Künstlerhäuser: Kreativräume und Ateliers berühmter Maler

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Claude Monet in Giverny , 1920 (links), Porträt von Frida Kahlo , Florenz Arquin , 1948, Archives of American Art (Mitte), und Georgia O’Keeffe , 1968, National Portrait Gallery, Smithsonian Institution (rechts)





Das Umfeld eines Künstlers kann schließlich mit seiner Arbeit und seinem Vermächtnis verflochten werden. Claude Monet wird wie Frida Kahlo mit Giverny in Frankreich in Verbindung gebracht Coyoacán, Mexiko. Die Betrachtung dieser Künstler durch die Linse ihrer Umgebung kann zu neuen Einblicken in ihre künstlerischen Techniken, Prozesse und Überzeugungen führen. Lassen Sie uns den Vorhang aufziehen und einen Blick in die Häuser und Ateliers der einflussreichsten Maler der Geschichte werfen.

Die New Mexican Homes and Art Studio von Georgia O’Keeffe

Georgia oder Keeffe Studio

O’Keeffe öffnet die Vorhänge ihres Ateliers von Tony Vaccaro , 1960, Georgia O’Keeffe Museum



Die breiten Fenster im Kunstatelier von Georgia O’Keeffe Blicken Sie auf die weitläufigen Landschaften von New Mexico. Es war diese Landschaft, die O’Keeffe zuerst faszinierte und schließlich für den Rest ihres Lebens und ihrer Karriere ihr Zuhause werden sollte. Ihre Verbindung zum Land gab ihr ein neues Gefühl der Unabhängigkeit. Es gab ihr die Möglichkeit, einen Raum zu schaffen, der unverwechselbar ihr eigener war.

Ghost Ranch: Die wilde Kulisse von O’Keeffes Südwesten

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Geisterranch, Terrasse von Todd Webb , 1955–1981, Georgia O’Keeffe Museum



Es gibt zwei Orte in New Mexico, die Georgia O’Keeffe als ihr Zuhause/Studio nutzte. Ghost Ranch, oder Rancho de los Burros, war eine Ferienranch, auf der Leute Zimmer mieten und auf dem Land arbeiten konnten. O’Keeffe blieb während der Sommer und kehrte nach New York zurück, um ihren Ehemann Alfred Stieglitz bis zu seinem Tod zu besuchen.

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Mein Vorgarten, Sommer von Georgia O’Keeffe , 1941, Georgia O’Keeffe Museum

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Die Ranch liegt zwischen den schroffen Schichten einer Mesa und dem flachen Wüstenland. Die Mesa ist mit rostfarbenem Sandstein und Sedimenten überzogen, die von Purpur-, Blau- und Gelbtönen reichen. Eine Wüste ist mit grünen Sträuchern und Bäumen übersät, die die Landschaft prägen. Obwohl das Land atemberaubend ist, war die Ghost Ranch schwierig zu verwalten. Es war isoliert, hatte kein Telefon und ein schlechtes Bewässerungssystem. Die Suche nach einem bebaubaren und dennoch schönen Zuhause führte O’Keeffe zu ihrem zweiten Zuhause.

Abiquiú Homestead: Wo Natur auf Architektur trifft

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Abiquiu House, Vigas und Studio Door von Georgia O’Keeffe von Georgia O’Keeffe , 1964, Georgia O’Keeffe Museum



Die anstrengende Aufgabe, die Ghost Ranch zu leiten, veranlasste O’Keeffe, das Abiquiú-Haus zu entdecken. Es war in einem schlechten Zustand und zunächst unbewohnbar, doch O’Keeffe wusste, dass sie es haben musste. Als sie das Anwesen besuchte, zog sie seine rätselhafte Präsenz an. Die Renovierungsarbeiten umfassten die Einbeziehung der Architektur, die in der Region von indianischen und spanischen Einflüssen bekannt ist. Vigas aus Zedernholz säumen die Decken, und die Lehmziegel stammen aus O’Keeffes eigenem Land.

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Innenraum von Georgia O’Keeffes Haus und Studio von Jack Boucher , Nationalparkdienst



Diese Themen zogen sich auch durch das Innere ihres Hauses. O’Keeffe hatte Oberlichter, Panoramafenster und offene Türen, um natürliches Licht in ihr Haus zu lassen. Ihre Möbel sind mit eleganten, schmucklosen Lehmwänden und minimaler Dekoration abgestimmt. Das Abiquiú-Haus schafft eine beruhigende Präsenz im Vergleich zu der wilden Tierwelt vor ihrer Tür. Es fügt sich harmonisch in die wilde und rustikale Landschaft des amerikanischen Südwestens ein.

Die neue mexikanische Landschaft: Wo Kunst das Leben widerspiegelt

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Georgia O’Keeffes Abiquiu House, Patio von Georgia O’Keeffe , 1964 (links) und Tür durch Fenster von Georgia O’Keeffe , 1956,Georgia O’Keeffe Museum (rechts)



Das umgebende Land der Wüste inspirierte O’Keeffes Gemälde in ihrer Karriere stark. Ihre Häuser, besonders in Abiquiú, sind geometrisch linear mit ihren Vigas, glatten Lehmwänden und Wegen. Die offenen Türen und Fenster lassen natürliches Licht herein und erzeugen verschiedene Formen, Linien und Töne. Diese linearen Gemälde erinnern an ihre Bilder der eleganten modernen Wolkenkratzer von New York. Der Unterschied in New Mexico ist die Verwendung natürlicher Erdtöne, die sie jeden Tag vor ihrem Fenster sah.

Während New Mexico derzeit immer noch Künstler anzieht, ist es zum Synonym für Georgia O’Keeffe geworden. Es sind ihre Darstellungen der majestätischen Mesas und weitläufigen Landschaften, die ihre Arbeit weiterhin mystifizieren und Diskussionen über ihre Arbeit auslösen.



Jackson Pollock und Lee Krasners East Hampton Art Studio

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Jackson Pollock und Lee Krasner auf einem Feld von Wilfrid Zogbaum , 1949, Archive of American Art, Smithsonian Institution

Die Skyline von New York City wurde für die friedlichen Täler und Bäche von East Hampton übergangen Jackson Pollock und Lee Krasner . Pollock, der an Depressionen und Alkoholismus litt, zog es vor, auf dem Land zu leben, abseits der anspruchsvollen Stadt. Das umliegende Land war mit Grasland und Sümpfen mit einer Vielzahl von Wildtieren und Blumen gefüllt. Sie wählten ein Haus, das einst einem Fischer gehörte, und bauten das Haus und die Scheune für ihr Kunstatelier um. Die Landschaft bot nicht nur mehr räumliche Freiheit, sondern auch die Möglichkeit für beide Künstler, ihre kreativen Ambitionen zu erweitern.

The Art Studio: Pollocks Prozess und Zubehör

Jackson Pollock Dripping Studio

Jackson Pollock von Hans Namut, 1950, National Portrait Gallery, Smithsonian Institution

Die Scheune bot Pollock im Vergleich zu New York mehr Platz für seine großformatigen Gemälde. Ein Beispiel dafür ist, als Peggy Guggenheim Pollock für ein Wandbild beauftragte. Berichten zufolge hat er eine Wand in seiner Wohnung eingerissen, um das großformatige Gemälde unterzubringen. Der neu gewonnene Platz ermöglichte es ihm, die Leinwand auf den Boden zu legen und sich um das Bild herum zu bewegen. Dieses Kunststudio war der Raum, in dem Pollock seine Maltechnik für Fotografen präsentierte Hans Namut wie oben gezeigt.

Jackson Pollock Studiofarbe

Jackson Pollock in seinem Studio von Rudy Burckhardt , 1950, Archive of American Art, Smithsonian Institution

Der Raum würde mit den verschiedenen Vorräten gefüllt sein, die er benutzte. Es gibt Farbdosen, dicke Pinsel, Lappen und andere Vorräte, wie auf dem Foto oben zu sehen ist. Die Haus- oder Emailfarben, die er verwendete, waren sehr flüssig und spritzten auf den Boden unter ihm. Noch heute sind Farbflecken auf dem Parkettboden zu sehen. Pollock benutzte zum Malen unkonventionelle Materialien wie Stöcke, alte Pinsel oder Putenspritzer. Er benutzte beim Malen auch Steine, Glas, Schnur oder Sand.

Der Einfluss der Landschaft von East Hampton

Jackson Pollock Long Island

Jackson Pollock, Long Island von Martha Holmes , 1949, Life-Magazin

Es wurde diskutiert, wie sehr die Natur Pollocks Arbeit oder Prozesse inspirierte. Viele der Serien, die Pollock schuf, während er in East Hampton lebte, haben jedoch Titel, die von der Natur inspiriert sind. Er vollendete Werke wie z Herbstlicher Rhythmus (Nummer 30) und Lavendelnebel (Nummer #). Zu seinen Serientiteln gehören Geräusche im Gras und die Accabonac-Bach Serie, die nach dem Bach benannt wurde, der hinter seinem Haus verlief.

Farbrhythmus Lee Krasner

Die Jahreszeiten von Lee Krasner , 1957, Whitney Museum of American Art, New York

Im Vergleich zu Pollock ist bekannter, dass Krasner die Natur als Inspirationsquelle nutzte. Lee Krasners Die Jahreszeiten war ein Gemälde, das sie nach Pollocks Tod schuf. Krasner nutzte das Scheunen-Kunststudio nach Pollocks Tod, aber heftete die Leinwand eher an die Wand als auf den Boden. Die gestischen Pinselstriche und organischen Figuren führen zu der Vorstellung des Wechsels der Jahreszeiten, die sie miterlebt hätte. Sie vollendete Werke wie z Wolfsmilch , Vogelgespräch , oder Rechter Vogel links die von der Natur inspirierte Bilder oder Titel haben.

Sowohl Pollock als auch Krasner schufen einige ihrer denkwürdigsten Gemälde in East Hampton. Die Landschaft hat auch Künstler wie z Willem de Kooning , Roy Lichtenstein , und Markus Rothko . Aufgrund seiner Verbindung zum komplexen Leben von Jackson Pollock ist es auch heute noch ein Anziehungspunkt für Besucher.

Frida Kahlos Blaues Haus

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Porträt von Kahlo, die draußen auf der Terrasse des Blauen Hauses sitzt, ihrem Zuhause in Coyoacán, Mexiko von Florence Arquin, 195-?, Archive of American Art, Smithsonian Institution

Azul de añil ist die leuchtende Kobaltfarbe, die traditionell verwendet wird, um böse Geister abzuwehren und ihre Bewohner zu schützen. Das deckt Frida Kahlos Casa Azul, ein Paradies, das sie geschaffen hat. Seine farbenfrohen Wände beherbergen einen üppigen tropischen Garten in seiner Mitte. Das Haus ist mit Gegenständen, Pflanzen, Tieren und Kunstwerken gefüllt, die Frida gesammelt hat. Diese Objekte und ihr Zuhause sind Darstellungen ihres Erbes und der Liebe zu ihrer Heimat Mexiko.

Das Schlafzimmer: Ein Porträt der Realität

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Frieda Kahlo in ihrem Schlafzimmer von Bernard G. Silberstein , 1940, Detroit Institute of Arts

Fridas Schlafzimmer war ein Ort, an dem sie große Teile ihres Lebens verbrachte. Sie erkrankte als Kind an Kinderlähmung und erlitt mehrere Verletzungen, als sie als junge Frau bei einem Busunfall verletzt wurde. Fridas Vater und Mutter gaben ihr Malutensilien und eine spezielle Staffelei fürs Bett, wo sie ihre Kunst studierte und ausübte. Über ihrem Bett war ein Spiegel, den sie benutzte, um ihre Selbstporträts zu malen.

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Der Traum (Das Bett) von Frida Kahlo , 1940,Privatsammlung

Gegen Ende ihres Lebens wurde sie erneut ans Bett gefesselt. Diese Zeiten der Isolation veranlassten Kahlo, Bilder der Dinge zu malen, die sie umgaben. Dazu gehören ihre Familie, Gegenstände in ihrem eigenen Schlafzimmer und natürlich sie selbst. Im wirklichen Leben ruhte eine Judas-Skelettfigur über Kahlos Bett und erscheint auf dem Gemälde Der Traum . Es wurde nicht nur als Erinnerung an den Tod verwendet, sondern auch als Symbol für die sich ständig ändernden Zyklen des Lebens.

Die Sammlungen von Diego und Frida

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Frieda Kahlo in Diego Riveras Wohnzimmer mit Judasfigur von Bernard G. Silberstein , 1940, Detroit Institute of Arts

Frida und ihr Mann, Diego Rivera , gesammelte Artefakte und Volkskunst Mexikos. Dazu gehören kleine Figuren, Spielzeug, Altarbilder (kleine Altarbilder), Tonfiguren aus Metepec und Judasfiguren (oder Festfiguren) aus Pappmaché. Diese Figuren und ihre Platzierung im Haus repräsentieren alle ihre Leidenschaft, Stolz auf indigene Kunst und Kultur zu etablieren. Die Sammlung dieser Objekte spiegelt Mexikaner , oder der stolze Akt, ihre Vorfahren und ihr Erbe zu feiern. Diese Objekte stellten auch eine Verbindung für Frida und die Außenwelt her.

Der Garten: Wiedergeburt eines Hauses

das pyramidenmuseum frida kahlo

Die Pyramide von Miguel Tovar, Frida-Kahlo-Museum

Als Casa Azul Eigentum von Frida und Diego wurde, wurde es komplett umgestaltet, einschließlich des Gartens. Auch Frida sammelte Pflanzen und baute sie in den Innenhof der Casa Azul ein. Ein herausragendes Objekt ist die Pyramide im Garten. Dies ist eines der wenigen Stücke, die Diegos Präsenz im Haus deutlich darstellen. Die Pyramide basiert auf der Pyramide von Teotihuacan und wird verwendet, um vorspanische Artefakte auszustellen. Andere Pflanzen im Garten sind Ringelblumen, Kakteen, Blattpalmen und andere tropische Pflanzen, die in Mexiko und Mittel-/Südamerika beheimatet sind.

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Stillleben: Pitahayas von Frida Kahlo , 1938, Madison Museum für Zeitgenössische Kunst

Pflanzen, Blumen und Früchte/Vegetation waren konstante Bilder, die in Kahlos Gemälden zu sehen waren. Sie wurden für Stillleben, den Hintergrund ihrer Selbstporträts oder als Mensch-Pflanze-Hybride verwendet. Ihre Bilder von Pflanzen, die aus Menschen wachsen oder umgekehrt, zeigen die verflochtene Beziehung zwischen Leben und Tod. Sie bezieht sich immer wieder auf dieses Thema in einer Vielzahl ihrer Gemälde, wie dem oben gezeigten Gemälde.

Fridas Gemälde und Objektsammlungen sind Beispiele ihrer Liebe zur indigenen und modernen mexikanischen Kultur. Es ist dieser Wunsch, sich mit ihren Verbindungen zu Mexiko zu verbinden, die Casa Azul ausmachen. Hier begann ihr Leben und ihre Karriere und hier blüht ihr Vermächtnis bis heute auf.

Das Charleston-Haus von Vanessa Bell und Duncan Grant

Duncan-Zuschuss

Duncan Grant von Godfrey Argent , 1968, National Portrait Gallery, London (links), und Vanessa Glocke von Duncan Grant , 1917, National Portrait Gallery, London (rechts)

Das Bloomsbury-Gruppe wurde auf einem kollektiven Ideal gegründet, die gesellschaftlichen Zwänge abzulehnen, die von ihren Eltern aus der viktorianischen Ära eingeführt wurden. Die Kunst dieser Mitglieder wird nicht besser veranschaulicht als das Charleston Home in Sussex, England. Keine Wand, kein Bettrahmen, kein Kamin oder keine Badewanne blieb im Haus ungestrichen. Zwei Mitglieder, die im Haus lebten und malten, waren Vanessa Glocke und Duncan Grant . Ihr Zuhause ist eine buchstäbliche Manifestation ihrer Designideen sowie ein Ausdruck ihrer Ansichten über ihre Lebensweise. Das Haus ist ein Zufluchtsort, der von den Zwängen der traditionellen Gesellschaft, die sie ablehnten, getrennt wurde.

Bemalte Oberflächen und Dekor von Charleston

gemaltes Zimmer mit Glocke

Bemalte Tür in Clive Bell Study , Der Charleston Trust (links) und Das Gartenzimmer, Charleston Trust (rechts), East Sussex, England

Es ist der Traum von Kindern, ungestraft an die Wände ihres Zuhauses zu malen. Dieser Traum wird von der Bloomsbury-Gruppe verwirklicht, weil sie keine Angst davor hatte, künstlerische Freiheiten zu entdecken. Der künstlerische Stil von Bell und Grant zeigt sich in der Dekoration des Hauses. Räume und Objekte im Haus sind mit einfachen Formen, kräftigen Farben und ausdrucksstarken Pinselstrichen dekoriert. Die Themen reichten von Stillleben mit Früchten, Blumen oder der menschlichen Gestalt. Stühle, Teppiche, Sofas, Kissen und Lampen wurden sogar von Bell und Grant entworfen, die dann von der hergestellt wurden Omega-Workshops .

Studiokamin von Duncan Grant

Duncan Grant Studio, Kamin, Charleston Trust, East Sussex, England

Bell und Grant verwendeten Muster aus Paisley- oder Karomustern und Kombinationen aus Kreisen, Streifen und Punkten, um einen Rhythmus zwischen verschiedenen Teilen des Hauses zu schaffen. Ihre Verwendung von Farben reicht von Senfgelb, hellem Himmelblau, sattem Rostorange oder hellem Minzgrün. Obwohl im Haus eine Vielzahl von Farben verwendet wird, schaffen sie es alle, in Einheit zusammenzufallen. Dies liegt an ihrem konsequenten Ausdrucksstil und zeugt von ihrer meisterhaften Anwendung der Farbtheorie.

Ein bezaubernder Garten: Voller Meetings und Blumen

Duncan Grant Angelica Garnett

Duncan Grant und Angelica Garnett im Garten von Charleston , Charleston Trust, East Sussex, England (links) und Aronstab-Lilien von Vanessa Bell , 1919, The Courtauld Institute of Art (rechts)

Die englische Landschaft von Sussex mit Bäumen und Obstgärten zog Vanessa Bell auf das Grundstück. Schließlich füllte Bell die Gärten mit Blumen, die zu einer Inspirationsquelle für ihre Gemälde wurden. Der Garten ist der Ort, an dem Treffen zwischen Bloomsbury-Mitgliedern stattfinden würden. Die Anlage des Gartens ähnelt der von Monets Giverny oder Fridas Garten in der Casa Azul. Es war eine Quelle der künstlerischen Inspiration, aber auch eine Atempause. Der Garten beeinflusste Bells Malerei Aronstab-Lilien , das ein Stillleben mit Gegenständen zeigt, die denen ähneln, die in ihrem Haus in Charleston gefunden wurden.

Das Haus und der Garten von Charleston sind eine Ansammlung von Menschen, die zusammenkommen, um etwas zu schaffen, das für sie einzigartig identifizierbar ist. Aufgrund des ständigen Kommens und Gehens von Menschen und der sich ständig ändernden Einrichtung ist das Haus in Charleston letztendlich immer noch ein Zuhause, das von vielen geteilt wird.

Claude Monets Gärten: Ein Kunstatelier im Freien

Claude Monet Haus Giverny

Claude Monet vor seinem Haus in Giverny , 1921, Musée d’Orsay, Paris

Nachdem er während seiner künstlerischen Karriere von Ort zu Ort gezogen war, wurde es Giverny Claude Monets endgültiges Zuhause. Es gibt Kletterrosen und Reben, die die Vorderseite des Giverny-Hauses verschlingen. Die hellgrünen Türen kontrastieren mit den lebhaften Rottönen der Rosenbeete an der Spitze. Die Fassade seines Hauses ist nur der Anfang von Monets Fähigkeit, ein Meisterwerk aus Land und Garten zu schaffen. Giverny wurde zur Inspirationsquelle für einige seiner bekanntesten Werke, die die Betrachter noch heute faszinieren.

Die Blumengärten von Giverny

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Claude Monet in Giverny , 1908, Kunstmuseum Denver

Monet achtete besonders darauf, welche Arten von Blumen er pflanzte und wo er sie pflanzte. Er arrangierte seine Blumen, indem er seltene Arten farblich mit den häufigsten Blumen mischte, darunter Rosen, Tulpen, Gänseblümchen, Sonnenblumen oder Fingerhut. Seine Gärten durften üppig wachsen, mit Bäumen, die seine Blumenbeete drapierten, und Kletterrosen, die sich entlang der Wände seines Hauses ausbreiteten. Monet behandelte seinen Garten, als würde er ein Gemälde schaffen. Farbe steht über allem und die Kombinationen dieser Farben würden so akribisch wie möglich geplant seine impressionistischen Gemälde .

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Der Garten des Künstlers in Giverny von Claude Monet , 1900, Musée d’Orsay, Paris

Monets Gärten vermitteln das Gefühl, den Betrachter in seine Welt einzutauchen, genau wie seine Gemälde. Ähnlich wie bei den verschwommenen Pinselstrichen seiner Gemälde ist nicht zu erkennen, wo das Haus endet und der Garten beginnt, wodurch beide zu einem verschmelzen. Ein Beispiel ist das Gemälde Der Garten des Künstlers in Giverny . Die leuchtend violetten Blumen in diesem Gemälde stehen im Fokus vor dem verschwommenen grünen Hintergrund seines Hauses und seiner Bäume. Sogar in diesem Gemälde kann der Betrachter die gezielte Platzierung seiner Blumenbeete erkennen, um unterschiedliche Formen und Farben innerhalb des Gemäldes zu erzeugen.

Die japanische Brücke und der Seerosenteich

Blumenbrücke monet

Unbetiteltes Foto, Durand-Ruel-Archiv, Album-Nr. III , Metropolitanmuseum der Kunst, New York

Monet ließ die Brücke im japanischen Stil bauen, die von Glyzinien, Bambus, Schwertlilien und einem Seerosenteich darunter umgeben war. Das Erstellen seiner eigenen Szenen in den Gärten ermöglichte es ihm, einen konstanten Raum zu haben, in dem er sich auf eine bestimmte Szene konzentrieren und sie studieren konnte. Monets Gemälde des Teichs konzentrierten sich eher auf die Reflexionen des Wassers als auf die physischen Objekte selbst. Die Idee der Reflexionen und Immersionen veranlasste Monet, mehrere Darstellungen dieser einen Szene zu erstellen.

japanische Fußgängerbrücke monet

Die japanische Fußgängerbrücke von Claude Monet , 1920-22, MoMA

Eine dieser Interpretationen der japanischen Brücke ist im obigen Gemälde zu sehen. In den 1920er Jahren änderte sich in Giverny Monets Farbgebrauch und Farbauftrag. Seine Farben wandelten sich von beruhigenden Grün- und Blautönen zu energischen Rot- und Gelbtönen. Seine Pinselstriche waren weniger kontrolliert und Linien wurden frei auf der Leinwand platziert. Dies könnte an Monets alternder Sehkraft liegen, aber dennoch gibt es eine sichtbare Veränderung in diesem Werk im Vergleich zu seinen früheren.

The Art Studio: Die Entstehung von Monets Seerosenserie

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Claude Monet in seinem Atelier in Giverny von Henri Manuel, 1920

Monet ist dafür bekannt, seine Gemälde in den USA zu schaffen draußen Stil. Er wanderte durch die Landschaft Frankreichs oder schwebte auf einem Bootsatelier die Seine hinunter, um seine Freilichtbilder zu malen. Für seine großformatigen Tafelbilder seiner Seerosen musste er jedoch in ein Atelier umziehen. Monet war in seinen Sechzigern, als er mit der Serie begann, und sie gehören zu den größten, an denen er je gearbeitet hat.

Giverny wuchs im Laufe der Jahre und Monet mit ihm. Er erweiterte ständig die bestehenden Gärten und Obstplantagen, was es ihm ermöglichte, nie weit von zu Hause weg zu reisen. Seine Inspiration war immer nur einen Schritt entfernt und führte zur Entstehung seiner berühmtesten Werke.