Roland Barthes: Eine Philosophie der Fotografie
Haben bestimmte Fotos jemals ein unbeschreibliches Gefühl in Ihnen ausgelöst? Wenn ja, sind Sie nicht allein. Für Roland Barthes konnten die besten Fotografien entstehen Wunde der Betrachter. Aber was genau ist dieser „verletzende“ Mechanismus? Und warum glaubt Barthes, dass es etwas mit dem Tod zu tun hat? In diesem Artikel folgen wir Barthes bis zu den Wurzeln dessen, was Fotografie zu einer eigenständigen Disziplin macht.
Fotografie vor Roland Barthes
Kritiker betrachteten die Fotografie während eines Großteils ihres kurzen Lebens als Werkzeug im Dienste ihres Themas – als Mittel zum Zweck. Die Kritik konzentrierte sich zu diesem Zeitpunkt auf zwei Hauptanalysemodi. Entweder wurde die Fotografie im Hinblick auf das von ihr eingefangene Bild – sei es ein historisches Ereignis, Werbung oder Mode – und seine Relevanz für die Gesellschaft analysiert. Alternativ konzentrierte sich die Kritik auf die technischen Aspekte.
Kritische Diskussionen konzentrierten sich auf historische Strömungen wie den Pictorialismus oder auf Genres wie z Landschaften Und Fotojournalismus . Fotografie wurde daher – anders als Film oder Literatur – nie als Medium oder Selbstzweck verstanden.
In diesem kritischen Kontext veröffentlichte der französische Philosoph Roland Barthes Klarer Raum im Jahr 1980 und beantwortete genau die Frage, die noch nicht richtig gestellt worden war:
Was ist das Wesen der Fotografie?
Mit anderen Worten: Was ist das Element, das alle Fotografien verbindet und das Medium von verwandten Bereichen wie dem Kino unterscheidet?
Was macht ein Foto anders?
Barthes begann seine Forschung damit, herauszufinden, was Fotografie ist nicht – indem wir sehen, wie es sich von verwandten Disziplinen unterscheidet.
Fotografie als mechanischer Prozess
Barthes‘ Untersuchung begann in einem früheren Aufsatz, „Rhetoric of the Image“ (1964), in dem er die entscheidende Beobachtung machte:
„[Ein Foto wird] mechanisch und nicht menschlich aufgenommen.“
Nehmen wir als Beispiel die Malerei. Wenn ein Maler vor einer Obstschale sitzt und beginnt, Farbe auf seine Leinwand aufzutragen, entsteht als letztes Bild ein menschliche Interpretation der Realität. Die Obstschale wird „menschlich“ eingefangen. Der Maler nimmt das Reale und verwandelt es im Akt der Interpretation ins Unwirkliche.
Wenn der Fotograf hingegen den Auslöser betätigt, geschieht der Vorgang rein mechanisch. Es findet keine künstlerische Transformation des Realen ins Unwirkliche statt, da das Foto eine wörtliche Wiedergabe der Realität ist. Natürlich ist es eine Kunst, die Komposition von Objekten richtig zu gestalten, ebenso wie der Bearbeitungsprozess, bei dem Licht und Farbe für einen künstlerischen Effekt verzerrt werden können. Doch auch wenn diese Elemente beeinflusst werden können, bleibt das fotografierte Objekt ein realer, fester Bezugspunkt. Und so bleibt das Foto eine mechanische Kopie der Realität.
In diesem Sinne können wir sagen: Gemälde vertreten , während Fotos gegenwärtig .
Fotografie als Vorkulturelles
Vor diesem Hintergrund machte Barthes (1964) eine weitere Beobachtung:
„Fotografie ist eine Botschaft ohne Code.“
Das mag auf den ersten Blick komplexer erscheinen, aber das Konzept lässt sich aufschlüsseln.
Schauen Sie sich zum Beispiel einen Roman an. In einem Roman ist der Text (die Wortwahl, die Struktur) der „Signifikant“. Und die Objekte, Personen und Ereignisse, die der Text beschreibt, sind das „Signifikat“. Die Art und Weise, wie der Autor die Personen und Ereignisse darstellt (bedeutet). (das Signifikat) in ihrem Roman wird durch ihre eigene Kreativität bestimmt. Mit anderen Worten: Sie können das Signifikat nach Belieben beeinflussen. Daher können wir sagen, dass es in einem Roman eine offene Beziehung zwischen den Signifikanten und dem Signifikat gibt. Und aufgrund dieser offenen Beziehung zwischen Signifikat und Signifikant gibt es Raum für verschiedene Interpretationen.
In der Fotografie ist die Beziehung zwischen Signifikant und Signifikat jedoch anders. Wie wir bereits festgestellt haben, wird ein Foto „mechanisch und nicht menschlich aufgenommen“. Es ist eine exakte Kopie des Originals. Also der Signifikant Ist das Bezeichnete. Mit anderen Worten, dieses Foto eines Apfels bedeutet Das Apfel, der fotografiert wurde. Es stellt nicht dar, sondern präsentiert. Die Kluft zwischen Realem und Unrealem, Objekt und Repräsentation, aus der wir verschiedene Interpretationen ableiten können, existiert in der Fotografie nicht. So wie die Realität des fotografierten Objekts feststeht, so ist auch unsere Interpretation davon festgelegt.
Kann ein Foto interpretiert werden?
Wenn Barthes seine Analyse hier belassen hätte, hätte das eine sehr schädliche Auswirkung auf die Fotografie.
Wenn Fotografie einfach eine brutale Aufzeichnung von ist was ist/was war , dann ist das Bild nichts anderes als ein Spiegel der Realität und hat nichts zu sagen – keine Interpretation abzuleiten. Kultur geht notwendigerweise vor Interpretation. Wenn Fotografien also nichts zu sagen haben, dann sind sie vorkulturelle Artefakte, da die Interpretation kulturell beeinflusst ist.
Daher können wir die Bedeutung von Fotografien nicht mehr so interpretieren, dass dies darin besteht, eine kulturelle Haltung aufzuzwingen und somit ihre eigentliche Natur (d. h. als vorkulturell) misszuverstehen.
Dies ist in der Tat schädlich für die Fotografie als Kunstform. Diese Schlussfolgerung widerspricht jedoch unseren eigenen Erfahrungen mit der Fotografie und der intimen Bedeutung, die wir darin erkennen. Was ist also zu tun?
Roland Barthes bot eine Lösung. Das Fehlen eines Codes, so argumentierte er, werde zum eigentlichen Code der Fotografie. Das heißt, die bezeichnete Bedeutung eines Fotos wird objektiv, da das fotografierte Ding notwendigerweise real ist. Anders als bei einem Gemälde, dessen Landschaft man sich vorstellen kann, muss das Objekt der Fotografie zwangsläufig existieren. Dadurch werden dem Foto Realität und Vergangenheit überlagert, im Gegensatz zu Kino und Literatur.
Dies ist, so Barthes, das einzigartige Element – das etwas , wie er es nennt – der Fotografie: dass sie einfängt 'das war,' und dass das, was es bedeutet, notwendigerweise real ist.
Die Erfahrung des Subjekts
Wenn wir vor einer Kamera posieren, erleben wir uns laut Barthes (1980) auf vier verschiedene Arten. Auf einmal sind wir die Person:
- Wir glauben, dass wir es sind
- Wir möchten, dass andere denken, dass wir es sind
- Der Fotograf glaubt, dass wir es sind
- Der Fotograf nutzt für den Zweck seiner Kunst
Daher neigen wir dazu, uns unecht zu fühlen, wenn wir für ein Foto posieren. Es ist, als ob wir vor der Linse jedes Mal eine kleine Identitätskrise erleben. Wie von Barthes (1980) selbst beschrieben:
„Ich bin weder Subjekt noch Objekt, sondern ein Subjekt, das das Gefühl hat, zum Objekt zu werden: Ich erlebe dann eine Mikroversion des Todes.“
Diese „Mikroversion des Todes“ ist ein Schlüsselkonzept für Barthes. Der Tod ist sowohl für das Motiv als auch für den Betrachter ein grundlegendes Element der Fotografie. Diese Idee wird später weiter analysiert. Wenden wir uns zunächst der Erfahrung des Betrachters zu.
Die Erfahrung des Zuschauers
Bei der Suche nach dem Wesen der Fotografie – dem „Gewesenen“ – konzentrierte sich Barthes auf die Erfahrungen des „Zuschauers“. Der Betrachter ist die Person, die das Foto betrachtet. Für den Betrachter gibt es in einem Foto zwei verschiedene Elemente:
- Der studium;
- Der Punkt
Schauen wir uns nun diese beiden lateinischen Konzepte an.
Das „Studio“
Laut Barthes (1980):
'Der studium ist das sehr weite Feld des unbekümmerten Verlangens, des vielfältigen Interesses, des belanglosen Geschmacks.“
Einfach ausgedrückt, die Erfahrung von studium resultiert aus einem bestimmten kulturellen Wissen, das es uns ermöglicht, Folgendes zu identifizieren:
- Die Absichten des Fotografen;
- Die Implikationen des Fotos.
Meine durch die Kultur vermittelte Bildung ermöglicht es mir, jedes Foto als Beispiel für etwas zu betrachten.
Beispielsweise kann ein Foto, das Armut und Kinderarbeit zeigt, mein breites Interesse an Ungleichheit wecken und die Absicht des Fotografen verdeutlichen – etwa, dass das Wirtschaftssystem einer Veränderung bedarf bzw. bedarf. Das Foto appelliert in diesem Sinne an die studium – es erfordert ein bestimmtes Wissen (das Ergebnis der Kultur) und beruft sich auf dieses Wissen als Beispiel für einen Fall von etwas.
Der studium operiert auf zwei Bedeutungsebenen: der Bezeichneten und der Konnotierten.
Die bezeichnete Bedeutung ist einfach das eigentliche Objekt, das sie einfängt: dieser Apfel, dieser König, der Arme.
Konnotierte Bedeutung hingegen ist das, was das Foto ausmacht impliziert in seiner Symbolik: zum Beispiel, dass die Armen unter einem repressiven Regime leben und Veränderungen brauchen.
Der Punkt'
Der studium ist beabsichtigt. Der Fotograf weiß, dass er durch das Fotografieren einer bestimmten Szene, mit einer bestimmten Zusammensetzung von Personen und Objekten, ihn anspricht studium .
Ein bestimmtes Foto, das die Verletzungen und das Schicksal von Zivilisten im Krieg festhält, dient als Beispiel für die allgemeine Vorstellung von der Brutalität des Krieges – eine kulturelle Vorstellung. Hier ist die bezeichnete und konnotierte Bedeutung offensichtlich.
Im Gegensatz dazu ist das zweite Element eines Fotos zufällig – der Fotograf beabsichtigt nicht, dass es da ist. Laut Barthes ist dies als das bekannt Punkt .
„Punctum“ bezieht sich im Lateinischen auf das, was „sticht“, „schneidet“ oder „wundet“:
„Ein Foto.“ Punkt ist dieser Unfall, der mich sticht (der mich aber auch verletzt, der mich schmerzt).‘
(S. 27)
In Klarer Raum , Beispiele für die Punkt reichen von den ungepflegten Fingernägeln eines Mannes bis zum übergroßen Kragen eines Jungen. Dies sind alles zufällige Ereignisse, die beim Betrachter eine unerwartete Reaktion hervorrufen.
Der Punkt ist nicht offensichtlich, zufällig und ruft beim Betrachter eine tiefere emotionale Reaktion hervor. Es ist somit genau das Element, das uns zu bestimmten Fotografien hinzieht und über die festgelegte und konnotierte Bedeutung hinausgeht.
Im Großen und Ganzen könnten wir sagen, dass die studium appelliert an den Intellekt, während die Punkt appelliert an die Emotionen.
Darüber hinaus ist die Punkt Ist:
„Was ich dem Foto hinzufüge und was ist doch schon da‘ (Barthes, 1980).
Hier liegt ein Paradoxon vor. Der Punkt erfordert den Betrachter, existiert jedoch unabhängig von ihm, da es „bereits da“ ist, um entdeckt zu werden. Identifiziert Barthes also einfach seine persönliche subjektive Erfahrung von Fotografien als ein dazugehörendes Element und nicht als eines, das er in sie einbringt?
Die kurze Antwort ist nein. Barthes speicherte seine problematische Definition von Punkt indem wir argumentieren, dass wir uns auf das Wesen der Fotografie beziehen können – „das-war-gewesen“.
Roland Barthes: Fotografie, Zeit und Tod
Im zweiten Teil von Klarer Raum, Barthes stellt eine neue Variation von vor Punkt , was die Zeit selbst ist:
„Das ist neu Punkt , das nicht mehr von Form, sondern von Intensität ist, ist die Zeit […] ihre reine Darstellung.“
Die Idee der Zeit ist in jedem Foto präsent. Man sagt, dass ein Foto die Zeit einfriert, aber in Wirklichkeit ist es ein Spiegelbild der konstanten, unerbittlichen Natur der Zeit.
Wenn wir ein Foto eines Verwandten betrachten, wissen wir – angesichts des Wesens der Fotografie („das-war-gewesen“) –, dass diese Person unbestreitbar existierte. Doch wenn wir dieses Foto in der Gegenwart betrachten, werden wir daran erinnert, dass diese Person sterben wird oder bereits gestorben ist. Und darüber hinaus erkennen wir, dass diese Gegenwart, in der wir das Foto betrachten, ebenfalls zur Vergangenheit der Zukunft werden wird und dass auch wir sterben werden. Jedes Foto verbindet somit Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft, verkörpert Zeit und deutet an Tod :
„Ob das Motiv bereits tot ist oder nicht, jedes Foto ist diese Katastrophe“
(Barthes, 1980).
Diese Variation von Punkt – als Zeit selbst – transzendiert die subjektive Erfahrung des Betrachters.
Einerseits existiert es unabhängig vom Betrachter: Das fotografierte Subjekt existierte und wird eines Tages sterben. Und andererseits ist es das, was der Betrachter hinzufügt: Er sieht in dieser Schnittstelle von Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft das „mächtige Zeichen [ihres] zukünftigen Todes“ (S. 97).
Und so kam es dass der Punkt ist die Konsequenz des Wesens der Fotografie („das-war-gewesen“) und tatsächlich das, was bereits da ist, zusätzlich zu dem, was der Betrachter mitbringt.
Fazit: Fotos sind verletzend. Ihre zufälligen Details – solche, die außerhalb der beabsichtigten Erzählung liegen – sind die Elemente, die unsere Emotionen einfangen. Und jenseits der Subjektivität unserer Emotionen ist es das verbindende Thema der Zeit und die damit verbundene Bedeutung des Todes, das uns wirklich verletzt. Wenn Sie sich also das nächste Mal in einem Foto verlieren, denken Sie an Barthes zurück. studium , Und Punkt , um dieses unbeschreibliche Gefühl besser zu verstehen.