So haben William Hogarths Sozialkritiken seine Karriere geprägt

William Hogarth brachte die heuchlerische Natur von Moral und Ethik im England des 18. Jahrhunderts ans Licht. Seine Abneigung gegen die propagandistische Interpretation des Lebens der Reichen durch das Rokoko durch die Franzosen war die Inspiration für eine seiner beliebtesten moralischen Serien. Mit dem Aufkommen des weit verbreiteten Buchdrucks konnte er seine Ansichten über die Handlungen der Menschen unter einer neuen Form des Christentums und einem fleißigeren England verbreiten, wobei er die Franzosen gleichermaßen brüskierte und seine zynischen, aber realistischen Ansichten der Welt darstellte.

Frühes Leben und Karriere von William Hogarth

Selbstportrait von William Hogart , 1735, über die Website des Yale Center for British Art

Man kann sagen, dass es nicht viele Informationen über das Leben von William Hogarth gibt, aber was bekannt ist, kann uns viel Einblick in die Anfänge seiner moralischen Ausrichtung geben. Zunächst wurde er in eine bürgerliche Familie in London hineingeboren. Die Familie hatte jedoch ein schwankendes Einkommen aufgrund der schlechten Geschäfte und Schulden seines Vaters, für die er später ins Gefängnis kam.

Viele gehen davon aus, dass es Hogarths Vater war, der einen Großteil der moralischen Richtung in seinen Werken inspirierte, insbesondere aufgrund der Tatsache, dass es die Schuld seines Vaters war, die Hogarth daran hinderte, zur Schule zu gehen, was es ihm überhaupt ermöglichte, bei einem Graveur in die Lehre zu gehen. Darüber hinaus kann argumentiert werden, dass seine Gemälde und Stiche seiner Geschichte eine gewisse Neigung verleihen. Im Buch, Die Werke von William Hogarth, es wird von angegeben Sir Robert Walpole, der Graf von Orford , das Hogarths Werke sind seine Geschichte (Clerk 1810), und beim Betrachten seiner Werke wird man feststellen, dass dies wahr klingt.

Unterhaus – Verwaltung von Sir Robert Walpole von William Hogarth, Sir James Thornhill und Anthony Fogg , 1803, über das Metropolitan Museum of Art, New York

Viele der grundlegenden Aspekte von William Hogarths Werken zeigen Interesse an seinen Mitmenschen. Während seiner Zeit als Graveurlehrling und noch lange danach analysierte er die Natur der Menschen und ihre Sensibilität in Skizzen, die er von den Gesichtern machte, die er auf den Straßen Londons sah. In der Zeit, als er arbeitete und lernte, ein richtiger Graveur zu werden, scheiterte ein weiteres Geschäftsvorhaben seines Vaters und er landete im Gefängnis, eine Tatsache, über die Hogarth nie sprach.

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Die Graham-Kinder von William Hogart , 1742, über die National Gallery, London

Hogarth beendete seine Ausbildung nicht als Graveur aber mit Fähigkeiten, die es ihm ermöglichten, unabhängig als Kupferstecher zu arbeiten. Schließlich konnte er sich eine Ausbildung an der St Martin's Lane Academy leisten und die grundlegenden und formalen Fähigkeiten erlernen, die für eine ernsthafte Arbeit in der bildenden Kunst erforderlich sind. Trotz der Fehler seines Vaters war Hogarth in der Lage, streng mit der Absicht zu arbeiten, der Nachfolger seines Vaters zu werden.

Während seiner Karriere als englischer Maler machte sich Hogarth einen lokalen Namen als Porträtmaler. Für ihn wurde das zu einem unerfüllten Unterfangen, das sich nicht gut auszahlte. Jahre nach der Nachlässigkeit seines Vaters war immer noch offensichtlich, dass der Künstler streng mit Geld umging und während seiner freiberuflichen Tätigkeit sehr geldbewusst sein wollte. Solche Angelegenheiten veranlassten ihn, seinen Horizont weiter zu erweitern, indem er seine Werke um Gesellschaftskritik erweiterte und eine moralische Botschaft übermittelte, die er durch seine Praxis schätzte.

Worauf er seine Gesellschaftskritik konzentriert

Leichtgläubigkeit, Aberglaube und Fanatismus von William Hogart , 1762, über das Metropolitan Museum of Art, New York

Es gibt viele Argumente darüber, wo Hogarths moralisches Glaubenssystem begann. Es ist möglich, dass seine religiösen Überzeugungen, seine Beziehung zu seiner Familie und seine Erfahrungen mit Geld seine in seiner Arbeit dargestellten Werte und Ideale geprägt haben. Seine Faszination für das Leben der Menschen um ihn herum sowie seine eigenen Erfahrungen, die mit einem Leben in Mangel und Überfluss schwanken, haben Hogarth dazu befähigt, Werke aus unterschiedlichen Perspektiven zu schaffen.

Dies machte ihn auch zynisch gegenüber der verschwenderischen und leichtfertigen Natur der oberen Schicht der Gesellschaft. Hogarth war auch ein bekannter Satiriker, so dass er bereits in seiner frühen Karriere ein Auge für Gesellschaftskritik hatte. Die Grundlage der Satire war immer die Kritik.

Leichtgläubigkeit, Aberglaube und Fanatismus von William Hogart , 1762, über das Metropolitan Museum of Art, New York

Was William Hogarths religiöse Bestrebungen betrifft, so war er ein bekannter Deist: einer, der an eine höhere Macht glaubt, die die Welt und die darin lebenden Wesen erschaffen hat, aber keine Maßnahmen im menschlichen Leben ergreift. Hogarth machte Werke wie Leichtgläubigkeit, Aberglaube und Fanatismus und seine Serie Industrie und Nichtstun . Sein Stich Leichtgläubigkeit, Aberglaube und Fanatismus kam spät in seine Karriere, zwei Jahre vor seinem Tod. Das Werk wurde von Sir Robert Walpole praktisch als Hogarths Magnum Opus angesehen.

Dieses Stück ist ein Höhepunkt der Bereitschaft der Menschen, Unsinn zu glauben, gezeigt aus Hogarths Perspektive. Leichtgläubigkeit ist die hyperaktive Bereitschaft zu glauben, dass etwas real oder wahr ist, unabhängig von Beweisen. Es war etwas, das Hogarth in den Wahnsinn trieb, sei es die Bereitschaft der Menschen, etwas auf der Grundlage der Religion oder eines Gerüchts zu glauben. Er wollte, dass andere sehen, wie lächerlich sie in ihrem Glauben gewesen waren.

Leichtgläubigkeit, Aberglaube und Fanatismus von William Hogart , 1762, über das Metropolitan Museum of Art, New York

Wenn Sie auf der Gravur nach rechts schauen, sehen Sie ein Thermometer. Es misst die verschiedenen Arten des menschlichen Zustands oder was im menschlichen Herzen wohnt. Von Lust über Verzweiflung bis hin zu Niedergeschlagenheit ist auf diesem Thermometer vieles dokumentiert.

Der fleißige Lehrling, der die Pflicht eines Christen erfüllt von William Hogart , 1747, über das Metropolitan Museum of Art, New York

Das Industrie und Nichtstun Serie hat eine Gravur namens Der fleißige „Lehrling, der die Pflicht eines Christen erfüllt“. . Hier legt Hogarth die heuchlerische Natur der christlichen Pflicht dar. Der Lehrling selbst ist pflichtbewusst, entscheidet sich jedoch dafür, neben dem Mädchen zu sein, das er mag, und vermittelt, dass seine Priorität nicht unbedingt das Wort Gottes ist. Zweitens unterhalten sich die Leute im Hintergrund untereinander. Sie passen überhaupt nicht auf, wie der Mann, der hinter dem jungen Lehrling schläft. Aufführung ist das perfekte Wort, um dieses Stück zu beschreiben, denn jede anwesende Person ist nur da, um ihre Pflicht zu erfüllen. Sie kümmern sich nicht wirklich um moralische Lehren.

Hogarths Abneigung gegen die heuchlerische und fanatische Natur des Christentums in Europa, beispielhaft dargestellt durch die Französisches Rokoko war die Grundlage vieler seiner Werke. Deshalb wird bei ihm eher das mangelnde moralische Verhalten der Oberschicht in den Fokus gerückt Ehe à la Mode und Der Fortschritt einer Hure .

Die Rokoko-Kunstbewegung und Hogarths Distaste

Das Treffen von Jean-Honoré Fragonard , 1771-1772, über The Frick Collection, New York

Das Rokoko entstand im späten 17. Jahrhundert in Frankreich und blieb bis weit ins 18. Jahrhundert hinein bestehen. Es galt als letzte Etappe der Barockbewegung; manchmal wird es sogar als Spätbarock bezeichnet. Die Rokoko-Kunst nahm die theatralische und kunstvolle Natur des Barock und verwandelte sie in etwas Kokettes und Vornehmes. Dies war im Gegensatz zu Werken wie David von Gian Lorenzo Bernini die theatralisch und doch ernst im Ton waren und einen ernsten Moment innerhalb eines religiösen Werkes darstellten. Die Kluft zwischen Rokoko und Barock läuft wirklich auf das Thema hinaus. Als das Rokoko zwischen 1740 und 1750 endlich nach Großbritannien kam, galt es als streng französischer Stil. Aber William Hogarth schuf die ästhetische Grundlage der britischen Rokoko-Kunst.

Anmut von Jean Baptiste Simeon Chardin , 1725-1750, über das Louvre-Museum, Paris

Wenn wir William Hogarth mit irgendeinem französischen Rokoko-Künstler vergleichen müssten, den wir uns ansehen könnten Jean-Baptiste-Simeon Chardin da sich seine Arbeiten auf das heimische Bürgertum konzentrierten, ohne sich um die frivolen Dinge zu kümmern. Der Hauptunterschied wäre, dass Chardin seine Motive nicht auswählte, um sie zu beschämen, sondern um andere über das tatsächliche tägliche Leben ihrer Mitmenschen zu informieren. Das erinnert sehr an die Bewegung des Realismus und die Werke von Gustav Courbet und seine bemerkenswerten Werke wie z Die Steinbrecher.

Die Schaukel von Jean-Honoré Fragonard , 1767-1768, über The Wallace Collection, London

Hogarth war einer der wenigen englischen Maler, die sich auf das Rokoko konzentrierten, als es in Großbritannien auftauchte. Davon abgesehen hielt er die französischen Ansichten über Frivolität, insbesondere innerhalb der Oberschicht, für töricht. Seine Reaktion auf Werke wie Die Schaukel von Jean-Honoré Fragonard war seine Serie Ehe à la Mode .

Bildfolge und ihre Bedeutung

Der Fortschritt einer Hure : Tafel 3 , 1732, über die Website des Metropolitan Museum of Art

Während seiner Ära des Gravierens sowie der Malerei schuf Hogarth Werke, die nacheinander im Tandem miteinander arbeiteten. Er selbst in seinem Autobiographische Notizen erklärte, er habe festgestellt, dass er Pionierarbeit im Genre der Bildsequenzen geleistet habe. Einige seiner ersten Werke, die in einer Bildsequenz dargestellt wurden, waren von anzüglicherer Natur in der Hoffnung, eine andere Art von Kundschaft zu gewinnen. Diese Arbeit wurde schließlich zur Grundarbeit für Hogarths erste Bildfolgeserie, Der Fortschritt einer Hure . Er arbeitete mit diesem Thema weiter, da es aufgrund der Vervielfältigungsmöglichkeiten durch Gravuren rentabel war. Diese Aufgabe konnte er auch selbst übernehmen. Die Inspiration hinter dem Titel dieser Serie war Der Pilgerweg von John Bunyan .

A Rake’s Progress VI: The Gaming House von William Hogart , 1734, über die Website der Museumssammlung von Sir John Soane

Der Kurator von Der Fortschritt eines Rechens VI: Das Spielhaus, im Sir John Soane’s Museum, Joanna Tinworth stellte fest, dass Bildsequenzen innovativ seien, weil die Bilderzählungen Aspekte des zeitgenössischen Lebens im 18. Jahrhundert in Serie zeigten. Die dargestellten Orte und Charaktere, die oft aus dem wirklichen Leben stammen, wären für Hogarths Zeitgenossen sofort erkennbar gewesen (Tinworth, 2021).

Hogarth verwendete Bildsequenzen in seiner bemerkenswerten Serie, die moderne moralische Themen darstellt, wie z Der Fortschritt einer Hure , Der Fortschritt eines Rechens , und Ehe à la Mode . Die Bildsequenz war nicht nur innovativ, sondern radikal, da sie den abgebildeten Personen Rechenschaft abverlangte und einen Raum schuf, in dem andere über ihre eigene Moral und ihre übergeordneten Überzeugungen sprechen müssen.

Was hat Hogarth auf die Landkarte gebracht?

Der Fortschritt einer Hure : Platte 2 von William Hogarth , 1732, über die Website des Metropolitan Museum of Art

Der Fortschritt einer Hure hat nicht nur ein eigenes Genre, sondern auch eine Kundenbasis geschaffen. Mit seiner Art des Abo-Verkaufs und seiner Vermarktung seiner Gemälde schuf Hogarth Werke, von denen die Leute nicht wussten, dass sie sie wollten oder brauchten. Seine Bildfolge zeichnete seine Werke aus, da sie den Betrachter fesseln und ihn vollständig in die Geschichte innerhalb des Stücks einbeziehen sollten. Die Schaffung von Werken, die von Natur aus etwas promiskuitiv waren, war das, was die Menschen der Rokoko-Ära brauchten, und Hogarth profitierte voll und ganz davon und schuf schließlich Der Fortschritt eines Rechens .

Der Fortschritt einer Hure : Eine Kritik der arbeitenden Frau

Der Fortschritt einer Hure Vollständige Serie (Tafeln 1-6) von William Hogarth , 1732, über Sanders aus Oxford

Der Fortschritt einer Hure ist eine Serie aus sechs Werken, die Hogarth nicht nur auf die Landkarte brachte, sondern die Menschen auch dazu zwang, ihre eigene moralische und ethische Haltung gegenüber dem Leben von Sexarbeiterinnen in Frage zu stellen. William Hogarth verwies auf viele Menschen aus dem wirklichen Leben, die Kunden wiedererkennen und sich voll und ganz in ihre Arbeit vertiefen würden. Die Hauptfigur in der Serie ist beispielsweise Moll Hackabout, von der vermutet wird, dass sie eine Kombination aus zwei Frauen ist, Moll Flanders und Kate Hackabout. Moll Flandern war der Name eines Romans von Daniel Defoe, der die Abenteuer von Moll Flanders darstellte. Kate Hackabout war eine bekannte Sexarbeiterin in England. Der Name sollte ironisch sein und einen dunklen Grundton haben.

Der Fortschritt einer Hure : Tafel 1 von William Hogarth , 1732, über das Metropolitan Museum of Art, New York

Das erste Bild der Serie war ein Bild unserer fiktiven Hauptfigur, die in London ankam und einen Job als Näherin suchte. Stattdessen wird sie laut der Gans in einer ihrer Taschen dazu verleitet, zu glauben, dass ihr die Gelegenheit gegeben wird, seriöse Arbeit für Elizabeth Needham zu leisten, eine bekannte Madame im England des 18. Jahrhunderts. Moll ist ein naiver Charakter, der leicht zu manipulieren war, was William Hogarth hier darstellen wollte, um die fehlende volle Zustimmung von Molls Seite zu zeigen.

Die Vorahnung ihres unvermeidlichen Untergangs wird mit den Pfannen auf der linken Seite kurz vor ihrem Fall gezeigt. Im Platte zwei Wir sehen, dass sie nun die Geliebte eines wohlhabenden Kaufmanns geworden ist, nachdem sie ihre Unschuld an den Menschen und eine Welt des Luxus verloren hat, die wir unordentlich vor ihr liegen sehen. Die Gemälde, die in ihrer Wohnung hängen, veranschaulichen ihre Promiskuität und ihren moralisch korrupten Zustand.

Der Fortschritt einer Hure: Platte 4 von William Hogarth , 1732, über das Metropolitan Museum of Art, New York

Auf Tafel drei sehen wir ihren Sturz, da sie jetzt von Syphilis durchsetzt ist. Ihre Magd ist älter als ihre Magd aus Tafel zwei, was dem Betrachter den Eindruck vermittelt, dass ihr Lauf als berufstätige Frau zu Ende geht und ihre Jugend vergänglich ist. Darüber hinaus macht William Hogarth auf Tafel vier auf die Plage des schnellen und einfachen Geldes der damaligen Zeit aufmerksam. Das Bild zeigt, wie Moll mit anderen ins Gefängnis kommt, ihre Waren nicht mehr ihre eigenen. Sie steht unter einem Schild mit der Aufschrift Besser arbeiten als so stehen, was uns weitere Einblicke in Hogarths übergreifende Überzeugung für diejenigen gibt, die nicht den Weg des moralischen Geldverdienens einschlagen. Moll hat keine Verbündeten, da ihre Magd ihr unten rechts Schuhe stiehlt.

Der Fortschritt einer Hure : Tafel 5 von William Hogarth , 1732, über die Website des Metropolitan Museum of Art

Harlots Fortschritt : Tafel 6 von William Hogarth , 1732, über das Metropolitan Museum of Art, New York

Im Finale dieser Serie erkrankt Moll und stirbt dann an einer Geschlechtskrankheit. Sie hat auch einen Sohn, der das gleiche Schicksal tragen wird wie sie. Er sitzt unter ihrem Sarg auf Platte sechs, während Leute, die Moll gekannt und sich um sie gekümmert haben sollen, ihren Sarg für Hors d’oeuvres und Getränke benutzen und sie auch nach ihrem Tod nicht respektieren. Molls Geschichte soll die ultimative warnende Erzählung und ethische Anekdote sein. Die Serie ist satirisch, aber ihre dunklen Töne wurden von denen nicht vermisst, die diese Serie unterstützten.

Ehe à la Mode von William Hogarth

Ehe-à-la-Mode: Die Eheschließung von William Hogart , 1743, über die National Gallery, London

William Hogarths Ehe à la Mode ist eine Serie von sechs Gemälden, die den Abschluss seiner Bilderfolgeserie bilden, mit einem satirischen Fokus auf das Eheleben der sogenannten illustren und begehrten Personen der Oberschicht. Hogarth wollte, dass die Menschen die Werke des französischen Rokoko hinterfragen und erkennen, wie propagandistisch es wirklich war. Er wollte zeigen, dass viele dieser Ehen der Oberschicht nicht auf Liebe beruhten und dass die faszinierende, frivole Natur, die in den Werken des Rokoko gezeigt wird, weit von der Wahrheit entfernt war.

Zwei Stücke, die Hogarths Abneigung gegen das Rokoko veranschaulichen, sind die Gemälde Nummer zwei und sechs aus der Serie. Eines ist aus der Perspektive eines Mannes gezeigt und das andere aus der Perspektive einer Frau. Dies gibt uns einen abgerundeten Überblick über Hogarths Einsicht.

Ehe-à-la-Mode: Der Selbstmord der Gräfin , 1743, über die National Gallery, London

Der Selbstmord der Gräfin , das sechste und letzte Gemälde der Serie, sollte hier zuerst analysiert werden, da es gut an Hogarths anschließt Der Fortschritt einer Hure. Dieses Stück spielt im Haus eines bürgerlichen englischen Familienhauses. Die Familie gehört nicht zur höchsten Klasse, da ihr Zuhause trister aussieht. Dies zeigt sich durch ihren ausgehungerten Hund, die verwitterten Wände und das Fehlen auffälliger Kunstwerke. Links sehen wir eine sterbende Gräfin und ihren Ehemann, die ihren Ehering abnehmen, nachdem sie herausgefunden haben, dass sie eine Affäre mit einem Mann hatte, der gerade für tot erklärt wurde. Der Mann, der ganz rechts in hellbrauner Kleidung steht, ist der Bote. Das wissen wir von seiner Haltung. Die Magd hält die Tochter der Gräfin hoch, um sich von ihr zu verabschieden, als sie an Selbstmord stirbt, der Tod ihres Geliebten lastet auf ihr.

Ehe-à-la-Mode: Der Selbstmord der Gräfin (Nahansicht) , 1743, über die National Gallery, London

Es ist eine bekannte medizinische Tatsache, dass Syphilis während der Schwangerschaft durch die Plazenta auf den Fötus übertragen werden kann. Eines der Markenzeichen von Syphilis waren warzenartige Flecken auf der Haut. Auf der linken Wange des kleinen Mädchens befindet sich ein Fleck, der ein verräterisches Zeichen für Syphilis sein könnte. Hätte in diesem Fall der Graf nicht von der Affäre gewusst? Wenn ja, zeigt das die unmoralische Natur ihrer Ehe und den Mangel an Loyalität zueinander.

Ehe-à-la-Mode: Der Selbstmord der Gräfin (Nahaufnahme 2) , 1743, über die National Gallery, London

Hunde neigen dazu, viele Ideen in der Kunst zu symbolisieren, wie Treue, Reichtum oder Liebe. Wir sehen dies in Werken wie Venus von Urbino durch Tizian und Anne Louis Girodet Roucy-Trisson 's Der Schlaf von Endymion. Hunde sind ein Motiv, das in vielen Stücken dieser Serie zu sehen ist. Im Der Selbstmord der Gräfin , der Mangel an Treue in der Beziehung ist das, was berücksichtigt werden kann. Der verhungernde Hund repräsentiert den Mangel an Liebe in dieser Ehe sowie die mangelnde Treue der Gräfin. Der Hund, der sich anschleicht, um das Essen vom Tisch zu stehlen, ist eine Parallele zur Affäre der Gräfin, um hinter dem Rücken ihres Mannes ihr Bedürfnis nach wahrer Liebe zu stillen. William Hogarth zeigt perfekt den Mangel an Romantik und die langweilige Natur einer Affäre, die die französischen Rokoko-Künstler in einem spielerischen und positiven Licht zeigten.

Ehe-à-la-Mode: Der Kopf an Kopf von William Hogart , 1743, über die National Gallery, London

Das zweite Stück aus der Reihe Der Kopf an Kopf hat eher komödiantischen Charakter als das vorhergehende, tragische Werk. Dieses Gemälde zeigt das Elend, das der Ehemann diesmal erträgt. Genau wie beim vorherigen Gemälde besteht ein gegenseitiges Desinteresse an der Ehe. Der Hund unten rechts schaut von dem Paar weg, was darauf hindeutet, dass beide woanders nach Unterhaltung suchen. Der Ehemann sitzt erschöpft auf seinem Stuhl und blickt desinteressiert ins Leere. Wir wissen, dass er aus einem Bordell nach Hause kommt, weil er eine Damenmütze in der Tasche hat. Die Frau ist physisch von ihrem Ehemann getrennt und streckt sich erschöpft von der Party, die am Vorabend stattgefunden hat. Sie hat jedoch einen glücklicheren Ausdruck auf ihrem Gesicht als er. Der Raum wird als chaotisch dargestellt und keiner von ihnen scheint sich darum zu kümmern.

Ehe-à-la-Mode: Der Kopf an Kopf (Nahansicht) , 1743, über die National Gallery, London

Hinter ihnen, über dem Mantel, ist ein Amor-Gemälde zu sehen. Es ist jedoch teilweise von einer Büste verdeckt. Die Nase der Büste ist gebrochen, was ein Symbol der Impotenz ist, das die sexuelle Belastung in ihrer Ehe vermittelt. Es ist wichtig zu wissen, dass die Menschen die Hauptinspiration von William Hogarth waren, da es während des Aufkommens der methodistischen Ideologie und eines wirtschaftlichen Höhepunkts einen Überschuss an Unmoral und Heuchelei gab. Dies geschah, weil England in das Industriezeitalter eintrat und mehr handelte. Seine Bildsequenzen und moralischen Erzählungen sind ein Höhepunkt des Verlusts der Angst vor den Konsequenzen des eigenen Handelns.