6 amerikanische Film Noirs, beeinflusst vom deutschen Expressionismus

Film Noir, die Kunst, Verzweiflung auf der Leinwand darzustellen, ist bekannt für viele symbolträchtige Elemente wie Kriminalität, Gewalt, Femme Fatale, lange kitschige Monologe, seltsame Blickwinkel und vor allem Schatten. Während Noir oft als Inspiration für viele Genres, Filme und Regisseure genannt wird, werden seine eigenen Ursprünge selten diskutiert, und um mehr darüber zu erfahren, müssen wir ins Deutschland der 1920er Jahre zurückreisen.

Deutscher Expressionismus und Film Noir

Wir schreiben das Jahr 1920 und Amerika (zusammen mit einigen anderen Nationen wie Italien) ist besessen vom Film, einer Kunstform für sich Kindheit , Und experimentieren wie spektakulär und grandios es sein kann.

Ein paar tausend Meilen entfernt machten die Deutschen etwas anderes. Der Film hatte in seinen Anfängen, insbesondere in Amerika, die Aufgabe, die Realität so genau wie möglich abzubilden: von den frühen kurzen Dokumentarfilmen in den 1890er Jahren bis zu den beeindruckenden Leistungen der Filme von D. W. Griffith in den 1920er Jahren. Deutsch Expressionismus konzentrierte sich jedoch auf innere Emotionen.

Anstatt die Realität so darzustellen, wie sie war, entschieden sich diese Filme dafür, das darzustellen, was ihre Charaktere im Inneren erlebten, und das Ergebnis war düster, makaber und oft albtraumhaft.

Das Kabinett von Dr. Caligari, Nosferatu, Metropolis, M— Diese Filme waren düster und mit hohem Kontrast und sehr theatralisch gedreht, fast so, als wären die Sets selbst Charaktere im Film. Die Protagonisten waren immer etwas verdreht, und wenn ihre Emotionen und innersten Gefühle auf der Leinwand dargestellt wurden, wirkte das Ergebnis natürlich wie die Verkörperung eines Albtraums.

Der deutsche Expressionismus begann zu Beginn der 1930er Jahre zu verschwinden Die Nazis übernahmen die Kontrolle Doch einige seiner Pioniere, die vor der Wahl standen, entweder Propagandafilme zu drehen oder zu fliehen, entschieden sich für Letzteres und gingen nach Amerika, wo sie sich in das Hollywood-System integrieren und eine ganze Filmbewegung beeinflussen würden. Dies sind einige der bemerkenswertesten amerikanischen Film Noirs, die vom deutschen Expressionismus beeinflusst sind.

1. Fritz Langs The Big Heat (1953)

Fritz Lang, ein 1890 geborener deutscher Regisseur, war einer der Pioniere des deutschen Expressionismus. Er hat gemacht Dr. Mabuse der Spieler im Jahr 1922, gefolgt vom Klassiker Metropole im Jahr 1927 und M 1931 mit Peter Lorre – einem deutschen Schauspieler, der in den 1930er Jahren selbst nach Amerika zog und in einigen der berühmtesten Noir-Filme aller Zeiten mitspielte. Nach seiner Ankunft in den USA unterschrieb er bei einem der vier großen Studios der damaligen Zeit namens MGM.

Veröffentlicht im Jahr 1953, Fritz’s Die große Hitze erzählt die Geschichte eines Privatdetektivs, der sich auf den Weg macht, einem Kollegen zu helfen, nur um dann in ein Netz von Kriminellen verwickelt zu werden. Glenn Ford, ein Schauspieler, der in vielen klassischen Noir-Filmen mitwirkte, beginnt im Film. Eine brillante Erzählung, die die Tropen des Genres verzerrt, trifft auf die Einflüsse des Regisseurs Fritz Lang, was zu einer fast klaustrophobischen Darstellung führt: Während viele Szenen des Films auf offener Straße spielen, sind die Art und Weise, wie sie gedreht werden, die Art und Weise, wie sich die Kamera bewegt, usw Die symbolträchtige Schattenbesessenheit macht The Big Heat zu einer bezaubernd gruseligen Angelegenheit.

2. Billy Wilders Ace in the Hole (1951)

Kirk Douglas ist einer der größten Namen des Film Noir und der Hollywood-Geschichte im Allgemeinen. Geschrieben, inszeniert und produziert vom großartigen Billy Wilder, einem weiteren großartigen Regisseur, der den Fängen Nazi-Deutschlands entkommen konnte. Ein Ass im Ärmel versetzt Douglas in die Lage von Chuck Tatum, einem Journalisten im Niedergang, der sich der Bosheit hingibt, um so viel wie möglich aus einer Veranstaltung herauszuholen und seinen Status im Zeitungsgeschäft wiederzugewinnen. Ein Mann ist in einer Mine gefangen, nachdem die Höhle eingestürzt ist, und Chuck versucht, die örtliche Polizei, die Zeitungen, die Öffentlichkeit und alle um ihn herum zu manipulieren, um den Mann so lange wie möglich gefangen zu halten, indem er die Geschichte ausnutzt schafft ein großes Ereignis, das leicht hätte gelöst werden können.

Ein Ass im Ärmel ist einer der wenigen Film Noirs, die sich mit Verbrechen befassen, die über Schießereien und Plünderungen hinausgehen und tatsächlich in die menschliche Psyche eintauchen und ihren unstillbaren Durst nach mehr und ihre endlose Gier analysieren. Der Film glänzt durch sein Drehbuch, seine Darbietungen und seinen Handlungsverlauf. Dieser Film ist ebenso angsteinflößend wie fesselnd, inspiriert von den Horror- und Albtraumgeschichten des deutschen Expressionismus, in denen die Charaktere in ihren verdrehten Moralvorstellungen aufblühen, und belohnt diejenigen, die stark genug sind, durchzukommen. Ursprünglich ein kritischer und finanzieller Misserfolg, wuchs der Status dieses Films im Laufe der Jahre exponentiell. Er gilt heute als einer der besten Filme, die Billy Wilder je gedreht hat, und als eines der Meisterwerke des Genres.

3. Sweet Smell of Success von Alexander Mackendrick (1957)

Süßer Duft nach Erfolg erzählt die Geschichte von Sidney Falco (gespielt von Tony Curtis), einem Presseagenten unter der vollständigen Macht und Kontrolle des Kolumnisten J. J. Hunsecker (gespielt von Burt Lancaster). Da ersterer es nicht schafft, einen Job für seinen Chef zu erledigen, gerät er immer mehr in seine Schuld und ergibt sich der immer größer werdenden Macht und dem Einfluss von J. J. Die Aufgabe besteht darin, eine Beziehung zwischen Hunseckers Schwester und einem Gitarristen einer Jazzband zu unterbrechen , etwas, das der Chef heimlich und ohne Wissen seiner Schwester tun möchte, um ihre Liebe und ihren Respekt zu bewahren, und etwas, das er durch seinen Untertanen Sidney Falco tut. Da die Aufgabe immer komplizierter wird und bestimmte unwillkommene Parteien ins Spiel kommen, werden wir mit einer gründlichen Charakterstudie der beiden Männer konfrontiert, die sich am Ende eher ähneln als unterscheiden.

J. J. Hunsecker ist der interessanteste und furchteinflößendste Bösewicht im Film Noir, ein Mann, dessen Einfluss sich auf alles und jeden erstreckt, ein kultivierter Gangster, und wie Regisseur Alexander Mackendrick ihn beschreibt ein gelehrter Rohling . Burt Lancaster, der Schauspieler, der ihn spielte, ist fast genauso furchteinflößend wie er. Alle Schauspieler und Crewmitglieder, die mit ihm zusammengearbeitet haben Süßer Duft nach Erfolg waren von ihm sehr eingeschüchtert, und der Regisseur nutzte dies, um die absolute Macht seiner Figur hervorzuheben. Er ging sogar so weit, die Innenseite seiner Brille mit Vaseline zu bemalen, damit seine Augen nicht immer auf eine Sache gerichtet waren und er einen leeren Blick erhielt. Außerdem fotografierte er seine Figur aus einem niedrigen Winkel, wobei die Lichter direkt über ihm standen, sodass seine Brille einen Schatten auf sein Gesicht warf. Dieser Effekt funktioniert perfekt bei der Darstellung eines Mannes, der die Gefahr selbst darstellt, für den Moral nichts anderes als ein Werkzeug ist, mit dem man sparsam umgehen sollte, und dessen Themen mit animalischer Brutalität behandelt werden.

4. Touch of Evil von Orson Welles (1958)

Berührung des Bösen wurde von Orson Welles inszeniert, dem gleichen Mann, der uns gegeben hat Citizen Kane im Jahr 1941, mit ihm selbst, Charlton Heston und Janet Leigh. Die Handlung dreht sich um einen mexikanischen Polizisten namens Miguel Vargas, der, nachdem er Zeuge eines Autobombenanschlags auf der amerikanischen Seite der Grenze geworden ist, eine Untersuchung einleitet, die ihn zu dem Schluss führt, dass der amerikanische Polizeikapitän Hank Quinlan Beweismaterial platziert, um etwas zu beschuldigen ein unschuldiger Mann, eine missliche Lage, die sowohl ihn selbst als auch seine neue Braut gefährdet.

Orson Welles inszeniert diesen Film mit all der Kontrolle und dem Perfektionismus, für die er bekannt war, und seine Leistung als Hank ist eine der besten seiner Schauspielkarriere. Er ist abscheulich, verdorben und müde und zeigt die Merkmale der gefährlichsten Art von Mann. Man kann den Einfluss des deutschen Expressionismus überall in diesem Film erkennen, von seinem moralisch zweideutigen Protagonisten bis hin zu seinem großzügigen Einsatz von Schatten und eigenartigen Blickwinkeln.

5. Billy Wilders Double Indemnity (1944)

Doppel Entschädigung erzählt die Geschichte von Walter Neff und Barbara Dietrichson, gespielt von Fred MacMurray und Barbara Stanwyck, zwei Fremden, die sich verlieben und die Ermordung von Barbaras Ehemann planen, um Freiheit und finanziellen Gewinn zu erzielen. Doppel Entschädigung ist sowohl vertraut als auch unerwartet originell, es enthält alles, was Noir zu dem macht, was es ist, aber gleichzeitig hat es etwas Eigenes, eine besondere Zutat, die es vom Rest der Gruppe unterscheidet.

Die Erzählweise des Films ist es, die ihn am meisten auszeichnet. Die meisten Film Noirs folgen einem streng methodischen linearen Muster. Die Ereignisse der Geschichte entfalten sich im Verlauf der Geschichte, auf eine Art und Weise, ohne Abkürzungen, ohne Wendungen, einfach geradeaus, aber für Doppel Entschädigung Die Geschichte wird als Geständnis des Protagonisten erzählt, der gerade vom Schluss- und Höhepunkt des Films zurückgekehrt ist. Dies ermöglicht, dass die berühmten Monologe des Genres sowohl reichlich als auch gerechtfertigt sind und bietet eine andere und erfrischende Sicht auf die normalerweise festgelegte Methode der Erzählung, die Noir verwendet.

Auch hier ist der Einfluss des deutschen Einwanderers und legendären Regisseurs Billy Wilder im gesamten Film spürbar: von der Art und Weise, wie die Geschichte immer perverser wird, während Walters und Barbaras Träume und Pläne immer gieriger und böser werden, bis hin zur Art und Weise, wie Szenen gedreht werden mit einem Fokus auf Schatten und Theatralik. Doppel Entschädigung fühlt sich an wie der spirituelle Nachfolger von etwas aus dem Berlin der 1920er Jahre, das seine Wurzeln mit den großen amerikanischen Kriminalgeschichten der 1930er Jahre vermischt.

6. Film Noir von Abraham Polonsky: Force of Evil (1948)

Jahrzehnte nach dem Ende der klassischen Noir-Periode ist es sehr interessant, auf das Genre zurückzublicken und zu beobachten, wie sich seine Themen allmählich von bloßer Unterhaltung und Kriminalmelodramen zu ernsteren und dringlicheren Themen entwickelten. Film Noir ist ein direktes Produkt der Depression im Amerika der 1930er Jahre. Die Krisen dieser Zeit spiegeln sich natürlich im Kino wider Literatur .

Mit einer eher kurzen Laufzeit von 79 Minuten, Macht des Bösen Die Handlung verläuft in einem außergewöhnlich schnellen Tempo. Der Film dreht sich um den jungen Anwalt Joe Morse (gespielt von John Garfield), dessen Chef einen akribischen Plan ausheckt, um alle Zahlenhändler in New York zu übernehmen, von denen einer seinem Bruder gehört. Während Joe versucht, mit seinem Job und seinem Chef klarzukommen, während er gleichzeitig versucht, seinen hartnäckigen Bruder zu retten, und während sich die Dinge allmählich zu einem Bandenkrieg entwickeln, behandelt der Film aktuelle Themen wie Kriminalität und Korruption und bietet gleichzeitig eine aufwändige Tragödie mit poetischen Dialogen und einem Handvoll biblischer Referenzen.

Macht des Bösen bietet ein erstaunliches Drehbuch und faszinierende Darbietungen, die durch eine großartige Kameraführung von George Barnes, einem Profi aus der Stummfilmzeit der 1920er Jahre, ergänzt werden. Barnes‘ Werk glänzt in der letzten Szene und bietet eine der besten und stimmungsvollsten Sequenzen in der Noir-Geschichte; gepaart mit einem poetischen inneren Monolog, der sogar als Bewusstseinsstrom verstanden werden könnte. Die Kamera bewegt sich, um Joes Überlegungen zu begleiten, die von pessimistischer Sinnlosigkeit triefen, in Aufnahmen, die den Eindruck erwecken, als wären sie mit geometrischer Präzision konzipiert und zeigen stolz ihre Wurzeln im deutschen Expressionismus.