Französisches Rokoko: Die ikonischen Werke dieser Bewegung

Das französische Rokoko konzentrierte sich auf die üppige und scherzhafte Natur der französischen Aristokratie und Bourgeoisie. Jeder Künstler übernahm einen Aspekt der Rokoko-Bewegung, der als grundlegend angesehen werden könnte. Obwohl sich diese Stücke stark voneinander unterscheiden, trugen sie alle zur Gründung und Innovation der Kunstbewegung des Rokoko bei. Von Frivolität bis Eleganz, von Erotik bis Verspieltheit verkörpert jedes Stück, das wir hier sehen, all das, was man vom Rokoko erwartet.

Die Entstehung der französischen Rokokokunst

Porträt von Louis XV von Maurice-Quentin de la Tour , 1748, über Louvre-Museum, Paris

Während der Regierungszeit Ludwigs XV. von 1715 bis 1774 konnte die französische Oberschicht neue soziale und geistige Freiheiten erfahren. Wohlhabendere Bürger und die Mitglieder der Aristokratie konnten sich nun mehr auf Spiel und Vergnügen konzentrieren als während der vorherigen Regierungszeit Ludwigs XIV. Die Souveränität Ludwigs XIV. baute auf der erstickenden Kontrolle auf, die er über die französische Aristokratie hatte – er nannte sich sogar Sonnenkönig und glaubte an den berühmten Satz Ich bin der Staat – Der Staat, ich bin es .

Die frivole Natur der Kunst des Rokoko kommt von den Franzosen der höheren Klasse, die jetzt in der Lage sind, sich zu lockern und sich zügellosen Freizeitbeschäftigungen hinzugeben, anstatt der typischen standhaften und unterdrückerischen Natur der High Society während der Herrschaft Ludwigs XIV. Das Rokoko fand auch in der Zeit der Aufklärung statt, die nun dazu führte, dass die Menschen die Wahrheiten ihrer Zeit sowie ihren Glauben und ihre Religion in Frage stellten. Dadurch konnten die Menschen lockerer werden und hatten weniger Angst vor göttlicher und imperialer Vergeltung.

Anzügliches Rendezvous von Jean-Honoré Fragonard

Fortschritt der Liebe: Das Treffen von Jean-Honoré Fragonard , 1771-1773, über The Frick, New York

Jean-Honoré Fragonard Seine Werke waren fast so etwas wie der Maßstab für die französische Rokoko-Kunstbewegung. Er malte das spielerische Leben der aristokratischen Jugend. Er konzentrierte sich auf die Frivolität und die Flüchtigkeit der Schönheit. Der Künstler wurde ein Meister der Wiedergabe von Stoffen wie Samt und Seide, Stein und der von der Zeit bevorzugten Rose.

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Das Fortschritt der Liebe Serie wurde von Madame du Barry, einer der Geliebten Ludwigs XV., in Auftrag gegeben. Diese Serie als Ganzes kann wohl als das Rückgrat der Rokoko-Kunst angesehen werden. Jedoch, Das Treffen ist wohl das beliebteste Gemälde der Serie. Das Treffen war das zweite Stück danach Die Verfolgung . Fragonards häufige Themen waren Liebhaber. Das Treffen spielt auf dem Anwesen der Eltern der jungen Dame. Der junge Mann, den wir sehen, erklimmt eine Leiter, um sie zu besuchen. Das junge Paar trifft sich heimlich in einer versteckten Grotte auf dem Anwesen, das Mädchen schaut sich ängstlich um, ob sie verfolgt wird.

Fortschritt der Liebe: Das Treffen (Nahaufnahme) von Jean-Honoré Fragonard , 1771-1773, über The Frick, New York

Der Hintergrund ist mit lockeren Strichen gebürstet, wodurch die Bäume und flauschigen Wolken ein federleichteres Aussehen erhalten, was zur spielerischen Natur des Stücks beiträgt. Die helleren Pastelltöne verleihen dem jungen Mann und der jungen Frau einen jugendlichen Glanz und schaffen gleichzeitig eine weitere Ebene der Unterstützung für die koketten und jugendlichen Töne. Es gibt auch Andeutungen von intensiven Farben wie die rote Jacke, die der Mann trägt, die ein Gefühl der Leidenschaft hervorrufen soll. Wir könnten uns auch das blaue Band an den Schuhen der jungen Dame ansehen, das das Pastell auflöst und das Stück aufhellt. Seine Palette und Technik veranschaulichen, was von den Rokoko-Stücken erwartet wird.

Fortschritt der Liebe: Das Treffen (Nahaufnahme 2) von Jean-Honoré Fragonard , 1771-1773, über The Frick, New York

Die Liebenden sind von Rosen umgeben, um unter dem wachsamen Auge von Eros und eine Art Liebesnest zu schaffen Venus . Eros streitet sich mit Venus und will seine Pfeile zurück, als sie sie beschlagnahmt, weil sie verbotene Liebe zugelassen hat. Fragonard war dafür bekannt, in seinen Werken Anspielungen auf die Mythologie zu verwenden und die Grenzen des Anstands zu überschreiten, was in der Reaktion von Venus auf Eros‘ Entscheidung, die jungen Liebenden zu schlagen, zu sehen ist. Die Beschlagnahmung der Venus könnte auch das Zögern des jungen Mannes als derjenige vermitteln, der die verbotene Tändelei initiiert hat. Das Treffen allein kann wohl sein das Beispiel dafür, was ein Stück Rokoko ausmacht.

Fortschritt der Liebe: Liebesbriefe von Jean-Honoré Fragonard , 1771-1772, über The Frick, New York

Liebesbriefe ist ein weiteres Stück aus der Fortschritt der Liebe . Tatsächlich ist es das letzte Stück. Die Kunst des Rokoko war eher theatralischer Natur, doch dieses Stück fühlt sich an wie ein einfacher Einblick in einen intimen Moment. Es fühlt sich natürlicher an und ist gleichzeitig der perfekte Haltepunkt für die Geschichte der jungen Liebe. Das jugendliche Paar erinnert sich an ihre Liebeswerbung und liest die Briefe, die sie miteinander ausgetauscht haben. Sie haben die gleiche Farbpalette wie die Blumen und schaffen ein Gefühl gegenseitiger Liebe, im Gegensatz zu den unterschiedlichen Farbpaletten der beiden Liebenden, die wir gesehen haben Das Treffen .

Fragonard zeigt die Wärme und Intimität solcher Liaisons anstelle der Angst, die mit jugendlicher Rebellion einhergeht. Er vermittelt, dass Mut in der Liebe zu wahrer Treue führt, die durch einen zart gemalten Hund unter den Füßen des Paares dargestellt wird. Liebesbriefe verkörperte das französische Rokoko, da es die weichere, weniger frivole Seite der Bewegung vermittelte.

Die Schaukel von Jean-Honoré Fragonard , 1767-1768, über The Wallace Collection, London

Die beiden Stücke, von denen zuvor gesprochen wurde, vermitteln nicht alle Facetten von Fragonards Rokoko-Stücken, da viele seiner Arbeiten dazu neigten, äußerst suggestiv zu sein. Die Schaukel ist eines dieser Stücke. Es wurde von Baron de St. Julien als Porträt seiner Geliebten in Auftrag gegeben.

Auf dem Gemälde wird der Baron, der Mann im Vordergrund, von seiner Geliebten beleuchtet. Er ist verliebt, als er sich an sie wendet. Im Schatten der rechten Seite des Stücks liegt der Ehemann der Geliebten, der ursprünglich Bischof werden sollte, aber diese Idee verworfen wurde, weil sie zu skandalös war. De St. Julien forderte Fragonard auf, sich auf die Beine der Frau zu konzentrieren. Ihre Beine blieben bedeckt, aber sie malt, indem sie eines von ihnen spielerisch ausstößt.

Die Schaukel (Nahansicht) von Jean-Honoré Fragonard , 1767-1768, über The Wallace Collection, London

Ganz links hält Eros seine Finger an die Lippen, um die Geheimhaltung der Affäre zu symbolisieren. Die Putten symbolisieren die Unentschuldbarkeit der gezeigten Untreue, wobei der eine finster und der andere schockiert ist. Das achtlose Abstoßen des Schuhs der Herrin ist eine zusätzliche Portion Verspieltheit, die der unanständigen Begegnung den Ernst nimmt.

Das Licht verleiht der Herrin einen verführerischen Glanz und macht sie zum Objekt der Verlockung, wenn es durch die Bäume dringt. Dass ihr Mann in Schatten gehüllt ist, vermittelt seine eigene Unkenntnis über die Affäre seiner Frau mit de St. Julien. Fragonard romantisierte in seinen frühen Werken oft skrupellose Liebschaften und ehebrecherische Beziehungen. Solche amourösen Themen waren während der französischen Rokokokunst häufig. Fragonard hat die Darstellung des Betrugs in der Kunst nicht erfunden, aber er hat sie sicherlich zu etwas gemacht, über das es sich zu träumen lohnt.

François Boucher: Das Ideal und die Odaliske

Der gnädige Hirte von François Boucher, 1736-1739, gescanntes Bild aus Europäische Kunst des 19. Jahrhunderts: Dritte Ausgabe

François Boucher ist der gewagteste der drei Künstler, die wir hier erwähnen. Er war suggestiv wie Fragonard, aber er bevorzugte die Erotik viel mehr. Wenn Fragonard an die Grenzen des Anstands ging, lief Boucher geradewegs durch sie hindurch. Darüber hinaus legte er den Grundstein für die idyllische Eskapistenphantasie eines einfachen pastoral Leben in der Kunst des Rokoko. Das war etwas, das in Fragonards Werken nicht vorhanden war.

Im Der gnädige Hirte findet eine Balz zwischen einer Schäferin und einem Schäfer statt. Zumindest an der Oberfläche. Beim Betrachten der beiden Motive fällt etwas Auffälliges und Deplatziertes an ihnen auf – ihre Kleidung! Boucher schuf in seinen Werken Fantasien für die Oberschicht, Realismus war belanglos, wenn er den Gaunereien der Reichen außerhalb des Realistischen gerecht wurde Niederländisch Pinselführung, die er übernommen hat.

Odaliske von Francois Boucher , 1742-1745, über das Louvre-Museum, Paris

Man kann argumentieren, dass Bouchers spannendstes Stück von ihm stammt Odaliske . Ein und Odalisken war ein türkisches Haremsmädchen. Es war ein Trend des neunzehnten Jahrhunderts, diese Damen darzustellen. Sie waren auch ein häufiges Thema während und nach der Orientalist Bewegung. Dieser Malstil bediente die sexuell unterdrückte europäische Kultur. Die Europäer waren begeistert von der Idee einer Welt, die keine Angst davor hatte, Sexualität auf andere Weise zu erforschen.

Das Modell dieses Rokoko-Gemäldes ist äußerst kokett und einladend, während es den Betrachter ansieht und hofft, eine Reaktion zu erregen. Sie schaut uns nicht direkt an, in der Hoffnung, trotz ihrer Bauchlage und der Röte ihrer Wangen und ihres Hinterns ein unschuldiges Verhalten zu bewahren. Diesem Stück fehlt das jugendliche Antlitz Fragonards, aber es birgt eine Erotik, die viele während des französischen Rokoko verführt und inspiriert hat. Die Arbeit zeigt die berühmten satten Blautöne und üppigen Stoffe des Rokoko.

Ruhendes Mädchen (Louise O’Murphy) von François Boucher , 1751, via The Wallraf-Richartz-Museum, Cologne

Das Ruhendes Mädchen , oder Blonde Odaliske Er ist erotischer und frischer als seine vorherige Odaliske. Auch sie legt sich vor den Betrachter. Das Thema ist ausgezogen behält aber ein seltsames Gefühl der Unschuld bei, das für viele Rokoko-Kunstwerke typisch ist. Die realistische holländische Darstellung auf ihrer Haut hebt sie von ihrer opulenten Umgebung ab und wird wie die vorherige Dargestellte zur Verführerin erhoben. Boucher präsentiert sie nicht als klassische Schönheit, sondern in einer provozierenderen Pose, die auf eine sehr eindeutig erotische Weise verführen soll.

Die Verwendung von Pastell in der Rokoko-Kunst durch La Tour

Porträt von Voltaire von Maurice-Quentin de la Tour , 1735, über das Nationalmuseum, Stockholm

Maurice-Quentin de la Tour war als einer der versiertesten und berühmtesten Pastellporträtmaler des 18. Jahrhunderts bekannt. Nach seiner Lehre als Maler faszinierte ihn die Unmittelbarkeit und die rasante Technik der Pastellmalerei. Es wird spekuliert, dass dieser Wechsel auch aufgrund der Pastellliste stattgefunden haben könnte Rosalba Carriera der 1719 Paris besuchte. Carriera war ein venezianischer Maler, dessen Werke auch Teil der Kunstbewegung des Rokoko waren.

Maurice-Quentin de la Tour hat sich auf Miniaturportraits spezialisiert. In den späten 1720er Jahren fand er schließlich seinen Weg auf den Pariser Kunstmarkt und machte sich 1735 aufgrund seiner Pastellausstellungen einen Namen als Porträtmaler Voltaire . Aufgrund seines Erfolgs erhielt er Aufträge von verschiedenen Völkern: der königlichen Familie, dem Hof, dem Bürgertum und Mitgliedern der künstlerischen und intellektuellen Welt.

Voltaire von Maurice Quentin de la Tour, 1735, über U-Kunst; neben Francois-Marie Arouet (Voltaire) von einem anonymen Maler nach Maurice-Quentin de la Tour , ungefähr die erste Hälfte des neunzehnten Jahrhunderts, über das Schloss Versailles

De la Tour’s Pastelle von Voltaire haben sehr verspielte Blicke mit weichen absichtlichen Wiedergaben. Diese Stücke inspirierten mehrere Kopien dieses Porträts, von Gravuren bis hin zu Gemälden. Seine Verwendung von Pastellfarben war äußerst lässig und informell, was zu dem insgesamt helleren Ton des Stücks beitrug, der von der Rokoko-Kunst erwartet wurde. Als der Künstler ein besseres Verständnis von Voltaires Gesichtszügen hatte, war er in der Lage, eine noch besser wiedergegebene und fast bezaubernde Wiedergabe dieses facettenreichen Mannes zu geben. Sein Blick verführt auf seine Weise und verleitet dazu, das neu ermöglichte Wissen und Verständnis der Souveränität Ludwigs XV. zu suchen.

Porträt der Marquise de Pompadour von Maurice Quentin de Latour , 1755, über das Louvre-Museum, Paris

Seine formelleren Rokoko-Pastellfarben strahlten den gleichen königlichen Look aus. Die Porträtmalerei blieb ein wichtiger Aspekt der französischen Rokokokunst. Dieses Stück ist nicht unbedingt theatralisch oder frivol, aber es ist sehr aufschlussreich. Madame de Pompadour war die Hauptmätresse Ludwigs XV. und eine bekannte Kurtisane der damaligen Zeit. Sie hatte die Gelegenheit, große Männer der Aufklärung wie Voltaire und Diderot zu unterhalten. Sie war bekannt für ihre Schönheit, ihr Talent und ihre Intelligenz. Sie war bewandert in Kunst und Literatur und war sogar als Schiedsrichterin des guten Geschmacks bekannt. Porträt der Marquise de Pompadour strahlt die Opulenz und Detailtreue aus, die man vom französischen Rokoko erwartet.