6 Schlüsselkünstler der Neuen Sachlichkeitsbewegung

Die Neue Sachlichkeitsbewegung (oder Neue Sachlichkeit auf Deutsch) versuchte, eine rohe, ungefilterte Realität inmitten des sozialen Chaos der Ära darzustellen. Künstler lehnten den Idealismus ab und konzentrierten sich stattdessen auf präzise, ​​oft nüchterne Darstellungen der modernen Gesellschaft. Die Themen reichten von Urbanisierung und Technologie bis hin zu den Folgen des Ersten Weltkriegs und sozialer Ungleichheit. Mit dem Aufstieg des Nationalsozialismus löste sich die Bewegung auf und hinterließ ein lebendiges Erbe sozialkritischer Kunst.

Was ist die Neue Sachlichkeit?

Die Neue Sachlichkeit war eine Bewegung, die im Jahr 2000 florierte Weimarer Deutschland nach dem Ersten Weltkrieg. Deutschland hat sowohl während des Krieges als auch danach sehr gelitten. Die schnelle Inflation führte zu extremer Armut und Hunger. Viele Männer wurden körperlich und psychisch verletzt und viele Frauen wandten sich der Sexarbeit zu, um über die Runden zu kommen. Nach einer Zeit des Elends erlebte das Land einen wirtschaftlichen Aufschwung (auch bekannt als die Goldenen Zwanziger), der zu einer Gesellschaft führte, die manche Menschen als dekadent und unmoralisch betrachteten. Ein Großteil der Kunst der Neuen Sachlichkeit stand dem Krieg und der daraus hervorgehenden Gesellschaft sehr kritisch gegenüber.

Vor dem Krieg, Expressionismus war die vorherrschende Bewegung in Deutschland gewesen – eine Bewegung, die emotionalen Ausdruck, subjektive Erfahrung, gestische Pinselstriche und den suggestiven Einsatz von Farbe schätzte. Unmittelbar nach dem Krieg wurde die Dadaist Bewegung blühte auf. In Dada wurden die fragmentierten Geister und Körper von Soldaten durch die fragmentierten Oberflächen von Collagen und Bildern zum Ausdruck gebracht Fotomontagen . Die Neue Sachlichkeit lehnte die Subjektivität des Expressionismus ab und übernahm den Gesellschaftskommentar von Dada. Diese neue Bewegung basierte auf einer Reihe gemeinsamer Tendenzen und nicht auf einem bestimmten visuellen Stil.

Künstler dieser Bewegung versuchten aus distanzierter und distanzierter Sicht etwas über die deutsche Gesellschaft und ihre Menschen zu sagen Zielsetzung Perspektive. Sie wollten Deutschland so zeigen, wie es wirklich war, mit all seinen dekadenten Höhen und schrecklichen Tiefen. Man sagt, die Bewegung sei grob in zwei Stile unterteilt: die Veristen, deren Werk sich auf bissige Satire konzentrierte, und die Klassiker, deren Werk sich vielleicht mehr mit Schönheit beschäftigte. Was die Kunst der Neuen Sachlichkeit verbindet, ist die Verpflichtung zur Darstellung der deutschen Gesellschaft, eine distanzierte Perspektive, ein Gefühl des Zynismus und eine Hinwendung zu Karikatur und Satire. Hier sind 6 Schlüsselkünstler der Neuen Sachlichkeit in Deutschland, die Sie kennen sollten.

1. Max Beckmann

Max Beckmann wurde am 12. Februar 1884 in Leipzig als jüngstes Kind einer großbürgerlichen Familie geboren. Er studierte Kunst an der Weimarer Akademie. Während seiner frühen Karriere entwickelte er einen expressionistischen Stil. Als der Erste Weltkrieg ausbrach, trat Beckmann mit Begeisterung und Begeisterung dem Sanitätskorps bei. Allerdings erlitt er bald einen Nervenzusammenbruch und kehrte 1915 ins zivile Leben zurück. Die traumatischen Erfahrungen während des Krieges sollten sein Schaffen noch viele Jahre lang stark prägen.

In Beckmanns Werk können wir die Verpflichtung erkennen, das Böse und die Korruption, die er während des Krieges und in den folgenden Jahren sah, einzufangen. Seine Arbeit Die Nacht ist eine vernichtende Anklage gegen Gewalt und sein Stil überbrückt in vielerlei Hinsicht die Kluft zwischen Expressionismus und Neuer Sachlichkeit. Es ist ein emotional aufgeladenes Gemälde, das das Leid unschuldiger Menschen durch die Autorität hervorhebt. Die linke Seite des Gemäldes wird von einem Mann dominiert, dessen Hals gefesselt ist und dessen Gesicht schmerzverzerrt ist. Rechts liegt eine Frau mit erhobenen Armen und gespreizten Beinen, ihre Kleidung ist aufgerissen, was darauf hindeutet, dass sie misshandelt wurde.

Der flache Hintergrund ist mit weiteren Figuren übersät, deren Gesichter von Schmerz und Schrecken erfüllt sind. Eine große Gestalt mit tief in die Augen gezogenem Hut zieht mit einer Hand die Jalousie herunter, während die andere sich grob an ein kleines Kind klammert. Die überfüllte Komposition vermittelt das Chaos der Szene. Für Beckmann war es wichtig, das menschliche Leid, das er während des Krieges erlebt hatte, irgendwie darzustellen.

2. Georg Grosz

George Grosz wurde 1893 in Berlin als Sohn einer gläubigen lutherischen Familie geboren. Von 1909 bis 1911 studierte er an der Dresdner Kunstakademie. Von 1914 bis 1915 diente er in der Armee, 1917 noch einmal für kurze Zeit. Grosz war von der seiner Ansicht nach inhärenten Begeisterung für Gewalt im Menschen zutiefst entmutigt und nahm einen zynischen Ansatz an Blick nach dem Krieg. Seine Werke lieferten einen bissigen Kommentar zur sozialen Korruption, die er in Berlin sah, und konzentrierten sich dabei insbesondere auf die Mittelschicht, die Kapitalisten, die Sexarbeiterinnen und die preußische Militärkaste.

In Straßenszene, Grosz zeigt eine belebte Berliner Straße, in der sich auf den Gehwegen alle Gesellschaftsschichten vermischen. Das Gemälde ist in eintönigen Farben gehalten, in denen Grau- und Brauntöne dominieren, mit wenig Licht. Im Vordergrund sehen wir einen wohlhabenden Geschäftsmann aus der Mittelschicht, der mit kaum geöffneten Augen ausdruckslos nach vorne blickt und den bettelnden Kriegsveteranen neben sich ignoriert. Der Veteran selbst geht auf Krücken und starrt mit einem milchigen Auge auf die Welt. Im Hintergrund sehen wir eine modische Frau aus der Mittelschicht und einen riesigen, schwerfälligen Geschäftsmann. Niemand scheint sich um irgendjemanden zu kümmern, sie gehen einfach in grauem Schweigen ihrem Tag nach. Grosz‘ Eindruck vom Leben im Weimarer Berlin ist geprägt von Isolation und moralischem Verfall.

3. August Sander

August Sander wurde 1876 in Herdof, Deutschland, geboren. Er hatte sechs Geschwister und sein Vater war Tischler und im Bergbau tätig. Sander hat es entdeckt Fotografie in jungen Jahren, als er dem Firmenfotografen half, Ausrüstung in die Minen zu tragen. Von 1897 bis 1899 leistete er Militärdienst als Assistent eines Kriegsfotografen. 1909 gründete er in Köln ein eigenes Fotoatelier.

Seine bekanntesten Werke sind seine Menschen des 20. Jahrhunderts Serie, die er Mitte der 1920er Jahre begann. Für diese Serie wollte Sander alle unterschiedlichen Menschentypen fotografieren, aus denen die deutsche Gesellschaft besteht. Die Serie war in Kategorien unterteilt wie Klassen und Berufe , Der Bauer , Die Frau , Der erfahrene Handwerker , Die Stadt , Die Artisten , Und Die letzten Leute .

Sein Ziel war es, die deutsche Gesellschaft in all ihren Facetten einzufangen, und zwar mit dem objektiven Blick der Kamera. Seine Porträts folgen einer bestimmten Formel, sie werden oft vor neutralen Hintergründen aufgenommen, so dass der Fokus auf dem Motiv bleibt. Die Kompositionen sind in der Regel frontal und umfassen den gesamten Inhalt des Themas. Die Porträts bleiben anonym und werden nicht mit dem Namen der Person betitelt. Sander nutzte keine neuen fotografischen Technologien, sondern nutzte stattdessen lieber eine alte Großformatkamera und lange Belichtungszeiten, die es ihm ermöglichten, die kleinsten Details der Gestalt einer Person einzufangen.

In Landmädchen Das Erscheinungsbild der Subjekte spiegelt sich gegenseitig wider, was die Idee von ihnen als einem unterstreicht Typ . Sanders‘ Projekt stellt diese Mädchen als typisch für alle deutschen Landmädchen dar. Sanders war es wichtig, dass sich seine Motive vor der Kamera wohl und entspannt fühlten, damit sie sie selbst sein konnten. Sanders machte weiter Menschen des 20. Jahrhunderts bis in die 1960er Jahre und sein Werk hatte großen Einfluss auf die Fotografie. Dies zeigt sich in den Arbeiten von Walker Evans, Dorothea Lange, Diane Arbus, Bernd und Hilla Becher sowie Rineke Dijkstra.

4. Jeanne Mammen

Jeanne Mammen wurde 1890 in Berlin geboren, zog jedoch bald mit ihrer Familie nach Paris, als sie fünf Jahre alt war. Zwischen 1906 und 1911 studierte sie Malerei in Paris, Rom und Brüssel. 1916, während des Krieges, flohen sie und ihre Familie aus Paris. Ihre Eltern gingen nach Amsterdam, aber Mammen beschloss, nach Berlin zurückzukehren. Sie lebte mehrere Jahre lang ein schwieriges Leben, da sie Mühe hatte, alleine über die Runden zu kommen, doch die Dinge beruhigten sich, als sie mit ihrer Schwester eine kleine Wohnung mietete und anfing, regelmäßig als Illustratorin für Modemagazine und Filmplakate zu arbeiten.

Sie repräsentiert wurde ursprünglich als Teil von Curt Morecks veröffentlicht Leitfaden für das unmoralische Berlin im Jahr 1931. Dieses Taschenbuch war ein Leitfaden für viele Untergrundaktivitäten in Berlin. Sie repräsentiert wurde zusammen mit einem Leitfaden für gedruckt lokale Lesbe . Mammens Arbeit rückte die lesbische Identität in den Vordergrund, einen Aspekt der deutschen Gesellschaft, der lange Zeit gemieden oder verborgen wurde. Während es ihrem Werk an der bissigen Satire mangelt, die wir in vielen Werken anderer Maler dieser Bewegung finden, beleuchtet sie mit einem kühlen, sachlichen Stil die Realität des deutschen Lebens.

Der Großteil von Mammens Kunst konzentriert sich auf Frauen. Das Phänomen der neue Frau kann in vielen Werken der Neuen Sachlichkeit gesehen werden, aber vielleicht wird das Motiv in Mammens Werk am sanftesten behandelt. Der neue Frau bezieht sich auf die neu befreite gesellschaftliche Stellung der Frau im Nachkriegsdeutschland. Frauen beteiligten sich in einem beispiellosen Ausmaß am öffentlichen Leben. Der Stil und das Aussehen der Frauen veränderten sich entsprechend dieser neu gewonnenen Freiheit. Androgyne Kleidung und kurze Bob-Frisuren waren üblich. Für manche Leute ist das so neue Frau war ein Symbol für Fortschritt und Freiheit. Für andere war es ein Zeichen einer gefährlichen Übertretung. Für Mammen ist das neue Frau war einfach eine Tatsache, eine Realität, die aufgezeichnet werden musste.

5. Christian Schad

Christian Schad wurde 1894 im oberbayerischen Miesbach geboren. Sein Vater war ein wohlhabender Anwalt, der Schad einen Großteil seines Lebens unterstützte. 1913 besuchte er die Kunstakademie in München. Er nahm nicht am Krieg teil, da er ein ärztliches Attest erhielt, das ihn vom Militärdienst befreite. Er zog 1915 nach Zürich, wo er bis 1920 blieb. Nach dem Krieg zog er durch Europa, zwischen Italien, Paris, Wien und Deutschland, und ließ sich schließlich Ende der 1920er Jahre in Berlin nieder.

In diesem Porträt malte Schad St-Genois d’Anneaucourt, einen berühmten Schauspieler der Wiener High Society, zusammen mit seiner Begleiterin Baroness Glaser und einem bekannten Crossdresser aus dem Berliner Kabarett Eldorado. In diesem Stück können wir eine Untersuchung der raschen Veränderungen der Geschlechter- und Sexualitätsnormen sehen, die in der Weimarer Republik stattfanden. Menschen wie der berühmte Arzt Magnus Hirschfield erforschten aktiv Sex und Sexualität und setzten sich für die Rechte von Homosexuellen ein. Seine Forschungen unterstützten die Existenz von Transsexualität und setzten sich für diese Personen ein.

6. Otto Dix

Otto Dix wurde 1891 in Thüringen, Deutschland, geboren. Er war der älteste Sohn eines Eisenarbeiters. Er absolvierte eine Lehre im Kunstgewerbe und absolvierte anschließend eine Ausbildung an der Hochschule für Bildende Künste Dresden. Bei Kriegsausbruch meldete sich Dix mit Begeisterung freiwillig. Anschließend verbrachte er vier Jahre als Artillerieschütze an der Front.

Seine Erfahrungen auf dem Schlachtfeld traumatisierten ihn sehr und würden ihn ein Leben lang begleiten. Er fertigte zahlreiche Skizzen der Schrecken an, die er an der Front sah. Nach seiner Rückkehr nahm er sein Studium der bildenden Kunst wieder auf. Nach dem Krieg konzentrierte er sich in seiner Arbeit darauf, die Verderbtheit des Krieges und der Gesellschaft in der Weimarer Republik zu vermitteln. In Dix‘ Werk werden Figuren als hässliche Karikaturen und schreckliche satirische Visionen der zeitgenössischen Kultur dargestellt.

Metropole ist ein Triptychon, das drei Szenen des Berliner Nachtlebens zeigt. Das zentrale Panel ist die typische, dekadente Berliner Party voller Jazz, Tanz und moderner Frauen in aufwendigen Outfits. Die Paneele an den Seiten erzählen jedoch eine ganz andere Geschichte. Links sehen wir einen Kriegskrüppel, der beide Beine verloren hat und sich auf Krücken fortbewegt. Unter ihm liegt ein Körper ausgestreckt auf dem Kopfsteinpflaster. Vor dem Krüppel drängt sich im Hintergrund eine Reihe von Sexarbeiterinnen auf, die ihn dazu verleiten, sich ihnen anzuschließen.

Auf der rechten Seite spielt sich eine ähnliche Szene ab. Auf dem Boden sitzt ein beinloser Veteran und bettelt, den Kopf in den Händen. Eine Reihe von Sexarbeiterinnen geht an ihm vorbei und ignoriert das Leiden des Mannes. Die Figuren auf diesen Gemälden sind mit übertriebenen Gesichtszügen dargestellt, die sie grotesk und schrecklich erscheinen lassen. Jede Person, mit Ausnahme der Veteranen, soll eine Karikatur des moralischen Verfalls darstellen.

Das Ende der Neuen Sachlichkeit

Der Aufstieg des Nationalsozialismus hatte ab den frühen 1930er Jahren enorme Auswirkungen auf die Kulturlandschaft Deutschlands. Die Nazis missbilligten viele moderne Kunstformen, darunter auch die mit der Neuen Sachlichkeit verbundenen Werke. Sie förderten Kunst, die ihren eigenen ideologischen Prinzipien folgte, was zu Zensur, Unterdrückung und Verfolgung von Künstlern führte. Einige Werke der Neuen Sachlichkeit wurden in die aufgenommen Entartete Kunstausstellungen , und einige Künstler hörten einfach auf, Kunst zu machen, als kreativen Protest gegen das Regime.