Konzeptkunst: Die revolutionäre Bewegung erklärt

Ein und drei Stühle von Josef Kosuth , 1965, MoMA

Ursprünglich abgeleitet von Minimalismus wurde Konzeptkunst zu einem Sammelbegriff für alle Weiterentwicklungen von Tendenzen in der abstrakten Kunst, die die Idee hinter dem Werk betonten. Überspannend Medien, Stile und Epochen war die Konzeptkunst eine Revolution, die modernistische Vorstellungen von „Kunst“ herausforderte. Lesen Sie weiter für eine Zusammenfassung der Bewegung und ihrer kulturellen Auswirkungen.

Konzeptkunst: Die Kunst selbst in Frage stellen

Arbeitszeichnungen und andere sichtbare Dinge auf Papier, die nicht unbedingt als Kunst angesehen werden sollen Ausstellung von Mel Bochner, 1966, School of Visual Arts, New York

Mel Bochners erste Ausstellung Arbeitszeichnungen und andere sichtbare Dinge auf Papier, die nicht unbedingt als Kunst angesehen werden sollen Das Zeigen verschiedener Kunstbücher in einer New Yorker Galerie ist ein entscheidendes Ereignis in der Geschichte der Konzeptkunst. Letztlich war es der amerikanische Konzeptkünstler Sol Lewitt mit seinem Essay Absätze zur Konzeptkunst die den Weg für die Konzeptkunst als akzeptierte neue Kunstform ebneten. In seinem berühmten Aufsatz, der im Juni 1967 im Artforum veröffentlicht wurde, schrieb Sol Lewitt:

Wenn ein Künstler eine konzeptuelle Kunstform verwendet, bedeutet dies, dass alle Planungen und Entscheidungen im Voraus getroffen werden und die Ausführung eine oberflächliche Angelegenheit ist. Die Idee wird zu einer Maschine, die die Kunst macht.

Darüber hinaus definiert Lewitt Konzeptkunst als nicht theoretisch und nicht illustrativ für Theorien, sondern als intuitiv, involviert in alle Arten von mentalen Prozessen und als zwecklos. Konzeptkunst stellt oft die Natur der Kunst selbst in Frage. In seiner Definition von Konzeptkunst definiert der Künstler Joseph Kosuth 1969 Kunst als Tautologie und erklärt: Kunst hat nur Anspruch auf Kunst. Kunst ist die Definition von Kunst. (Zitat aus Kunst nach der Philosophie, 1969) Joseph Kosuth selbst hat Kunst als Tautologie in vielen seiner Kunstwerke reflektiert.

Uhr (eins und fünf), Englisch/lateinische Version von Joseph Kosuth , 1965, Tat

Mit seiner Serie Kunst als Idee als Idee und Kunstwerke wie z Ein und drei Stühle (1965) bzw Uhr (Eins und Fünf) Ausstellungsversion 1965 reflektiert Kosuth über die verschiedenen Codes für einen Stuhl: einen visuellen Code, einen verbalen Code und einen Code in der Sprache der Objekte, also einen Stuhl aus Holz, wie er in der Beschreibung des Stuhls erklärt wird MoMA-Sammlung. Für Kosuth lässt sich der Wert eines Künstlers danach abwägen, wie sehr er das Wesen der Kunst hinterfragt (Zitat aus Kunst nach der Philosophie, 1969). Das Zitat des Künstlers zeigt: Conceptual Art war nicht nur eine neue radikale Kunstform, sondern auch ein Gegenverständnis zu Clement Greenbergs damals in den USA stark ausgeprägter Auffassung von moderner Kunst.

Marcel Duchamp, Das Readymade und die Konzeptkunst

Auch wenn die Konzeptkunst meist auf die Zeit der 1960er und 1970er Jahre bezogen wird, geht die Idee dahinter auf die Kunst von Marcel Duchamp und damit auf die zurück Anfang des 20thJahrhundert . In seinem Text Kunst nach der Philosophie, Joseph Kosuth beschreibt Marcel Duchamp als einen Künstler, der erstmals die Frage nach der Funktion von Kunst aufgeworfen hat. Er schreibt: Das Ereignis, das die Erkenntnis vorstellbar machte, dass es möglich ist, eine „andere Sprache zu sprechen“ und in der Kunst dennoch Sinn macht, war Marcel Duchamps erste Selbstdarstellung Fertig .

Brunnen von Marcel Duchamp, 1917 (Nachbau 1964), Tate

Heutzutage Marcel Duchamp wird oft als Vorläufer der Konzeptkunst und seines Readymades bezeichnet Brunnen von 1917 wird oft als erstes Kunstwerk der Konzeptkunst bezeichnet. Während Amerika das Zentrum des Konzeptualismus war, war die Kunstbewegung international. Während sich Form, Farbe, Maße und Material von Kontinent zu Kontinent sowie von Künstler zu Künstler unterschieden, waren sich die verschiedenen Kunstwerke im Ansatz, die Idee über das Handwerk und das endgültige Kunstwerk zu stellen, ähnlich.

Nicht traditionelle Methoden und Materialien

Auch in Sachen Kapitalismuskritik und einer zunehmend kommerzialisierten Kunstwelt lassen sich viele Künstler versöhnen. Wie Marcel Duchamp verwendeten daher viele Künstler alltägliches Material oder produzierten absichtlich schwer verkäufliche Kunstwerke – oder machten sich sogar selbst zum Kunstwerk, wie es der Künstler Bruce McLean in seiner Performance-Arbeit tat Posenarbeit für Sockel 1971.

Posenarbeit für Sockel von Bruce McLean , 1971, Galerie Tanya Leighton

In dem Archiv der Tate Modern , London, wird die Aufführung von Bruce McLean in der Situation Gallery im Jahr 1971 als ironischer und humorvoller Kommentar zu dem beschrieben, was er als pompöse Monumentalität von Henry Moores großen, auf einem Sockel stehenden Liegeskulpturen ansah. Sowohl McLeans als auch Moores Skulpturen bestechen durch eine besonders organische Form, die sich einmal aus dem realen Körper selbst ergibt, während sie im anderen Fall diese sehr reale physische Form in Bronze nachbildet.

Liegende Figur von Henry Moore , 1938, Privatsammlung

Radikale Positionen

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Während viele Kunstbetrachter es schwierig fanden, Bruce McLeans Performance-Arbeit einzuordnen Posenarbeit für Sockel als Kunst überhaupt, hatte der italienische Konzeptkünstler Piero Manzoni 1961 ein Kunstwerk präsentiert, das selbst erfahrene Kunstbetrachter ratlos zurückließ. Der Titel Scheiß Künstler (Künstlerscheiße) verweist bereits auf die Provokation, die Manzoni mit seinem Kunstwerk erreichen wollte. Scheiß Künstler (Künstlerscheiße) besteht aus 90 Blechdosen, die – wie der Titel schon sagt – jeweils mit 30 Gramm Fäkalien gefüllt sind. Auf dem Etikett der Dosen steht in Italienisch, Englisch, Französisch und Deutsch:Künstlerscheiße/Inhalt 30 gr netto/Frisch konserviert/Produziert und verzinnt im Mai 1961.

Merda d'artista (Künstlerscheiße) von Piero Manzoni , 1961, Privatsammlung

Nur wenige konzeptuelle Kunstwerke der Kunstgeschichte verbinden auf solch radikale Weise Provokation und Konzept. Mit der Ausstellung von Künstlerexkrementen vereinte Manzoni die Gegensätze von hoher Kunst und biologischer Ideen- und Objektverschwendung in einer Blechdose von 4,8 x 6,5 Zentimetern. Darüber hinaus ist dieses Kunstwerk ein ironischer Kommentar zu den Mechanismen der Werbeindustrie in den 1960er Jahren. Ein weiteres konzeptionelles Kunstwerk, das eine verursachte Skandal als es 1976 zum ersten Mal ausgestellt wurde, wurde es von der amerikanischen Künstlerin Mary Kelly geschaffen. Mary Kelly beschäftigt sich in ihren Arbeiten vor allem mit feministischen Themen. In einer mehrteiligen Serie dokumentierte sie beispielsweise in den 1970er Jahren die Beziehung zwischen sich selbst als Mutter und ihrem kleinen Babysohn. Jeder der sechs Teile konzentriert sich auf unterschiedliche formale Momente zwischen Mutter und Sohn, die sich wiederum als formale Mittel in den Kunstwerken widerspiegeln.

Ausschnitt aus Dokument nach der Geburt von Mary Kelly , 1974, Institut für Zeitgenössische Kunst, London

Mary Kelly kombinierte oft übliches Material aus ihrem täglichen Leben mit ihrem Sohn mit Worten – wie sie es in Teil I von ihr tat Dokumentation nach der Geburt . Die Künstlerin nutzte in dieser Arbeit die Windeleinlagen ihres Sohnes als eine Art Leinwand und kombinierte sie mit geschriebenen Worten. Das skandalöse Detail an der Arbeit ist, dass die Windeleinlagen verwendet wurden und die Betrachter des Kunstwerks nicht nur mit Erbrochenem-Flecken konfrontiert wurden, sondern auch über die Kombination von Lebensmitteln informiert wurden, die es verursachten.

Ed Ruscha: Laufende konzeptuelle Kunstprojekte

All diese unterschiedlichen Beispiele der Konzeptkunst haben gezeigt: Da diese spezielle Kunstform auf die Idee dahinter konzentriert ist, sind ihr der Umsetzung kaum Grenzen gesetzt. Der amerikanische Künstler Ed Ruscha ist heute einer der bekanntesten berühmte Pop-Art-Künstler aber er ist auch sehr bekannt für seine konzeptionelle Arbeit. Seit den 1960er Jahren arbeitet Ed Ruscha in verschiedenen Medien wie Malerei, Druckgrafik, Zeichnung, Fotografie und Film. Eines der interessantesten Werke des Künstlers im Bereich der Konzeptkunst ist das Buch Jedes Gebäude auf dem Sunset Strip . Wie der Name schon sagt, handelt es sich um ein Buch, das alle Häuser am berühmten Sunset Strip in Los Angeles zeigt. Besonders interessant ist nicht nur die Form des Buches – ein 7,6 Meter langes Buch in Ziehharmonikafaltung – sondern auch die Entstehung der Fotografien im Buch. Zum Jedes Gebäude auf dem Sunset Strip, Ed Ruscha fotografierte den Sunset Boulevard in Los Angeles über die gesamte Länge mit einer sogenannten motorisierten Kamera. Mit einer Sonderkonstruktion einer Kamera auf einem Stativ, das auf der Ladefläche eines Pick-up-Trucks steht, dokumentierte Ed Ruscha den Volksmund von Los Angeles mit einem Foto pro Sekunde auf großen Filmrollen.

Jedes Gebäude auf dem Sunset Strip von EdRuscha , 1966, Privatsammlung

Ed Ruscha startete dieses Projekt in den 1960er Jahren und arbeitet noch heute an seiner Dokumentation von Los Angeles. In den vergangenen Jahrzehnten soll der Künstler fast eine Million Fotos gemacht haben. Dass Ed Ruscha nie alle Fotografien selbst entwickelt und nur einen kleinen Prozentsatz davon für Bücher wie z Jedes Gebäude auf dem Sunset Strip zeigt, wie sehr das Konzept dieser Arbeit und die Dokumentationstätigkeit selbst an Bedeutung über dem Output stehen. Konzeptkunst kennt, wie wir an allen in diesem Artikel genannten Beispielen sehen, weder räumliche noch zeitliche noch oft gesellschaftlich gültige moralische Grenzen. Konzeptkunst kann ironisch, ernst oder sogar schockierend sein. Konzeptkunst kann am Ende alles oder nichts sein. Allein die Idee dahinter zählt – die Maschine macht die Kunst, wie Sol Lewitt bereits 1967 erklärte.