Apelles: Der größte Maler der Antike

Alexander der Große übergibt Campaspe an Apelles , Charles Meinier , 1822, Museum der Schönen Künste, Rennes

Aber es war Apelles […], der alle anderen Maler, die ihm vorausgingen oder folgten, übertraf. Im Alleingang trug er mehr zur Malerei bei als alle anderen zusammen

Es gibt keine bessere Einführung in den griechischen Maler Apelles, als diese Passage aus Plinius Naturgeschichte. Apelles’ Ruhm in der Antike war wahrlich legendär. Alten Quellen zufolge lebte er ein reiches Leben, nachdem er sich den Respekt und die Anerkennung seiner Zeitgenossen verdient hatte. Er arbeitete für Philipp II., Alexander den Großen sowie verschiedene andere Könige der hellenistischen Welt.

Wie es bei der klassischen Malerei üblich ist, hat Apelles’ Werk die Römerzeit nicht überdauert. Trotzdem schafften es alte Geschichten über sein Ethos und Talent bis in die Renaissance und motivierten Künstler, die New Apelles zu werden. Viele Kunsthistoriker schlagen auch vor, dass Apelles 'Gemälde in hellenistischen und römischen Mosaiken überlebt Fresken aus Pompeji .

Alles über Apelles

Alexander der Große im Atelier des Malers Apelles, Antonio Balestra, c. 1700, über Wikimedia Commons

Apelles wurde höchstwahrscheinlich zwischen 380 und 370 v. Chr. in Kolophon in Kleinasien geboren. Er erlernte die Kunst des Malens in Ephesus, vervollkommnete sie aber in der Schule des Pamphilos in Sikyon. Die Schule bot Kurse in der Tradition des Zeichnens und der wissenschaftlichen Gesetze der Malerei an. Apelles blieb dort zwölf fruchtbare Jahre.

Nach Abschluss seines Studiums wurde er offizieller Maler der makedonischen Könige Philipp II. und Alexander III. Er verbrachte 30 Jahre am mazedonischen Hof, bevor er Alexanders Feldzug in Asien verfolgte und nach Ephesus zurückkehrte. Nach Alexanders Tod arbeitete er für verschiedene Gönner, darunter die Könige Antigonos I. und Ptolemaios I. Soter. Er starb irgendwann gegen Ende des 4thJahrhundert auf der Insel Cos.

Apelles war ein wahrer Pionier auf seinem Gebiet. Er veröffentlichte Abhandlungen über Kunst und Theorie und experimentierte mit Licht und Schatten, um auf neuartige Weise unterschiedliche Wirkungen zu erzielen. In einem Porträt von Alexander verdunkelte er die Hintergrundfarbe und verwendete hellere Farben für Brust und Gesicht. Als Ergebnis können wir sagen, dass er eine Art Frühchen erfunden hat Chiaroscuro .

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Er verwendete nur vier Farben (Tetrachromie): Weiß, Schwarz, Rot, Gelb. Es ist jedoch wahrscheinlich, dass er auch hellblau verwendet hat; eine Farbe, die schon vor ihm von Malern verwendet wurde. Trotz seiner begrenzten Palette erreichte er ein unübertroffenes Maß an Realismus. Laut Plinius war dies teilweise auf einen neuen schwarzen Lack zurückzuführen, den er erfunden hatte. Das hieß Tinte und half, die Gemälde zu erhalten und ihre Farben weicher zu machen. Leider werden wir sein Rezept nie erfahren, weil Apelles es geheim gehalten hat. Einigen Quellen zufolge könnte es sich um eine Kombination aus schwarzem Farbstoff und gebranntem Elfenbein handeln.

Ein Meister des Realismus

Detail zeigt Alexander aus Das Alexander Mosaik , eine mögliche Nachahmung eines Gemäldes von Apelles oder Philoxenus von Eretria, c. 100 v. Chr., Archäologisches Museum von Neapel

Ein Grundelement der Kunst von Apelles war Charis (Anmut). Er glaubte, dass Geometrie und Proportionen notwendig seien, um dies zu erreichen. Er war auch bescheiden und sich der Gefahren des Perfektionismus bewusst. Er sagte, andere Maler seien in allem besser als er, aber ihre Bilder seien immer schlechter. Der Grund dafür war, dass sie nicht wussten, wann sie mit dem Zeichnen aufhören sollten.

Es wird gesagt, dass er so detailliert gemalt hat, dass ein Metoposcopos (Wahrsager, der die Zukunft anhand der Merkmale des menschlichen Gesichts voraussagt) das Todesjahr des Dargestellten bestimmen könnte. In einer Geschichte konkurrierte Apelles mit anderen Malern, um ein Gemälde mit einem Pferd zu malen. Da er den Richtern nicht traute, bat er um das Mitbringen von Pferden. Schließlich gewann er den Wettbewerb, da alle Pferde vor seinem Bild nur zur Anerkennung wieherten.

Um seine Kunst zu perfektionieren, übte Apelles täglich und akzeptierte konstruktive Kritik. Laut Plinius stellte er seine Werke in seinem Atelier aus, damit Passanten sie sehen konnten. Gleichzeitig würde er sich hinter den Paneelen verstecken. Auf diese Weise konnte er die Gespräche der Leute mithören und erfahren, was sie von seiner Kunst hielten. Eines Tages bemerkte ein Schuhmacher einen Fehler in der Darstellung einer Sandale und schlug seinem Freund vor, sie richtig darzustellen. Apelles hörte die Kritik und korrigierte den Fehler über Nacht. Davon ermutigt, begann der Schuhmacher am nächsten Tag, Defekte am Bein zu finden. Apelles konnte dies nicht akzeptieren. Er steckte seinen Kopf aus seinem Versteck und sagte den sprichwörtlichen Ausdruck Schuhmacher, nicht über den Schuh hinaus.

Apelles und Alexander der Große

Alexander der Große in der Werkstatt des Apelles , Giuseppe Cades, 1792 , Eremitage-Museum

Das Talent und der Ruhm von Apelles erregten die Aufmerksamkeit wohlhabender und mächtiger Gönner. Philipp II., der König von Mazedonien, entdeckte den Maler als Erster und stellte ihn ein. Nach seinem Tod kam Apelles unter den Schutz seines Sohnes Alexander. Letzterer vertraute so sehr auf die Fähigkeiten des Malers, dass er ein spezielles Edikt erließ, das besagte, dass nur er sein Porträt malen durfte. Dieses einzigartige Privileg wurde mit dem Edelsteinschleifer Pyrgoteles und dem Bildhauer Lysippos geteilt. Alexander soll auch das Atelier von Apelles oft besucht haben, da er nicht nur seine Fähigkeiten, sondern auch sein Urteilsvermögen sehr schätzte.

Das Emblem der Hirschjagd-Mosaik , Eine mögliche römische Kopie eines unbestätigten Gemäldes von Alexander dem Großen von Melanthios oder Apelles, c. 300 v. Chr., Archäologisches Museum von Pella

Apelles malte mehrere Porträts von Alexander. Ein bemerkenswerter war der König neben dem Dioskuren während eine Nike ihn mit einem Lorbeerkranz krönt. Ein anderer zeigte Alexander in seinem Streitwagen, der eine Personifikation des Krieges hinter sich herzog. Darüber hinaus zeichnete Apelles viele Gemälde mit Alexander als Helden zu Pferd. Er zeichnete auch die Gefährten des Königs.

Der Keraunophoros

Alexander als Zeus, unbekannter römischer Maler, c. 1. Jahrhundert n. Chr., Haus der Vettii, Pompeji, über Wikiart

Eines der berühmtesten Porträts von Apelles von Alexander ist das Keraunophoren . Eine entfernte römische Nachahmung des Werkes könnte das oben abgebildete Fresko aus Pompeji sein. Das Originalporträt zeigte Alexander, der einen Blitz als Zeichen seiner Abstammung hieltZeus. Der Blitz war auch eine Erinnerung daran, dass Alexander der Träger göttlicher Macht über sein riesiges Reich war. Das Gemälde wurde für den Tempel der Artemis in Ephesus hergestellt, der eine große Summe für den Erwerb zahlte.

Plinius sagt, dass der Blitz das erstaunlichste Element des Kunstwerks war. Das wurde so gemalt, dass die Illusion entstand, es käme aus dem Rahmen und auf den Betrachter zu. Plutarch mochte das Keraunophoren so sehr, dass er sagte, Philipps Alexander sei unbesiegbar und Apelles’ unnachahmlich.

Campaspes Porträt

Alexander der Große und Campaspe im Atelier des Apelles , Giovanni Battista Tiepolo , c. 1740, Das J. Paul Getty Museum

Campaspe war die Lieblingskonkubine von Alexander und möglicherweise seine erste Liebe. Eines Tages bat Alexander Apelles, sie nackt zu malen. Natürlich hat der Maler das Porträt von Campaspe gemacht, aber die Dinge wurden kompliziert. Beim Zeichnen bemerkte Apelles die außergewöhnliche Schönheit von Alexanders Geliebter. Als er mit dem Malen fertig war, hatte er sich in sie verliebt. Als Alexander dies später erkannte, beschloss er, Campaspe Apelles zu schenken.

Dieser Akt war eine Anerkennung der Bedeutung von Apelles. Alexander signalisierte, dass der Maler in seiner eigenen Hinsicht ebenso wichtig sei. Seine Leistungen in der Kunst waren so groß, dass Apelles die Konkubine eines Königs verdiente.

Einer noch interessanteren Ansicht der Geschichte zufolge fand Alexander das Gemälde von Apelles wunderschön. Tatsächlich fand er es so schön, dass er sich in es verliebte. Das Kunstwerk ahmte die Realität bis zu dem Punkt nach, dass es sie übertraf. Folglich ersetzte Alexander Campaspe durch ihr Porträt. Das war der Grund, warum er sie Apelles so leicht gegeben hat; er hat die Kunst der Realität vorgezogen.

Die Venus Anadyomene

Venus Anadyomene, unbekannter römischer Maler, 1. Jahrhundert n. Chr., Haus der Venus, Pompeji, über Wikimedia

Das Venus Anadyomene (Die aus dem Meer aufsteigende Venus) gilt als eines der Meisterwerke von Apelles. Obwohl das Original verschollen ist, können wir es uns ähnlich vorstellen wie die römische Venus auf dem Bild oben.

Venus oder Aphrodite (das griechische Äquivalent) war die Göttin der Schönheit und Liebe. Ihre Geburt fand in der Nähe von Zypern statt, als sie aus dem ruhigen Meer aufstieg. Diesen Moment wollte Apelles darstellen. Es wird gesagt, dass er für dieses Gemälde Campaspe oder Phryne als Modell verwendet hat. Letztere war eine weitere Kurtisane, die für ihre Schönheit berühmt war. Laut Athenaeus wurde Apelles dazu inspiriert, die Geburt der Venus zu zeichnen, als er Phryne nackt schwimmen sah.

Das Gemälde landete schließlich im Tempel von Cäsar in Rom , wo es laut Plinius geringfügig beschädigt wurde. Schließlich ließ Nero es entfernen und durch ein anderes Gemälde ersetzen.

Nach dem Erfolg der ersten Venus beschloss Apelles, eine noch bessere zu schaffen. Leider verstarb er, bevor er es beendet hatte.

Die Geburt der Venus, Sandro Botticelli, 1485–1486, Uffizien

Das Thema der aufgehenden Venus war während der Renaissance sehr einflussreich. Die meisten Kunstwerke aus dieser Zeit sind bei weitem Sandro Botticelli 's Geburt der Venus und Tizians Venus Anadyomeni .

Venus, Henri Pierre Picou, 19. Jahrhundert, Privatsammlung, über Wikimedia

Beliebt war das Thema auch bei Künstlern der Barock und Rokoko und später das 19thJahrhundert französische akademische Tradition.

Die Linie

Der Künstler in seinem Atelier , Rembrandt Harmenszoon van Rijn , c. 1626, Museum der Schönen Künste, Boston

Apelles unterhielt eine interessante Beziehung zu seinem Rivalen Protogenes. Während letzterer noch ein junger anerkannter Künstler war, erkannte Apelles sein Talent und beschloss, ihm zu helfen, an Bedeutung zu gewinnen. Dann kultivierte er das Gerücht, dass er die Gemälde von Protogenes kaufte, um sie als seine eigenen zu verkaufen. Allein dieses Gerücht reichte aus, um Protogenes berühmt zu machen.

Einer alten Anekdote zufolge besuchte Apelles einmal das Haus des Protogenes, fand ihn dort aber nicht. Bevor er ging, beschloss er, eine Nachricht zu hinterlassen, um den Gastgeber auf seine Anwesenheit aufmerksam zu machen. Er fand eine große Tafel, nahm einen Pinsel und zeichnete eine der feinen farbigen Linien, für die er bekannt war. Später am Tag kehrte Protogenes nach Hause zurück und sah die Linie. Er erkannte sofort die Eleganz und Präzision von Apelles’ Hand. Dies ist eine direkte Herausforderung, die er jedoch haben muss, bevor er seinen Pinsel nimmt. Als Antwort zog er eine noch feinere und präzisere Linie über die vorherige. Einige Zeit später kehrte Apelles zurück und beendete den Wettbewerb. Er zog eine Linie innerhalb der beiden vorherigen, die fast unsichtbar war. Kein Mensch könnte dies möglicherweise übertreffen. Apelles hatte gewonnen.

Protogenes akzeptierte seine Niederlage, ging aber noch einen Schritt weiter. Er beschloss, die Tafel als Andenken an den Wettbewerb zwischen großen Meistern aufzubewahren. Das Gemälde wurde später im Palast des Augustus auf dem Palatin in Rom ausgestellt. Plinius bewunderte es mit eigenen Augen, bevor es im Jahr 4 n. Chr. in einem Feuer verloren ging. Er beschreibt es als eine leere Oberfläche mit drei Linien, die dem Anblick entgehen. Dennoch wurde es höher geschätzt als alle anderen kunstvollen Gemälde dort.

Das Porträt des Antigonos

Apelles Malerei Campaspe , Willem van Haecht , c. 1630, Mauritshuis

Apelles war auch erfinderisch. Einer seiner brillantesten Momente stammt aus seiner Zeit als Mitarbeiter des mazedonischen Königs Antigonos I. „Monopthalmos“. Monopthalmos bedeutet auf Griechisch Einäugiger, da der König sein linkes Auge im Kampf verloren hatte. Dies war ein echtes Problem für jeden Künstler, der sein Porträt machen würde. Apelles beschloss, Antigonus in einer Art ¾ oder Profil zu malen, um das Problem zu lösen. Das mag heute nicht wie eine große Leistung erscheinen, aber damals war es so. Tatsächlich war dies laut Plinius das erste Porträt dieser Art in der Geschichte der griechischen Malerei. Plinius sagt auch, dass „Antigonus zu Pferd“ das größte Meisterwerk von Apelles war.

Die Verleumdung des Apelles

Verleumdung von Apelles , Sandro Botticelli , 1494, Uffizien

Antiphilus war der Hauptgegner von Apelles, als er für Ptolemaios I. Soter in Ägypten arbeitete. Von Neid geblendet beschloss Antiphilus, dass er ihn um jeden Preis zu Fall bringen wird, wenn er seinen Gegner nicht übertreffen kann. Dann ließ er falsche Informationen durchsickern, dass Apelles sich verschworen hatte, um den König zu stürzen. Dem Verleumder wäre es fast gelungen, Apelles hinrichten zu lassen, aber im letzten Moment blitzte die Wahrheit auf. Die Verschwörung wurde aufgedeckt und Antiphilus wurde ein Sklave, der dann Apelles geschenkt wurde.

Die obige Episode inspirierte Apelles’ am meisten diskutiertes Gemälde, das Verleumdung. Das Gemälde war eine lebendige Allegorie von Apelles‘ Erfahrung. Laut Lucians Aufsatz Verleumdung Das Gemälde hatte die folgende Struktur. Auf einem Thron ganz rechts saß ein Mann mit Midas -wie Ohren, die seine Hand in Richtung Verleumdung ausstrecken. Zwei Frauen – Unwissenheit und Annahme – flüsterten ihm ins Ohr. Vor dem König stand Slander als schöne Frau dargestellt. Mit ihrer linken Hand hielt sie eine Fackel und mit ihrer rechten zog sie einen jungen Mann an den Haaren. Ein blasser, deformierter und kranker Mann – Envy – zeigte Slander den Weg. Zwei Begleiter – Malice und Deceit – unterstützten Slander und schmückten ihr Haar, um ihre Schönheit zu unterstreichen. Die nächste Figur war Reue. Sie weinte, während sie die letzte Gestalt betrachtete, die sich langsam näherte. Diese letzte Zahl war die Wahrheit.

1.800 Jahre später beschloss Sandro Botticelli (ca. 1445-1510 n. Chr.), das verlorene Meisterwerk wieder zum Leben zu erwecken. Botticellis Verleumdung von Apelles blieb Lucians Beschreibung treu und das Ergebnis (siehe Bild oben) war verblüffend . Die Figuren erinnern uns an einige der berühmtesten Werke von Boticcelli wie die Geburt der Venus und Frühling. Besonders interessant ist die nackt gemalte Figur der Wahrheit, wie es jede Wahrheit sein muss.