Die dunkle Seite des Lebens: Paula Regos Outrageous Contemporary Art

Paula Regos zeitgenössische Kunst geht direkt auf die Knochen und erschüttert das Publikum mit unverschämt konfrontativen Themen, die die dunklen Tiefen menschlichen Leidens und Durchhaltevermögens widerspiegeln. Sie verwebt dieses subversive Material mit einer Ästhetik, die von düsteren Kindergeschichten und der Folklore ihrer Heimat Portugal inspiriert ist, und schafft bezwingend makabere Bilder mit einem Hauch von Unwohlsein, das manchmal in vollem Horror zusammenbricht. Ein Großteil der neuesten Kunst von Paula Rego ist heute weithin anerkannt für ihre unerschrockenen, scharfen Kommentare zu feministischen Themen, die den weiblichen Körper als Symbol für Unterdrückung und Gewalt, aber auch für unglaubliche Stärke und Trotz erforschen. In ihrer beeindruckenden 70-jährigen Karriere hat sie ein erstaunlich umfangreiches Kunstarchiv aufgebaut, das heute in Museen auf der ganzen Welt aufbewahrt wird. Werfen wir einen Blick durch die Jahrzehnte auf die Entwicklung von Paula Regos zeitgenössischer Kunstpraxis und einige der überzeugendsten Kunstwerke ihrer produktiven Karriere.

Frühwerk: Politik und Subversion

Porträt von Paula Rego , über die Calouste Gulbenkian Foundation, Lissabon

Paula Rego wurde 1935 in Lissabon geboren und wuchs teilweise bei ihren portugiesischen Großeltern auf, die sie erstmals mit gotischen Märchen, Mythen und Folklore bekannt machten. Voller teuflischer, makabrer, blutiger Details beflügelten sie ihre junge Fantasie und ergossen sich später in ihre Kunst. Ein Großteil ihrer Kindheit wurde von der faschistischen Führung überschattet Antonius von Oliveira Salazar , und sie war sich des unruhigen gesellschaftspolitischen Klimas um sie herum sehr bewusst. Kunst wurde zu einem wirkungsvollen Mittel, um ihre tief empfundenen Ängste und Traumata auszudrücken und sie an die Öffentlichkeit zu bringen, um ihre emotionale Wirkung zu lindern. Wenn du beängstigende Dinge in ein Bild bringst, dann können sie dir nichts anhaben, überlegte sie später.

Verhör von Paula Rego , 1950, über Fad Magazine

Die frühe Malerei Verhör, 1950, wurde gemacht, als Rego gerade 15 Jahre alt war, und prognostizierte die Natur ihrer reifen Arbeit mit einer eindringlichen Analyse der Folter und Inhaftierung im faschistischen Portugal. Der Körper eines jungen Mannes befindet sich in einem schmerzhaft verzerrten Gewirr innerer Qual, als zwei autoritäre Gestalten sich ihm unheilvoll von hinten nähern und Waffen in ihren Händen halten. Um ihre Tochter aus dem faschistischen Regime zu entfernen, schickten Regos Eltern sie im Alter von 16 Jahren auf eine Abschlussschule in Kent, England. Von dort wechselte sie zum Kunststudium Slade School of Art in London, und in den folgenden Jahren freundete sie sich mit verschiedenen führenden Künstlern an. Rego war die einzige Frau, die mit dem in Verbindung gebracht wurde Schule von London Maler daneben David Hockney , Lucien Freud , und Frank Auerbach. Auch ihren Mann, den Maler, lernte sie kennen Viktor Willing , mit der sie später drei Kinder haben würde.

Die Feuerwehrleute von Alijo von Paula Rego , 1966, über Tate Gallery, London

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In den 1960er Jahren kehrte Rego mit ihrer Familie nach Portugal zurück, und ihre zeitgenössische Kunst reflektierte weiterhin beunruhigende Aspekte der portugiesischen Politik. Ihre Sprache wurde zunehmend fragmentiert und schwer fassbar und spiegelte die Instabilitäten und Unsicherheiten einer Gesellschaft in politischen Turbulenzen wider. Sie machte diese Bilder, indem sie verschiedene Figuren, Tiere und andere Formen auf Papierblätter zeichnete, bevor sie sie gewaltsam auseinander schnitt und sie als collagierte Elemente auf Leinwand arrangierte. Im Die Feuerwehrmänner von Alijo, 1966 vermischen sich seltsame, monströse Kreaturen mit Tieren und Menschen, um ein verworrenes Netzwerk miteinander verbundener Formen zu bilden, die im Raum zu schweben scheinen und die frühen Zeiten widerspiegeln Surrealist Arbeit von Marcel Duchamp . Rego sagt, das Gemälde sei lose mit einer Gruppe von verarmten Feuerwehrleuten verbunden, die sie im Winter sah, wie sie sich in Gruppen mit nackten Füßen, schwarzen Gesichtern und mit Stroh gefüllten Mänteln zusammendrängten. Ihre kuriose, surreale Malerei ist eine Hommage an die magische Tapferkeit dieser Männer, die unermüdlich als unbezahlte Freiwillige arbeiteten, um Leben zu retten.

Reife Arbeit: Unruhige Erzählungen

Der Tanz von Paula Rego , 1988, über Tate Gallery, London

Ab den 1970er Jahren verlagerte sich Regos Stil hin zu einer realistischeren Darstellung von Menschen und Orten, die direkt auf Leinwand gemalt wurden. Ihre Kunst wurde jedoch mit der gleichen eindringlichen, verrenkten Qualität versehen, die durch verzerrte Körper und unheimliche, grelle Lichteffekte erreicht wurde. In dem berühmten und ambitioniert großen Gemälde Der Tanz, 1988 scheinen die Menschen sorglos an einem mondbeschienenen Strand zu tanzen, doch die Fröhlichkeit ihrer Körper wird durch das kalte blaue Licht und die scharfen, klaren Schatten um sie herum untergraben.

Obwohl Rego jede direkte Bedeutung in der Arbeit unklar gelassen hat, haben einige Kritiker vorgeschlagen, dass sich jede Tanzgruppe auf die verschiedenen Identitätsrollen bezieht, die eine Frau annehmen könnte, von der unabhängigen Solofigur auf der linken Seite bis zu den zwei Paarpaarungen, in denen eine Frau schwanger ist . Auf der rechten Seite befindet sich ein Frauentrio aus Kind, Mutter und Großmutter, das auf die traditionelle Rolle der Frau als Kindergebärerin hinweist, die von einer Generation zur nächsten weitergegeben wurde. Auf diese Weise kann das Gemälde mit der gespenstischen Symbolik verglichen werden Edward Munch.

Maria Manuel Lisboa, eine Spezialistin für portugiesische Kultur, glaubt, dass das Gebäude in der Ferne dieses Gemäldes einer Militärfestung nachempfunden ist die Estoril-Küste in Caxias, in der Nähe von Regos Geburtsort. Während Salazars Herrschaft als Gefängnis und Folterort genutzt, fügt seine dunkle, drohende Präsenz dem Bild eine zusätzliche Ebene bedrückenden Unbehagens hinzu und kritisiert vielleicht die restriktive Natur der gesellschaftlichen Rollen, die jungen Frauen während der faschistischen Diktatur aufgezwungen wurden.

Frauen: Leiden, Stärke und Trotz

Engel von Paula Rego , 1998, über Art Fund UK

Seit den 1990er Jahren hat Rego eine Vielzahl kraftvoller feministischer Themen erforscht, die die Komplexität der modernen weiblichen Identität reflektieren. Sie wandte sich von der Farbe ab und begann stattdessen mit Pastellfarben zu arbeiten, einem Medium, das es ihr ermöglichte, das Material mit ihren bloßen Händen zu manipulieren, ein Prozess, den sie eher mit Skulptur als mit Malerei vergleicht. Ihre Frauen sind stark, muskulös und manchmal sogar angesichts des Leidens offen aggressiv, was die zurückhaltenden und unterwürfigen Idealisierungen der Vergangenheit untergräbt.

Diese Qualität kann im Heroischen gesehen werden Engel, 1998, das einen alternativen Heiligen darstellt, der ein Schwert in der einen und einen Reinigungsschwamm in der anderen Hand trägt und uns mit einem Ausdruck unerschütterlicher Zuversicht anstarrt. In Paula Regos Dog Woman-Serie aus der gleichen Zeit untersucht sie, wie Frauen mit Hunden verglichen werden können – nicht auf eine unterwürfige, abwertende Weise, sondern als Symbol für Urinstinkt und innere Stärke. Sie schreibt: Eine Hundefrau zu sein bedeutet nicht unbedingt, unterdrückt zu werden; das hat damit wenig zu tun. In diesen Bildern ist jede Frau eine Hundefrau, nicht unterdrückt, aber mächtig. Sie fügt hinzu: Bestialisch zu sein ist gut. Es ist körperlich. Essen, Knurren, alle Aktivitäten, die mit Empfindungen zu tun haben, sind positiv. Sich eine Frau als Hund vorzustellen, ist absolut glaubwürdig.

Braut (von dem Hundefrau Serie) von Paula Rego , 1994, über Tate Gallery, London

Eine weitere ebenso subversive Serie aus derselben Zeit ist Regos erschütternde Abortion-Serie, die 1998 entstand, als ein Referendum zur Legalisierung der Abtreibung in Portugal scheiterte. Regos Zeichnungen konzentrieren sich auf die Notlage von Frauen, die gezwungen sind, sich illegalen Abtreibungen in schmutzigen, gefährlichen Umgebungen zu unterziehen. Sie zeigt sie kauernd wie Tiere über alten Eimern, zusammengekrümmt mit qualvoll angehobenen Knien oder zurückgelehnt mit grob von Metallstühlen gespreizten Beinen, was die Brutalität ihrer verzweifelten Situation betont.

Rego argumentiert, dass ihre Serie von Zeichnungen zu diesem Thema … die Angst, den Schmerz und die Gefahr einer illegalen Abtreibung hervorhebt, zu der verzweifelte Frauen immer Zuflucht genommen haben. Es ist sehr falsch, Frauen obendrein zu kriminalisieren. Abtreibungen illegal zu machen, zwingt Frauen zur Hinterhoflösung. Das war die Kraft von Regos Botschaft; Ihrer zeitgenössischen Kunst wird teilweise zugeschrieben, dass sie die öffentliche Meinung in einem zweiten Referendum im Jahr 2007 beeinflusst hat.

Ohne Titel Nein I (von dem Abtreibungsserie ) von Paula Rego , 1998, über The National Galleries of Scotland, Edinburgh

Spätere Kunst: Märchen und Folklore

Krieg von Paula Rego , 2003, über Tate Gallery, London

Seit den 2000er Jahren hat Rego düster subversives Material erforscht, das oft von Märchen, Mythologie und Religion inspiriert ist. Ihre reich komplexe Zeichnung Krieg, 2003, kombiniert Tiere, junge Mädchen und Spielzeug und beschwört die düsteren Kindergeschichten ihrer eigenen Kindheit herauf, die oft grausame oder unheimliche Untertöne hatten. Rego machte diese Arbeit als Reaktion auf ein erschütterndes Foto, das in den frühen Stadien des Irakkriegs aufgenommen wurde und ein Mädchen in einem weißen Kleid zeigt, das vor einer Explosion davonläuft. Ihre Interpretation von Kindern, die im Krieg leiden, besteht darin, sich den Horror vorzustellen, der durch die Augen eines Kindes gesehen wird, mit makabren, blutbefleckten Kaninchenmasken, die willkürlich auf den Köpfen der Kinder wackeln.

Ziegenmädchen von Paula Rego , 2010–2012, über Christie’s

Der surreale Druck Ziegenmädchen ahmt den traditionellen Stil nach viktorianisch Kinderbücher mit losen Lavierungen in blasser Farbe und skizzenhaften Kreuzschraffuren. Ihr Druck ist lose mit dem griechischen Märchen vom Ziegenmädchen verwandt, das als Ziege geboren wurde, aber ihre Haut entfernen konnte, um eine schöne Frau zu werden. Rego genießt hier die Natur einer halb erzählten Geschichte und verstärkt die unangenehmen visuellen Effekte mit gruseligen kantigen Körpern, einem hybriden Mensch-Tier und einer krassen, gotischen Beleuchtung, die der Szene eine Atmosphäre bedrohlicher Bedrohung verleiht.

Paula Regos Einfluss auf die zeitgenössische Kunst heute

Bindestrich von Jenny Saville , 1999, über das America Magazine

Mit Paula Regos international erfolgreicher Karriere, die sich über fast sieben Jahrzehnte erstreckt, ist es vielleicht keine Überraschung, dass ihr Einfluss auf die Entwicklung der zeitgenössischen Kunst weitreichend war. Sie hat Künstler auf der ganzen Welt dazu inspiriert, zu erforschen, wie figurative Malerei und Zeichnung die drängendsten gesellschaftspolitischen Probleme unserer Zeit reflektieren können. Zu den Künstlern, die ihr Vermächtnis weitergeführt haben, gehört der britische Maler Jenny Saville , deren unerschrockene Untersuchung üppiger Frauenkörper so direkt wie möglich ist, dicht an die Leinwand gepresst und auf ein ungeheuer großes Ausmaß vergrößert. Wie Rego, amerikanischer Maler Cecilie Braun vermittelt unidealisierte, sexualisierte Körper, die zu fleischigen Passagen ausdrucksstarker Farbe werden. Südafrikanischer Künstler Michael Armitages Gemälde zeitgenössischer Kunst sind ebenfalls Rego verpflichtet, da sie dieselbe fragmentarische, verschobene Erzählung und Unterströmungen politischer Unruhen teilen, die durch die Überlagerung persönlicher und politischer Referenzen zu einem reich komplexen Ideenteppich entstanden sind.