Bitte berühren Sie die Kunst: Die Philosophie von Barbara Hepworth

Schöpfung von Adam Michelangelo

Die Erschaffung Adams von Michelangelo , um 1508-12, über Musei Vaticani, Vatikanstadt; Hände berühren eine klassische Skulptur , über CNN





Nicht Tasten. Diese drei kleinen Wörter bilden wahrscheinlich den meistgesprochenen Satz in jedem Museum oder jeder Galerie, und das aus gutem Grund. Die Auswirkungen der Unfähigkeit, der Versuchung zu widerstehen, sind in jeder Institution zu sehen; von glänzenden Büsten herein Der National Trust Herrenhäusern bis hin zu den geriebenen Köpfen römischer Marmorhunde in italienischen Museen. Aber hat sich diese strenge Museumspolitik negativ auf unseren Umgang mit Kunst ausgewirkt? Muss man manche Kunst wirklich anfassen, um sie wirklich zu erleben? Englischer modernistischer Bildhauer Barbara Heppworth sicher gedacht.

Barbara Hepworth und die Bedeutung der Berührung

barbara heppworth

Barbara Hepworth fotografiert von John Hedgecoe in ihrem Studio in St. Ives , 1970, über die New York Times



Für Barbara Hepworth war Berührung ein zentraler Bestandteil ihrer Praxis. Ihre Inspiration kam zum Teil aus ihrer Kindheit in der weiten und dramatischen Landschaft von West Riding, Yorkshire. Der Künstler schreibt, Alle meine frühen Erinnerungen beziehen sich auf Formen und Formen und Texturen … die Hügel waren Skulpturen, die Straße definierte die Form.Vor allem war da das Gefühl, sich körperlich über die Konturen von Vertiefungen und Höhlungen, durch Mulden und über Gipfel zu bewegen – fühlend, berührend, durch Geist und Hand und Auge. Hepworth glaubte immer, dass Skulptur im Wesentlichen ein physisches, taktiles Medium sei. Dieses Verständnis dessen, was Form sein könnte, steckte in dem Künstler fast von Geburt an.

Barbara Hepworth Gips in ovaler Form

Barbara Hepworth bei der Arbeit am Gips für Oval Form , 1963, über Art Fund, London



Barbara Hepworths lebenslange Überzeugung, dass Skulptur berührt werden muss, um sie zu erleben, wurde wahrscheinlich durch den italienischen Bildhauer Giovanni Ardini, einen frühen Mentor von ihr, gestärkt. Als er ihn Anfang zwanzig zufällig in Rom traf, bemerkte er ihr gegenüber, dass Marmor unter den Händen verschiedener Menschen seine Farbe ändert. Diese faszinierende Aussage geht davon aus, dass Berührung eine der Möglichkeiten ist, wie eine Person Marmor erleben kann. Es scheint auch Künstler und Publikum die gleiche Macht zu verleihen (vielleicht fand Hepworth, ein engagierter Sozialist, diese ungewöhnliche Haltung der Gleichberechtigung in einem so verehrten Medium als Inspirationsquelle).

Viele Jahre später, in a 1972 gefilmtes Interview mit dem Briten Pathe , sagt Hepworth, ich denke, jede Skulptur muss berührt werden … Sie können eine Skulptur nicht ansehen, wenn Sie steif wie ein Ladestock stehen und sie anstarren. Bei einer Skulptur müssen Sie um sie herumgehen, sich zu ihr beugen, sie berühren und von ihr weggehen.

Gefällt dir dieser Artikel?

Melden Sie sich für unseren kostenlosen wöchentlichen Newsletter anVerbinden!Wird geladen...Verbinden!Wird geladen...

Bitte überprüfen Sie Ihren Posteingang, um Ihr Abonnement zu aktivieren

Vielen Dank!

Die direkte Schnitztechnik und das italienische Non-Finito

Tauben Barbara Hepworth

Tauben von Barbara Hepworth , 1927, im Manchester Museum of Art, über die Website von Barbara Hepworth

Seit Beginn ihrer Karriere war Hepworth zusammen mit ihrem ersten Ehemann John Skeaping und ihr Freund Henry Moore , Pionier der ‘direktes Schnitzen ’ Technik. Bei dieser Technik bearbeitet der Bildhauer seinen Holz- oder Steinblock mit Hammer und Meißel. Jede Markierung bleibt sehr offensichtlich und hebt das Originalmaterial hervor, anstatt es zu verbergen. Die Technik wurde damals fast als revolutionärer Akt angesehen, der zu einer Zeit kam, als Kunstschulen ihren Möchtegern-Bildhauern beibrachten, in Ton zu modellieren. Es entstehen Werke, die die ganz physische Präsenz des Machers hinterlassen haben.

Hepworths Tauben, 1927 geschnitzt, wurde in der direkten Schnitztechnik hergestellt. Hier ist Hepworth wie eine Zauberin, die ihre Tricks enthüllt. Wir sehen den grob geschnittenen Marmorblock und begreifen die Tauben als Illusion. Aber anstatt von der Magie abzulenken, ist diese Verwandlung vom unnachgiebigen Stein zum glatten und sanften Vogel noch erstaunlicher. Es ist schwer, der Versuchung zu widerstehen, sie zu berühren, um weiter zu verstehen, wie sie das geschafft hat.

Erwachende Sklavenskulptur Michelangelo

Erwachender Sklave von Michelangelo, ca. 1520-23, in der Accademia Gallery, Florenz

Diese bewusste Entscheidung, dem Betrachter sowohl den Prozess als auch den fertigen Artikel zu offenbaren, liegt in der Italienische Renaissance , in der Praxis von nicht beendet (bedeutet „unvollendet“). Nicht beendet Skulpturen wirken oft so, als ob die Figur versucht, aus dem Block zu entkommen, als ob sie die ganze Zeit darin gewartet hätte. In den Worten von Michelangelo ,Die Skulptur ist im Marmorblock bereits fertig, bevor ich mit der Arbeit beginne. Es ist schon da, ich muss nur noch das überflüssige Material wegmeißeln.

Pelagos Barbara Hepworth

Pelagos von Barbara Hepworth , 1946, über Tate, London

Irgendwann nach dem Zweiten Weltkrieg begann Barbara Hepworth mit einer Reihe von Holzschnitzereien, wobei sie das schönste, harte, herrlich warme Holz, nigerianisches Guarea, verwendete. Sie heben, mehr als jede andere Arbeit, die von Hepworth hervorBeschäftigung mit Form und Spiel, zwischen Innen und Außen, zwischen Formen und unterschiedlichen Texturen und Spannungen. Es gibt etwas im Kontrast zwischen dem polierten Äußeren und dem rauen, gemeißelten Inneren und der straffen Schnur, die beide Oberflächen miteinander verbindet, was das Publikum zu bitten schien, sie zu berühren.

henry moore tate großbritannien

Henry-Moore-Zimmer in der Tate Britain fotografiert vonRikard Österlund ,über Tate, London

Sehen Sie, Skulptur ist ein haptisches, dreidimensionales Ding, ihre Anwesenheit verlangt uns als Betrachter mehr ab als jedes Gemälde. Henry Moore ist ein weiteres Beispiel. Fast möchte man sich mit seinen sanft liegenden Figuren zusammenrollen. Das zwei Zimmer in der Tate Britain dem Bildhauer gewidmet fühlen sich erfüllt von mehr als leblosen Steinkörpern, entspannte Touristen am Strand. Sie haben das Gefühl, in diese zufriedene Ruhe eingetreten zu sein, die nach einem langen und gewaltigen Mittagessen eintritt. Es gibt etwas in der Intimität des Raumes, das es fremd erscheinen lässt, sie nicht berühren zu können.

Warum ist es so verlockend zu berühren?

Touristen Studenten John Harvard

Touristen und Studenten berühren die Füße von John Harvard , 1884, über die Harvard Gazette, Cambridge

Es ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass Kunst und Berührung nicht nur ein Phänomen des 20. Jahrhunderts sind. Alte Talismane , von denen angenommen wurde, dass sie mit besonderen Kräften ausgestattet waren, waren Kunstwerke, die dazu bestimmt waren, aus Sicherheitsgründen in der Nähe gehalten und aufbewahrt zu werden. Wir sehen immer noch die Bedeutung des Berührens von Kunstwerken und Objekten in der heutigen religiösen Praxis. Verehrte Ikonen katholischer Heiliger werden von Tausenden geküsst, die Steinmetzarbeiten hinduistischer Götter in Milch getaucht. Aberglaube spielt auch eine Rolle. Das obige Bild zeigt Touristen und neue Studenten, die sich zum Berühren anstellen die Füße von John Harvard , angeblich Glück bringend.

Wir wissen, dass wir das nicht dürfen, also warum gibt es immer noch so viele von uns, die der Versuchung der Berührung nicht widerstehen können? Fiona Candlin , aProfessor für Museologie am Birkbeck College in London und Autor von Kunst, Museen und Berührung , nennt folgende Gründe. Sie argumentiert, dass Berührung möglich istverbessern unsere pädagogische Erfahrung. Wenn Sie etwas über das Finish einer Oberfläche erfahren möchten oder wie zwei Teile miteinander verbunden werden oder welche Textur etwas hat, können Sie dies nur durch Berührung tun. Berührung kann uns auch der Hand des Herstellers näher bringen und die Echtheit bestätigen.

Im Interview mit der CNN-Journalistin Marlen Komar , sagt Candlin, „Museen und Erlebniswelten, Themenparks und Wachsfigurenkabinette können miteinander verschwimmen. Oft, wenn Sie wirklich große Objekte ausgestellt haben – wenn Sie daran denken, in die ägyptischen Galerien im British Museum oder in die Met zu gehen. Manche Leute können nicht glauben, dass Sie echte Dinge ohne Glas um sie herum zur Schau stellen würden. Sie sind sich nicht ganz sicher und denken, wenn sie es berühren, können sie eine Einschätzung abgeben.

Aphrodite knidos

Kopie der Aphrodite von Knidos , ursprünglich ca. 350 v. Chr. hergestellt, in derVatikanische Museen, über die Universität Cambridge

Das Berühren von Kunst ist im Zeitalter des Selfies zweifellos schlechter geworden (oder wenn nicht schlechter, sicherlich besser dokumentiert). Im Internet kursieren unzählige Fotos von Touristen, die berühmten Persönlichkeiten die Arme um die Schultern gelegt haben, Marmorlöwen den Kopf tätscheln oder scherzhaft einen nackten Hintern betasten. Letzteres hat tatsächlich einen historischen Präzedenzfall.Das Aphrodite von Knidos von dem Bildhauer aus dem 4. Jahrhundert v Praxiteles war eine der ersten Skulpturen einer völlig nackten Frau. Ihre Schönheit machte sie zu einem der erotischsten Kunstwerke der Antike. Und sie sorgte für Aufsehen. Antiker Schriftsteller Plinius sagt uns, dass einige Besucher buchstäblich „von der Liebe zur Statue überwältigt“ waren. Nehmen Sie davon, was Sie wollen.

Warum brauchen wir diese Museumsrichtlinie?

Detail David Michelangelo

Ausschnitt aus David von Michelangelo, 1501-1504, in der Galerie der Accademia, Florenz

Geht uns also die Museumspolitik zu kurz, indem sie uns die Kunstwerke nicht anfassen lässt? Realistisch gesehen ist dies natürlich eine unmögliche Frage. Wie lange würde Michelangelos David zuletzt, wenn jeder der tausend Besucher von Florenz seinen muskulösen Körper anfassen würde? Sie können sicher sein, dass sein pfirsichfarbener runder Hintern als erstes gehen würde. Ja, wir können in diesem Fall sehen, aber nicht berühren. Suchen Sie für mehr Bumspiration nach dem Hashtag Best Museum Bum (#bestmuseumbum). Es war früher in diesem Jahr im Trend als Beurlaubte Kuratoren traten während der Sperrung von Covid-19 an .

Aber zurück zum wichtigen Thema Pflege der Museumssammlungen . Dies konzentriert sich in erster Linie auf die Erhaltung von Kunstwerken und bemerkenswerten Objekten für die kommenden Jahre. Dies geschieht durch die Einführung von Verfahren zur Vermeidung von Schäden und zur Verlangsamung der Verschlechterungsrate von Kunstwerken und Objekten. Unglücklicherweise können Werke in einer Sammlung am häufigsten durch menschliches Versagen beschädigt werden. Aber auch ohne Zwischenfälle, einfach durch Anfassen und Berühren, können wir ein Werk leicht beschädigen. Die natürlichen Öle und Ausscheidungen unserer Haut (egal wie oft wir unsere Hände waschen) reichen aus, um die Seiten eines Buches oder eines antiken Drucks oder einer Zeichnung zu beflecken.

Werden wir jemals Museumskunst wie die Skulpturen von Barbara Hepworth erleben?

van gogh sternennacht mama

Selfie-Aufnahme vor Van Gogh’s Sternenklare Nacht im MoMA , 2017, über die New York Times

Trotz der Risiken, es ist wichtig, dass Sammlungen abgewickelt werden. Sowohl für den praktischen Zweck, Gegenstände in einem Museum zu bewegen, als auch als weiteres Werkzeug für die Bildung. Vor diesem Hintergrund veranstalten viele Museen heute Sitzungen mit dem Ziel, (einige der weniger empfindlichen) Objekte in ihrer Sammlung zu handhaben.

Museen und Museumspolitik sind von entscheidender Bedeutung für die Bewahrung unseres menschlichen und natürlichen Erbes. Und manchmal vergisst man zu leicht, dass auch wir eine Rolle spielen. Also abschließend allgemein,Nein, wir sollten die Kunst nicht anfassen. Aber wir sollten beim Betrachten auch nie vergessen, dass manche Kunst von mehr als nur einem Sinn wahrgenommen wurde und manchmal noch wahrgenommen werden kann.