Surrealismus, die erstaunliche Kunst der Träume

Entdecken Sie die seltsame Welt von Salvador Dalí, René Magritte, Max Ernst und anderen

René Magritte. Das doppelte Geheimnis, 1927. Öl auf Leinwand. 114 x 162 cm (44,8 x 63,7 Zoll). Hannelore Förster über Getty Images

Der Surrealismus widersetzt sich der Logik. Träume und die Arbeitsweise des Unterbewusstseins inspirieren die surrealistische Kunst (französisch für „Superrealismus“) voller seltsamer Bilder und bizarrer Gegenüberstellungen.

Kreative Denker haben schon immer mit der Realität gespielt, aber in den frühen 20er Jahren^thJahrhunderts entstand der Surrealismus als philosophische und kulturelle Bewegung. Angetrieben von den Lehren Freuds und der rebellischen Arbeit von Dada-Künstlern und Dichtern förderten Surrealisten wie Salvador Dalí, René Magritte und Max Ernst die freie Assoziation und Traumbilder. Bildende Künstler, Dichter, Dramatiker, Komponisten und Filmemacher suchten nach Wegen, die Psyche zu befreien und verborgene Kreativitätsreservoirs zu erschließen.

Merkmale surrealistischer Kunst

• Traumhafte Szenen und symbolische Bilder
• Unerwartete, unlogische Nebeneinanderstellungen
• Bizarre Ansammlungen gewöhnlicher Objekte
• Automatismus und Spontaneität
• Spiele und Techniken, um Zufallseffekte zu erzeugen
• Persönliche Ikonographie
• Visuelle Wortspiele
• Verzerrte Figuren und biomorphe Formen
• Hemmungslose Sexualität und Tabuthemen
• Primitive oder kindliche Designs

Wie der Surrealismus zur Kulturbewegung wurde

Kunst aus der fernen Vergangenheit kann dem modernen Auge surreal erscheinen. Drachen und Dämonen bevölkern alte Fresken und mittelalterliche Triptychen. Italienischer Maler der Renaissance Giuseppe Arcimboldo (1527–1593) verwendet Trompe-l'oeil-Effekte ('täusche das Auge'), um menschliche Gesichter aus Früchten, Blumen, Insekten oder Fischen darzustellen. Der niederländische Künstler Hieronymus Bosch (ca. 1450–1516) verwandelte Scheunentiere und Haushaltsgegenstände in furchteinflößende Monster.

Hat Salvador Dalí seinen seltsamen Felsen nach einem Bild von Hieronymus Bosch modelliert? Links: Ausschnitt aus Der Garten der Lüste, 1503–1504, von Hieronymus Bosch. Rechts: Ausschnitt aus „Der große Masturbator“, 1929, von Salvador Dalí. Bildnachweis: Leemage/Corbis und Bertrand Rindoff Petroff über Getty Images

Surrealisten des 20. Jahrhunderts priesen „Der Garten der Lüste“ und nannten Bosch ihren Vorgänger. Der surrealistische Künstler Salvador Dalí (1904–1989) mag Bosch nachgeahmt haben, als er die seltsame, gesichtsförmige Felsformation in seinem schockierend erotischen Meisterwerk „Der große Masturbator“ malte. Die gruseligen Bilder, die Bosch malte, sind jedoch nicht surrealistisch im modernen Sinne. Es ist wahrscheinlich, dass Bosch darauf abzielte, biblische Lektionen zu erteilen, anstatt dunkle Ecken seiner Psyche zu erforschen.

In ähnlicher Weise sind Giuseppe Arcimboldos (1526–1593) entzückend komplexe und verrückte Porträts visuelle Rätsel, die dazu bestimmt sind, das Unbewusste zu amüsieren, anstatt es zu untersuchen. Obwohl sie surreal wirken, spiegeln Gemälde früher Künstler bewusstes Denken und Konventionen ihrer Zeit wider.

Im Gegensatz dazu rebellierten die Surrealisten des 20. Jahrhunderts gegen Konventionen, Moralkodizes und die Hemmungen des Bewusstseins Dadaist , ein avantgardistischer Kunstansatz, der sich über das Establishment lustig machte. Marxist Ideen lösten eine Verachtung für die kapitalistische Gesellschaft und einen Durst nach sozialer Rebellion aus. Die Schriften von Sigmund Freud schlug vor, dass höhere Formen der Wahrheit im Unterbewusstsein gefunden werden könnten. Darüber hinaus das Chaos und die Tragödie von Erster Weltkrieg weckte den Wunsch, mit Traditionen zu brechen und neue Ausdrucksformen zu erforschen.

1917 verwendete der französische Schriftsteller und Kritiker Guillaume Apollinaire (1880–1918) den Begriff Surrealismus beschreiben Parade , ein Avantgarde-Ballett mit Musik von Erik Satie, Kostümen und Bühnenbildern von Pablo Picasso und Geschichten und Choreografien von anderen führenden Künstlern. Rivalisierende Fraktionen junger Pariser umarmten sich Surrealismus und heftig über die Bedeutung des Begriffs debattiert. Die Bewegung wurde 1924 offiziell ins Leben gerufen, als der Dichter André Breton (1896–1966) die Erstes Manifest des Surrealismus .

Werkzeuge und Techniken surrealistischer Künstler

Frühe Anhänger der Surrealismus-Bewegung waren Revolutionäre, die versuchten, die menschliche Kreativität zu entfesseln. Breton eröffnete ein Büro für surrealistische Forschung, in dem Mitglieder Interviews führten und ein Archiv soziologischer Studien und Traumbilder zusammenstellten. Zwischen 1924 und 1929 veröffentlichten sie zwölf Ausgaben von Die realistische Revolution , eine Zeitschrift mit militanten Abhandlungen, Selbstmord- und Verbrechensberichten und Erkundungen des kreativen Prozesses.

Zunächst war der Surrealismus vor allem eine literarische Bewegung. Ludwig Aragón (1897–1982), Paul Eluard (1895–1952) und andere Dichter experimentierten mit automatischem Schreiben oder Automatismus, um ihrer Vorstellungskraft freien Lauf zu lassen. Auch surrealistische Schriftsteller fanden Inspiration in Cut-up, Collage und andere Arten gefundener Poesie .

Bildende Künstler der Surrealismus-Bewegung verließen sich auf Zeichenspiele und eine Vielzahl experimenteller Techniken, um den kreativen Prozess zufällig zu gestalten. Beispielsweise in einem Verfahren, das als bekannt ist Abziehbild , Künstler spritzten Farbe auf Papier und rieben dann die Oberfläche, um Muster zu erzeugen. Ähnlich, Bulletismus beinhaltete das Schießen von Tinte auf eine Oberfläche, und Spritzen Dabei wurde Flüssigkeit auf eine lackierte Oberfläche gespritzt, die dann mit einem Schwamm abgewischt wurde. Seltsam und oft humorvoll Assemblagen von gefundenen Objekten wurde zu einer beliebten Methode, um Gegenüberstellungen zu schaffen, die Vorurteile in Frage stellten.

Als überzeugter Marxist glaubte André Breton, dass Kunst einem kollektiven Geist entspringt. Surrealistische Künstler arbeiteten oft gemeinsam an Projekten Die surrealistische Revolution vorgestellte Werke, die aus einer kollaborativen Aktivität namens generiert wurden Exquisite Leiche , oder Exquisite Leiche . Die Teilnehmer wechselten sich beim Schreiben oder Zeichnen auf einem Blatt Papier ab. Da niemand wusste, was bereits auf der Seite existierte, war das Endergebnis eine überraschende und absurde Zusammensetzung.

Surrealistische Kunststile

Bildende Künstler im Bewegung des Surrealismus waren eine bunte Truppe. Frühe Werke europäischer Surrealisten folgten oft der Dada-Tradition, vertraute Objekte in satirische und unsinnige Kunstwerke zu verwandeln. Als sich die Surrealismus-Bewegung entwickelte, entwickelten Künstler neue Systeme und Techniken zur Erforschung der irrationalen Welt des Unterbewusstseins. Es entstanden zwei Trends: biomorph (oder abstrakt) und figurativ.

Giorgio de Chirico. Aus der Serie Metaphysical Town Square, ca. 1912. Öl auf Leinwand. Dea / M. Carrieri über Getty Images

Figurative Surrealisten produziert erkennbar gegenständliche Kunst . Viele der figurativen Surrealisten wurden zutiefst von beeinflusst Giorgio de Chirico (1888–1978), ein italienischer Maler, der die Metaphysik , oder metaphysische, Bewegung. Sie lobten die traumhafte Qualität von de Chiricos menschenleeren Stadtplätzen mit Bogenreihen, fernen Zügen und gespenstischen Gestalten. Wie de Chirico verwendeten figurative Surrealisten Techniken des Realismus, um verblüffende, halluzinatorische Szenen wiederzugeben.

Biomorphe (abstrakte) Surrealisten wollten völlig frei von Konventionen sein. Sie erkundeten neue Medien und kreierten abstrakte Werke bestehend aus undefinierten, oft nicht erkennbaren Formen und Symbolen. Surrealistische Ausstellungen in Europa in den 1920er und frühen 1930er Jahren zeigten sowohl figurative als auch biomorphe Stile sowie Werke, die als dadaistisch eingestuft werden könnten.

Große surrealistische Künstler in Europa

Jean Arp: Der in Straßburg geborene Jean Arp (1886–1966) war ein Dada-Pionier, der Gedichte schrieb und mit verschiedenen visuellen Medien wie zerrissenem Papier und hölzernen Reliefkonstruktionen experimentierte. Sein Interesse an organischen Formen und spontanem Ausdruck stimmte mit der surrealistischen Philosophie überein. Arp stellte mit surrealistischen Künstlern in Paris aus und wurde vor allem für fließende, biomorphe Skulpturen wie z ' Kopf und Schale' (Kopf und Schale) . In den 1930er Jahren wechselte Arp zu einem nicht präskriptiven Stil, den er Abstraction-Création nannte.

Salvador Dalí: Der spanische katalanische Künstler Salvador Dalí (1904–1989) wurde Ende der 1920er Jahre von der Surrealismusbewegung aufgenommen, nur um 1934 ausgewiesen zu werden. Dennoch erlangte Dalí internationalen Ruhm als Innovator, der den Geist des Surrealismus verkörperte, sowohl in seiner als auch in seiner Kunst extravagantes und respektloses Verhalten. Dalí führte weit verbreitete Traumexperimente durch, bei denen er sich im Bett oder in einer Badewanne zurücklehnte, während er seine Visionen skizzierte. Er behauptete, dass die schmelzenden Uhren in seinem berühmten Gemälde „ Die Beständigkeit der Erinnerung ,' kam von selbst induzierten Halluzinationen.

Paul Delvaux: Inspiriert von den Werken von Giorgio de Chirico wurde der belgische Künstler Paul Delvaux (1897–1994) mit dem Surrealismus in Verbindung gebracht, als er illusionäre Szenen von halbnackten Frauen malte, die durch klassische Ruinen schlafwandeln. Im ' L'aurore' (Der Tagesanbruch) , zum Beispiel stehen Frauen mit baumähnlichen Beinen wie verwurzelt da, während mysteriöse Gestalten sich unter fernen, mit Weinranken bewachsenen Bögen bewegen.

Max Ernst: Max Ernst (1891–1976), ein deutscher Künstler vieler Genres, stieg aus der Dada-Bewegung zu einem der frühesten und leidenschaftlichsten Surrealisten auf. Er experimentierte mit automatischem Zeichnen, Collagen, Cut-Ups, Reiben (Bleistiftabrieb) und andere Techniken, um unerwartete Gegenüberstellungen und visuelle Wortspiele zu erreichen. Sein Gemälde von 1921 ' Promis “ platziert eine kopflose Frau mit einem Tier, das teils Maschine, teils Elefant ist. Der Titel des Gemäldes stammt von einem deutschen Kinderlied.

Alberto Giacometti: Skulpturen des in der Schweiz geborenen Surrealisten Alberto Giacometti (1901–1966) sehen aus wie Spielzeug oder primitive Artefakte, stellen aber verstörende Anspielungen auf Traumata und sexuelle Obsessionen her. ' Femme égorgée' (Frau mit durchschnittener Kehle) verzerrt anatomische Teile, um eine Form zu schaffen, die sowohl schrecklich als auch verspielt ist. Giacometti löste sich Ende der 1930er Jahre vom Surrealismus und wurde bekannt für figurative Darstellungen langgestreckter menschlicher Formen.

Paul Klee. Musik auf dem Jahrmarkt, 1924-26. De Agostini / G. Dagli Orti über Getty Images

Paul Klee: Der deutsch-schweizerische Künstler Paul Klee (1879–1940) stammte aus einer musikalischen Familie und füllte seine Bilder mit einer persönlichen Ikonographie aus Musiknoten und verspielten Symbolen. Seine Arbeit ist am engsten mit dem Expressionismus verbunden und Bauhaus . Mitglieder der Surrealismus-Bewegung bewunderten jedoch Klees Verwendung automatischer Zeichnungen, um hemmungslose Gemälde wie zu erzeugen Musik auf der Messe , und Klee wurde in surrealistische Ausstellungen aufgenommen.

René Magritte. Der bedrohte Attentäter, 1927. Öl auf Leinwand. 150,4 × 195,2 cm (59,2 × 76,9 Zoll). Colin McPherson über Getty Images

René Magritte: Die Surrealismusbewegung war bereits in vollem Gange, als der belgische Künstler René Magritte (1898–1967) nach Paris zog und sich den Gründern anschloss. Er wurde bekannt für realistische Wiedergaben von halluzinatorischen Szenen, verstörenden Gegenüberstellungen und visuellen Wortspielen. „The Menaced Assassin“ zum Beispiel versetzt gelassene Männer in Anzügen und Melonenhüten inmitten eines grausamen Krimi-Tatorts.

André Masson: Im Ersten Weltkrieg verletzt und traumatisiert, wurde André Masson (1896–1987) ein früher Anhänger der Surrealismusbewegung und ein begeisterter Befürworter des Surrealismus automatische Zeichnung . Er experimentierte mit Drogen, ließ den Schlaf aus und verweigerte Nahrung, um seine bewusste Kontrolle über die Bewegungen seines Stifts zu schwächen. Auf der Suche nach Spontaneität warf Masson auch Leim und Sand auf Leinwände und malte die Formen, die sich bildeten. Obwohl Masson schließlich zu traditionelleren Stilen zurückkehrte, führten seine Experimente zu neuen, ausdrucksstarken Herangehensweisen an die Kunst.

Joan Miro. Femme et oiseaux (Frau und Vögel), 1940, Nr. 8 aus Mirós Constellations-Serie. Ölwäsche und Gouache auf Papier. 38 x 46 cm (14,9 x 18,1 Zoll). Bildnachweis: Tristan Fewings über Getty Images

Joan Miró: Der Maler, Grafiker, Collagenkünstler und Bildhauer Joan Miró (1893–1983) schuf farbenfrohe, biomorphe Formen, die aus der Vorstellungskraft zu sprudeln schienen. Miró nutzte Kritzeln und automatisches Zeichnen, um seine Kreativität anzuregen, aber seine Werke waren sorgfältig komponiert. Er stellte mit der surrealistischen Gruppe aus und viele seiner Werke zeigen den Einfluss der Bewegung. „Femme et oiseaux“ (Frau und Vögel) aus Mirós Constellations-Serie suggeriert eine persönliche Ikonographie, die sowohl erkennbar als auch seltsam ist.

Meret Oppenheim: Unter den vielen Werken von Méret Elisabeth Oppenheim (1913–1985) befanden sich Assemblagen, die so empörend waren, dass die europäischen Surrealisten sie in ihrer rein männlichen Gemeinschaft willkommen hießen. Oppenheim wuchs in einer Familie von Schweizer Psychoanalytikern auf und folgte den Lehren von Carl Jung. Ihr berüchtigtes „Object in Fur“ (auch bekannt als „Luncheon in Fur“) verschmolz ein Tier (das Fell) mit einem Symbol der Zivilisation (einer Teetasse). Der verstörende Hybrid wurde als Inbegriff des Surrealismus bekannt.

Pablo Picasso: Als die Bewegung des Surrealismus aufkam, wurde der spanische Künstler Pablo Picasso (1881–1973) bereits als Urvater des Surrealismus gefeiert Kubismus . Picassos kubistische Gemälde und Skulpturen wurden nicht aus Träumen abgeleitet und er umging nur die Ränder der Surrealismus-Bewegung. Dennoch drückte seine Arbeit eine Spontaneität aus, die der surrealistischen Ideologie entsprach. Picasso stellte mit surrealistischen Künstlern aus und ließ Werke reproduzieren Die surrealistische Revolution. Sein Interesse an Ikonographie und primitiven Formen führte zu einer Reihe zunehmend surrealistischer Gemälde. Zum Beispiel, ' Am Strand “ (1937) stellt verzerrte menschliche Gestalten in eine traumähnliche Umgebung. Picasso schrieb auch surrealistische Gedichte, die aus fragmentierten Bildern bestanden, die durch Bindestriche getrennt waren. Hier ist ein Auszug aus einem Gedicht, das Picasso im November 1935 schrieb:

wenn der stier – mit seinem horn – die pforten des pferdebauchs öffnet – und seine schnauze an den rand streckt – lausche in den tiefsten aller tiefsten griffe – und mit den augen der heiligen lucy – den geräuschen fahrender lieferwagen – dicht gedrängt mit Picadors auf Ponys – von einem schwarzen Pferd abgeworfen

Man Ray. Röntgenaufnahme, 1922. Silbergelatineabzug (Fotogramm). 22,5 x 17,3 cm (8,8 x 6,8 Zoll). Historisches Bildarchiv via Getty Images

Man Ray: Emmanuel Radnitzky (1890–1976) wurde in den Vereinigten Staaten als Sohn eines Schneiders und einer Näherin geboren. Die Familie nahm den Namen Ray an, um ihre jüdische Identität in einer Zeit intensiven Antisemitismus zu verbergen. 1921 zog Man Ray nach Paris, wo er in der Dada- und surrealistischen Bewegung wichtig wurde. Er arbeitete in einer Vielzahl von Medien und erforschte mehrdeutige Identitäten und zufällige Ergebnisse. Seine Rayographien waren unheimliche Bilder, die durch direktes Platzieren von Objekten auf Fotopapier entstanden.

Man Ray. Unzerstörbares Objekt (oder zu zerstörendes Objekt), übergroße Reproduktion des Originals von 1923. Ausstellung im Prado-Museum, Madrid. Atlantide Phototravel über Getty Images

Man Ray war auch für bizarre dreidimensionale Assemblagen wie „Object to Be Destroyed“ bekannt, die ein Metronom mit einem Foto des Auges einer Frau gegenüberstellten. Ironischerweise ist das ursprüngliche „Object to Be Destroyed“ ging während einer Ausstellung verloren.

Yves Tanguy: Noch in seinen Teenagerjahren, wenn das Wort Surrealismus auftauchte, brachte sich der in Frankreich geborene Künstler Yves Tanguy (1900–1955) selbst bei, die halluzinatorischen geologischen Formationen zu malen, die ihn zu einer Ikone des Surrealismus machten. Traumlandschaften wie ' Die Sonne in ihrem Schmuckkästchen illustrieren Tanguys Faszination für ursprüngliche Formen. Realistisch gerendert, wurden viele von Tanguys Gemälden von seinen Reisen in Afrika und dem amerikanischen Südwesten inspiriert.

Surrealisten in Amerika

Der Surrealismus als Kunststil hat die von André Breton begründete Kulturbewegung weit überlebt. Der leidenschaftliche Dichter und Rebell schloss schnell Mitglieder aus der Gruppe aus, wenn sie seine linken Ansichten nicht teilten. 1930 veröffentlichte Breton ein „Zweites Manifest des Surrealismus“, in dem er gegen die Kräfte des Materialismus wetterte und Künstler verurteilte, die den Kollektivismus nicht akzeptierten. Surrealisten schlossen neue Allianzen. Als der Zweite Weltkrieg drohte, gingen viele in die Vereinigten Staaten.

Der prominente amerikanische Sammler Peggy Guggenheim (1898–1979) stellte Surrealisten aus, darunter Salvador Dalí, Yves Tanguy und ihr eigener Ehemann Max Ernst. André Breton schrieb und förderte seine Ideale bis zu seinem Tod im Jahr 1966 weiter, aber bis dahin waren die marxistischen und freudschen Dogmen aus der surrealistischen Kunst verschwunden. Ein Impuls für Selbstdarstellung und Freiheit von den Zwängen der rationalen Welt führte Maler wie Willem de Kooning (1904–1997) und Arshile Gorky (1904–1948) dazu Abstrakter Expressionismus .

Luise Bourgeois. Maman (Mutter), 1999. Edelstahl, Bronze und Marmor. 9271 x 8915 x 10236 mm (etwa 33 Fuß hoch). Zu sehen im von Frank Gehry entworfenen Guggenheim Museum in Bilbao, Spanien. Nick Ledger/Getty Images

In der Zwischenzeit haben mehrere führende Künstlerinnen den Surrealismus in den Vereinigten Staaten neu erfunden. Kay Salbei (1898–1963) malte surreale Szenen großer architektonischer Strukturen. Dorothea Gerben (1910–2012) erlangte Anerkennung für fotorealistische Gemälde surrealer Bilder. Französisch-amerikanischer Bildhauer Luise Bourgeois (1911–2010) verarbeitete Archetypen und sexuelle Themen in sehr persönlichen Werken und monumentalen Spinnenskulpturen.

Frida Kahlo. Selbstbildnis als Tehuana (Diego on My Mind), 1943. (Beschnitten) Öl auf Masonit. Sammlung Gelman, Mexiko-Stadt. Roberto Serra - Iguana Press / Getty Images

In Lateinamerika vermischte sich der Surrealismus mit kulturellen Symbolen, Primitivismus und Mythos. Mexikanischer Künstler Frida Kahlo (1907–1954) bestritt, eine Surrealistin zu sein, und erzählte Zeit Magazin habe ich nie Träume gemalt. Ich habe meine eigene Realität gemalt. Dennoch besitzen Kahlos psychologische Selbstporträts die jenseitigen Merkmale der surrealistischen Kunst und der literarischen Bewegung von Magischer Realismus .

Der brasilianische Maler Tarsila do Amaral (1886–1973) war Hebamme eines einzigartigen nationalen Stils, der sich aus biomorphen Formen, verzerrten menschlichen Körpern und kultureller Ikonographie zusammensetzte. Die von Symbolik durchdrungenen Gemälde von Tarsila do Amaral könnten locker als surrealistisch beschrieben werden. Die Träume, die sie ausdrücken, sind jedoch die einer ganzen Nation. Wie Kahlo entwickelte sie einen einzigartigen Stil abseits der europäischen Bewegung.

Obwohl der Surrealismus nicht mehr als formale Bewegung existiert, erforschen zeitgenössische Künstler weiterhin Traumbilder, freie Assoziationen und die Möglichkeiten des Zufalls.

Quellen

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• Grüß dich, Michèle. Verschlingender Surrealismus: Tarsila do Amarals Abaporu. Papers of Surrealism 11 (Frühjahr 2015)
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• Rothenberg, Jerome und Pierre Joris, Hrsg. ' Ein Picasso Sampler: Auszüge aus: ' (PDF) Das Begräbnis des Grafen von Orgaz und andere Gedichte
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• Surrealistische Kunst . Bildungsdossiers des Centre Pompidou. August 2007