waren eines der wenigen Paare in der Kunstgeschichte, das nicht in die traditionelle Rolle des Künstlers und seiner Muse passte. Stattdessen begegneten sie sich auf Augenhöhe und wurden von ihren Künstlerfreunden gleichermaßen respektiert und geschätzt – Marcel Duchamp und Joan Miró zwei von ihnen zu sein – und von Kunstkritikern für ihre Werke